La Música

Viernes 21 15 hs en Teatro La Comedia  ( Rodriguez Peña 1062 )

Dramaturgía de Marguerite Duras y dirección de Graciela Pereyra.

La Música fue escrita en Francia 1964, por Duras, novelista, guionista y directora de cine francesa, con una dilatada trayectoria tanto en la literatura, como en la cinematografía.
Entre sus novelas más destacadas, podemos mencionar El Amante, que fue un éxito mundial, con más de tres millones de ejemplares vendidos y traducida a más de cuarenta idiomas.

La obra de Marguerite, se caracterizó siempre por su sensibilidad y su extrema delicadeza, algo que está muy presente en esta puesta que podemos disfrutar los Viernes en La Comedia.

La historia se desarrolla en el hall de un hotel en las afueras de París, allí se encuentran Michel ( Ulises Puiggrós ) y Anne Marie ( Débora Longobardi ), que se reencuentran luego de dos años sin verse, para firmar los últimos papeles de su divorcio.

La situación es tensa, este debería ser su último encuentro, la relación está terminada y  hay una distancia marcada entre ellos, la frialdad se impone y flota en el ambiente.
El amor entre ellos pertenece al pasado.
O hay alguna esperanza secreta ? La llama del amor está extinguida por completo ?
Cómo se resuelven estas cuestiones del corazón ?
Quedan interrogantes entre ellos , heridas, viejos reproches, pedidos de explicaciones. Infidelidades que quedan al descubierto, situaciones dolorosas que vuelven a superficie.

La noche y la soledad del hotel, parecen convocara  viejos fantasmas y la seguridad de la relación terminada, parece puede tambalear.
Reina un aire de tristeza y de infelicidad, por la pareja que fracasó y por expectativas que no se cumplieron.

El espectador cuando vea la obra, descubrirá si este encuentro finalmente será el último o la ruleta del amor, les dará una nueva tiradas a estos seres, que da la impresión aún se añoran, no vamos a develar nosotros el misterio.

La puesta que propone la directora, es minimalista y extremadamente bella, generándose un clima de intimidad muy logrado. En esto colabora mucho, esta sala tan particular que tiene La Comedia, en la que se desarrolla la obra, con sus paredes revestidas en madera y un aire señorial antiguo, ideal para la atmósfera que requiere la pieza.

La obra seduce y atrapa al espectador en todo momento, la cercanía con los protagonistas contribuye a ello y el público parece estar siendo testigo secreto de este reencuentro íntimo tan sentido entre dos seres que algún día se eligieron para vivir juntos.

El éxito de la trama, además del potente guión, se explica por las excelentes interpretaciones de Ulises Puiggrós y Debóra Longobardi, componiendo sus personajes en forma impecable y mostrando un entendimiento y una química entre ellos, que otorga un valor agregado muy importante a la puesta.

El personaje de Ulises, tiene un carácter emocional, que crea empatía con la platea, ya que no quiere resignarse y busca que la historia de amor que en algún momento los unió, vuelva a escena, no quiere resignarse, un gran labor, de un actor con mucha experiencia..
Pero choca con la frialdad y la distancia que impone Ann Marie. Excelente actuación de Débora Longobardi, componiendo un personaje distante y un tanto cruel, ya que por momentos parece disfrutar de la desesperación de su ex, por conocer sus relatos acerca de las infidelidades y más que nada por querer recuperar la relación.
Su voz grave y su imponente presencia dominan la escena de manera notable, con un aire seductor perturbador. Nos encantó su Anne Marie, genial trabajo de Débora.

Se disfrutan mucho los gestos, los diálogos y hasta los silencios de los protagonistas, que manejan con sabiduría los tiempos de la puesta, regalándonos unas actuaciones exquisitas y luciéndose mucho ambos.
Seguramente parte del mérito,  hay que otorgarlo también a Lili Popovich, coach de actores que forma parte del equipo y que indudablemente supo transmitir sus conceptos.

Una escenografía austera y despojada, el  impecable diseño lumínico a cargo de Gonzalo Calcagno y la agradable música original de Germán Lozano, potencian el clima íntimo que ofrece la sala y contribuyen a conseguir esa atmósfera cálida que busca la puesta.

En conclusión, estamos en presencia de una excelente propuesta del teatro independiente, sensible y delicada, una historia que nos habla de amor, de desengaños y de infidelidades. La trama es una buena semblanza, acerca de la complejidad de los vínculos amorosos y  sin dudas el espectador se verá reflejado en la historia y disfrutará mucho del texto y de tan logradas actuaciones.

Recomendamos vean La Música, que justificadamente lleva ya dos temporadas, presentándose a salla llena, e invitamos al espectador, a que descubra por si mismo los motivos de este éxito y disfrute como nosotros de una hermosa noche de teatro.


Pensador Teatral.

La Fiesta del Viejo

Jueves 20 hs y desde Marzo, Domingos 12 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Obra escrita y dirigida por Fernando Ferrer.

La Fiesta del Viejo, es una excelente obra, que el autor escribe a partir de Rey Lear, una de las principales tragedias de William Shakespeare.

Una genialidad la de Fernando, de traer a los tiempos actuales, los clásicos de Shakespeare y no es la primera vez que lo hace.
El año pasado en este mismo teatro, tuvimos la suerte de ver La Payanca, pieza que tuvo mucho suceso en el off y en ese caso se había inspirado, nada menos que en Hamlet. No hay dudas que el autor tiene un talento especial para conseguir partir de grandes clásicos y lograr componer obras tan interesantes y aggiornadas a estos tiempos modernos, no es un algo sencillo esto.

Para que el lector desprevenido, comentamos rápidamente que Rey Lear, era un legendario soberano de Bretaña, que al llegar a la vejez, decide dividir su reino entre sus tres hijas y sus respectivos maridos, mientras mantenía su autoridad real. Cuando les pide a las hijas, que le declaren su amor, la primogénita Regina y Gonerilda la del medio, , cumplen el pedido, con un discurso adulador. Pero la menor de las hijas, Cordelia, indignada con la falsedad de sus hermanas, decide no hacerlo y desaira a su padre. Esto desata la ira del Rey, que decide desheredarla y este hecho además, desata la furia en Lear, que pierde el eje y allí aparecen los aires de tragedia siempre presentes en las obras de Shakespeare. En la historia original entra en acción el Rey de Francia, que tiene una participación fundamental, pero bueno no seguimos , la idea era dar un simple recordatorio de Rey Lear, que es la piedra basal, en la que se inspiró el autor y director, para escribir la obra  estrenada esta temporada en el Espacio Callejón.

En la historia autóctona, la Fiesta del Viejo, hay un rey, que es el Viejo ( Abian Vainstein ), patriarca y jefe de familia, su reino es el Club Polonia, un club barrial de Palermo, están las 3 hijas del viejo, que conservan sus nombres, salvo en caso de Gorenlida, que aquí es Neski,  están los maridos, hay ingleses amigos del viejo, un bufón y hasta aparece un francés, para condimentar la historia autóctona.

La trama tiene una dinámica admirable, hay un gran despliegue escénico, los actores entran y salen a escena todo el tiempo, el interés no decae nunca, por el contrario, la tensión vá en aumento y el espectador está siempre atento a lo próximo que vá a suceder.

El comienzo de la historia es festivo, todos se reúnen para celebrar el cumpleaños del viejo querido, al que todos respetan y admiran, todo es alegría y ganas de homenajear a su padre.
O es todo una impostura ?? Hay amor verdadero al viejo o es solo interés el que guía sus queridas hijas ??
Existe realmente su viejito querido o es un velo de hipocresía el que cubre las apariencias ???

No vamos a adelantar más, el texto es lo suficientemente rico y profundo, para que el espectador saque sus propias conclusiones cuando vea la obra, solo vamos a adelantar que como buena pieza que se inspira en el célebre William, no estará ausente la tragedia como uno de sus componentes principales y la pieza tendrá un final sorprendente.

Este excelente guión, se apoya en unas actuaciones destacadísimas, encabezadas por Abian Vainstein, el Viejo, gran protagonista de la pieza, que tiene una interpretación descomunal, una entrega física y actoral que francamente conmueve, pasando de la alegría, a la furia, al desconcierto y así pasa por todos los estados ánimo. Un trabajo impresionante el de Abian, para aplaudir de pie, realmente la rompe en un papel, que parece creado a su medida, sin dudas un gran acierto su elección para este personaje central.

Inmediatamente después debemos mencionar a Julieta Cayetina ( Neski ) , la hija del medio del viejo, una joven actriz, que en cada trabajo que realiza muestras sus credenciales y su versatilidad, adaptándose a un numeroso elenco como en este caso,  a protagónicos como en Ser Ellas donde interpreta nada menos que a Frida Kalho o volcada a la comedia en Confesiones de Mujeres de 30. Cayetina tiene un ángel especial y una gestualidad, que hace que se destaque siempre. En este caso le aporta mucho a la obra, ya que es una figura convocante y cumple una labor muy destacada en la trama , mostrando día a día a su crecimiento como actriz.

El elenco es numeroso y merece ser mencionado, ya que todos cumplen un papel destacado, Clarisa Hernández es Regina, la despiadada hija mayor, su marido Curna ( Ezequiel Gelbaum ), Julian Smud ( Bano ) es el esposo de Cayetina, militar y hombre de armas llevar, será clave en el desarrollo de la trama.
La hija menor Cordelia, Agustina Benedetelli, la rebelde y dulce a la vez, con su flamante novio, el " Frances " ( Gonzalo Ruiz ). Ezequiel Tronconi es Kent y Moyra Agrelo es Bufo.
Son muchos y cada uno en su papel se destaca y aporta lo suyo, se los nota a todos, muy comprometidos con el proyecto y disfrutando en el escenario las interpretaciones.

Párrafo aparte para la música en vivo que tiene la obra, a cargo de la danesa Stine Helkjaer Engen, hermosa música compuesta por ella misma.  Si leyeron bien, participa una danesa en la Fiesta del Viejo, son estos lujos,  que solo puede permitirse nuestro prolífico teatro independiente.

Nos gustó mucho la escenografía, el director explota muy bien las posibilidades que ofrece esta sala del Espacio Callejón, con acción en el escenario y en el piso superior, ampliándose de esta forma el espacio escénico.
Gran detalle la copa de vino, los knishes y las porciones de torta, que recibe el espectador, un mimo adicional , para que el espectador sienta que es un  invitado más a esta fiesta tan particular.

En definitiva, una brillante adaptación libre de este clásico de Shakespeare, que el autor trae a nuestra época, con una historia totalmente aggiornada y acorde a estos tiempos, pero conservando los componentes principales de la obra en la que se inspira.

Una excelente obra, con estupendas actuaciones,  que recomendamos fervorosamente y que sin dudas dará mucho que hablar en los mediodías de Domingos del Abasto, porque todos van a querer ser partícipes de esta entrañable y original Fiesta del Viejo.


Pensador Teatral.

Maldita Canalla la Soledad

Domingo 20 hs en Teatro La Carpintería ( Jean Jaures 858 )

Obra y escrita por el suizo Daniele Finzi Pasca,  reconocido director, actor y clown .

Daniele tiene una prolífica carrera, dirigiendo teatr, circo y opera, por señalar sólo uno de sus últimos trabajos, recordamos que fue el director de Corteo, espectáculo del presitigioso Cirque du Soleil.
La obra que se presenta en Bs As, fue escrita en el 2012 y se presentó en diferentes festivales internacionales, en Uruguay, México y Chile.  En nuestro país formó parte con gran suceso del Festival Internacional de Circo celebrado en el 2013.

Estas líneas sirven con carta de presentación, para darnos en cuenta, que estamos en presencia de una personaje reconocido a nivel mundial.
La historia que es atemporal, nos presenta a dos amigos de toda la vida, Medoro ( Pablo Gershanik )  y Vitalizio ( Victorino Luján ), nacidos y criados en un mismo pueblito ( no se lo menciona, puede ser cualquiera ), ellos viven un presente triste y solitario, pelando papas y verduras.

El sueño de ambos es trascender, abandonar esta vida anodina y ser reconocidos, lograr ser personas recordadas. Además quieren darle notoriedad al pueblo donde viven, para que el mismo deje ser un pueblito perdido, para convertirse en un uno famoso, al cual lleguen peregrinos de todas partes. Para ello, deben "inventar" un milagro. Y practican mucho para ello, ensayan, se esfuerzan para cumplir su objetivo.
 Pero será esto posible ?? El obispo les vá a creer ?? O van ser descubiertos y castigados como ocurrió unos años antes.

La obra tiene un texto muy rico, lleno de poesía, es una pieza profunda, que nos habla de valores fundamentales, como la amistad, la soledad y la enorme necesidad de trascender en la vida, de dejar huella-.

Los protagonistas de esta historia, son dos actores argentinos, reconocidos internacionalmente en el mundillo circense. Pablo Gershanik, quien fue dirigido por Daniele en el Circo Eloize y Victorino Luján, unos de los personajes centrales de Corteo, del Cirque du Soleil.
Ambos son actores y clowns, siendo una pareja que impresiona por su contraste, desde lo visual, ya que Victorino es un gigante de más de 2,07 mentros de altura, su contextura física y su vozarrón, domina la escena y su agilidad asombra. Su compañero Pablo, con 40 cms de altura menos, parece un enano y flotar en el aire,  más de 70 kilos de diferencia existe entre esta pareja, tan despareja.

Este contrapunto, es muy bien explotado por el autor, que propone escenas muy graciosas, donde los protagonistas, muestran sus dotes, como actores y como clowns, con mucha destreza física y mucha gracias en todos sus movimientos.

Nos encantaron las actuaciones de ambos, un gran desafío, pasar de espectáculos de grandes proporciones y muchos personajes , a esta puesta intimista, donde solitos, deben mostrar todos sus recursos artísticos y hasta tienen algunas partes monologadas con el público a centímetros de ellos.
Una gran muestra de versatilidad de ambos, mostrando una química absoluta entre ellos y gran comicidad en todos sus gestos, movimientos y expresiones. A lo largo de la trama, muy buenos gags y se nota una entrega y un compromiso absoluto de ambos, para con la obra.

Destacamos el diseño lumínico de la pieza, que colabora en crear un clima intimista y por momentos lúgubre, que quiere imprimir el director.

En conclusión, Maldita Canalla la Soledad, es una pieza profunda, con una puesta muy bella, presentando exquisitas interpretaciones y un texto inteligente con mucho vuelo poético. Una obra con un toque de melancolía, donde los recuerdos familiares viven en el presente de los protagonistas y las ansías de ser recordados por haber sido importantes para su comunidad, es casi una obligación, un mandato familiar que deben cumplir, como sea..

La obra tendrá 5 únicas presentaciones, en La Carpintería, antes de viajar para el Festival de Guadajara y a los Estados Unidos. Haciendo honor, a su componente circense, la pieza es itinerante y recorre los escenarios de diferentes ciudades. Una gran oportunidad entonces, poder aprovechar su presencia en Buenos Aires, para disfrutar de esta pieza deliciosa y de estos talentos argentinos que la protagonizan y que también representar al país, cada vez que salen al escenario a mostrar su arte.



Pensador Teatral.

La Momia

Jueves a Sábados 21 hs, Domingo 20 hs en Teatro Metropolitan Citi.

Obra escrita por el británico Jack Milner y dirigida por Alejandro Lavallén.

La pieza se inspira en " La Joya de las Siete Estrellas " del irlandés Bram Stocker y fue estrenada en el Reino Unido en el 2014, siendo una de las comedias más taquilleras de la temporada. No es el primer de caso de una historia de terror, que vira a comedia y lo hace causando buena recepción del público.
La versión local de esta exitosa comedia londinense, llega al escenario del Metropolitan Citi, con traducción y adaptación a cargo de Pablo Rey y la dirección general a cargo de Alejandro Lavallén, reconocido coréografo, en su debut en este rol en el teatro comercial.

La obra apunta al público familiar y por lo tanto presenta un guión sencillo, donde se privilegian los gags y los momentos divertidos. Se producen muchas situaciones desopilantes y absurdas, que cumplen con el objetivo de hacer reír al público.

Lo mejor de la obra, que tiene una gran producción, son las estupendas actuaciones, se reunió un elenco de gran nivel y esto queda reflejado en las estupendas interpretaciones que presenta la pieza.

El conductor de la historia es Fabián Mazzei, como Malcom Ross, un particular y elegante abogado que cumple la función de relator y es el que marca el ritmo de la velada. Se lo nota muy suelto a Fabián en su papel que no es nada sencillo y lo resuelve con mucha solvencia.
El experimentado Alberto Fernández de Rosa, es el arqueólogo y científico Maurice Trelawny, muy entrañable su papel, un actor muy querido por la gente, que en esta pieza encuentra el espacio justo, para dar rienda suelta a todo su carisma y se luce muchísimo, provocando las matarifes carcajadas de la noche.
Daniel Campomenosi ( ex integrante de Los Prepu ),  es el gracioso Inspector Dollan, personificando a un detective inglés muy especial, sus caras, sus movimientos graciosos, encajan perfecto en la puesta y es otro de los que se destaca naturalmente por sus grandes condiciones naturales para la comedia.
Mariano Torre, es una de las revelaciones de la obra, ya que interpreta más de un personaje, el más destacado, es el intrépido Basil Corbeck, una especia de Indiana Jones, que muestra mucha ezsoltura.
Adrián Navarro, tiene una actuación estupenda, como Sosra el terrorífico sacerdote egipcio de 5000 años de edad, genial su caracterización, con su barba larga y una voz grave que asusta a los más chicos, siendo un villano temible, que de todos modos se permite deliciosos momentos de humor, que hacen reír mucho. Notable su trabajo, tal vez en un nivel muy alto de interpretaciones, la de Adrián haya sido la mejor.
Para el final, dejamos a la única protagonista femenina de la obra, Romina Gaetani, en la piel de la bella Margaret. Es la heroína de la obra, la que levanta suspiros, con un estilo pícaro e ingenuo a la vez, aporta mucho a la pieza. Un personaje difícil el que le tocó a Romina, en el que tiene que hacer valer todos sus recursos artísticos y gracias a su versatilidad logra salir airosa . Sus principales armas, la simpatía y la sensualidad,  están muy bien explotadas, en el desarrollo de la historia.

Como vemos, un elenco compacto, con actores de trayectoria, que en algunos casos interpretan más de un personaje.  Se nota la mano del director, que le aporta mucho ritmo y dinámica a la obra, con actores que entran y salen permanentemente de escena, aprovechando muy bien todo el amplio escenario del Metropolitan.

Las adaptaciones de las versiones libres que llegan del exterior, no siempre son sencillas y en algunos momentos, puede haber alguna escena que no encaja, algo que este caso se resuelve, gracias a un elenco, comprometido con la historia, que aprovecha la libertad y los espacios que permite la puesta, para mostrar todo su histrionismo puesto al servicio del humor. Además, se nota que los actores se divierten en escena y eso siempre es una buena señal.

Una producción importante, que queda reflejada en un ingenioso diseño escenográfico, con música original de Gaby Goldman y un vestuario de Kris Martinez que debemos destacar.

En definitiva, una interesante propuesta la de La Momia, una comedia, con un guión sencillo y con pocas complicaciones, donde el objetivo es hacer divertir a los espectadores. Algo que consigue, con muy buenos gags y situaciones absurdas y desopilantes que abundan.

Así que ya saben, si tienen ganas dejar de lado las preocupaciones y reírse sanamente en familia, pueden dejar volar la imaginación y viajar al Antiguo Egipto, para pasar una noche muy entretenida con estos entrañables personajes,  que gracias a la magia del teatro, logran dar vida a La Momia, en plena calle Corrientes.


Pensador Teatral.

Lord

Miércoles a Domingos en Teatro Astral ( Av.Corrientes 1639 )

Libro y letras de Pepe Cibrian, Música Original de Santiago Rosso y la Dirección General, a cargo del mismo Pepe junto con Valeria Ambrosio.

Lord es el nuevo musical que presenta Cibrian, un referente indiscutido de este género en Argentina.
En esta oportunidad, inspirado en " Cuentos de Navidad " de Charles Dickens, nos presenta la historia de Lord, interpretado por el propio Pepe. Es un hombre avaro, que se vió afectado por la muerte de su hija y su esposa en un accidente. A partir de ese hecho desgraciado, decide recluirse en su hogar, sin querer involucrarse con otras personas, su único objetivo es acrecentar su fortuna, que tampoco disfruta y nada quiere saber del presente, ni siquiera tiene deseos de conocer a su nieta, prefiere afrontar una vida solitaria y vivir sumergido en los recuerdos y en el pasado.

Cibrian creó  esta obra, luego de superar un cancer y sin dudas este trance, fue una fuente de inspiración, para escribir, un musical distinto a otros de su autoría, como Drácula o Las Mil y Unas Noches,  por citar citar sólo dos de ellos, Lord no tiene esa ampulosidad, es más intitmista, tiene otra profundidad y su objeto, es invitar a la reflexión de espectador.

Hace referencia a la vida y a la muerte, vaya tema escogido, habla de como debemos vivir el presente, intentando cambiar algunas actitudes negativas y disfrutar los años que nos quedan, por el bien de aquellos que nos rodean y el nuestro propio. Pero por otro, lado nos habla de la muerte, pero desde un punto de vista muy particular, le quita dramatismo y hasta le pone una cuota de humor. La obra conmueve, pero deja un mensaje esperanzador, nos invita a vivir bien el presente, para llegar de la mejor manera a la muerte.

Pepe es el centro de la obra, está todo el tiempo en escena, es el eje absoluto de la historia, con su estilo particular, le dá ritmo a la trama, la moldea y todos los personajes que aparecen en el escenario, se relacionan con él. Gran entrega física y actoral le exige la obra y Cibrian demostrando que es un animal de teatro, responde con maestría y nos regala una interpretación deliciosa y emocionante.
Lo acompaña una primera figura, como Georgina Barbarrosa, muy querida por la gente, que demuestra todo su carisma aquí, componiendo el original y festejado personaje de Lady Parca, poniendo una dosis de humor en un tema tan adverso como la muerte, sólo alguien con la trayectoria y el histrionismo de Georgina puede lograrlo en forma tan natural. Además interpreta el papel, de Matilde la esposa fallecida de Lord, una española muy simpática, que cuenta sus vivencia en el más alla, con mucha gracia y además en este personaje, hay un claro guiño a Ana María Campoy, tanto que Georgina, sale a escena con un mantón de Manila, que pertenecía a la recordada actriz.

El elenco es mucho más que estas dos grandísimas figuras, debemos mencionar a Gustavo Monje, Damián Iglesias, Emiliano Oberndorfer, Belen Pasqualini, Diego Bros y Jimena González, siendo injustos con algunos que no nombramos. Todos actores de primer nivel, acompañanando en gran forma y teniendo espacio para el lucimiento, ya sea en partes actuadas ( Gustavo y Diego ), como en la cantadas ( Belén y Damían ) tienen oportunidad de demostrar su valía.

Pese a que el espectáculo, no es grandilocuente, presenta una producción admirable, con gran cantidad de actores en escena, como se puede apreciar.  La orquesta en vivo dirigida por Santiago Rosso ( primera vez en muchos años que un musical de Pepe, no tiene la música de Angel Mahler ) se disfruta mucho y colabora con ese cambio de estilo que buscó al autor en esta pieza.
Alucinante el diseño escenográfico de Jorge Ferrari, con esos relojes gigantes y luminosos, que nos muestran mataforicamente como el tiempo transcurre en forma inexorable.

Muy logradas y animadas las coreografías de Juan José Marco, entre otras, nos encantó ese parque de diversiones con personajes fantasmagóricos, que recomendamos no se pierdan.
Y un diseño de vestuario y de luces, que hay que destacar, por su calidad.
Con todo lo mencionado, el lector puede darse cuenta, que pese al cambio de estilo, la obra tiene ese sello que distingue a Pepe Cibiran, de cuidar hasta el último detalle y ofrecer al público, un espectáculo de distinguida categoría.

En conclusión, celebramos la idea de Lord, un musical diferente, intimista y profundo, que nos habla de la vida y de la muerte, haciendo notar que nuestro paso por la Tierra, tiene un tiempo limitado y lo mejor que podemos hacer es honrar la vida por nosotros y por nuestros seres amados que están cerca. Siguiendo esta fórmula, los afectos, que nos miran desde el Cielo, van a estar orgullosos de nosotros y nos van a recibir con una sonrisa, cuando Lady Parca nos venga a buscar.

La obra emociona y conmueve, por ello, no sorprende que al final de la función, los espectadores que colmaron el mítico Teatro Astral, ovacionen de pie por varios minutos a Pepito y al gran equipo que hacen posible Lord.


Pensador Teatral.

Jekyll & Hyde

Miércoles a Domingo en Teatro Metropolitan Citi ( Av.Corrientes 1343 )

Obra basada en la novela " El extraño caso del Dr.Jekyll y Mr.Hyde ", escrita en 1886 por el escritor escocés Robert Stevensson. 

Este clásico musical y gran éxito en Broadway, llega por primera vez a la Argentina, con una puesta original y una enorme producción, bajo la dirección general de Sergio Lombardo y la dirección musical de Damián Mahler.

La pieza transcurre en Inglaterra, a finales del Siglo XIX en plena época victoriana y cuenta la historia del Dr. Henry Jekyll, un científico que busca la poción que le permita, eliminar la parte negativa que tienen todos los seres humanos. Jekyll sostiene que el ser humano alberga en su interior, una dualidad, el bien y el mal, siendo el objeto de su investigación eliminar la parte maligna. Para ello pide autorización para experimentar con enfermos mentales de un psiquiátrico, pero su petición es rechazada por una junta médica, lo que enoja notoriamente al Doctor que de ninguna manera está dispuesto a dar por finalizada, su investigación y toma la arriesgada decisión, de experimentar con él mismo. Lo que sucede al inyectarse el compuesto químico, es historia conocida, algo no sale bien y aparecerá en la superficie, el lado oscuro del Dr.Jeckyll, quien se transformará en el malvado y despiadado Edward Hyde, conviviendo estas dos personalidades tan opuestas en un mismo cuerpo.

Es sabido lo complicado que es montar un musical de Broadway en nuestro país, por el esfuerzo económico que requiere esto, pero Juan Rodo el gran protagonista de esta historia, allá por el año 1999 , tuvo como sueño poder traer este musical a la Argentina y protagonizarlo. Debió esperar 18 años, para concretar este sueño y los resultados no pudieron más satisfactorios, ya que la versión que se presenta en el Metropolitan, tiene un brillo y un virtuosismo, que enorgullece al teatro nacional.

Realmente conmueve la pasión y el compromiso, con el que Juan Rodo encaró este proyecto, sus 26 años de trayectoria artísitca, su recordadísimo protagónico en Drácula, en El Fantasma de la Opera y en tantos otros recordados éxitos, lo convirtieron en el referente más importante del género musical en Argentina.
Dueño de una caudal vocal privilegiado, es barítono y de una capacidad actoral admirable, realiza una interpretación magnífica en esta obra, que tanto anhelaba.

Preparo el papel, como si fuera a interpretar dos obras diferentes, construyó por un lado el personaje de Jeckyll y por otro el de Hyde. Acostumbrado en su carrera, a representar personajes oscuros, su mayor desafío era componer el personaje de Jekyll, un doctor sobrio y politicamente correcto, trabajo varios meses para lograrlo y recién después abordó a un Hyde, que indudablemente le iba a costar menos.

Su trabajo fue impecable, ya que tanto desde lo postural , como desde lo vocal, el espectador visualiza, dos personas distintas, realmente una composición brillante, que merece verse.

Un trabajo magistral el de Juan Rodo, un orgullo poder ver en escena a un profesional de su talla, que pese a ser multiplemente premiado a lo largo de su carrera  y a los increíbles recursos artísticos con los que cuenta, no se duerme en los laureles y se supera año tras año, con las interpretaciones que ofrece.

Pero Rodó, no está solo en escena, en la función a la que asistimos nosotros, no fue de la partida Rául Lavie, lo que tal vez agigantó más aún la del protagonista masculino. Debemos destacar la buena labor, que tuvo su reemplazo, Sebastián Vitale, en el rol de John Utterson, amigo de Jeckyll en la historia.

El protagónico femenino, se divide en dos también, por un lado la dulce Emma Danvers ( Eluney Zalazar ), la prometida del Dr, confirmando sus credenciales en un papel muy exigente, donde con elegancia y sus hermosos tonos agudos, compone un personaje delicioso. 

Por otro lado la sensual, Lucy Harris, interpretada por la bella y carismática Melania Lenoir, quien muestra todo su talento en esta puesta y su conexión con los espectadores,  que la ovacionan en varios pasajess, reconociendo su gran labor y disfrutando principalmente de sus tonos graves y de su indudable magnetismo con el público, que reconoce sus privilegiados dones artísticos.

Son más de 14 actores en escena los que representan la obra y todos demuestran una jerarquía acorde al nivel que tiene este gran musical, se nota la mano del director Sergio Lombardo, para coordinar semejante despliegue.

Hay muchos puntos para destacar, seria interminable esta reseña, pero debemos mencionar las excelentes coreografías planteadas por Mariano Botindari, la música en vivo que nos plantea el maestro Daniel Mahler, que enriquece muchísimo la puesta, solo una observación aquí, respecto del volúmen de la orquesta, que en algún momento tuvo un tono algo elevado y podía dificultar  el total entendimiento de las letras.

Un diseño escenográfico a cargo de Silvana Ovsejevich, muy original, con estructuras de paneles metálicos, que los mismos actores armaban y desarmaban, para lograr los diferentes ambientes, de una manera ágil y muy efectiva. La obra plantea más de 35 cuadros escénicos, 8 cambios de vestuarios, un diseño de iluminación impecable y en definitiva, un despliegue inusitado para nuestro teatro actual.

En conclusión, estamos sin dudas ante un producto de excelencia, un espectáculo de nivel internacional, que por razones lógicas no tiene la inversión económica que presenta una obra en Broadway, pero en materia de talentos y virtuosismo , nada tiene que envidiarle a aquellos espectáculos.

Obra imprescindible para el espectador, amante del género musical, que sin dudas estará en el podio de las mejores piezas del 2017.

El lleno de todas las noches y la conmovedora ovación que recibe un magistral Juan Rodo y todo el elenco al finalizar la obra, ratifican la extraordinaria noche de teatro vivida y nos enseña, que aunque a veces debamos esperar 18 años, con constancia y profesionalismo, los sueños se hacen realidad y gracias a esos sueños, los que amamos el teatro, hoy podemos disfrutar de esta excelente versión de Jekyll & Hyde.

Pensador Teatral.

Las Esposas

Martes 20 hs en Teatro Metropolitan Citi ( Av. Corrientes 1343 )

Dramaturgía de Daniel Santos y dirección de Jorge Vieytes.

Las Esposas, es una obra, que fue escrita en el año 2000 y que tiene una exitosa trayectoria en salas del off y llega ahora a una sala con tanta historia como la del Metropolitan Citi.

Celebramos siempre que una buena propuesta del off llega al teatro comercial  y en este caso trayendo una obra de suspenso, un género muy cinematográfico, pero muy poco explotado en el universo teatral.

Ya al sentarnos en la butaca y esperando el comienzo de la obra,  la música original de Damian Mahler sonando de fondo, nos ponen en clima y nos anticipa la noche de intrigas que se viene.

El interrogante que nos plantea el programa de la obra, nos pone en situación, indagando, sobre que nos sucedería si entramos a nuestra habitación en un hotel y allí  encontramos una mujer que dice ser nuestra esposa.
Se llama igual que nuestra esposa, sabe nuestro nombre y conoce detalles íntimos de la pareja. El problema es que nosotros,  nunca en la vida vimos a esa mujer.

Esta situación es la que le ocurre a Mario ( Sebastián Richard ) cuando ingresa a su habitación y se encuentra con Lucía ( Maria Roji ), ella dice ser su esposa, pero para él es una absoluta desconocida y la interroga, con desconfianza y con mucho fastidio, por una situación conflictiva y desconcertante, que lo saca de su eje y lo perturba.

La tensión vá en aumento y aunque por momentos, pareciera que la situación, se aclarará, esto con el correr de los minutos, parece nunca vá a suceder. Cuando el ambiente de dramatismo, está ya en su climax, aparecerá Mónica ( Milagros Almeida ), una amiga de esta esposa desconocida para Mario. A ella si la reconoce ?? Hay una perdida de memoria selectiva ??  El círculo se cierra o se agranda cada vez más ??

La obra es de un solo acto y su gran mérito es mantener al espectador envuelto en su trama sin darle tregua, haciéndolo participar en la pieza, como un verdadero detective, que trata de intuir quien dice la verdad y quien no, suponiendo que alguien miente y tratando además de dilucidar cual será el descenlace.

El muy buen guión, es apoyado por una efectiva dirección de Jorge Vieytes, que le saca muy buen provecho, al excelente elenco que tiene la pieza. Arrancando por Sebastián Richard, con una gran entrega física y actoral, componiendo un marido aturdido, que con algunos momentos de enojo y  otros de verdadera desesperación, trata de aclarar la situación y principalmente ordenar su mente, ante el torbellino de emociones y recuerdos que tiene sobre si, ante cada palabra de Lucía.
La bella María Roji, es la dulce y paciente esposa, una actriz de gran trayectoria que ratifica sus credenciales, en un papel complejo,  con una actuación estupenda y muy creíble, logrando mucha empatía con el espectador, que por momentos parece querer ayudarla con desesperación a resolver el desencuentro.
Completa el elenco, la talentosa Milagros Almeida, haciendo gala de su carisma y con su particular estilo, logra imponer una interesante cuota de frescura y humor, a una obra que emana tensión a raudales, logrando por momentos descomprimir el ambiente. Una excelente interpretación de una actriz muy versátil, que se luce mucho y se une a la dupla protagónica en gran forma.

Nos gustó mucho la escenografía, que simula una elegante habitación de hotel , la pieza se desarrolla por el 1950 y esto queda reflejado en los objetos de decoración y también en el vestuario de los protagonistas. Muy destacada también la iluminación, que junto con los truenos de fondo, ya que la historia se desarrolla en una noche de tormenta, contribuyen a dar la atmósfera misteriosa, que requiere la obra.

Hay muchos detalles para comentar, pero no vamos a extendernos más en el argumento de la obra, ya que invitamos a que sea el espectador, cuando la vea, quien descubra el velo y vea la trama completa , solo advertir que como buena obra de suspenso, hay que estar atento en todo momento, no pestañar y estar preparados para un final impactante.

En definitiva, celebramos la llegada de Las Esposas, a la Calle Corrientes, un obra que llega del off, cómo abanderada de un género tan poco frecuente como el del suspenso.
Sin dudas, estamos en presencia de un thriller impactante, con actuaciones sobresalientes, que ofrece una propuesta muy interesantes para los amantes del misterio y del buen teatro.


Pensador Teatral.

Confesiones de Mujeres de 30.

Jueves a Sabado a las 22 30 hs en Teatro Picadero.

Obra escrita por Domingos de Oliveira y dirigida por Lia Jenin.

Confesiones de Mujeres de 30, fue estrenada en 1994 en Buenos Aires, con gran éxito. En aquella primera versión las actrices fueron Alejandra Flechner, Virginia Innocenti y Andrea Politti. Hubo nuevas versiones que fueron protagonizadas por Carolina Peleretti, Alejandra Majluf, Jorgelina Aruzzi y Florencia Peña, por mencionar sólo a algunas de las protagonistas. En todas las versiones estuvo como directora la consagrada Lía Jelín ( que con Toc-Toc sigue marcando records como la obra más taquillera de los últimos años )

Pasados 20 años de su estreno, la obra vuelve adaptada por Verónica Lorca y Florencia Alcorta, dos jovenes guionistas con presencia en el mundo del stand up. Indudablemente sus aportes, además de sumar nuevos actos, le dán un aggiornamiento necesario a la obra, en sintonía con los nuevos tiempos que se viven y aparecen en la obra,  referencias a las redes sociales ( Twitter, Facebook, etc ) y  al uso del Whatsapp por mencionar algunos de los elementos tecnológicos que aparecieron en estos años y entre otros tópicos, los cambios que tuvieron las mujeres respecto de la sexualidad, donde el diálogo es más abierto y algunas de ellas, cuenta que en su cartera, lleva un anillo vibrador, como algo transgresor, cuando antes, lo era llevar preservativos o poder hablar con naturalidad del lesbianismo como una relación de pareja normal.

La obra tiene un ritmo vertiginoso, en el teatro se vive un clima de fiesta, al sentarse en las butacas, ya se oye a buen volúmen, una música de fondo tipo boliche. El público, está compuesto en su mayoría por mujeres que están transitando los 30 años ( había un grupo celebrando una despedida de solteros ) , pero también hay  muchas parejas y grupos de amigas más grandes por supuesto.
Van con la idea de divertirse y reírse con situaciones con las que se identifican plenamente.

Y el efecto se logra, gracias a las protagonistas que se brindan por completo durante el espectáculo, que tiene una estructura, muy interesante, ya que no se vén sólo los típicos monólogos del stund up,  hay muchas situaciones de diálogos, intercatúan mucho entre ellas y con el público, que es cómplice en todo momento de estas mujeres.

Si bien las actuaciones son muy parejas y cada uno de las chicas se destaca en algo particular, creo que la presencia más fuerte es la de Sofía Gala, que se luce muchísimo con un histrionismo que debemos resaltar, tomando con mucho humor, su peregrinar por los distintos psicólogos, sus fallidas relaciones amorosas de todo tipo, sus adicciones y obviamente le dedica más de un párrafo a su particular relación con su madre Moria, que el público obviamente festeja mucho estos momentos. Se luce muchisimo Sofía, su tono de voz enérgico, su caras, sus gestos y demostrando que en sus genes indudablemente la actuación está presente y que tiene talento y condiciones propias para hacer carrera.
Luego mencionemos a Julieta Cayetina, la bella del grupo, dueña de una simpatía y una sensualidad, que explota de gran manera aquí. Como actriz habíamos visto el crecimiento de Cayetina, el año pasado en Ser Ellas componiendo magnifiacmente el personaje de Frida Kahlo. Aquí, es  ella misma, se la nota muy cómoda y fresca, en su mezcla de chica linda e ingenua a la vez, nos gustó mucho su personaje y provocó muchas risas en las mujeres y suspiros en los hombres presentes.
Para el final queda Tamara Pettinato, la que menos experiencia tenía en teatro y resuelve de manera satisfactoria la exigencia del papel, comentando también sus experiencias fallidas con los hombres, situaciones graciosas de soledad y se luce mucho cuando tomando el micrófono, se mete entre los espectadores para hacer algunas preguntas, improvisa y resuelve muy bien la situación y generdo uno de los momentos más graciosos de la noche.

Sin dudas, se nota que las chicas se llevan bien entre ellas, son amigas fuera del esnenario y esto le dá un plus a la obra, ya que se las nota muy a gusto y se divierten en el escenario.

En conclusión, Confesiones de Mujeres de 30, confirma la vigencia y efectividad de su formato y llega al Picadero, un teatro moderno, del que se vé bien desde cualquier ubicación, con una versión aggiornada a estos tiempos, con un humor ácido y donde una nueva generación de mujeres, expone sus vivencias, sus alegrías y frustraciones, en sintonía con estos tiempos modernos.

Un elenco telentoso y muy bien conducido por una directora de la experiencia de Lía permiten explotar el guión y darle una muy buen dinámica a la obra y logra el doble objetivo que tiene la obra, que el público se sienta identificado con las historias representadas y que además se ría mucho, ambos objetivos se cumplen y esto explica, por que el Picadero se llena, cada noche que estas chicas exitosas de 30, salen a escena a confesarse.


Pensador Teatral.

La Herencia de Eszter

Jueves a Domingo en Teatro La Comedia ( Rodríguez Peña 1062 )

Obra escrita por el novelista húngaro Sándor Marai y dirigida por Oscar Barney Finn.

Marai es un autor reconocido, que ya tuvo piezas suyas en nuestros escenarios, podemos nombrar a La Mujer Justa y El Ultimo Encuentro, como las más recordadas. Miembro de la buguesía y humanista, el escritor hungaro tuvo una vida muy intensa y murió en forma trágica, al suicidarse a los 89 años, de un tiro en la cabeza.
Sus obras siempre hablaron de sentimientos y  pasiones por lo general disfuncionales,  tal vez por eso Thelma Biral lectora de su obra, se interesó en su novela La Herencia de Eszter y tuvo la idea de llevarla al teatro, para ello convocó a María de las Mercedes Hernando, que fue la realizadora de esta versión teatral que podemos ver actualmente en el escenario del Teatro La Comedia.

La obra, que podamos situarla en una época cercana a la Primera Guerra Mundial, nos cuenta como Eszter ( intepretada magníficamente por Thelma Biral ) transcurre sus días, sin mayores novedades y con una vida apagada en la casa familiar, cuya mayor y tal vez única virtud, sea un jardín, poblado de almendros, que les sirve como medio de subsistencia.
Y allí, en ese jardín, pasa sus tarde, dialogando con Nunu ( Susana Lanteri ) que fue su vieja ama de llaves y hoy ascendió a la categoría de compañera y también recibiendo la visita de su hermano Laci ( Edgardo Moreira ), siempre vital y de buen ánimo.

La vida de esta dama transcurre calma y bucólica, hasta que un día, todo cambia al llegar un telegrama con una noticia inesperad. Quien lo manda ?
Lajos ( Victor Laplace ), el mismo que 20 años atrás, se fue, destruyendo todo lo que Eszter y su familia tenían. Un hombre que la traicionó a ella y a todo el entorno familiar, llevándolo todo sin mirar atrás.
Pero Eszter se estremece, porque este hombre manipulador, fue el único a quien ella amo y que a pesar de todos las traiciones sufridas, al parecer todavía ejerce poder de influencia sobre ella. O es solo una ilusión este poder ??
Lajos no llegará solo luego de 20 años, lo hará con su hija ( María Viau ) con un carácter muy similiar al de su padre y seguramente, todos suponen, conociendo su esencia, que si vienen luego de tanto tiempo algo ván a pedir.

Hasta aquí llegamos nosotros, será el espectador viendo la obra quién descubrirá cuál será la petición de Lajos y que responderá Ezter.

La obra habla de amor todo el tiempo, de romanticismo, de pasiones, de momentos añorados y de amores incondicionales, que pese al paso del tiempo y de dolorosas héridas, pareciera que aún perduran intactos. Y nos hace reflexionar acerca, de la verdad de aquella famosa frase del filósofo Blaise Pascal " El amor tiene razones, que la razón no entiende "

Es fundamental para el buen funcionamiento de la pieza, la buena elección del elenco, realizada por el director, una Thelma Biral, con un presencia imponente, sobre el escenario propio de las grandes figuras y se nota la admiración que tiene el público por ella. En esta oportunidad, interpreta a una mujer fuerte, pero resignada a la vez, viviendo una elegante decadencia, envuelta en una melancolía y en una languidez que marca sus días actuales.
El otro gran protagonista de la historia, es Victor Laplace, como Lajos, le cae justo el papel, ya que Laplace compone a un personaje manipulador, seductor y con una ambición que nunca encuentra límites. Gran lucimiento de un actor, que siempre se desenvuelve con frescura y dando una impronta muy particular a sus personajes.

El resto del elenco acompaña muy bien, actores de experiencia que encajan muy bien en la historia y demuestran toda la experiencia sobre las tablas, el notario Luis Campos, el hermano Edgardo Moreira y la compañera Susana Lanteri, todos actores de raza y con mucho oficio. Resta mencionar a Maria Viau, como la hija de Lajos, que juega un papel muy importante en la pieza y lo hace con mucha convicción, caracterizando muy bien su personaje, que parece haber heredado las mismas mañas que su padre.

Una escenografía sobria, que nos sitúa en el jardín de la casa. Destacamos el vestuario y una música que recrean en clima de época que requiere la historia.

Como conclusión, la Herencia de Eszter, nos posibilita acercarnos más a la obra de Sándor Marai, con una verdadera historia de amor, que gratifica ver en esos tiempos actuales tan agitados, en una pieza más propia del circuito oficial y celebramos poder verla en el circuito comercial, ya que tiene una cadencia y un ritmo, que permite disfrutar de la historia sin el vértigo y las urgencias, tan características del circuito, esto se logra por la muy acertada dirección y por actuaciones destacadísimas de un elenco con mucho talento y gran trayectoria en nuestro teatro.



Pensador Teatral.

Todas las Rayuelas.

Jueves a Domingos a las 20 30 hs en el Multiteatro ( Av. Corrientes 1283 )

Obra escrita por Carlos La Casa y dirigida por Andrés Bazzalo.

Debemos mencionar de entrada, que Todas las Rayuelas, fue una de las obras ganadoras de Contar 3 ( CONvocatoria Teatro ARgentino ), concurso teatral organizado conjuntamente por la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales, la Asociación Asociación Argentina de Actores y Argentores.
Esta iniciativa tiene como propósito, estimular la presencia de obras de autores nacionales en el circuito comercial.
Es oportuno recordar que en Contar 1, realizado en el 2014, la obra ganadora fue Bajo Terapia de Matías del Federico, pieza que tuvo un enorme suceso en nuestro país y también en el exterior.
Como dato de color, mencionar que en esta oportunidad fueron 8 los productores interesados en esta obra ( entre ellos Carlos Rottemberg y Mauricio Dayub ), los que finalmente se unieron para apadrinar la obra.

Semejante presentación, indudablemente creó gran expectativa en el estreno de esta pieza y las mismas fueron satisfechas, ya que el texto indudablemente es potente y hará que el espectador mantenga la atención de principio a fin.

La historia nos cuenta, como Lisandro ( Hugo Arana ) llega a Ezeiza procedente de Madrid , luego de varios años de autoexilio. Lo curioso es que llega solamente con una valija,   que contiene en su interior, unicamente ejemplares de diferentes ediciones de Todas las Rayuelas, el célebre cuento de Julio Cortazar.
Un hombre que solo viaja con libros además de ser algo misterioso, se convierte en un sospechoso para la policía aeronaútica, que solo por este hecho decide demorarlo. Claro que el viejo cascarrabias de Lisandro, no vá a tolerar esto y la situación se agravará al extremo, que lo encerrarán una horas en un calabozo, el incidente sólo se superará, gracias a la intervención de un policía de buen corazón, interpretado por Esteban Meloni, que decide llevar al viejo momentaneamente a su hogar para darle cobijo y allí indudablemente arrancará la trama tan bien urdida por el autor.

La pieza en tono de comedia, tiene un alto grado de sensibilidad y esconde un profundo drama. Durante su desarrollo, nos hablará de la necesidad de recomponer nuestro pasado, enfrentando recuerdos dolorosos y buscando recomponer vínculos familiares quebrados por la ausencia, con el objetivo de cerrar lo inconcluso. Pero también habla del presente, de un matrimonio, donde reina la indiferencia y también habla de infidelidades. Estas historias entrelazadas funcionan, gracias a la acertada intervención del director y a un elenco muy compenetrado con la trama.

Si hablamos de elenco, debemos mencionar ya a Hugo Arana, que con una interpretación extraordinaria, retorna a los escenarios, tras superar problemas de salud de suma importancia, que incluyeron una operación de corazón y 2 operaciones en una cuerda vocal.
Arana volvió intacto y nos regala una actuación emocionante, una verdadera clase magistral de teatro, manejando los tiempos a piacere y decidiendo cuando la obra es una comedia, cuando es drama, todo lo maneja él, en el escenario del Multiteatro y como esos grandes conductores del futbol, juega  y hace jugar a sus compañeros.

 Para aplaudir de pie lo de Arana y para los amantes del teatro, seria una verdadera herejía, perderse semejante interpretación.
Pero no está solo en la obra, es muy bueno el acompañamiento, de Esteban Meloni, que con una calida  actuación se convierte en un socio ideal para Arana, teniendo un par de cuadros muy lucidos, en los que muestra todo su carisma.  Su esposa es Paula Ransenberg y juntos forman un matrimonio apagado. Completan el elenco, Daniel Di Biase, el jefe del policía y la bella Heidi Hauth, que cumple un papel clave como la hija de Lisandro y se destaca muchísimo.

Una interesante escenografía de paneles móviles, un diseño lumínico destacable y la utilización de un muy buen recurso, como ser la utlización de una pantalla gigante,   en la que se proyectan imágenes, relacionadas con el desarrollo de la trama y que completan una puesta muy bella.

En opinión de este humilde Blog, una excelente idea la de Contar, posibilitando que autores nacionales, pueden demostrar su talento y llevar  sus obras al circuito comercial, en este caso puede hacerlo, el joven Carlos La Casa, de la mano de Todas las Rayuelas, invitándonos a descubrir esta interesante historia y el enorme placer de ver nuevamente en escena a un enorme Hugo Arana.
La ovación que tributan los espectadores al final de la pieza, es un fiel termómetro y una muestra clara, que la obra además de gustar mucho, tendrá muy buena repercusión.


Pensador Teatral.