Mortajas

Dramaturgia y Dirección de Agustín Soler.

Viernes 20 30 hs en La Carpintería ( Jean Jaurés 858 )

El teatro muchas veces nos sorprende gratamente, con propuestas que nos invitan a viajar por lugares llenos de magia y poesía y esto precisamente es lo que ocurre con Mortajas, una obra mínima en apariencia, pero bella y profunda al mismo tiempo, sabiendo el camino a seguir, para llegar al corazón del espectador.

El argumento es simple, en un muelle de un pueblito perdido, se encuentran dos desconocidos, por un lado Ranco ( Pablo Algañaraz ) un hombre de mediana edad y de aspecto descuidado, conocedor de esos lugares, ya que vivió toda su vida allí. Su compañero fortuito es Beto ( Carmen Tagle ), un adolescente muy formal, que vive en la ciudad y por primera vez se encuentra allí, en ese muelle solitario, en una ciudad en la que nunca había estado, sin que por el momento conozcamos los motivos.

El encuentro será una experiencia muy rica, Ranco es un hombre misterioso, solitario, una especie de filósofo, coleccionista de lágrimas, al que le gusta jugar con el lenguaje. Beto, es un muchacho tímido y formal, que al principio, lo mira con desconfianza, con cierto recelo, pero que poco a poco se empezará a sentir atraído por los relatos de aquel lugareño, que parece tener muchas historias, para compartir.

A medida que los minutos pasan, la comunicación entre estos dos extraños, que a primera impresión, parecen no tener nada en común, empieza a ser fluida. Ambos reconocen en el otro, un aire de tristeza y desolación que comparten. Se nota que están atravesados por el dolor y el mismo los conecta, la pena parece atenuarse con la compañía del otro. Y hasta allí vamos a contar, el resto deberá ser descubierto por el espectador, ya que el texto de manera inteligente, empieza dando pocas pistas al comienzo y de a poco, irá desanudando una historia que atrapa y que tendrá un desenlace, cargado de emotividad.

Mortajas, es la opera prima de Agustín Soler como dramaturgo y su debut es realmente auspicioso, ya que logra plasmar una trama bien elaborada, donde el humor y el clown estarán siempre presentes, abriendo el camino para la llegada de las emociones. Y como siempre decimos, muchas veces un autor puede imaginar mucho, pero para poder transmitir su mensaje, es necesario encontrar a los intérpretes justos, algo que aquí sin dudas, consiguió con Pablo Algañaraz y Carmen Tagle.

Las composiciones de la dupla protagónica, son superlativas. Es muy logrado, el contrapunto entre ambos personajes, jugando con las diferencias generacionales. Pablo Algañaraz aporta misterio a la trama, meláncolico, mañoso y dueño de muchos secretos, será quien irá rompiendo el hielo en aquel encuentro. Muy buena su actuación. Por su lado Carmen Tagle, realiza un trabajo formidable, componiendo a Beto o Daniel ( ya descubrirá el espectador porque los dos nombres ), dando vida a un personaje muy divertido, al que le saca mucho jugo, al incorporarle su faceta clownesca. Haciendo reir ya con su manera de hablar, Carmen nos regala una actuación encantadora.

La puesta es íntima, minimalista, con un bello diseño escenográfico de Pía Drugueri, con un muelle de madera y esos juncos que nos llevan al ambiente natural que pide la obra. En la misma sintonía, está el destacado diseño lumínico de Lucas Orchesi y mención especial para la música original de Santiago Blomberg, que nos regala momentos de gran goce. Esta puesta, es una excelente demostración, de como muchas veces, con creatividad y buenas ideas, pueden suplirse la falta de recursos económicos, una constante en el teatro independiente.

No queda mucho más para contar, disfrutamos mucho de Mortajas y por eso la recomendamos, ya que estamos en presencia de una entrañable obra del off, que con un texto bello y con mucha poesía, nos hablará del amor, de la soledad y de la muerte, en definitiva de la vida misma, haciéndolo con humor y usando muchos recursos del clown.

Mortajas, se estrenó a fines del año pasado y este año volvió agotando localidades en cada función, en la que se presentó en La Carpintería. Esperando que este año, la obra tenga el recorrido que merece, ya que es una hermosa y fresca propuesta del teatro independiente, con un texto que conmueve, actuaciones magníficas y una puesta poética, todos ingredientes que se unirán, para regalarnos una emocionante noche de teatro.




Pensador Teatral.

Yira Yira

Dramaturgia y Dirección de Bruno Isakovic y Natasa Rajkovic.

Martes 21 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Nuestro prolífico teatro independiente, nunca pierde la capacidad de sorprendernos y en este caso más que nunca, podemos respaldar esta afirmación, ya que estamos en presencia de una propuesta muy original, que se presentó por primera vez en Argentina el año pasado como parte del Festival Perforaciones, que se realizó en diferentes teatros porteños.

Este festival artístico, uno de los más innovadores de Europa, nació en Croacia en el 2009 y desde ese momento se presenta una vez al año en diferentes grandes ciudades culturales del mundo. El creador de este festival, es el croata Zvonimir Dobrovic, apareciendo luegos sus compatriotas Bruno Isakovic y  Natasa Rajkovic, los creadores y directores de Yira Yira, pieza que luego de su presentación en Buenos Aires, iniciará extensa una gira por diferentes capitales europeas.

La pieza aborda el tema de la prostitución desde un ángulo muy particular, ya que los cuatro protagonistas que presenta la obra, son trabajadores sexuales verdaderos, que aceptan subir al escenario, para contar algunas de sus experiencias personales, la relación que tienen con su cuerpo, su contacto con la calle, la infancia, el amor, la relación con los clientes y muchas otras cuestiones, que contadas en primera persona, tienen una mayor llegada al público.

Uno de los grandes desafíos de los directores, fue superar la barrera del idioma y hacer el casting, para encontrar en nuestro país, cuatro trabajadores sexuales, que por un lado tuvieran una historia de vida para contar que fuera interesante desde lo teatral y tal vez más importante que ello, que tuvieran la valentía de exponerse en público, mostrando su verdadero rostro y desnudando alguna de sus intimidades, ante un público, que bien podría juzgarlos.

Los elegidos fueron Juan Ejemplo, Leandra Atenea, Pichón Reyna y Sofía Tramaszaygues y podemos decir que la elección fue muy acertada, ya que todos se muestran muy desenvueltos en escena, absolutamente entregados a la propuesta y si no hubiéramos tenido el dato de antemano, hubiéramos pensando que eran actores y nunca verdaderos trabajadores y trabajadoras sexuales.

Cada uno de ellos, tendrá su monólogo donde contarán algún aspecto de su vida o de su personalidad, en otro momentos interactuarán, para contar anécdotas y hay otras sorpresas, que preferimos no adelantar. Todos tienen su momento de lucimiento y saben como desplegar un aire seductor y sensual que inquieta al espectador. Una de las características que tiene el espectáculo, es el manejo de los silencios, en algún momento creemos se exagera en la duración de los mismos, pero la intención de los autores, es clara, incomodar al espectador, perturbarlo, hacer que sienta la mirada penetrante de los protagonistas, que parecen decirles, nosotros nos podemos dedicar a esto, porque existen los clientes y es más, tal vez alguno de ustedes haya recurrido a nuestros servicios aunque ahora lo niegue, eso explica algunas risas nerviosas entre los presentes.

La puesta es íntima y por momentos perturbadora, como dijimos antes, la sociedad en general se horroriza con la prostitución y demoniza a quienes se dedican a la actividad, hay un doble moral indudable y claramente en algunas casos, personas que se jactan de tener una conducta familiar intachable, tienen una verdad paralela e inconfesable.

Yira Yira, sin dudas es una pieza diferente, cruda y valiente, que se anima a exponer un submundo más grande de lo que se quiere reconocer y lo hace de la mano de cuatro protagonistas, que cuentan la historia en primera persona, algo para nada habitual, ni fácil de conseguir. Por eso, si además de ser testigo de esta interesante propuesta, está dispuesto a ser interpelado y a soportar alguna mirada inquisidora, le aconsejamos se apure a ir a El Extranjero, antes que la obra siga yirando y yirando por el mundo.



Pensador Teatral.

Flashes

Dramaturgia y Dirección de Patricio Abadi.

Viernes 20 30 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Una original y atractiva propuesta es la que nos ofrece Flashes. Ya al ingresar a la sala, en búsqueda de nuestra ubicación, recibimos una señal, que nos indica que no viveremos una noche más de teatro, ya que en la entrada, nos reciben los protagonistas de la obra de manera cordial y nos invitan una copa de vino y unos nachos. Además nos reparten unos anteojos 3D, si los mismos que se usan para ver una película en tres dimensiones.

No tenemos dudas que la noche será especial, más cuando al arranque de la función nos invitan a colocarnos los anteojos y el escenario se transforma en una especial de discoteca, donde Pato ( Patricio Abadi ) y Natacha ( Caro Babich ) darán rienda suelta al baile, mientras las luces de neón invaden la escena. Pero no se confunda el espectador, la obra no es un musical y los anteojos no se usarán de manera permanente, sin dudas que la idea era sacudir al espectador en ese arranque y dejarle bien claro, que vivirán una noche de teatro, llena de sorpresas.

Flashes es una de esas obras, que cuentan con el encanto particular, de sorprender a cada momento, con una estética muy cuidada y ofreciendo de a poco las piezas de un rompecabezas, que el espectador deberá ir ordenando, para poder armar una historia familiar, que atrapa e intriga desde el arranque.

El texto escrito por el propio Patricio Abadi, que además de ser un talentoso actor, es un sensible dramaturgo, tiene partes inspiradas en su propia vida, recorriendo de manera muy inteligente los límites entre ficción y realidad, creando una atmósfera particular en la sala, ya que el espectador sabe que parte de lo que le están contando no es real, pero percibe que hay otra parte que si lo es. La pregunta aparece de inmediato. Acaso es importante la verdad en la ficción teatral ?? O en el marco de la teatralidad se puede exagerar o hasta mentir. La dramaturgia con habilidad nos introduce en ese debate, que suena muy interesante, pero lo realiza con una trama que tiene humor, música y poesía.

No vamos a contar mucho más del argumento, porque como dijimos al comienzo, en Flashes la historia se descubre de poco y deja espacio para la imaginación. Solo diremos que Pato y Natasha se enteraron hace poco que son medio hermanos, las circunstancias no son las mejores, ya que se encuentran en Buenos Aires, por la muerte del padre. Descubren que ambos son actores, ella actriz en España y él trata de ganarse un lugar como artista aquí. El dolor de la pérdida los invade y los une a la vez. Se descubren parecidos, cercanos y familiares. Pero a la vez se atraen ... Hay algo prohibido en aquel encuentro, en esas miradas, en ese juego de seducción, disfrazado de familiaridad. Sería una locura pensar en el amor entre medio hermanos o en estos tiempo modernos a lo mejor no lo sería tanto ... Pero hasta aquí llegamos, cumplimos nuestra palabra y no contamos más.

El texto se apoya de forma permanentemente en el humor y lo hace realmente bien, si bien hay algún  momento dramático, la risa siempre estará presente, con momentos desopilantes y bizarros, pero siempre logrados. Dicho todo esto, resaltemos que la obra fluye con naturalidad, apoyado en las magníficas actuaciones de la dupla protagónica.

Patricio Abadi, es un gran exponente del teatro, con una presencia escénica indudable, pelos al viento y un carisma que lo acompaña en cada acción, resultando cercano para el espectador. El año pasado lo elogiamos mucho, en Bonus Track, unipersonal en el que cuenta la trágica historia de Herbert Vianna, el lider de Os Paralamas do Succeso. Aquí en un papel diametralmente opuesto, estará acompañado y narrará la historia de Pato, siendo por momentos el mismo y por momentos una criatura de la ficción. Estupendo lo de Patricio.

Caro Babich, será Natacha, su media hermana aquí y cumple un gran trabajo. Es la primera vez que vemos a Caro en escena y nos sorprendió por su frescura y su rica gestualidad. Con una belleza imponente y una sonrisa pintada, compondrá a una Natacha sensible y seductora, que se tornará irresistible hasta para su medio hermano. Magnífico lo de Caro.

Trabajos individuales superlativos, que se potencian en el conjunto, ya que los protagonistas además de divertirse en escena, muestran mucha química juntos, algo muy valorado en cualquier obra, que adquiere fundamental importancia en Flashes, ya que le otorga al texto una credibilidad , que por momentos resulta inquietante.

La puesta es dinámica y muy entretenida, el espectador siempre estará con incertidumbre, tratando de descubrir, para donde irá la trama. Destacamos el diseño audivisual y 3D de Damián Ledesma Becerra, con esa pantalla de fondo, donde se proyectan imágenes que acompañan varios tramos del relato, hay un impecable diseño de luces del Ricardo Sica y como mencionamos antes, la pieza tiene un componente musical que agrega valor y ritmo a la trama.

Flashes que resultó el texto ganador del Concurso Ficciones y recibió Mención Especial en los Premios Artei y viene agotando localidades desde su estreno, es una original y moderna propuesta, que de manera inteligente incursiona en el género de los biodrama, que están muy de moda en el teatro actual, pero lo hace de una manera muy particular, coqueteando entre la ficción y la realidad, de la mano de una explosiva dupla protagónica, que se luce a lo largo de toda la noche.

Disfrutamos de un estupendo momento teatral viendo Flashes, una dramaturgia creativa, actuaciones  exquisitas y la posibilidad de disfrutar el relato, jugando con la sensibilidad de un texto, que nos demuestra que en el teatro, la verdad de la historia puede ser algo secundario y lo más importante es la forma en que se la cuenta.




Pensador Teatral.

El Mal de la Piedra

Dramaturgia de Blanca Domenech . Dirección de Tony Lestingi.

Sábados 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Una propuesta muy interesante, llega al Patio de Actores, en el marco del Ciclo El Pasado es Presente, Autores Españoles Contemporáneos, con El Mal de la Piedra, texto escrito por la dramaturga madrileña Blanca Domenech, que incursiona en el teatro político, luego de más de un año de investigación, para ofrecer una mirada crítica desde el presente, a una página oscura de la historia de España, que en la actualidad muchos prefieren mantener oculta, como si nada hubiera ocurrido.

La trama se desarrolla en el Valle de los Caídos, el Monumento que el dictador Franco, mandó a construir una vez finaliza la guerra civil española, allá por el Año 1939. Ganador de aquella contienda, el General, pensó en un monumento de proporciones, como homenaje a sus caídos en aquellos años trágicos.  La construcción fue faraónica y demoró más de dieciocho años, ya que se levantó una basílica en medio de la montaña y se alzó una cruz de 150 metros, la más alta y más grande del mundo.

Al momento de su inauguración, un decreto estableció, que el lugar honraría a los caídos de ambos bandos, como un gesto de reconciliación nacional. La medida generó polémicas en ese momento y las controversias siguen aún en la actualidad. Entre los principales motivos, mencionar que en la construcción, se usaron presos políticos, obligados a la tarea. En el subterráneo de la basílica yacen más de 34.000 cuerpos de ambos bandos, que Franco hizo llevar, de los cuales más de 12.000 pertenecen a personas desconocidas, lo que convierte al monumento, en la mayor fosa común de España.

Para algunos, El Valle de los Caídos, debe simbolizar de la reconciliación histórica ante la barbarie, pero para muchos otros, es un atentado a la dignidad de las víctimas republicanas, enterradas sin consentimiento en aquel mausoleo. Para acrecentar la polémica, al morir Franco, decidieron que esa sería su última morada y a partir de ello, se convirtió en un punto de peregrinación de la extrema derecha, en cada aniversario de su fallecimiento.

Pero dada ya esta introducción, algo larga, pero que creemos puede ser de utilidad, ya que no todos los argentinos en profundidad el tema. Yendo a la trama de la obra, la misma nos mostrará a Miranda, una restauradora ( Romina Pinto ) que está trabajando en la basílica, analizando el estado de la piedra, para prevenir un derrumbe en el futuro, ya que el paso de los años,  está causando estragos en la construcción.

Miranda es una experta en la materia, estudió mucho para tener una oportunidad, tan importante para su profesión, como esta. Pero no se encuentra sola allí, ya que rondando, está un guardia de seguridad, parco y de apariencia neutral, que hace muchos años trabaja allí, cuidando la Basílica. Se huele cierto aire de tensión entre ellos, hay desconfianza entre ellos, igual la restauradora, no se preocupa demasiado, ya que pronto terminará su jornada laboral y volverá a casa.

Pero sucede algo impensado, debido a incidentes que se están produciendo en las afueras del monumento, entre manifestantes neonazis ( simpatizantes de Franco ) y grupos de memoria histórica ( contrarios al dictador ) Miranda deberá permanecer en el lugar, demorando su regreso a casa. Muy a su pesar, deberá quedarse, con el guardia, hasta que la situación se calme, algo que no ocurrirá pronto. El silencio y la cautela inicial, parecen quedar de lado para la restauradora, que se anima a manifestar su desprecio por ese sitio, que esconde tantos horrores, sin tener en cuenta la memoria de tantas víctimas. La revelación es realizada ante un guardia que de a poco comienza a mostrar su verdadera cara, hostil al pensamiento de trabajadora.

La obra es profunda y permite la reflexión del espectador, en varias capas, apareciendo en una de ella, los recuerdos de la Guerra Civil Española, los abusos que se cometieron en aquellos años y la polémica acerca de si un monumento puede realmente tener algún efecto pacificador. Por otro lado, surge el conflicto interno en la mente de la restaurada, que cuestionada por la dialéctica del guardia, navega entre sus convicciones y sus actos, algo que ocurre muchas veces en nuestra sociedad, donde muchas personas predican algo y en su vida practican algo diametralmente opuesto. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo descubrirá el espectador cuando vea la obra, solo diremos que la atmósfera de tensión, por lo que ocurre afuera y dentro de aquel lugar, irá aumentando cada vez más, hasta tornarse irrespirable, principalmente para Miranda, ya que el guardia parece disfrutar, de la grave situación y la angustia de aquella mujer.

Las actuación de los protagonistas es estupenda, tanto Romina Pinto, como Iván Steinherdt, realizan magníficas composiciones de personajes. Romina, muestra su sensibilidad y sabe transmitir, el dolor que le provocan sus propias contradicciones, que quedan al desnudo, ante un ser despreciable como aquel hombre. Enorme trabajo de Iván, representando a un guardia, que trata de mostrarse como alguien correcto, pero que trasluce algo siniestro en su interior y un comportamiento provocador e inquietante.

El año pasado disfrutamos del trabajo de Romina Pinto e Iván Steinhardt en De Tiburones y otras Rémoras, la primer obra del grupo Vacío Fértil, compañia teatral, que tiene como objetivo, realizar obras teatrales, cuyo contenido y forma, pongan al arte como eje transformador y de toma de conciencia. En este caso, eligieron este texto de Blanca Domenech, que nos habla de las consecuencias políticas, sociales e ideológicas, que sufren las sociedades que sufren guerras o regímenes totalitarios y nos deleitaron con sus actuaciones.

La puesta es muy lograda, hay un excelente diseño escenográfico de Eduardo Muro, suma mucho la pantalla de fondo donde se proyectan imágenes de la época que acompañan el relato, al igual que el diseño sonoro, con esas voces de protesta, que nos resulta muy familiares.  No podemos dejar de mencionar la dirección del reconocido Tony Lestingi, amalgamando todos los recursos puestos al servicio de la pieza.

Es importante destacar que la obra que vimos en un repleto Patio de Actores, estuvo de gira el año pasado por España con estos mismos actores y con una enorme repercusión, sorprendiendo por la valentía de tratar una temática, inédito para el teatro español, como la dictadura de Franco que tantas heridas causó en una sociedad, pero que la gran mayoría prefirió dar la vuelta y dejar que los hechos queden el olvido.

Por todo lo mencionado, creemos que el Mal de la Piedra, resulta una muy valiosa construcción del grupo El Vacío Fertil, que si bien toca un tema particular sucedido en España, el hecho resulta cercano y equivalente a otros actos atroces de la historia, como por ejemplo, la dictadura que vivió nuestro país, con miles de desaparecidos y heridas que aún no cicatrizan.

Recomendamos la obra, por la potencia de su texto, por sus magníficas actuaciones y por la posibilidad de reflexionar y no dejar en el olvido, hechos de la historia que nunca deberíamos olvidar, ya que repetirlos sería una tragedia. El prolongado y emocionado aplauso del público que colmó el Patio de Actores, al final de la función, es el merecido reconocimiento para una noche de buen teatro y de toma de conciencia.





Pensador Teatral.

Únicas

Libro y Dirección de Anita Martínez y Valeria Archimo. Producción General de Guillermo Marín.

Jueves a Domingos en Teatro Broadway ( Corrientes 1155 )

Únicas, Puertas al Amor, es el show musical que dá inicio a  la cartelera teatral porteña 2020 y el debut es realmente auspicioso, ya que reúne a cinco mujeres, con talentos diferentes, que nos hablarán del amor, de lo complicado que es encontrarlo y lo doloroso que puede resulta ese camino repleto de desengaños, obstáculos y frustraciones.

La apuesta es interesante y arriesgada, ya que las protagonistas, serán mujeres exclusivamente, no hay una figura masculina fuerte en encabezando el espectáculo y esto no es algo casual, en tiempos en que la mujer toma caminos de empoderamiento,  el teatro se aggiorna al momento que se está viviendo en nuestra sociedad, transmitiendo historias de amor, bajo ojos femeninos, que nos transmitirán sus vivencias y experiencias.

La obra estructurada en diferentes actos, contará distintas historias y en cada una de ellas, una de las figuras centrales del show, será la protagonista. No tener una trama central, para algunos puede ser considerado como una debilidad, pero nuestra opinión es inversa, ya que pensamos que al presentar cuadros independientes, la pieza tiene una dinámica y una variedad que favorece a la fluidez de la trama. No obstante esto, siempre aparecerá el amor como eje central y la música como hilo conductor.

Un gran acierto del proyecto, es permitir que las actrices exploten sus fortalezas, mostrándose en  las facetas, donde se mueven más cómodas. Vayamos ya a hablar de las actuaciones. Creemos que Sandra Mihanovich es la figura estelar de la noche, con la fuerza de su voz y su carisma, muestra una vigencia absoluta y regala momentos musicales entrañables a los espectadores que disfrutan y se emocionan con cada una de sus interpretaciones. Un gran acierto la inclusión de Sandra, que le otorga una jerarquía indudable al espectáculo.

Anita Martínez, también encuentra gran espacio para lucirse, haciendo las veces de conductora y presentadora de la noche, mostrando sus conocidas condiciones como humorista y artífice de los momentos más graciosos de la noche, con coreografías divertidas y con un monólogo sobre el matrimonio, que desatará muchas risas en la platea.

Valeria Archimó, una de las impulsoras de Única, será la protagonista de una historia de amor dolorosa que dejó sus secuelas. Virtuosa para el baile, encontrará aquí tierra fértil para mostrar sus condiciones, con una presencia escénica indudable. Para destacar los trucos jugados que ejecuta, que el público agradece con aplausos, en el momento que los realiza. Gran trabajo de Valeria, una de las grandes impulsoras de este espectáculo.

Lourdes Sánchez, es la revelación de la noche, ya que aporta una gran cuota de belleza y frescura a la historia. La obra que apunta a diferentes públicos, encuentra en ella a la favorita del público joven, con quien tiene mucha llegada.  Nos sorprendió muy gratamente la actuación, Lourdes, a quien vemos por primera vez en escena.

Completan el quinteto de figuras, Cecilia Figaredo, tal vez quien tiene menos nombre, entre las protagonistas, pero demostrando estar a la altura de las exigencias y aportando lo suyo.
Realmente se conformó un elenco muy parejo, donde se busca que cada una de las actrices, pueden explotar la faceta en la que tienen mayores virtudes , adaptando el formato del espectáculo a sus condiciones.

La puesta nos resulto muy atractiva y de buen gusto, sin gran despliegue escenográfico, hay varios rubros que se destacan. En primer lugar destacar el diseño sonoro, que presenta el espectáculo, potente y claro, algo fundamental cuando se trata de un musical, pero que lamentablemente muchas veces no se logra. Otros dos ítems a destacar, son el diseño lumínico, el vestuario y la pantalla de fondo en la que se proyectan imágenes.

Párrafo especial para las coreografías, aquí el principal mérito es de Valeria Archimo, a cargo precisamente de la dirección coreográfica, aportando muy buenos cuadros, hechos a medida de cada protagonista y apoyados la mayoría de ellos por los integrantes del ensamble, que hacen muy buen aporte.

En definitiva, vivimos una entrañable noche de teatro viendo Únicas, un espectáculo protagonizado por mujeres, donde la música será el medio principal, para transmitir la mirada femenina sobre el amor, su búsqueda, el sufrimiento  y como muchas veces cuando finalmente se encuentra ese amor que se cree será duradero, descubrimos a los golpes, lo difícil que  resulta mantenerlo.

Celebramos que en momentos económicos complicados para la industria teatral, se sigan apostando a producciones musicales del nivel de Únicas. Para ello, se  requiere un esfuerzo importante de producción, aprovechando justamente la oportunidad, desde este humilde sitio, para desear una pronta recuperación a Guillermo Marín, el productor general de este espectáculo, que hace un par de semanas, sufrió un accidente automovilístico impactante yendo a Mar del Plata, del cual de manera milagrosa, resultó casi ileso. Sin dudas desde arriba, tuvo un guiño salvador, un acto de amor, que permite disfrutar a pleno en un Broadway colmado, a Sandra Mihanovicjh, entonando Soy lo que Soy, para el goce de los espectadores.




Pensador Teatral.

Petróleo

Dramaturgia y Dirección de Grupo Piel de Lava y Laura Fernández.

Miércoles 21 hs y Domingos 19 hs en Metropolitan Sura ( Av. Corrientes 1343  )

Petróleo es la quinta obra del grupo teatral Piel de Lava, formado en el 2003, por cuatro talentosas actrices: Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes. Tantos años trabajando las convirtieron en amigas inseparables, algo que explica la inusual permanencia del grupo en el tiempo,  El método de la dramaturgia grupal y ser ellas mismas las directoras de sus obras, les ha dado muy buen resultados. En los últimos trabajos, sumaron en la escritura y en la codirección a Laura Fernández, ingreso que fue beneficioso.

No hay dudas, que Petroleo es la pieza consagratoria de Piel de Lava como grupo, ya que se convirtió en un verdadero fenómeno teatral, nacido en el teatro oficial, donde batió records de asistencia, agotando las entradas, con varias semanas de anticipación, llegando casi por aclamación al teatro comercial, siendo una de las obras pioneras en lograr esta salto.  Acumulando más de 100 funciones con localidad agotadas y más de 50.000 espectadores, fue la elegida para encabezar el Ciclo Verano Off en el Met y la elección no pudo ser más acertada.

La característica distintiva de Petroleo, es que las cuatro actrices interpretan a personajes masculinos, más precisamente a cuatro trabajadores petroleros, que conviven en un yacimiento del sur de nuestro país, en condiciones climáticas y laborales poco amigables .La elección de un mundo como el petrolero, prácticamente vedado para las mujeres, no es casual, la idea del grupo de experimentar en ese ámbito, resulta provocador y moviliza, ya que avanzará para demoler algunos mitos de virilidad extrema, que envuelven a la actividad.

Daremos alguna línea breve del argumento, tres de los trabajadores que trabajan en aquel yacimiento perdido de la Patagonia, se conocen desde hace mucho tiempo, por lo tanto tienen bien definidos los roles, comparten secretos, historias y manejan un código propio de convivencia. Compartir trabajo y rutina en aquel lugar alejado de los afectos, genera un vínculo que vás más allá de lo laboral, ya que el grupo funciona como una especie de familia sustituta.

Las reglas están bien marcadas y la rutina establecida, pero se suma un nuevo trabajador al equipo de trabajo y a la convivencia en el trailer. Ocurriendo lo que sucede en todo grupo humano, cuando se incorpora alguien nuevo a un grupo ya afianzada.  Las dudas sobre si aceptar al recién llegado ?? Será de confianza ?? Lo habrá mandando la patronal para espiarnos ?? No vamos a dar muchas pistas, pero si adelantaremos que Palladino ( así se llama el nuevo ), no será un compañero fácil, ya que se animará a cuestionar el orden establecido en el trailer y de manera peligrosa, interpelará la masculinidad inquebrantable de aquellos trabajadores.

No vamos a contar más del argumento, preferimos que el espectador se sorprenda cuando vea la obra, solo diremos que la obra no fue pensada inicialmente como una comedia, pero finalmente lo es. Con mucha ironía, repleta de momentos  hilarantes, bizarros y muy divertidos, provocará muchas risas en la platea. Claro que Petroleo, es mucho más que una comedia, ya que con un texto muy inteligente y valiéndose del humor, se atreve a entrar en el mundo íntimo y sensible de los hombres, territorio vedado por la general y si esa búsqueda es realizada por mujeres, que no caen en la parodia, el espectáculo se enriquece y explica en gran parte, el enorme suceso que tiene la propuesta.

Decimos en gran parte, porque llegamos al fin a las actuaciones que presenta la obra, que sin dudas es la mejor carta de presentación que tiene Petroleo.  Son realmente sorprendentes las composiciones logradas por las cuatro protagonistas e impactan sus caracterizaciones. Desde lo físico, resultan absolutamente irreconocibles. Vimos a estas actrices en anteriores piezas, pero les aseguramos, que no las pudimos reconocer. Pero más allá, del aspecto físico y de vestuario, es magnífico el trabajo desde lo actoral. Para elogiar la búsqueda del personaje masculino que emprendieron, partiendo de la experimentación y ajustando de a poco, para encontrar cada personaje, desde lo postura, lo gestual y por último, resolver el tema la voz, tal vez lo es aspecto más complejo. Admirable el trabajo de composición que realizaron las cuatro integrantes de Piel de Lava.

Vamos a dejar alguna linea de cada interpretación, ya que la calidad de las mismas lo merece. En actuaciones muy destacadas, debemos decir que nos pareció fantástico lo de Pilar Gamboa, componiendo a un entrañable Carli, líder natural del grupo, es quien lleva las riendas del trailer y quien mirá como mayor desconfianza al recién llegado, no solo por sus ideas raras, sino por que puede poner en jaque su liderazgo. Cada intervención de El Carli, es festejada por el público, su manera de hablar, sus posturas, sus gestos ... todo es un disfrute. Fantástico interpretación de Pilar, que por este trabajo recibió el Premio ACE 2019, a la Mejor Actriz Dramática, un reconocimiento más que merecido. Y un bonus track, lo vimos muy barrigón Carli, algo compatible, con su personalidad, pero luego nos enteramos que la panza era real, ya que Pilar está embarazada de siete meses ( en la función que presenciamos ), lo que realza aún más su brillante actuación.

Sus antiguos compañeros de trailer, son Montoya ( Laura Paredes ) y Formosa ( Valeria Correa ), ambos personajes respetan el liderazgo de Carli, con personajes bien diferenciados, con características propias, pero muy graciosas ambas. Estupendas composiciones de Laura y Valeria. Para el final dejamos a Elisa Carricajo, que indudablemente será una pieza determinante para el recorrido de la trama, ya que romperá las reglas establecidas, trayendo nuevos aires al grupo, con algunos planteos de tinte sindical y principalmente con toques de feminidad, que revolucionarán al resto. Nos gustó mucho lo de Elisa, con desparpajo y mucha chispa, para componer a un impredecible Palladino.

La atractiva puesta presenta varios aspectos para destacar, arrancando con el ingenioso y efectivo, diseño escenográfico de Rodrigo González Garillo, conformada por trailers móviles y reversibles, que irán conformando las diferentes locaciones, siendo las mismas actrices, que arman y desarman las estructuras. La impecable iluminación de Matías Sendón y el diseño sonoro de Zypco, colaboran para la atmósfera patagónica que pide la historia. En materia musical, la obra tiene reservado uno de los momentos más movilizantes y festejados de la noche, que no vamos a adelantar aquí, para no spoliear en demasía.

En definitiva, disfrutamos de un velada teatral estupenda, la potencia escénica de Petroleo es indudable, presentando un texto inteligente, divertido y desopilante por momentos, divirtiendo mucho a los espectadores, gracias a la creatividad las talentosas Piel de Lava, que se calzarán las ropas de trabajadores petroleros, para desentrañar algunos mitos y revelar algunos secretos guardados bajo siete llaves, por el colectivo masculino.

La ovación de pie, con la que el público que llenó el Metropolitan Sura, despide a las actrices al finalizar la función, es la manera de premiar sus excelentes interpretaciones, agradeciendo la hermosa noche de teatro vivida y confirmando que Petroleo se convirtió en uno de los fenómenos teatrales de lo últimos años.-




Pensador Teatral.

La Sala Roja

Dramaturgia y Dirección de Victoria Hladilo.

Viernes 20 30 hs en Teatro Metropolitan Sura ( Av.Corrientes 1343 )

Y finalmente La Sala Roja, llegó a la Calle Corrientes, en el marco del ciclo Verano Off en el Met, donde reconocidas obras provenientes del teatro independiente y del circuito oficial, llegan a una de las salas más importantes del teatro comercial, resultando una estupendo programa para los porteños que se quedan en verano en la ciudad, además de ser una gran vidriera para actores, autores y directores, confirmando asimismo el enorme crecimiento que viene teniendo en los últimos años el teatro independiente, con espectáculos de autores locales, de gran calidad artística, que vienen reclamando un protagonismo y un espacio, que a puro mérito, se vienen ganando, demostrando en definitiva, que el hecho teatral es único, más allá de algunas diferencias de recursos económicos, que indudablemente existen.

Una vez hecha esta introducción, vayamos ya a La Sala Roja, que es una obra que viene con unos antecedentes a tener en cuenta, decir de arranque que es un verdadero clásico del off, al llevar ya siete temporadas en cartel desde su estreno, siempre a sala llena, llevando a cabo algunas giras internacionales y además con versiones de la pieza presentadas en otros países con actores locales. Cuando estos fenómenos de permanencia ocurren, no hay dudas que la pieza que lo consigue tiene alguna particularidad que la distingue de otras piezas, ya que es el boca a boca del público, el que permite semejante logro.

Yendo a la estructura de la trama, la misma es sencilla, un jardín de infantes convoca a una reunión de padres, que deberá realizarse antes con celeridad, ya que se realiza antes de comenzar el horario de clases de sus hijos. La concurrencia de padres a la reunión, es poco numerosa, pese a la importancia de los temas a tratar, como ser los regalitos de los cumpleaños, algún cambio en la vestimenta con la que los niños concurren, actividades especiales a realizar y por supuesto definir la forma de realización del acto de fin de año, todos temas que ya tuvieron algún intercambio de opiniones, en el infaltable grupo de wasap de padres.

Pero las complicaciones no tardarán en aparecer, la directora, pieza fundamental de estos cónclaves está retrasada y deberán arrancar la reunión sin ella, bajo la conducción de una maestra que parece no tener la autoridad, ni la pericia necesaria para manejar la situación, ya que la relación entre los padres presentes no parece ser la mejor. Rápidamente se arman bandos enfrentados y aparecerán viejas cuentas pendientes, que amenazan llevar al desastre a aquella en apareciencia inofensiva reunión. No vamos a contar más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra todo lo que irá sucediendo en esa salita, que les aseguramos será mucho.

El público se engancha desde el comienzo con la propuesta, ya que indudablemente reconoce a esos padres como cercanos o directamente identifica como propios algunos comportamientos. El problema será que a medida que la trama avanza, esa identificación simpática en el comienzo, irá virando y a medida que los personajes se irán tornando más problemáticos y  agresivos, apareciendo algunas miserias sobre la superficie, el clima festivo y risueño del arranque se irá apagando, dando lugar a situaciones más dramáticas, aunque vale decirlo, el humor, siempre prevalecerá, siendo este un gran mérito de la autora, ya que no se pierde el formato de comedia que presenta la obra.

Pero como siempre decimos, podemos tener un texto atractivo e inteligente, como sin dudas sucede aquí, pero si no se encuentran los intérpretes adecuados, todo puede quedar en buenas intenciones, algo que aquí está lejos de ocurrir ya que las actuaciones son magníficas. De manera inteligente, se crearon personajes de diferentes características, que en parte reflejan diferencias de pensamiento que se observan en la sociedad, pero que llevadas a este ámbito educativo, quedan aún más en evidencia.

Hablando por fin de las interpretaciones, he aquí una de las licencias que permite el off, como que la autora y directora, Victoria Hladilo, sea una de las protagonistas de las historia y en nuestra opinión, constituya la actuación más destacada. Con un presencia escénica imponente, compone a una Sandra avasallante, madre controladora y manipuladora, que luchará a brazo partido para imponer su pensamiento y llevarse por delante al que piense lo contrario, pudiendo ser violenta, intolerante o desplegar su sensualidad. Dependiendo el interlocutor y el momento, decidirá que cara mostrar. Nos encantó lo de Victoria, que actúa con una pasión y una entrega, que debemos destacar.

Manuel Vignau como Martín, también tiene actuación superlativa, padre presente y poco apegado a los procesos rígidos, se mostrará inofensivo al comienzo y a la defensiva, pero a medida que la reunión vá ganando en efervescencia, se convertirá en un hábil jugador.  Carolina Marcovsky, es Gabriela, debutante en estas reuniones y con un pensamiento bastante cercano a Martín. Adepta a la comida macrobiótica y defensora del lenguaje inclusivo, pese a la paz que parece transmitir, se nota esconde  algo.

Completan el elenco, Julieta Petruchi ( Verónica ) y Axel Joswig ( Diego ) los padres de Pedro, con roles bien diferenciados en la pareja, en relación con la crianza de su hijo. Ambos protagonizan momentos muy divertidos y también tensos. Catalina Augé es María Ines, la maestra jardinera, que deberá cumplir la función de contener a los padres, ante el retraso de la directora, tarea por demás compleja, nos gustó mucho su composición.-

Son muy sólidas las actuaciones y se nota lo trabajado que tiene cada uno a su personaje, algo que se logra con el correr de las funciones. Como mencionamos antes, la trama de manera perspicaz, elige personajes con tipologías bien diferenciadas, permitiendo que cada uno los protagonistas, encuentre su espacio de lucimiento.

Al ver la obra, quedan claro los motivos, por los que La Sala Roja, acumula temporadas de suceso, confluyendo una dramaturgia cercana a los espectadores, presentándose situaciones que a primera vista pueden lucir exageradas, pero si las observamos con detenimiento, nos daremos cuenta que son más comunes de lo que imaginamos.

Nos divertimos mucho con La Sala Roja, que ademas de risas al por mayor, nos ofrece un valioso espacio para la reflexión, acerca del funcionamiento de las instituciones educativas y el desafío, fallido en ocasiones,  que resulta para los padres, relacionarse de manera adecuada con el mundo de los más chiquitos.



Pensador Teatral.

Christiane

Dramaturgia y Dirección de Belén Pasqualini.

Jueves 20 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Santos Discépolo 1857 )

Nuestro prolífico teatro independiente, cada tanto nos reserva algunas perlitas y esta sin dudas es una de ellas. Si les decimos que Christiane es un bio-musical científico, tal vez no aclaremos mucho, por eso preferimos definir a la obra como un hermoso homenaje en vida a Christiane Dosne Pasqualini, reconocida científica, que dedicó su carrera a investigar la leucemia, siendo la primera mujer en integrar la Academia Nacional de Medicina.

Agreguemos que Christiane nació en Francia, se crió en Canadá y a los 22 años llegó a la Argentina, para trabajar como becaria del Dr. Bernardo Houssay, Premio Nobel de Medicina en 1947. La obra dará testimonio de su pasión por los ratones de laboratorio, por la sangre, sus largas jornadas en la Academia y contaré como esa joven científica, en un momento se convertiría en esposa y en madre, nada menos que de cinco hijos, teniendo el gran desafió, de combinar los cambios de pañales, con la disección de ratones y las lecturas científicas,  algo que puede parecer una tarea imposible, pero una vez más queda claro, que cuando hay amor y pasión en la tarea que uno encara, no hay barreras que no pueden superarse y el caso de Christiane es un ejemplo magnífico de ello.

Hasta allí, la historia ya resulta apasionante y muy atractiva, habiendo contado solo algunos detalles, para mantener la sorpresa,  pero aún no dijimos lo más importante y  que hace único a esta espectáculo, nos referimos a que Belén Pasqualini, la autora e intérprete de la obra, es la nieta de Christiane y por ello tuvo la estupenda idea de rendir un emotivo homenaje a su abuela, que además de ser una científica notable, posee una historia de vida muy atractiva y teatral a la vez, digna de ser contada, teniendo la oportunidad de humanizar a esa heroína, que fue su abuela e inmortalizarla en un notable texto teatral.

Aquella idea de Belén, culminó en esta emocionante pieza, gracias a su talento, ya que además de ser una actriz virtuosa, es cantante y compositora, pudiendo desplegar en este caso, todas estas facetas en el escenario del Picadero, donde la veremos con una energía y un entusiasmo que contagia, representando a su admirada Christiane, recién llegada a Buenos Aires, con su encantador acento francés y sus ganas infinitas de ayudar con sus investigaciones a luchar contra el maldito cáncer. Por momentos se convertirá en Rodolfo, su esposo argentino y en otros será ella misma, la nieta que habla con genuino orgullo de su abuela. Para desdoblar todas estas composiciones, hay que tener talento y Belén sin dudas lo tiene.

Pero no solo queda en la actuación, su labor aquí, la obra tiene un importante componente musical, entonces veremos a Belén cantando, tocando el piano e interpretando melodías creadas por ella misma. Es admirable  el trabajo de Belén, ya que se entrega por completo en este unipersonal, que exige mucho y le permite demostrar, que es una actriz multifacética. Realmente fantástica su composición.

El público se engancha desde el arranque con una historia que tiene muchos elementos de interés y  cuenta un valor agregado, nos estamos refiriendo a la carga emotiva que tiene el texto. La puesta tiene momentos musicales muy logrados y el relato de Belén estará salpicado de recuerdos de su abuela, en París y en Buenos Aires, su relación con los ratones y una biografía muy rica en anécdotas.

Es importante recordar, que Christiane se estrenó en 2017, recibiendo elogios unánimes del público y numerosos reconocimientos de la crítica especializada, entre ellos 3 Premios Hugo, en los rubros Mejor Libro de Musical, Mejores Letras de Música y Mejor Espectáculo Musical Unipersonal, detalle que dá cuenta de la valía del espectáculo.

Christiane es una pieza que emociona y como dijimos antes, un hermoso homenaje en vida que la talentosa Belén Pasqualini, le regala a su abuela, que vive en Buenos Aires y en Febrero próximo cumplirá nada menos que 100 años. Por todo lo mencionado, no sorprende el aplauso emocionado que los espectadores le tributan a la protagonista al término de la función, reflexionando seguramente sobre la elocuente frase de Jean Paul Sartre, que fue una guía en la vida de Christiane Pasqualini, la misma nos dice que " Felicidad no es hacer lo que uno quiere, sino querer lo que uno hace ".



Pensador Teatral

Caníbal

Dramaturgia de Sebastián Suñé. Dirección de Corina Fiorillo.

Lunes 20 30 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Santos Discépolo 1857 )

Un estupendo arranque de temporada teatral, vivimos con Canibal, este musical con fuerte personalidad, nacido en la mente de Sebastián Holz, talentoso y joven actor, que luego de una experiencia personal desafortunada que le dejó algunas heridas, decidió hablar del canibalismo como metáfora, jugando de manera inteligente con el humor y la ironía, para exponer situaciones reconocibles por todos, que dejan al descubierto, una sociedad disfuncional, consumista y por momentos  extremadamente violenta, que no tendrá reparos en esmerilar al prójimo, si ese acto, fuera necesario para obtener alguna ventaja.

Cuando el texto de Holz, llegó a manos de su amigo Sebastián Suñe, antes actor y ahora enfocado a pleno a  la dramaturgia, el proyecto fue tomando forma, las ideas se fueron acomodando y tomando siempre como eje atracción, la creatividad musical, surgió Caníbal, que con humor satírico y una teatralidad impactante, nos ofrecerá a lo largo de la trama,  diferentes cuadros y temáticas, que en diferentes formas, expondrá con crudeza, la voracidad de una sociedad despiadada.

La obra como mencionamos, se estructura en diferentes actos, independientes todos ellos, en los que surgirán historias de desengaños amorosos, situaciones violentas, exhibiciones de sometimiento físico, rituales religiosos, cuentos y luchas entre estos actores que dentro de la trama, que recurre al teatro dentro del teatro, quieren sobresalir. La trama sorprende en todo momento, el público se engancha desde el arranque con la idea y tratará de anticipar sin suerte, que sucederá en el próximo acto.

Sin dudas que el texto es original, complejo de seguir por momentos ya que no tiene un argumento lineal, como estamos habituados, pero en ello precisamente podemos apreciar una de las fortalezas de esta obra potente, no tener a la experimentación, buscar la interacción con el público y la decisión de tomar riesgos en todo momento, algo que desde este humilde sitio, siempre valoramos.

No queremos contar más acerca de la trama, cada acto estará acompañada de una melodía particular, que irá dando forma a diferentes cuadros, con temáticas diversas, pero con una idea global y una belleza estética, que se mantendrá a lo largo de toda la noche, algo que sin dudas puede lograrse por la calidad de la puesta y por el acierto en la elección del elenco.

Algo que distingue claramente a Caníbal, es la excelencia de los actores que la protagonizan, potenciados por la dirección de la multipremiada Corina Fiorillo, que como siempre consigue que las mejores cualidades de los intérpretes salgan a la luz, ofreciendo el espacio para que se luzcan en wl conjunto, poderoso en esta pieza y también en lo individual, logrando momentos de enorme disfrute para el espectador.

Vayamos con un párrafo para cada de unos de los protagonistas, que realmente lo merecen. Arranquemos por Sebastián Holtz, con una presencia escénica  imponente y un histriónismo a flor de piel, es la figura masculina de la noche y deja su huella en escena. Nos gustó mucho su trabajo.  Además debe destacarse su generosidad con sus compañeras, ya que pese a ser uno de los creativos de la pieza, no abusa de ello y está en un estado de igualdad, en cuanto al protagonismo en la historia, con sus colegas, algo que además de dar balance escénico, agrega mucho valor a la obra. Sobresaliente la labor de Sebastián, poniendo el cuerpo y el alma al proyecto.

Llega el turno de Belén Pasqualini, que encuentra una pieza ideal, para dar cuenta de la belleza y potencia de su voz. Se la nota muy cómoda, ya que es una gran cantante y además sorprende en muchos cuadros, por su  entrega física y coreografías realmente logradas. Magnífica faena de Belén, que emociona en varios pasajes, con sus composiciones.

Para el final dejamos a Dolores Ocampo, que parece extraída de una película de Hollywood hasta el escenario del Picadero. De entrada, deslumbra con un peinado despampanante y una gestualidad que hipnotiza. Es la figura cómica de la noche y desde el arranque se pone al público en el bolsillo, logrando empatia absoluta y una complicidad  con la platea, que se mantendrá a lo largo de la noche. Su expresividad y su talento, aparecerán en cada intervención, consiguiendo escenas magníficas, como aquel cuadro, donde despliega un carnavalito, con una coreografía delirante. Fantástica presentación de Dolores.

Pero los protagonistas mencionados, no están solos en escena, estarán acompañados por tres músicos, Carlos Britez en piano, Clemente Silly en violoncello y Mariano del Risco con trompeta, flauta y violín, siendo la banda sonora y componentes fundamentales, de una pieza que conquista al espectador por los oídos.

La puesta, presenta una escenografía despojada, dejando amplio espacio para que los actores, recorran el escenario, siguiendo las coreografías ideadas por Juan Diego Bross. El diseño lumínico de Ricardo Sica, como de costumbre es otro ítem para destacar, al igual que el  elegante vestuario de Gonzalo Córdoba Estévez, todos aspectos que confluyen en la dirección de Corina Fiorillo, asociada siempre a producciones exitosas.

En definitiva, encontramos en Caníbal, un espectáculo original y potente, donde la música tiene un sitial de privilegio, con actores a los que le sobra talento y se notan comprometidos al máximo con la obra. Todos estos ingredientes, se unen, para que disfrutemos de una estupenda noche de teatro, donde además de reírnos mucho y gozar de momentos musicales de alta calidad, seremos invitados a reflexionar, sobre aquella idea, que dice que podemos convertirnos en caníbales, aunque no probemos carne humana.

Recomendamos Caníbal, un espectáculo original, cuidado y con una belleza estética en la puesta que sin dudas lo distingue. La calidad de las interpretaciones no pasa desapercibida para los espectadores, que al final de la función, premian con un prolongado aplauso a estos sufridos y talentosos caníbales, que nuestro teatro independiente cobija.




Pensador Teatral.