Un Picasso

Dramaturgia y Dirección de Javier Margulis.

Viernes y Sábados 21 hs en Mil80 Teatro ( Muñecas 1080 ) 

El teatro independiente entre sus múltiples virtudes, tiene la multiplicidad de temas a tratar y de personajes históricos, que puede traer a escena. Y este es uno de esos casos, ya que Javier Margulis, el autor y director de la obra, dedicó un largo tiempo a estudiar a investigar sobre la vida del célebre pintor español, consiguiendo una biografía escénica notable, que nos hablará de su pasión por la pintura y por las mujeres. Sus genialidades y sus contradicciones aparecerán en un unipersonal atrapante, que nos mostrará el costado humano de una figura monumental del Siglo XX.

Picasso, nació en Málaga, pero pasó su infancia entre La Coruña y Barcelona, antes de instalarse en París, ciudad que fue el centro de su vida creativa. Fue un artista visionario y polifacético, cuya obra transformó los lenguajes del arte moderno, desafinado las formas, las emociones y las miradas de su época. Fundador del cubismo y explorador de múltiples estilos, Picasso supo reflejar en su arte, la pasión, el amor y las contradicciones de su época, dejando un legado que cambió de manera definitiva, la historia del arte.

Luego de esta breve descripción de su figura, vayamos al magnífico texto escrito por Margulis, que antes de dedicarse al teatro estudió la carrera de Bellas Artes e imaginó a un Pablo Picasso, en su último día de vida, con una salud muy deteriorada, que se encuentra en su taller, rodeado de sus pinceles y sus cuadros. Sumergido en los recuerdos de una vida intensa, irá recorriendo diferentes etapas de su obra, recordando a las mujeres que lo acompañaron y que influyeron de manera significativa sobre su pintura.

Picasso emergerá en escena, siendo por momentos un genio creativo y en otros un soberbio malhumorado que despotricará contra alguna de las mujeres que acompañaron a lo largo de su vida, que fueron muchas y a las que fue dejando en casi todas las oportunidades. Hablará de aquellos comienzos, donde conoció de cerca la pobreza y debía intercambiar sus cuadros por comida. Su casamiento con una mujer de la aristocracia rusa y como comenzó a ganar dinero vendiendo sus obras a los amigos de ella. Nos contará como pintó El Guernica, su obra más emblemática, en la que transforma el horror de la guerra, en un símbolo universal de dolor y resistencia, siendo ese cuadro su puerta de entrada al mercado norteamericano y a hacerse rico. Todo ello y mucho más que no queremos seguir adelantado, desfilará por el bello escenario del Mil80.

Pero que inmenso desafío tenia el autor de este texto,  para encontrar al intérprete adecuado para ponerse en la piel de semejante personaje y vaya que la elección de Margulis fue acertada. El gran protagonista de la noche es Fito Yanelli, que se adueña de la figura de Picasso, con maestría y una entrega conmovedora. Es admirable la manera en que Fito, lleva adelante este exigente unipersonal, donde no solo representará al célebre pintor español. sino que también lo hará dialogar con alguna de las mujeres que compartieron su vida y también colegas que influyeron en su producción artística, todo ellos gracias a los recursos actorales de un enorme actor como Yanelli, que multiplicará personajes en el escenario.

Tuvimos el privilegio de estar en la primera fila de la sala y pudimos disfrutar a centímetros cada gesto, cada palabra y movimiento de una composición simplemente fenomenal. Una interpretación minuciosa, gutural y pasional de Fito Yanelli, que se mimetiza de manera admirable con el personaje que representa, para redondear un trabajo soberbio, de esos que no se olvidan y merecen premio al final de la temporada. Nuestra felicitación para Fito, un actor al que elogiamos ya en anteriores oportunidades, pero que acá nos dejó literalmente sin palabras, con un trabajo actoral, que sin dudas ubicamos en el podio de los mejores que vimos este año y les aseguramos que vemos varias obras por semana.

Y si encima a este gran trabajo actoral, le sumamos una puesta magnífica se imaginan los resultados. Expresar admiración para el diseño escenográfico que presenta la obra. El espacio escénico del Mil80, tiene características muy particulares, que posibilitan puestas muy íntimas, donde el espectador quedan inmerso en la escena. Y el entorno será de una belleza absoluta, con un espacio repleto de fotografías y reproducciones de gran cantidad de cuadros que nos hace sentir dentro del taller de Picasso. Un lujo el diseño escenográfico y también entre los más bellos que vimos en en año. Completan esta gran puesta, el diseño de iluminación de Marco Pastorino y el vestuario de María de los Remedios Ruiz. Ambos rubros agregan valor a una puesta sobresaliente.

Hasta acá vamos a contar, se habrán dado cuenta los lectores, que quedamos encantados con Un Picasso, una obra que nos permite tomar real dimensión de la importancia que tuvo este artista, que revolucionó su época. La obra logra humanizar su figura y traerlo a escena, como lo que realmente fue, un artista genial y apasionado, con excesos y miserias, mostrando tanto su genio creativo, como su lado más vulnerable y contradictorio.

Solo nos queda recomendar la obra, una de las mejores que vimos este año en el circuito del teatro independiente, con un texto muy rico de Javier Margulis, responsable también de una puesta fantástica, que construye el terreno ideal, para que Fito Yanelli nos regale una composición brillante, para poner en un cuadrito, recorriendo el legado de un artista visionario como Pablo Picasso, que transformó el arte del Siglo XX, uniendo genialidad, pasión y rebeldía en cada un de sus obras, mostrando el poder que tiene el arte para emocionar y dejar una huella eterna.

Pensador Teatral.

Segunda Vuelta.

Dramaturgia de Marco Calvani.  Dirección de Dana Basso.

Martes 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

Una dramaturgia potente y cercana, llega de la mano del italiano Marco Calvani, que estrenó Segunda Vuelta en la Bienal de Venecia en 2014, llegando ese mismo año a New York, teniendo  la obra, un recorrido muy exitoso por Italia y Estados Unidos, donde recibió numerosos elogios de parte de la crítica especializada y también algunos premios. Marco hace un año decidió actualizar el texto, para ser presentando en los escenarios argentinos y la pieza transita ya su segunda temporada en nuestro país, con muy buena respuesta de un público, que se sorprende por la vigencia de una trama que resulta muy actual.

Y de que trata la obra se preguntarán. La pieza nos presentará las historias de Phillip ( Bautista Duarte ) y Sofía ( Alexia Moyano ). En el arranque de la trama, serán para nosotros un profesor de filosofía y su alumna, que se encuentran en el departamento de Phillip, para una especie de clase particular de la materia. Hablarán de Sócrates, Platón y Hegel, entre otros filósofos. Discutirán sobre algunas de sus teorías y pensamientos. Pero se nota una particular tensión en ese intercambio, miradas filosas y exaltaciones en las palabras. Algo nos dice, que esos dos personajes, son mucho más que lo que aparentan.

Y pronto descubriremos que Phillip y Sofía, se conocen muy bien. Fueron hace muchos años, profesor y alumna. Así se conocieron. Se enamoraron y luego fueron pareja. Vivieron juntos en el hogar donde ahora se encuentran. Pero la vida muchas veces, no ofrece un camino de felicidad y las relaciones se rompen. Eso fue lo que ocurrió con ellos. Pasaron muchos años de aquella amarga despedida. Hoy se vuelven a encontrar y verse las caras nuevamente. No será un encuentro sencillo.  Las pasiones y heridas del pasado, aún están en carne viva y tratar de recuperar momentos que ya no existen, puede ser tan doloroso, como peligroso. Y hasta acá vamos a contar, para no revelar más momentos de una trama que tiene una muy buena cuota de suspenso.

Vamos a hablar de la magnífica dupla protagónica conformada por Bautista Duarte y Alexia Moyano, dos actores estupendos, de muy buen recorrido en el teatro independiente, que muestran toda su valía en una obra que requiere un fuerte compromiso emocional y actoral , ya que la dinámica de la historia es muy exigente y requiere una entrega absoluta de los protagonistas. No es una obra para cualquiera y tanto Bautista como Alexia, demuestran estar a la altura, con composiciones muy destacadas, donde literalmente se sacan chispas en escena.

Bautista Duarte, es quien lleva las riendas del encuentro, jugando muy bien el juego de la manipulación y de la victimización, parece haber estudiado previamente cada una de sus jugadas, pero como ya dijimos,  no debemos perder de vista, que esta es una de esas obras, donde las apariencias engañan y hasta ahí nos extendemos. Bautista, a quien elogiamos el año pasado, por su gran trabajo en Mongo y El Ángel, es un actor de gran trayectoria, no solo en el teatro y se caracteriza por dotar a sus personajes de una sensibilidad particular, algo que vuelve a mostrar aquí, con un Phillip que muestra múltiples caras. Gran composición de Bautista.

Y que decir de Alexia Moyano, actriz de gran recorrido y fuerte presencia esçénica, a quien recordamos haber elogiado hace unos años por su actuación en Mármol, obra que vimos en El Tinglado. Aquí tiene a su cargo a Sofía, que es un torbellino de emociones, no tiene claras las razones por la que asistió a aquel encuentro o más bien no quiere asumirlas, ya que sabe que está cometiendo un error. Su personaje es visceral y debe mostrarse fuerte y no mostrarse vulnerable, , porque sabe que si baja la guardia, Phillip puede envolverla y arrastrarla a arenas peligrosas. Estupenda interpretación de Alexia.

Tiempo de elogiar la atrapante y sensible puesta de Dana Basso, que sabe como generan una atmósfera de tensión creciente, a un texto que precisamente reclama ese clima. Destacar el diseño escenográfico austero de José Escobar, con pocos elementos en el escenario, solo una silla, una lámpara y una pila de libros en el piso, denotando que se trata de una casa fría y en descomposición. José también tiene a su cargo el vestuario, que colabora con las muy buenas caracterizaciones de los personajes.

Y hasta acá vamos a contar para mantener el suspenso. Segunda vuelta es un thriller psicológico crudo y potente, que nos hablará de seres rotos y relaciones tóxicas. El deseo enfermo, el poseer al otro a como dé lugar, mostrando una lucha de poder, que busca someter al otro, recurriendo a la violencia si fuera necesario. La obra nos habla del patriarcado y su lucha, para que la mujer guarde obediencia. La historia deja en evidencia, como muchas veces las relaciones amorosas, entran en un círculo vicioso de violencia y toxicidad, del que se hace muy difícil salir.

Por todo lo mencionado, recomendamos fuertemente la obra, que con una dramaturgia profunda logra llegar al corazón de un espectador, que no puede quedar indiferente ante la virulencia de un texto, que conmueve por su lamentable actualidad. Una dramaturgia muy bien elaborada, una puesta perturbadora y fenomenales composiciones de una dupla protagónica superlativa, son todos factores que se unen, para que vivamos una vibrante noche de teatro, que nos invitará a reflexionar y a estar alertas, cuando nos encontremos con una relación tóxica y nos recuerda que entre el amor y el odio, muchas veces se extiende un abismo tan mínimo, como devastador.

Pensador Teatral.

La Changuita

Dramaturgia y Dirección de Alejandro Lifschtiz.

Viernes 20 30 hs en Fandango Teatro ( Luis Viale 108 )

Una propuesta muy entretenida llega de la mano de La Changuita, obra escrita por Alejandro Lifschtiz, que con una fachada humorística y momentos desopilantes, logra desplegar una dramaturgia de varias capas, en las que poniendo el foco en la supuesta defensa de la cultura popular argentina, desentraña una trama de engaños y simulaciones, que se verán acentuadas por la llegada de un influencer estadounidense, que pondrá al descubierto los límites, que estamos dispuestos a superar y hasta cuando podemos rebajarnos, con tal de obtener una recompensa económica.

El arranque de la obra es sorprendente, ya que el espectador encontrará un espacio escénico inédito, con los personajes de espaldas al público. Están atendiendo La Changuita, el modesto puesto de venta de carne asada y choripanes ubicado en la Costanera Sur, que será el centro de la historia. Allí conoceremos a Gloria ( Graciana de Lamadrid ) y José ( Javier Barceló ), pareja y dueña del modesto negocio familiar, que trata de sobrevivir con lo que venden, algo complicado, porque la merma del público es notable. Cada vez tienen menos clientes, ya que la moda gastronómica, ahora tiene que ver con gustos internacionales, como el sushi, el ceviche o los tacos mexicanos. Cualquier a de esas opciones, parece mejor que la gastronomía autóctona, que muchos aún relacionan con nuestra cultura popular.

No es la mejor de las jornadas, están vendiendo poco y discutiendo mucho entre ellos. Para colmo ese día, también está en el puesto, Antonio ( Anibal Tamburri ), el padre de Gloria. Un hombre mayor. mal llevado y con problemas de salud, autodefinido como poeta y portando un tubo de oxígeno portátil para poder respirar. Pero la rutina de ese día, será modificada totalmente, con la llegada de Andrew, un influencer estadounidense, que está organizando un concurso entre sus seguidores de Instagram, con un premio de veinte mil dólares, para quien sea votado, como el mejor exponente de la cultura popular argentina y justamente La Changuita es uno de los postulantes a llevarse el premio.

El choque cultural entre el yankee  los dueños de local es notorio- Andrew es fan de la argentinidad,  romantizador de la pobreza y muestra una perturbador desequilibrio emocional. El encuentro arrancará cordial y tranquilo, pero a medida que las transmisiones del vivo ganan seguidores, la tensión irá en aumento, así como las exigencias de Andrew. Gloria y José, se muestran dispuestos a todo, incluso a ser humillados, para ganar aquel concurso y harán lo imposible para agradar las exigencias del foráneo, debiendo también luchar para que Antonio, el poeta maldito de José C Paz, calme su lengua filosa y no les haga perder el premio. Y hasta allí vamos a contar, solo les adelantaremos que serán testigos de momentos muy divertidos, bizarros y absurdos por momentos, en los que veremos una lucha de titanes, entre las absurdas exigencias del influencer y una obediencia a toda prueba de los dueños de La Changuita, que muestran una capacidad de aguante sin límite, con tal de ganar.

Tiempo de hablar de las notables actuaciones que presenta la obra. Arranquemos por la estupenda dupla protagónica conformada por Graciana de Lamadrid y Javier Barceló, Gloria y José, son los dueños del negocio que mostrarán sus diversas caras, discutiendo mucho entre ellos, encantadores de serpientes con los posibles clientes, despiadados con el viejo poeta y alevosamente serviles con el influencer foráneo. Nos encantó la dupla de Graciana y Javier, carismáticos y creando personajes muy creíbles, exagerando la gestualidad y siendo fieles exponentes de una artificial defensa de la cultura popular argenta.

Sigamos con Anibal Tamburri, a cargo de Antonio, el poeta maldito de José C Paz. Gran personaje este, dotado de la impunidad, que tienen aquellos que ya hicieron todo el recorrido, puedo vociferar sin filtro sus pensamientos y recitar poemas de dudoso gusto. Excelente lo de Aníbal. Y para el final, dejamos a Alejandro Lifschtiz. el propio autor, que además tendrá a cargo al personaje disruptivo de la historia, a Andrew, el personaje snob, que llegará como un mesías, para expandir sus pensamientos y mostrar sus  contradicciones. Exponente de la importancia actual de las redes sociales y de toda la estupidez que la rodea, Un personaje fascinante el de Andrew, con muchísimos matices para descubrir. Magnífica composición de Alejandro, redondeando de esta manera, un póker de actuaciones virtuosas, siendo todas ellas, importantes para el desarrollo de la historia.

La puesta es realmente un punto muy alto de la propuesta. Sobresaliente y muy original, el dispositivo escénico creado por Walter Maser, que ofrece el interior de un puesto de venta, y sus entrañas, donde se desarrollan las acciones, con el mostrador marcando los límites con el exterior, para un diseño tan vistoso, como efectivo. El vestuario de Mara Soraire, es otro rubro a destacar, ya que colabora con la muy buena caracterización de los personajes. Realmente atractiva y original la puesta.

Y hasta acá vamos a contar para no spoilear más de la cuenta. La obra tiene entre sus mayores virtudes, las múltiples lecturas que permite, siendo el espectador el que le podrá énfasis a la que más le llegue. En primer lugar, debemos mencionar el forzado mantenimiento de una cultura popular, que cada vez menos gente sigue, pero que de todos modos se sostiene, con exageraciones y simulaciones mediante. Otro tema que aparece, es el del poder de las redes sociales y el seguimiento casi ciego de las mismas, pese a que muchas veces proponen caminos sin sentido. Y por último, la trama explora, hasta donde podemos llegar en una situación de crisis, quedando habilitadas las humillaciones y soportar situaciones que en condiciones normales, no soportaríamos y en el caso de la trama, exacerbado esto ya que el que marca las pautas, es un ciudadano del primer mundo, al que miramos desde un piso inferior.

Por todo lo mencionado, recomendamos  La Changuita que resulta fiel exponente del teatro independiente, gracias a su dramaturgia realista y aguda, una puesta sumamente atractiva y actuaciones muy destacadas de un elenco que se mueve con gracia al ritmo de una trama muy entretenida. Por eso nada mejor que llegarse hasta el Fandango, para pedirse una bondiolita completa, mientras suena una canción de Gilda y corre aire fresco en una Costanera Sur que lucha por sobrevivir a las nuevas modas.

Pensador Teatral.

País de Nunca ( Ajedrez Fantástico )

Dramaturgia y Dirección de Guillermo Parodi.

Sábados 17 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una vistosa propuesta que combina teatro musical, magia y una mirada crítica a la realidad del país, es la carta de presentación de País de Nunca ( Ajedrez Fantástico ), esta original y creativa obra escrita por Guillermo Parodi, que se inspiró en  "A través del espejo " de Lewis Carroll, para presentar un cuento fantástico, que navegará entre sueños y pesadillas, con personajes fantásticos que parecen salidos de un cuento, pero sin perder de vista, la historia reciente del país, resultando una combinación tan extraña como fascinante.

La trama de la obra, fluirá entre lo onírico y lo real, siguiendo el recorrido de Irupé ( Lucía Palacios ), una muchacha que según comenta el autor, sería una especie de  Alicia del Litoral, que despertará al otro lado de un muro, en un mar de agua dulce donde las imágenes no reflejan lo que aparentan.  La protagonista recorrerá un campo que parece un gran tablero de ajedrez, que Guillermo Parodi, nacido en Corrientes, relacionó con los Esteros del Iberá, un gran tablero de islas flotantes, que resulta peligroso para quienes no lo conocen.

Irupé parece inmersa en un sueño o una pesadilla, dependiendo los casilleros que irá atravesando y los misteriosos personajes que irán apareciendo en su camino. Los mismos entrarán y saldrán de puertas y espejos, mostrando una aparente amabilidad, cuando la verdadera intención es que la muchacha quede atrapada en el mundo que se le presenta, con lógicas impuestas y sin posibilidad de modificar el status quo vigente, impuesto por los que detentan el poder. En aquel mundo, están prohibidas las preguntas, el pensamiento crítico y sobre todo soñar. Los sueños están prohibidos y eso debe quedar  bien claro. Pero nuestra protagonista, no se va a resignar tan fácilmente y las estructuras de este ajedrez fantástico van a crujir. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, en una obra donde las sorpresas son una constante y los espectadores gustosamente se entregarán al viaje onírico que le proponen.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra. Y aquí nos vamos a tomar nuestro tiempo, porque el relato tiene personajes fascinantes, que se construyen, gracias a las exquisitas composiciones y caracterizaciones de los seis actores reunidos, que se entregan por completo a la magia de un relato de algo vuelo poético y creativo. En nuestra opinión, la gran revelación de la noche es Lucía Palacios, como Irupé, que nos regala una composición deslumbrante cargada de sensibilidad y emocionalidad. Destacar de Lucia, su gran gestualidad y una voz hermosa, que se luce en las partes cantadas de la trama, que la tienen como protagonista. Nos encantó su trabajo.

Y si tenemos que hablar de trabajos destacados, enseguida tenemos que mencionar a Lorena Szekely, como la Reina Roja o Victoria de la Villa Cruel, una mezcla de Reina de Corazones con la frivolidad y el poder, de nuestros gobernantes. Lorena es una estupenda actriz, a la que elogiamos en muchas oportunidades en este sitio y aquí mostrando todo su histrionismo y dueña de una gran presencia escénica, compone a un personaje tan delirante, como reconocible, que merece verse.

Los personajes femeninos se completan con Inda Buh, como el Hada Epuri, el reflejo de Irupé, que con sensibilidad jugará con los muchos espejos que veremos en el escenario, generando escenas muy bellas junto a la protagonista. Sigamos con El Gran Calibán, actor y mago, que aquí será el Pombero, personaje fantástico de la mitología guaraní, con un trabajo soberbio, mostrando sus dotes como actor, incorporando trucos de magia a la trama y siendo también músico en vivo, en varias partes de la obra. Gran trabajo de El Gran Calibán, con su imponente cabellera blanca.

Y nos queda mencionar a dos personajes, que también tienen papeles muy destacados. Uno de ellos es Guillermo Flores, como el Gnomo Cruel, una especie de bufón al servicio del poder, siempre fiel al régimen de turno. Destacar la corporalidad y expresividad de un personaje de doble cara, muy reconocible. Estupendo lo de Guillermo. Y para el final, dejamos a Marcelo Rodríguez, como El Huevo o Dos Onzas, una especie de poeta, que luce como un soplo de aire, entre tantos villanos, luchando en minoría y tratando de acompañar a la muchachita. Buenísimo su trabajo, muy gestual y hablando mucho con su cuerpo. Que bueno lo de Marcelo.

Esta, es una de esas obras, todos los trabajos actorales son importantes para el desarrollo de la trama y la dramaturgia les permite a todos, más allá del protagonismo, con momentos de gran lucimiento, Ya es tiempo de hablar de la fenomenal puesta que presenta la obra, siendo sin dudas uno de sus puntos más altos. Impacta el diseño escenográfico de Fernando Díaz, que presenta el escenario de la sala principal del Teatro del Pueblo, con piezas de ajedrez gigantes, espejos, puertas y mucho más. Un deleite visual y sensorial. Sobresaliente el vestuario de Jorgelina Herrero Pons, caracterizando en gran forma a todos los personajes, de pies a cabeza, no se pierdan por favor el vestuario de la Reina Roja. 

Párrafo especial para la música original de Juan Pablo Martini, a cargo del piano además y a Nicolás Lastra en bandoneón. El diseño lumínico del propio Guillermo Parodi, genera muy buenos climas a lo largo de un relato, que atrapa al espectador desde el comienzo. Y vale acá la felicitación para Guillermo, por esta puesta tan bella y tan creativa, que sumerge al público en un universo poético,  mostrando que con ingenio y mucho trabajo, el teatro independiente, puede presentar puestas que no tienen nada que enviarle al circuito comercial.

Y hasta acá vamos a contar, País de Nunca ( Ajedrez Fantástico ), es una original y valiosa propuesta, que combina teatro musical con magia y un mundo de fantasía. Una propuesta que abreva en los universos de Lewis Carroll, María Elena Walsh, Serú Girán, Teresa Parodi y del gran escapista Houdini, todos ellos estarán presentes, en un relato que juega mucho con las metáforas y el vuelo poético, dejando que el espectador encuentre diferentes interpretaciones, según su mirada.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar esta bella obra, que invita al espectador a emprender un viaje fantástico, donde la magia, la música y lo poético dirán presentes, de la mano de un texto que juega entre lo onírico y la realidad del país, con una puesta que resulta una verdadera joyita y actuaciones exquisitas, que nos recuerdan que pase lo que pase, nadie nos puede quitar nunca la posibilidad de soñar y luchar por un mundo mejor.

Pensador Teatral.

Libre Cautiverio

 Dramaturgia y Dirección de Nicolás Manasseri.

Miércoles 20 30 hs en Teatro Regina ( Av. Santa Fé 1235 ) 

Llega a nuestra cartelera porteña, una propuesta de Nicolás Manasseri, uno de los directores de la Compañía Teatral Phepandú, autor de muchas obras con gran repercusión en el teatro independiente, como El Funeral de los Objetos, Juegos de Fábrica, El Hambre y podemos seguir la lista. Las piezas esta la compañía tienen un estilo propio, donde la alta creatividad y la fusión de lenguajes escénicos son su marca registrada. Siempre muestran un especial cuidado por la estética de las puestas, con escenografías vivas y el teatro físico siempre presente. Por último mencionar , los elencos numerosos, la creación colectiva y la música que suelen ser características de sus obras.

Por todo lo mencionado, siempre que Phepandú presenta un estreno, nos surgen ganas de descubrir cual es el nuevo universo creativo que aparecerá en escena. Y con Libre Cautiverio, vemos que están presentes prácticamente todas las cualidades que mencionamos en el párrafo anterior. Podemos definir a la obra como un potente musical, que nos describirá un mundo distópico y apocalíptico, en el que un grupo de personas luchará por su supervivencia. Y para lograrlo, deberán mantenerse encerrados en su escondite. Llevan diez años ya, con esta metodología, saliendo solo algunos del grupo para cazar y recolectar provisiones, debiendo estar el resto, siempre en alerta y vigilando, que el enemigo no esté en las proximidades.

El exterior es hostil y lleno de amenazas. Campos minados, helicópteros que sobrevuelan el terreno y el peligro siempre acechando. La dinámica del grupo cambiará por completo, cuando en una expedición, encuentran a un chica a la que toman de prisionera. Los interrogantes se multiplican ?? Quien es aquella bella mujer ?? Como llegó hasta allí ?? Será una trampa del enemigo ?? Los rengos jerárquicos del grupo serán desafiados, como así también las verdades establecidas, por muchos tiempo.

Hasta cuando deberán seguirán ocultos y escapando ?? Es vida aquello ?? El tiempo pasa y la atmósfera se vuelve asfixiante. Abundan las dudas y los roces comienzan.  Algunos hartos del encierro, quieren salir al exterior, pero irse no es gratis. Podrían atraparlos y ser el señuelo para que descubran al resto. Las tensiones irán en aumento. la violencia cada vez está mas presente y los presagios no son nada buenos. Pero, hasta allí contaremos, porque la obra tiene una cuota importante de suspenso y vamos a mantenerlo.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra. El despliegue actoral no pasa desapercibido, son nada menos que catorce los actores en escena y esto moldea el carácter de una trama dinámica y en pleno movimiento,  que se apoya en los bellos momentos musicales y en las coreografías muy bien ejecutadas, siendo ambas parte fundamental del relato, que tendrá un componente de teatro físico muy alto, requiriendo una gran entrega de un joven elenco, que acepta el desafío y esto queda plasmado en el trabajo de cada integrante del mismo, sin importar si se trata de los desde actores protagónicos o de los integrantes del ensamble.

Corriendo el riesgo de ser injustos, vamos a destacar algunos trabajos que sin dudas lo merecen. Arranquemos por Ivana Rossi, como Libertad, la nueva líder del grupo, que tendrá la difícil misión de mantener en raya, a una comunidad humana, que se muestra cada vez más inquieta. Con gran presencia escénica y destacada gestualidad, Ivana cumple muy bien su rol. El antiguo líder era Domingo, interpretado por un Guido Botto Fiora, que muestra su carisma y establece una lucha de poder interna. Muy bueno lo de Guido. Nos gustó mucho la interpretación Bianca Cuscuna, como Alma, la chica que fue tomada prisionera y que generará inquietud en el grupo. Bianca aporta frescura al relato y se destaca mucho en las partes cantadas.

Matías Zajic, es Pacífico, la voz pensante del grupo. El que se atreve a cuestionar el statu quo vigente. Federíco Dryzun se destaca como León, uno de los designados para cumplir las tareas de vigilancia. Ambos logran lucirse.  Y para el final dejamos a Fernanda Provenzano, una de las creadoras de Phepandú, que aquí será Brisa, una de las más jóvenes e impulsivas del grupo. Fernanda es una actriz que nos encanta, dueña de una gran versatilidad, siempre que la vemos nos deslumbra y aquí no será la excepción. Se siente muy cómoda en el género musical y destaca muchísimo en todos los movimientos coreográficos, con una entrega absoluta.

Precisamente el punto más alto de Libre Cautiverio, es sin dudas su puesta, que resulta un lujo para el teatro independiente. Varios ítems a destacar. Vayamos por parte. La música original de Nahuel Tamago es muy destacada y se apoya en la dirección musical de Facundo Cicciu. Siguiendo con lo musical, la obra tiene un gran plus, como es contar con banda en vivo, algo que no es sencillo de conseguir en estos tiempos y le agrega mucho valor al relato.

El diseño escenográfico que tiene mucho verde, aprovecha las generosas dimensiones del escenario del Regina y le aporta gran belleza visual a la pieza, al igual que el diseño lumínico. Párrafo especial para el fenomenal vestuario de La Costurera, que caracteriza en gran forma a tantos actores. Todos los detalles están cuidados y son muchos los recursos que se combinan, para que el espectador pueda disfrutar de una puesta de gran nivel, que no tiene nada que envidiarle a grandes producciones del teatro comercial.

Y hasta allí vamos a contar, la propuesta de Libre Cautiverio resulta muy entretenida, apoyándose en lo musical como base y jugando con lo experimental, con el teatro físico y con una  alta creatividad que es sello distintivo de esta compañía. La historia indaga en las relaciones que se establecen en los grupos humanos, con sus relaciones de jerarquía y poder. La aceptación de las reglas establecidas, las tensiones y ese instinto de supervivencia que todas las personas tienen en los momentos límite, estarán presentes en el relato.

Los invitamos a que descubran el universo distópico de Libre Cautiverio, donde el encierro y apegarse a las reglas, es un mandato marcado a fuego. La obra destaca por la calidad de una puesta muy rica, bellos momentos musicales, coreografías muy bien ejecutadas y principalmente por la entrega de un joven elenco, que mostrará su talento y compromiso, con una historia que aunque parezca fantasiosa, nos resulta perturbadora, ya que si tomamos nota del rumbo que está tomando la humanidad, puede resultar premonitoria.

Pensador Teatral.

Conquista Condarco

Dramaturgia y Dirección de Mercedes Moltedo.

Miércoles 21 hs en Nun Teatro Bar ( Juan Ramírez de Velasco 1419 )

Una divertidísima propuesta llega de la mano de Mercedes Moltedo, autora y protagonista de este unipersonal, que con un texto desenfadado y de elaboración artesanal, pondrá el foco en la adolescencia, esa etapa de cambios intensos, emociones y despertares, en el que la escuela secundaria se convierte en el lugar indicado, para que las vivencias se graben con fuerza, amistades, primeras búsquedas de identidad y huellas que, aunque invisibles, nos marcan para siempre.

Y será siguiendo los pasos de Sandra Condarco, la alumna de tercer año del Colegio Inmaculada, que la historia tomará color. Sandra transcurre sus días escolares de manera casi rutinaria y con excelentes notas, tanto que los demás alumnos de la clase le piden ayuda en cada prueba. Tiene en Rocío, a su mejor amiga y confidente. Se divierte poniendo ápodos a sus compañeros y a los maestros. Es decir sigue la dinámica que cualquier adolescente seguiría en su paso por la secundaria, donde las anécdotas cargadas de risas y las emociones exageradas, laten con intensidad en un tiempo de cambios.

Pero esa normalidad se verá afectada, por la llegada al curso de Alejo Luciani, el nuevo del curso, que llegará luego de haber repetido en el Almafuerte, el colegio vecino y menos disciplinado que el Inmaculada. Sandra quedará inmediatamente flechada por aquel chico, de espalda anchísima, ojos grandes y mucha facha. El bichito del amor la picará a pleno y su cuerpo lo sentirá con temblores inexplicables, cosquilleos que desvelan y las infaltables mariposas en el estómago que no pararán de aletear.

Desde ese momento, la rutina escolar de Sandra cambiará por completo. El único pensamiento en su mente será Alejo, Pero será posible que el nuevo se fije en ella ?? Claramente no es la más linda, ni la más popular de la clase, pero la suerte parece hacerle un guiño, ya que el destino harán que compartan grupo en Naciones Unidas, un trabajo práctico que les pide la profe de Historia. Sandra no puede dejar pasar la oportunidad, encima se acerca el baile de primavera y su sueño podría convertirse en real, por lo que tendrá que sacar coraje y jugarse por el amor. Y hasta allí vamos a contar, solo vamos a decir que el baile será muy movido y pasarán muchas cosas. Para saber si nuestra heroína y el nuevo se dieron el primer beso y si pasó algo más,  deberán ver la obra, les podemos asegurar que se van a reír mucho y disfrutarán de una historia muy entretenida.

Tiempo de hablar de la gran protagonista de la obra, nos referimos a Mercedes Moltedo, que como comentamos en el arranque, además de ser quien lleva las riendas de este unipersonal, es la autora de la obra, donde seguramente volcó muchas de sus experiencias de la adolescencia. La composición de Mercedes es simplemente genial. Con un histrionismo a flor de piel, mostrará que el humor es una veta donde se siente muy cómoda y creará un universo muy divertido, que generará risas constantes del público.

A Mercedes los amantes del teatro independiente, seguramente la reconocen por ser la protagonista de La Pilarcita, obra de culto de las mellizas Marull, que lleva más de 10 años de suceso ininterrumpido. Pero aquí tiene un desafío muy grande, ya que es la protagonista de un unipersonal, el primero en su carrera, de una obra que ella misma escribió y los resultados no podían ser mejores. Nos encantó el trabajo de Mercedes, que luce la gran gestualidad que tiene, canta, baila, se entrega por completo, en un relato donde el teatro físico tiene peso y en esa faceta también se luce mucho, redondeando una interpretación sobresaliente, en la que todo su carisma aparece al servicio de los personajes.

Porque vale aclarar, que se bien la historia la contará la alumna Sandra Condarco, gracias a la versatilidad de la protagonista, también veremos en acción a una bufetera inescrupulosa que le pone más fiambre a los sándwiches que piden los varones, a una profesora de historia desopilante y muchos más, todos representados por Mercedes, que redondea un trabajo para poner en un cuadrito y donde deja claro que este unipersonal será su primero, pero de ninguna manera el último, ya que la vimos muy cómoda en escena y el público disfruta mucho sus ocurrencias y desparpajo.

La puesta es muy dinámica y entretenida. Nos gustó mucho el diseño escenográfico de José Escobar,  austero y muy funcional al relato. La música original de Julián Rodríguez Rona, es un plus. El diseño lumínico de Eduardo Pérez Winter acompaña muy bien los diferentes momentos del relato. Si bien, la protagonista es la que lleva el peso de la obra, está muy bien acompañada por un montaje muy cuidado, que muestra una vez más que cuando hay buenas ideas, no hace falta grandes inversiones económicas, para lograr una puesta que envuelva al público.

Y hasta acá vamos a contar, disfrutamos de una noche muy divertida de teatro, donde nos reímos mucho, y ahora que lo pensamos,  hacía tiempo que no nos reíamos en el teatro y la risa, en estos tiempos tan complejos, es algo que vale mucho. Poder disfrutar de una pausa teatral, que por una hora, nos haga volar con la imaginación y nos permita olvidarnos de los problemas, no tiene precio y Conquista Condarco lo consigue. 

Solo nos queda recomendar la obra, que sin dudas nos va a remontar a los tiempos de nuestra adolescencia, para recordar anécdotas divertidas, otras no tanto, amigos que conservamos de aquellos años o no, esa maestra de inglés tan exigente, los recreos eternos y mucho más, gracias a la sensibilidad y la cercanía de un texto estupendo de Mercedes Moltedo, que nos invitará a ser parte de viaje hermoso en el tiempo, disfrutando de una composición genial y riendo mucho, algo que vale oro en estos tiempos de tanta crispación.

Pensador Teatral.

El Último Gol de Saenz Peña

Domingos 18 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Dramaturgia y Dirección de Paula Marrón.

La narrativa sensible y poética de Paula Marrón, vuelve a sorprendernos gratamente de la mano de El Último Gol de Saenz Peña, su última obra que la toca muy de cerca y tiene mucho de autobiográfico, algo que sin dudas le otorga más valor al relato, ya que lo hace muy real y permite hablar con propiedad de temas como el valor de la amistad, el paso del tiempo y como los recuerdos comienzan a tornarse cada vez más fuertes, porque la vida nos está preparando para que despidamos a nuestros seres queridos, de la mejor manera posible, algo para lo que nunca estamos preparados.

Y esta entrañable historia, nos hablará de vínculos, en primer lugar el del Pata ( Rafael Solano )  y su hija Julia ( Julia Di Ciocco ) , que fueron convocados a un potrero de Burzaco, por Oscar ( José Manuel Espeche ), amigo del Pata, ambos integrantes del equipo de Veteranos de Saenz Peña. La convocatoria fue nocturna y Oscar no dió mayores detalles en la llamada telefónica, solo les dijo que tenían que ir a cumplir un pedido del Mono, otro de los integrantes de aquel de equipo, que hace unos años había dejado este plano.

Y allí estaría,  el Pata con su hija, esperando en aquel descampado, que hace muchos años tenía las canchitas donde el equipo,  jugaba todos los Domingos. Julia recordaba que siempre iba a ver jugar a su papá y se reía con las ocurrencias de todos los integrantes del equipo. Ya nada quedaba de aquellas canchitas y pocos eran los integrantes vivos del equipo. . Solo el Pata y Oscar, los demás se fueron yendo, como nos vamos a ir a todos, el último había sido el Mono, que había dejado un pedido muy especial, que era el motivo por el que Oscar había llamado a su amigo.

De alguna manera El Mono, le recordó aquel penal que El Pata había fallado en Julio de 1989 y que les podía haber dado el título, que nunca consiguieron. Los años habían transcurrido, pero estaban a tiempo de reescribir la historia. El Pata debía volver a patear el penal y convertirlo esta vez.  Y hasta allí vamos a contar. La idea no era de fácil concreción, porque el Pata era un cabrón y además no estaba bien de salud. Pero el pedido estaba hecho y las cartas jugadas. Hasta acá vamos a contar, deberán ver la obra, para descubrir si el deseo del Mono, finalmente se pudo cumplir. 

Tiempo de hablar de las entrañables actuaciones que tiene la obra. Y arranquemos por Rafael Solano, como Osvaldo o El Pata como sus amigos lo  llamaban. Se lo notaba cansando y algo triste. Extrañaba los tiempos en los que era fuerte como un toro y le costaba adaptarse a su nueva realidad, como le sucede a tantas personas de su edad. Al principio le pareció una locura la idea de Oscar, pero ganas no le faltaban, tal vez era el miedo y la melancolía lo que lo paralizaban. Gran trabajo el de Rafael, muy comprometido con el personaje y con la sensibilidad que la historia pide.

Sigamos con José Manuel Espeche, otro actor experimentado, al que habíamos elogiado ya en Memoria de un Poeta, hermosa obra,  escrita también por Paula Marrón, que lo tenía como protagonista. Aquí vuelve a destacarse, como un Oscar optimista que hará lo imposible para cumplir el deseo de un amigo. Conserva varios recuerdos de aquel equipo y será pieza fundamental para que la historia tenga otro final. marcando la importancia que tiene la amistad.

Y por último hablar de Julia De Ciocco, la hija que no dudó en acompañar a su padre a Burzaco y que a diario trata de apuntarlo para que no se venga abajo. Ella recuerda a su papá jugando en aquellas canchitas y lo que le compraba en el buffet al final de los partidos. Y tampoco está preparada para la muerte de un ser querido. Cada espectador, seguramente se va a identificar con algún personaje, en el caso de quien escribe estas líneas, nos sentimos muy identificados con el personaje de Julia y nos emocionamos mucho, por el amor y el acompañamiento que su personaje muestra para con su padre.

La puesta de Paula es muy tierna, logrando tratar el tema de la muerte, sin solemnidades y buscando darle liviandad y grageas de humor, a una temática brava. Nadie quiere hablar de la muerte, pero a todos nos llegará y la autora con esta hermosa ficción, nos conecta con el tema, de una manera muy inteligente. La trama atrapa y emociona al espectador desde el arranque. De la puesta, queremos destacar el vestuario de Victoria Chacón, que colabora en muy buena forma para la caracterización de los personajes y el diseño de luces de Ricardo Sica, creando los climas que el relato pide.

Y hasta aquí vamos a contar. Comentarles que El Último Gol de Saenz Peña fue la Obra ganadora del Concurso de Dramaturgia Ricardo Monti ( Diciembre 2024 ) y luego de haberla visto, coincidimos con el galardón. El relato de Paula, tiene sensibilidad y conmueve al espectador por su simpleza y realismo. Dijimos que el texto tenía mucho de autobiográfico y no les mentimos, ya el equipo de los Veteranos de Saenz Peña existía, jugaba en aquellas canchitas de Burzaco, donde la autora iba a ver jugar al Pata, que su padre. Por eso lograr traer todas esas vivencias y plasmarlas en un texto tan bello, es algo que en lo valoramos mucho, sin mencionar que nos sentimos muy identificados con la obra y nos emocionamos muchísimo durante la misma, algo que se repitió en toda la sala, siendo claro indicador que la obra llegó al corazón del espectador.

Solo nos queda recomendar, El Último Gol de Saenz Peña, una entrañable historia de barrio, que nos hablará del valor de la amistad, de la vida y de lo complicado que resulta transitar esos tiempos,  donde veremos que muchos amigos se van yendo. La obra nos ofrece, una puesta sensible y exquisitas actuaciones de un elenco que se identifica a pleno con la historia y que nos invitará a reflexionar sobre cual sería la mejor manera para esperar a la muerte, siendo lo más gratificante que nos encuentre esbozando una sonrisa, provocada por algunos de los recuerdos felices que la vida nos regaló.

Pensador Teatral.

Pedro Entre Páginas

Adaptación y Dramaturgia de Emmanuel Maximiliano Pereyra. Dirección de Mariano Terre.

Miércoles 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Un desafío muy grande se propuso Emmanuel Maximiliano, al decidir adaptar un clásico como Peer Gynt, uno de los textos más reconocidos de Henrik Ibsen, el dramaturgo noruego, considerado el padre del drama moderno y uno de los autores más influyentes en la historia del teatro. El reto era arduo, en primer lugar porque Ibsen escribió esta obra en la segunda mitad del siglo XIX y fundamentalmente porque la pieza original tenía casi ochocientos personajes.

Pero bien, evidentemente Emmanuel se tomó muy seriamente el desafío y trabajó mucho, obteniendo una muy lograda adaptación, a la que título Pedro entre páginas, que situó en alguna ciudad pequeña de nuestro país, aggiornando el relato a estos tiempos y tal vez el rasgo más notable, con un formato de unipersonal, siendo el mismo Emmanuel, el protagonista de la obra, quien mejor que él, que desgranó el texto, para llevarlo a escena. 

Dejando de lado la introducción vayamos ya a hablar de que nos trae esta propuesta. En la obra de Ibsen, el protagonista era un viajero incansable que movido por su ambición y fantasía, atravesó el mundo en busca de experiencias y aventuras. En la historia que nos convoca, el protagonista es Pedro Giménez, un bibliotecario que no quiere morir en la rutina, que piensa que quedarse quieto sería su final y por lo tanto decide estar en constante movimiento. Esa piensa que es  la clave, para encontrar ese destino que sin dudas lo está esperando, porque él no se siente un hombre común, se siente especial y tiene la imperiosa necesidad de trascender.

En el caso de Pedro, su mundo de fantasía, son los autores que habitan en la biblioteca donde trabaja. Borges, Sábato y Cortázar entre otros son los ejemplos a seguir. Ellos dejaron su huella y el quiere seguir sus caminos. Lograr que en unos años, la gente sepa quien fue Pedro Giménez, que lea sus libros y conozcan su impronta. Realidad y fantasía se cruzarán en su vida y en el relato que el protagonista nos propone. Su crónica estará cargada de poética y de humor. Nos relatará situaciones de su vida, algunas desopilantes, como cuando interrumpió el casamiento de la mujer que le gustaba, aunque al poco tiempo se diera cuenta, que esas cosas mundanas, como casarse y tener hijos, no estaban reservadas para alguien como él. Su búsqueda era la trascendencia, dejar huella y para ello debía moverse, sin reparar lo que estaba dejando de lado por esa búsqueda. Y hasta allí vamos a contar, para saber si nuestro héroe finalmente consiguió lo que tanto anhelaba, deberán ver la obra, algo que resulta una gran idea.

Momento de hablar de la estupenda composición de Emmanuel Maximiliano, que maneja con maestría los tiempos de este unipersonal. Queremos destacar el aplomo y la prestancia que muestra para llevar adelante un personaje que tiene su complejidad, ya que en muchos momentos dialoga con en el mismo, navegando entre lo real y lo onírico. Nos encantó el tono de voz de Emmanuel, que le permite dar una hermosa cadencia a un relato, que atrapa al espectador y por momentos se vuelve hipnótico. Enorme trabajo el de Emmanuel, dominando los diferentes registros emocionales que pide Pedro y generando una corriente de gran cercanía con el espectador, que en muchas ocasiones, se identifica con sus dichos.

La puesta de Mariano Terre es íntima y colabora con la mirada introspectiva del protagonista, generando el clima ideal que pide el texto. Para destacar el diseño escenográfico de María Gugielmelli, que genera un espacio escénico repleto de libros de diferentes tamaños, con los que Pedro va a interactuar durante todo el relato, abriendo alguno de ellos, leyendo algunas líneas o funcionando como un asiento para el protagonista, pero en todos los casos, dejando en claro la importancia de los libros y la lectura en la historia.

  

Y hasta allí vamos a contar, nos sedujo mucho la propuesta de Pedro Entre Páginas, una mirada muy inteligente del clásico de Ibsen, ya que logra mantener el espíritu de la obra original y trae el relato a estos tiempos, mostrando la vigencia de un texto escrito hace más de un siglo. La pieza es profunda y nos invita a un viaje introspectivo, donde lo aspiracional y los sueños, lucharán contra la realidad que vivimos. El interrogante surge de manera natural. Es necesario viajar lejos en búsqueda de soñados horizontes para ser felices ? O en realidad la felicidad se encuentra mucho más cerca de lo que pensamos ?

Celebramos la idea de Emmanuel Maximiliano, al proponer una obra que nos interpela y nos invita a reflexionar, acerca de cuestiones existenciales de la vida. Lo hace resignificando un texto de un referente como Ibsen, con una puesta íntima y minimalista de Mariano Terré y con una composición precisa y sensible del propio Emmanuel. En lo personal, nos fuimos de Itaca, contentos con la velada teatral vivida y reflexionado sobre lo peligroso que puede resultar olvidarnos de lo simple que nos rodea, de aquella cosas que tenemos al alcance de la mano y nos podrían hacer muy felices, pero al tenerlas tan cerca, muchas veces no las vemos o cuando lo hacemos ya es demasiado tarde. Y por último decir, que cuando el teatro nos invita a ese tipo de reflexiones tan profundas, el objetivo ha sido cumplido.

Pensador Teatral.

La Niña Jamón

Dramaturgia de Laura Eva Avelluto. Dirección de Carla Gorban.

Domingo 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Una muy grata sorpresa nos llevamos con La Niña Jamón, esta divertida propuesta que desde al arranque nos convoca, desde su enigmático nombre, escondiendo una comedia dramática que tiene de todo. Pasajes realmente delirantes, otros de alto contenido emocional, momentos musicales, pasos de baile y un giro inesperado que le pondrá suspenso a una historia, que tiene a la risa como principal invitada, pero que tiene mucho más para ofrecer.

El relato se inicia en un living familiar. Allí se encuentran Dora ( Flavia Bagdadi ) y su hijo Eugenio ( Lucas Butti ) . La relación entre ambos es muy particular, ya que la manipulación que ejerce Dora es tremenda. Es una madre castradora, controladora, quejosa y full tóxica. Enseguida los espectadores se apiadan de aquel hijo adolescente, que debe soportar al torbellino que es su madre, algo que resulta casi imposible. La relación es asimétrica por donde se la mire, siendo Dora la que maneja todo lo que pasa en aquel hogar. En esos diálogos iniciales, se nota una incipiente extravagancia de ambos integrantes de aquella casa, algo que muy pronto confirmaremos.

Pronto nos enteraremos que aquel particular hogar recibirá una visita, ya que Eugenio ha invitado a cenar a su novia Eugenia ( Pilar Aguero ), que por primera vez irá a su casa y por el mismo precio conocerá a su madre. En ese momento, todos los espectadores intuyen que la invitada no la tendrá sencilla, pero se quedarán absolutamente cortos con aquel pensamiento, ya que lo que vivirá la chica será una verdadera pesadilla, desde el momento en que atravesará la puerta de entrada y conocerá a una Dora implacable, que no dejará cosa por hacerle.

No queremos contar demasiado, para que se sorprendan como nosotros, por una velada que incluirá algunas discusiones por el menú, ya que Eugenia es vegetariana y parece que no han tomado nota de ello. Dora no parará de hacer preguntas incómodas a la invitada, y hasta tendrá tiempo para contarle algún drama familiar, para expresar sus miedos de quedar sola, mostrará junto a su hijo sus dotes para el canto y la actuación, entre otras cosas. De a poco Eugenia, irá notando que su novio, tiene varios códigos en común con su madre, algo que la descoloca por completo. Las risas, el delirio y los momentos incómodas se adueñarán de la cena familiar, Pero les recomendamos a los espectadores, que estén muy atentos, porque en el momento que menos imaginan, el relato tomará un rumbo inesperado y perturbador, que dejará terreno fértil para un final a todo orquesta.de novela.

Tiempo de hablar, del joven elenco que representa la obra y tenemos que arrancar si o sí, con Flavia Bagdadi, que realiza una fabulosa composición de Dora. Una madre controladora y manipuladora, que maneja una impunidad a toda prueba. El personaje de Flavia es el corazón de la historia, ya que Dora es la que lleva la batuta en esa casa tan extravagante y es quien decide que se puede hacer o decir. A Flavia ya la elogiamos en otras oportunidades por sus trabajos, pero acá directamente la rompe. El público no sabe si horrorizarse o festejar sus diferente salidas, pero lo queda claro, es que se ríe muchísimo con el gran personaje que compone, que además le permite dar rienda suelta a todo su histrionismo.

Pero no seamos injustos con el resto del elenco, ya que si bien Flavia se lleva las mayores miradas, tenemos que destacar los trabajos de Lucas Butti y Pilar Aguero, que se lucen mucho también. Lucas es Eugenio, el sufrido hijo de Dora, que debe soportar todos los desaires y las barbaridades que le dice su madre y lo hace con un estoicismo admirable. Está muy bueno el trabajo de Lucas, porque en los momentos que el relato lo pide, sabe entrar en la misma sintonía de locura que establece su madre, dándose un tándem muy divertido.

Y nos queda hablar de Pilar Aguero, como Eugenia, la gran víctima de la velada, que debe aguantar el torbellino que será Dora, que buscará todas las maneras posibles para incomodarla, sin que su novio se atreva a salir a defenderla de la manera debida. Su personaje genera una gran corriente de empatía en el público, que tiene ganas de ir a rescatarla. Nos gustó mucho la composición de Pilar y para destacar su gran expresividad. Son tremendas sus caras de que hago aquí y que mal la estoy pasando. Gran elección para este personaje.

Son muy buenas las actuaciones de los tres protagonistas, con gran química entre ellos y esto favorece mucho a un relato desopilante y con mucha dinámica. Acá tiene mérito la dirección de Carla Gorban, que ofrece una puesta con ritmo, que atrapa al espectador desde el arranque, hilvanando una historia que tal vez sea la cubierta de otra oculta.. Nos gustó el vestuario, que colabora con la muy buena caracterización de los personajes y los momentos musicales que tiene la obra son también destacables, ya que además de ser muy graciosos, descomprimen la atmósfera de tensión que por momentos tendrá la díscola  reunión familiar.

Y hasta acá vamos a contar, pasamos una noche muy divertida viendo La Niña Jamón, siendo un privilegio poder entrar a la casa de Dora, para reírse y tratar de descubrir los secretos que se esconden entre esas cuatro paredes. El relato por momentos es desopilante y por momentos se vuelve perturbador, en especial por los malos momentos que le hacen pasar a la invitada. La trama en algún momentos hace referencia a Eugene Ionescu, una de las figuras centrales del teatro del absurdo, que la obra representa muy bien.

Por todo lo que comentamos, solo nos queda recomendar La Niña Jamón, una propuesta original y muy divertida, que los hará reír, los hará emocionar y también les dará un poco de miedo. Si todo eso junto, porque la obra es una verdadera caja de sorpresas, por lo que les recomendamos estén bien atentos, ya que los espera un final a todo trapo. La mesa está puesta, los espera una dramaturgia inteligente, una puesta divertida y magníficas actuaciones, que se unirán para que disfrutemos de una noche a puro teatro independiente, en la que todo puede suceder.

Pensador Teatral.

Tres Mujeres Audaces.

Dramaturgia de Mario Diament, Dirección de Mauro J. Pérez.

Viernes 21 hs en Teatro El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una vez más Mario Diament, uno los autores más reconocidos de nuestro teatro, vuelve a deleitarnos con una ficción atrapante, a partir de una ingeniosa idea, tomar a tres mujeres icónicas de la literatura teatral, como Nora de " Casa de Muñecas " de Ibsen, Julia de La Señorita Julia de Strindberg y Elena de Tío Vanya de Chejov, tres figuras femeninas muy fuertes, surgidas todas ellas a fines del Siglo XIX, que sembraron la semilla del feminismo, algo inédito por aquellos años, en los que la revolución femenina que finalmente se gestó décadas después, era todavía algo impensado.

La creatividad de Diament, vuelta alto al idear una obra que tiene a estas tres mujeres en foco y como disparador imaginar que sucedió con sus vidas, luego de aquellas obras. Que aconteció con Nora luego de dejar su hogar y a sus hijas  ?? Cuál fue la suerte de Julia que partió con una navaja de su casa y con intenciones suicidas ?? Y Elena, finalmente  habrá encontrado el verdadero amor, luego de abandonar a aquel hombre mayor y lleno de achaques con que se había casado. Las tres obras, dejaban espacio abierto para imaginar y Mario lo aprovechó a la perfección, ya que decidió subir a esas tres mujeres en un mismo barco que partiendo de Hamburgo, tendría como destino a la lejana y remota Buenos Aires. 

Y así arrancará la obra, teniendo como ambientación la cubierta de un barco, por la que desfilarán Nora ( Julieta Correa Saffi ), Julia ( Nadia Furst ) y Elena ( Amanda Bond ) estás tres icónicas mujeres que eligieron escapar de sus destinos y huir al lugar más alejado posible que pudieran, siendo Argentina un lugar ideal, ya que allí se sentirían a salvo y bien lejos de un pasado que las atormenta. Durante el viaje, compartirán anécdotas, recuerdos y pensamientos, recorriendo algunos hechos de sus difíciles vidas, pero mostrando esa fortaleza que les permitió seguir en pie, pese a todo lo que debieron atravesar y aventurarse a un futuro desconocido.

El autor juega con habilidad con el destino de aquel barco, incorporando en la historia a Johny Morton ( Miguel Sorrentino ), argentino él y bailarín de tangos, parte del staff del barco, que les hablará de lo que les espera en Buenos Aires, bajo la mirada desconfiada de aquellas mujeres que no han tenido buenas experiencias con los hombres. No queremos adelantar más para mantener el suspenso, solo vamos a contar que el amor, los recuerdos y el dolor, estarán presentes en esta travesía por el vasto océano.

Es momento de hablar de las estupendas actuaciones que tiene la obra. Realmente era un desafío para las actrices elegidas poder representar a tres personajes femeninos tan fuertes y lo han resuelto en gran forma, mostrando las tres estar más que a la altura. Arranquemos destacando el trabajo de Julieta Correa Saffi, como Nora. No se muestra arrepentida de haberse ido de su hogar noruego, pero no logra dejar de pensar en la suerte de sus tres hijos. Una composición sensible y de fuerte contenido emocional logra Julieta, que se destaca y mucho con su personaje. A Julieta ya la elogiamos varias veces en este sitio y volvemos a hacerlo esta vez, mostrando que es una actriz de gran versatilidad, que siempre responde.

Sigamos con Amanda Bond, como Elena. Otra actriz, que nos gusta mucho, dueña de gran presencia escénica  y que siempre que tenemos la suerte de verla, destacamos su trabajo. Recordemos haberla elogiado mucho por su interpretación en Café Central, en este mismo teatro. Aquí como Elena, tiene un gran desafío, ya que su personaje, vivirá una experiencia muy fuerte durante el viaje, que no vamos a adelantar, pero podremos ver la enorme transformación de su personaje, que arrancará la obra con una sonrisa radiante y luego mostrará el rostro del sufrimiento. Nos encantó la interpretación de Amanda.

Sigamos con Nadia Furst como Julia. A Nadia es la primera vez que la vemos en escena y nos sorprendió muy gratamente, por su frescura y desparpajo, siendo la mujer más liberal de las tres y logrando incomodar a las otras, por sus ideas tan avanzadas. Muy bueno lo de Nadia, completando un triángulo femenino virtuoso. El elenco se cierra con Miguel Sorrentino, otro viejo conocido del sitio y otro actor todo terreno que siempre rinde. Aquí le toca representar a un personaje masculino, entre tres mujeres muy fuertes y lo hace muy bien.

Hay que hablar de la bella puesta de Mauro Pérez, que logra darle fluidez al texto, generando un relato que resulta muy atractivo para el público. Hay que destacar especialmente, el vestuario de época de Paula Molina, que caracteriza de muy buena a manera a los personajes. Otro ítem para resaltar es el diseño escenográfico de Héctor Calmet, que de manera simple, pero muy efectiva, convierte el escenario de El Tinglado, en la cubierta de un barco.

Y hasta acá vamos a contar. Tres Mujeres Audaces, es uno de los estrenos destacados del año y esto queda claro, al ver la obra y entender su tiempo de permanencia en cartel y la muy buena respuesta del público. Sin dudas que la idea de Mario Diament resultó un gran acierto, ya que tomó a tres mujeres emblemáticas del teatro y les imaginó un futuro posible que sus historias abiertas permitían dibujar, logrando que la magia del teatro las reúna en un viaje hacia el país más austral del mundo.

Por todo lo mencionado, les recomendamos saquen sus pasajes para embarcarse junto a estás icónicas mujeres, que abrazaron las ideas del feminismo cuando el patriarcado y el cumplimiento de los mandatos sociales eran ley. Se encontrarán con una puesta muy interesante y magníficos trabajos actorales. Hacemos un apartado, para contar que la función a la que concurrimos tuvo un componente muy especial, ya que el día anterior, había dejado este plano Eduardo Lamoglia, hacedor y apasionado del teatro, que tenía a El Tinglado como su casa. Por ello,  ese emocionado aplauso del público en las butacas y de los actores en el escenario, tuvieron destino al cielo, para que Eduardo desde lo alto pudiera esbozar una sonrisa y sentirse orgulloso de su legado.

Pensador Teatral.