En Boca Cerrada

Lunes 20 hs en Teatro del Pueblo.

Obra escrita por Juan Carlos Badillo,  fue estrenada en 1984 en Buenos Aires con gran suceso y que vuelve a la cartelera porteña, con la dirección de Jorge Azurmendi.

De entrada, anunciamos que la obra es excelente, tiene una puesta en escena impecable y nos invitará a la reflexión profunda , ya que nos habla acerca de la familia y sus relaciones, de los secretos guardados bajo siete llaves, de aquellas verdades que se ocultan y  de realidades que prefieren ignorarse.
Pero también nos ilustra, acerca del rol de los padres en la crianza y educación de los hijos, que van a quedar condicionados en su carácter e identidad por esa influencia recibida en la infancia.

La historia arranca, con la vuelta de Víctor al pueblo, para asistir al velorio de su padre. Su madre, su tía y su hermana, lo estarán esperando. La pieza tiene un muy interesante ir y venir en el tiempo, estando por momentos en este presente, donde la ausencia paterna marca un hito para la familia y un pasado desde donde llegan los recuerdos y  las vivencias de momentos en que la familia estaba completa y los conflictos arreciaban. Temporalmente en ese presente, la pieza se sitúa en momentos de crisis en Argentina, último año del gobierno de Isabel Perón, en el cual ya se vislumbra la llegada de una dictadura sangrienta y el aire de intolerancia y desesperanza se transmite en el clima de la obra.

El elenco reúnido por el director es realmente de lujo. El punto más alto, es Rita Terranova, como Paula, la esposa sufrida,  madre sobreprotectora y también manipuladora, nos regala una actuación brillante. Una composición digna de aplauso,  sus gestos, sus tonos de voz, sus risas, sus llantos, un placer para el espectador poder disfrutar una actuación que conmueve tanto como la de Rita. Una gran revelación la de Ulises Pafundi, como Victor, el hijo mayor, que se fue a Buenos Aires, para escapar de una realidad familiar que lo asfixiaba. Un papel muy complicado y clave para el desarrollo de la trama, que demanda mucho y que resuelve en excelente forma. El papel de Vicente el jefe de familia, es de Roberto Romano, un actorazo , que encaja justo en este rol, como padre autoritario e intolerante, que dirige la familia con la bandera de la violencia y la intolerancia como método. Con su tono enérgico y gran presencia sobre el escenario se destac a mucho. Deliciosa la actuación de Cristina Dramisino como Celia, la hermana mayor de Paula y tía de la familia, con aplomo y  la palabra justa, siendo testigo privilegiada de todos  los conflictos familiares.
Quedan por mencionar a Lucia Di Carlo, que es Beatriz, la hija menor, embarazada en el presente y con un carácter muy fuerte heredado del padre.  Y Hernán Muñoa, amigo de la infancia de Victor, con el que protagoniza una escena jugadísima, que deja con la boca abierta a la platea.

Fue larga la descripción, pero debíamos hacerla, ya que el elenco es numeroso y las actuaciones son extraordinarias, en una obra que no es sencilla y representa un gran desafío, ya que hay un ida y vuelta permanente en la línea de temporalidad, que debe resolverse en segundos.

Destacamos la escenografía, una casa antigua, donde tenemos una cama con respaldo de bronce, la infaltable maquina de coser y los radioteatros de fondo que entretienen las veladas familiares de la época. Muy buena la utilización de los recursos lumínicos,  para crear los climas de la puesta y los diferentes momentos.

En conclusión, En Boca Cerrada, nos ofrece un guión profundo y una radiografía de la familia de la época, con una trama que atrapa en todo momento al espectador, que se vé identificado y reflejado en la  historia, donde sus propios recuerdos familiares entran en acción. Como fuera dicho, este texto rico y  es tan vigente es apoyado, con una impecable dramaturgía y un elenco de real fuste.

La ovación que reciben los actores al final de la pieza , es un premio más que merecido, por la excelente noche de teatro que le regalaron a todos los presentes.
Estamos en presencia de una obra imprescindible, que recomendamos fervorosamente.


Pensador Teatral.

No sé si puedo dejarte.

Sábados 21 hs en Teatro El Ópalo.

Texto de Gabriel Fernández Chepo y dirección de Javier Ahumada.

La obra es una historia de amor que recorre las diferentes étapa de ls pareja, los inicios cuando todo es pasión e ilusión, luego cuando llegan los conflictos por la convivencia y la caída en la rutina, que provoca desencanto y miradas hacia afuera de esa pareja que ya no parece tan perfecta como en un comienzo y por último la etapa de los replanteos y del pensamiento en la separación como única vía de escape.

El relato arranca de los primeros amores de Magalí y Darío, sus primeras conquistas inocentes, en la primaría, el juego de la botellita, los primeros lentos y el primer beso. Individualmente cada uno cuenta sus comienzos en el amor, Hasta que ambos ingresan a la Facultad, para estudiar Ciencias Políticas y el destino los une, se conocen en el Centro de Estudiantes y el amor entre ellos arranca con todo. Son novios y compañeros de militancia, comparten ideologías, sueños y utopías.
 Todo es color de rosa, encontraron a su media naranja y  no tienen dudas que están ante el hombre/mujer de su vida.

Pero el amor, como la vida, está en constante movimiento , la juventud deja paso a la vida adulta y con ella llegan las preocupaciones económicas, la necesidad de encontrar un trabajo, un techo donde vivir, la llegada de un hijo, es una boca que hay que alimentar,  hay que comprar pañales, pensar en la obra social.
Ya ese amor utópico encuentra algunas sombras, además de la pareja, hay preocupaciones y temas a los que hay que hacer frente.
El relato es verosímil y logra que el espectador rápidamente se sienta identificado con la historia y se vea reflejado en la misma, ya que son situaciones que vivió o están viviendo según la edad.

Ese amor que nacía como indestructible e insuperable, deja pasa a las dudas, a las visiones diferentes, las personas cambian y ya no se compartes los mismos objetivos, ni los mismos ideales.
Y entonces ?? Se puede sostener la pareja ?? O el otro pasa a ser un desconocido con el que ya no se comparten ni códigos ni  convicciones y esa comunicación tan íntima que se tenía pasa a ser un recuerdo ?
El amor era para siempre ? Los interrogantes son muchos y sobre la pareja sobrevuela el fantasma de la separación y comienza una lucha interna de ambos, para tratar de sostenerla.
Una trama que atrapa en todo momento, con momentos de ternura, amor y otros de gritos, discusiones y pases de factura.

Las actuaciones son excelentes, Darío Bonheur y Magalí Zubiri, se lucen mucho en forma individual y muestran una gran conexión como pareja, componiendo en forma muy creíble sus personajes, sus miradas, los besos, las discusiones, la entrega corporal de ambos, realmente son sobresalientes y tienen una gran fluidez, se disfruta viéndolos en escena, realmente un acierto del director, la elección de los protagonistas.
A ellos dos, debemos  a Darío Viggiano que con su guitarra, aporta música en vivo y le brinda un plus muy importante a la representación, marcando los ritmos y los momentos cruciales de la misma, con sus melodías que interpreta con mucho talento, un acierto su inclusión en la obra.

La sala pequeña de El Opalo,  le dá a la puesta un carácter íntimo que crea una atmósfera perfecta para el correr de la trama. Una escenografía desprovista, el vestuario de blanco de los actores y un cuidado diseño lumínico, completan una estética  muy cálida, donde todos los detalles están cuidado.

En definitiva, en No sé si puedo dejarte, encontramos una obra bella y profunda, que pone la lupa en el amor en la pareja, donde lo que parece perfecto en un comienzo, se transforma en una cruzada, para que la llama del amor nunca se extinga.
Una propuesta muy interesante, con exquisitas actuaciones, que hará reflexionar al espectador y que recomendamos.


Pensador Teatral.

Conjuro para Venus y Adonis.

Viernes 21 hs en Espacio Urbano.

Obra basada en el poema narrativo " Venus y Adonis " de William Shakespeare, con versión, puesta en escena y dirección de Viviana Foschi.

Una puesta de una gran belleza poética y escénica nos ofrece esta original y creativa representación,
Convocatoria multidisciplinaria,  brillantemente ensablada, por la directora. Sobre el escenario aparece la dramaturgía del teatro, al arte circense, el canto lírico, la composición musical con variados instrumentos y más.
Hay una riqueza visual y auditiva que merece destacarse y que el espectador disfruta mucho,

La pieza  nos cuenta  como Venus, la diosa de la pasión  es una mujer enamorada del joven y bello Adonis, que no quiere ceder a sus encanto.Al lector que le interesa conocer más de la historia, les contamos que fue la madre de Cupido, que por un error en el lanzamientode sus flechas, provoca el amor de Venus por Adonis. Enamorada corre tras a Adonis para seducirlo y persuadirlo, para que no salga de caza, pero como muchas veces ocurre, siempre que hay amor, aparece el dolor y tragedia y esta se hará presente, no contamos más, para conservar la sorpresa.

Como mencionamos, el amplo escenario de Espacio Urbano , desprovisto de escenografía, está poblado de actores que en forma coordinada, unen sus voces para los parlamentos , hay malabaristas de piso y de altura que componen hermosas coreografías ( se lucen muchísimo ) , un bufón liliputiense con gran encanto y excelente interpretación , una cantante de opera con una voz hermosa ( regala momentos muy bellos ) , instrumentos musicales, como el laud, el matálofo y el xilofono que brindan encantadoras melodías.
Realmente son tantos los personajes en escena, tantos los estímulos,  que es un desafío para el espectador abarcar todo lo que sucede en escena y con tantos recursos en acción,  el entretenimiento está asegurado en todo momento.

Debemos destacar la música original del laudista y compositor Emilio Cervini, un verdadero lujo, como así también el variado vestuario que los actores en vivo, se van cambiando a medida que la trama avanza.

Como conclusión, realmente para destacar el excelente trabajo de Viviana Foschi, para amagalamar en excelente forma las múltiples disciplinas que aparecen en escena y lograr la armonía y coordinación en todo momento de tantos artistas, algo para nada sencillo y que requiere mucho ensayo.
Una puesta escénica, con gran belleza y poesía, donde los estímulos visuales y sonoros están en permanente interacción. Una experiencia teatral diferente, bella y creativa, que seducirá al espectador que ama el buen teatro.

Realmente un trabajo excelente, felicitamos a  la directora y a todo el grupo que compone Conjuro para Venus y Adonis, una soplo de aire fresco y de belleza poética que debe ser un orgullo para el teatro independiente, hecho con tanta pasión y tanto amor.


Pensador Teatral.

The Rocky Horror Show.

Jueves 21 30 en el Teatro Maipo.

Musical escrito por el reconocido presentador neozelandés Richard O´Briens y estrenado en 1973 en Londres con increíble suceso. En 1975, llega al cine con el nombre de The Rocky Horro Picture Show y se convierte en una película de culto y éxito mundial .Hoy transcurridos más de 40 años, el fenómeno sigue vigente y con miles de fanáticos.por todo el planeta.

Con adpatación de Marcelo Kotliar, la obra, llega nuevamente a la cartelera porteña, para regocijo de sus seguidores locales  Es importante aclarar, que la participación del público es parte del show y por eso llegan disfrazados, cantan los temas, se bailan las coreografías y hasta son invitados a subir al escenario, en la parte final, Hay un clima festivo, tanto arriba del escenario, como en la platea.

La historia, cuenta como la joven pareja de nerds, compuesta por Brad Majors ( Walter Bruno ) y Janet Weissque ( Sofía Rangine ) , sufren una avería en su auto, en una terrible noche de tormenta y llegan caminando a un tenebroso castillo, con la idea de pedir ayuda. Pero allí se encontrarán con una serie de tenebrosos personajes , que están a las órdenes de su amo , el Dr. Frank Furter, un científico travestido y promiscuo , interpretado magistralmente por Roberto Pelloni, que justo esa noche presentará Rocky, una criatura bella, creada para satisfacer su placer.

La puesta es de gran nivel, la música con la banda en vivo tiene mucha potencia ( tanta que en algunos momentos puede dificultar entender las letras de algunas as canciones ), una iluminación digna de los grandes espectáculos, un vestuario variado que luce muchísimo y una escegrafia cambiante que va rotando con el avance de la trama , excelentes  interpretaciones musicales y unas coreografías logradísimas que son uno de los puntos fuertes de la presentación. Una presentación  a todo trapo, que no escatima en recursos y que no defraudará a los fans.

Las actuaciones son muy destacadas, sobresale el excéntrico doctor  y dueño de casa, interpretado por el multipremiado Roberto Pelloni, calzando unos tacones altísimos,  con un despliegue total en el escenario y con una entrega física y actoral digna de aplauso, con un carisma  que atrapa al público en todo momento. Muy bueno también lo de Walter Bruno y Sofía Rangone, con una voz hermosa para el canto, que forman la parejita de ingenuos tortolitos, que llega a la masión del terror y van a ser sometidos, a los juegos pecaminosos, a los que los llevará el científico, tienen mucha conexión entre ellos y son pieza clave de la historia. Imposible no nombrar a Federico Costes, como Riff Raff, con su vestimenta y su particular voz,  es un sello infaltable de de la obra.
Un muy buen recurso, que tiene la pieza, es la inclusión en cada función de un criminólogo invitado, que hace las veces de presentador y narrador de la historia. En la función a la que asistimos nosotros, el papel estuvo a cargo de Victor Laplace, que lucía algo contrastante con el carácter y público de la obra, pero de todas formas, con su oficio, sacó adelante su participación.

La pieza es además, una suerte de homenaje a las películas de ciencia ficcion clase B y a los films de terror, que eran suceso en la década del 70 y refleja la revolución sexual que se vivió en esa época, esto explica el fuerte carácter erótico que tiene la obra, en la que abundan escenas de homosexualidad y travestismo,

Dependiendo el conocimiento que tiene el espectador de la historia, será su grado de entendimiento y participación en la obra, se ven fanáticos que están 100 % metidos y espectadores neutrales, que tal vez se pierden alguna escena y en algún momento pueden lucir desorientados, pero de todas formas disfrutarán poder ser partícipes de este ritual que es cada función.

En conclusión, The Rocky Horror Show es una gran fiesta, un derroche de energía, de música y de luces. Con actuaciones que están a la altura de semejante despliegue técnico y escénico. Aclarando que el espectáculo está arriba del escenario y también abajo, ya que los espectadores son partícipes de esta gran celebración y aprovechan cada función para reunirse y rendir tributo a esta verdadera obra de culto.


Pensador Teatral.

Somos Chlid Free.

Miércoles y Jueves 20 30 hs. Viernes y Sábados 21 45 hs. Domingo 20 45 hs en Paseo La Plaza.

Obra escrita por el dramaturgo Matías Del Federico y dirigida por la dupla conformada por el cinéfilo Marcos Carnevale y el multifacético y talentoso Mauricio Dayub.

Un muy buen guión el de Somos ChildFree, ya que es una comedia que hará reír mucho al espectador, pero también lo invitará a la reflexión profunda, ya que trata una temática poco habitual en el teatro, como es el de las parejas que deciden no tener hijos, yendo de esta manera contra los mandatos sociales establecidos.
Este el el disparador de la obra, que en tono de comedia, tratará temas muy profundos.

La historia, nos cuenta como la pareja formada por Flor ( Eugenia Tobal ) y Augusto ( Gabriel " Puma " Goity ), viven juntos hace años, cultivando la filosofía childfree, que está en constante crecimiento en el mundo, adhiriendo a la teoría de no tener hijos. Con ese pacto, esta pareja moderna vive en armonía, pero en ocasión del cumpleaños cincuenta de Augusto, la tormenta se desata, cuando Flor, anuncia que está embarazada.
El acuerdo de esta manera se rompe y en ese momento la obra, dá un gran giro y se ván a vivir algunos momentos incómodos, ya que la noticia lejos de ser aceptada con beneplácito por Augusto, es recibida con mucha contrariedad.

Es muy interesante el tratamiento que dá la pieza, al tema de la libertad de pensamiento y de elección, mostrando como a veces en una pareja, los objetivos son diferentes y en situaciones límite, resulta complicado aceptar la decisión o los deseos del otro y vemos como el egoísmo y los miedos, muchas veces resultan paralizantes y rigen nuestras acciones. La trama es muy ágil, hay gags muy divertidos y la atención del espectador se mantiene durante todo la obra, ya que la historia tiene ritmo y las actuaciones son de mucha jerarquía.

Como dijimos, las  interpretaciones son excelentes, el corazón de la obra es el Puma Goity, que tiene un encanto y un dominio del escenario que impresiona y provoca carcajadas en la platea en muchísimos pasajes de la pieza. En esta caso, su personaje es un cincuentón antisocial, que odia festejar los cumpleaños y es muy ácido en su vida diaria. Un placer realmente ver el lucimiento del Puma, a lo largo de la presentación, se nota cuando un actor tiene jerarquía y una química especial con la platea, que festeja mucho sus intervenciones y solo con ver sus caras, muchas veces se ríe.  Ante una actuación tan destacada como la del Puma, puede que los demás actores se vean pequeños, pero este no es el caso. Una gran actuación la de Eugenia Tobal, que forma una interesante dupla con Goity, componiendo perfecto su personaje de mujer moderna, con instinto maternal y  manejo de la frustración por no ser acompañada por su pareja en este trascendental momento, mostrando solvencia para resolver este protagónico.

El resto del elenco, cumple muy bien y aporta lo suyo, destacamos a Dennis Smith, como Martín, el hermano gay de Flor, con toda su juventud y frescura, genera muchas risas,  funcionando como contrapeso de su amargo cuñado y agregando mucho condimento a la obra. Martín Pavlovsky, es Federico, el único amigo que tiene Augusto y gran cultor también del childfree, tanto que escribió un libro al respecto. Mariana Melinc, es Nancy, la alumna de yoga de Flor, que se presenta en forma " virtual ",  en un acierto de los directores que no queremos relevar y Valeria Lorca, la esposa de Federico, que también tiene el deseo de ser madre, pero choca con la elección diferente su marido.

La escenografía de la bella Sala Pablo Picasso, donde se desarrolla la pieza, es muy moderna y merece destacarse, lo mismo que el vestuario y en ambos casos aportan mucho al lucimiento y al buen gusto de la puesta.

En definitiva, estamos en presencia de una obra, que está entre las más exitosas de la temporada y esto se explica, porque tiene un guión efectivo y muy interesante.
Es una comedia con contenido, no es hueca,  tiene el mérito de hacer reír mucho al público y pasar también  por momentos de logrado drama, que llevan al espectador a la reflexionar y a cuestionar sus creencias más arraigadas.  Si a este buen libro, le sumamos un Puma Goity brillante  y a un elenco que acompaña a la perfección, tenemos un combo ideal para que el espectador con Somos ChildFree disfrute de una excelente noche de teatro.
La prolongada ovación que reciben los actores al finalizar la obra, así lo testimonian.


Pensador Teatral.

El Escorpión

Domingos 20 hs en Teatro La Comedia.

Obra escrita por la dramaturga rosarina Patricia Suárez y la dirección de Claudio Aprile.
El Escorpión nace de un hecho real narrado por la abuela paterna de la autora, ocurrido en un campo en el interior de la Provincia de Santa Fé, allá por el 1940.

Es una obra muy fuerte que invita la reflexión y que nos habla de las miserias familiares, de como la codicia y la ambición por lo material, arrasa con todos los vínculos familiares, sin respeto por la memoria de los muertos y  desatando una verdadera guerra de intereses, donde la falta de escrúpulos es la moneda corriente.

La historia cuenta como tres hermanos que se rencuentran después de un  largo tiempo en el funeral de su  padre, autoritario y poco querido por sus hijos. Fiore el hermano menor, fue quien se quedó en el campo con el padre y vivió los últimos tiempos con él, acompañándolo en los momentos previos a su muerte. En cambio sus hermanas, Isotta, la mayor y Lucia la del medio, ambas distanciadas del padre, se alejaron del campo hacía años y vivieron  vida en la ciudad.

Los rencores aparecen de inmediato, con mutuos reproches, las  hermanas acusando al hermano menor, de no ocuparse en forma idónea de la enfermedad del padre y el hermano que las acusa a ellas, de nunca haber ido a ver como estaba el padre, a pesar de los llamados que recibieron para visitarlo.
Cuentas pendientes, viejas rencillas de la infancia,  recuerdos del pasado vuelven a la luz, todo es tensión y peleas entre los hermanos, pero la lucha de fondo, iba a ser por la herencia que dejaba el padre y ahí aflorarían los peores sentimientos de esta familia.

Un guión muy ágil, con diálogos ácidos y algunos toques de humor, logran que la historia atrape al espectador en todo momento. Las actuaciones son excelentes, Marisa Costas en el papel de Isotta, está sublime, con muchos momentos de lucimiento,  mostrándose por momentos  frágil  y con tristeza por la pérdida del padre y en otros momentos sumamente calculadora y despiadada cuando se trata de discutir por la herencia. La misma voracidad muestra, Lucía ( Cynthia Mykietyn ), que aparece también deshumanizada y mostrando todo su odio a flor de piel. Forman una excelente dupla las hermanas, con conversaciones muy ricas entre ellas, La trilogía la cierra Alejandro Curlane, como Fiore, con una presencia imponente en el escenario, con toda su energía, realiza una composición perfecta del personaje, sus gestos, su lenguaje, sis caras, hasta su forma de caminar, realmente es un trabajo para destacar.muchísimo, al verlo nadie duda que está ante la presencia de un hombre que vivió toda su vida en el campo, una actuación genial.
Las tres actuaciones son estupendas, cada personaje con sus características particulares exacerbadas, aportan en su conjunto a redondear un relato muy creíble, donde las intrigas y las alianzas, estarán siempre presentes.

La pieza se desarrolla, en la señorial sala que tiene el Teatro La Comedia y el espacio escénico es muy bien aprovechado por el director, la escenografía es desprovista, solo hay un piano, que aporta muy buenos momentos de acompañamiento musical a la obra.
Todo está muy bien cuidado en la puesta, desde la iluminación tenue a  los momentos de oscuridad que finalizan los cuadros, pasando por  los ladridos de los perros que retumban desde la lejanía del campo, todos estos detalles, contribuyen a generar esa lograda atmósfera de encono y tensión que acompañan la toda trama.

Concluyendo, estamos en presencia de una pieza muy interesante, basada en hechos reales, un verdadero drama familiar, que tiene plena vigencia y que nos muestra  la peor cara del ser humano, aquella cara oculta que aparece en los  momentos más inesperados , para recordar que las miserias humanas y el odio en algunas personas no tiene límites y que las alimañas como EL Escorpión, siempre están al acecho, esperando el momento para atacar.
Recomendamos plenamente esta obra, que es otra de las muy buenas  propuestas que nos ofrece nuestro prolífico teatro independiente.


Pensador Teatral.

Monoambiente

Jueves 21 hs en Teatro Nun.

Opera prima como autora y directora de la joven y talentosa Carolina Barbosa.

Monoambiente es una fresca comedia romántica, que nos habla del amor, de las dificultades que tienen los adolescentes , que se abren camino en la vida  y tienen que conseguir un hogar para vivir, nos habla de la vida cotidiana, de la familia  y fundamentalmente logra que los espectadores se vean reflejados con la historia que está viendo.

La obra nos cuenta como una parejita de jóvenes novios , Clara ( Carolina Barbosa ) y Martín ( Luciano Correa ) se las arreglan para vivir en un espacio muy reducido, donde no hay espacio para casi nada y donde además del acotado lugar, deben convivir con los ruidos y olores que hacen sus vecinos orientales, un combo que atenta mucho contra la calidad de vida que todos soñamos.

El ambiente tan chico, provocará muchas situaciones desopilantes y para colmo, la parejita,  recibe una visita inesperada, que vá a complicar aún mas la convivencia, ya que llega Olga ( Patricia Zacarías ) , la madre de Martín llega a Buenos Aires,  para quedarse unos dias en la casa y cumplir una misión secreta. Si la convivencia de dos ya era complicada,  con tres ya se lo pueden imaginar.

La historia tiene el mérito de ser efectiva, con un público de identifica mucho con los personajes, ya que las situaciones que presenta la obra, son análogas a la realidad que viven las parejas de hoy, a esto hay que sumarle las sitiuaciones graciosas y tiernas que se dán a lo largo de la puesta , que van a lograr más de una sonrisa a los espectadores.

Muy buenas las actuaciones, sin dudas el protagonismo lo tiene Carolina Barbosa, con toda su frescura y también con su carácter, pasa por estados de ternura, de reflexión ( a Clara le gusta meditar ), de furia y de tristeza. Es muy sólida y creíble su actuación y tiene muy buena conexión con Luciano Correa, su novio en la puesta, que es algo inmaduro, amante de la Play Station y con algún Edipo no del todo resuelto. Completan la trilogía, Patricia Zacarías, la madre, que con su aspecto desenfadado, llega al departamento y provoca los momentos más graciosos de la noche. Su llegada provocá un quiebre en la obra, desde su aparición, el clima será diferente y las situaciones desopilantes y los malos entendidos, crecerán en forma exponencial.

Para destacar la escenografía, muy cálida, simulando ese hogar que mágicamente parece reducirse a medida que la puesta avanza y la música en vivo que tiene la obra, con Gastón Meloni, que interpreta varias canciones, relacionadas con la trama y  que suman mucho para crear un clima intimista a la obra.

En definitiva, estamos en presencia, de  una deliciosa comedía romántica, una historia actual y moderna, donde el amor y la esperanza, deben triunfar, aún ante las situaciones más adversas.
Realmente un placer poder ver como en el teatro independiente, constantemente surgen nuevos talentos, en este caso Carolina Barbosa, que se animan a escribir y a contar historias de vida, tiernas y reales como esta tan entrañable y querible creación llamada Monoambiente.


Pensador Teatral.

Dinner

Míércoles y Jueves 20 30 hs, Viernes y Sábados 22 15 hs y Domingos 19 hs en la Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza.

Obra de orígen británica escrita por Moira Buffini, suceso en el circuito off y luego en el circuito comercial londinense desde el año 2002, que ahora llega a la Calle Corrientes, en su versión argentina, bajo la dirección de Valeria Ambrosio.

Dinner es una comedia negra, donde aparecen en escena, comportamientos como el odio , la pasión y la venganza, todos valores presentes en la sociedad actual, donde gran parte de las relaciones humanas están regidas por la hipocresía, Tiene drama, suspenso, pero también tiene muchos toques de un humor ácido y profundo, que le dán un mix de géneros muy interesantes a la obra.

La historia, nos habla, de Page, la dueña de casa, que organiza una cena con amigos en su lujosa mansión,  para celebrar el éxito de si esposo Lars que ha lanzado un nuevo libro con gran éxito.
Los amigos, todos de buen poder adquisitivo y muy snobs, ván llegando de a poco a la casa y son partícipes de una cena que será muy especial, donde los conflictos entre los invitados no tardarán en aparecer y el menú preparado por la anfitriona para la ocasión,  tendrá reservadas varias sorpresas, para colmo, cuando la mesa parece completa, aparecerá un invitado inesperado, que le dará un condimento diferente a composición de la mesa.

Una escenografía dominada por una mesa gigante donde se desarrolla la pieza, un vestuario que se luce mucho en estos personajes de la alta sociedad y la puesta tiene un recurso muy novedoso y efectivo, como la existencia de distintas cámaras en la mesa, que proyectan las imágenes en vivo, en cuadro que hace las veces de pantalla gigante.

Este recurso, que le dá un toque cinematográfico a la obra, es muy original y le aporta mucho a la obra, ya que ofrece primerísimos planos de los actores y permite ver las caras y reacciones de los actores, mientras está hablando otro, lo que genera situaciones muy graciosas y  son muy bien explotadas por este elenco tan talentoso.
Debemos mencionar la música de fondo que ambienta la velada, peeo he aquí un punto de atención, ya que en alguna oportunidad la música puede tapar la exacta comprensión de algún diálogo, en esta sala tan bonita como amplia.

Yendo al elenco, compuesto de siete actores,  hay grandes actuaciones, la obra no es sencilla, ya que en sus diferentes actos, presenta estilos disntintos, pasando del grotesco a la tragedia en varias oportunidades, por mencionar solo dos estadíos y resaltar lo cambiante que resulta la trama, con esto queremos indicar que la pieza representa un desafío extra para los actores, ya que no es una obra tradicional.

Indudablemente, la mayor ovación de la noche, se le lleva Willy Lemos, en el papel de Paige, la anfitriona millonaria dueña de casa, que tiene una actuación extraordinaria, sus caras, sus gestos, sus tonos de voz, los platos especiales que presenta en esta particular cena, sus filosos diálogos con los invitados, todo es perfecto, hay que destacar que es su debut en un rol protágonico en el teatro comercial y vaya si supera el exámen, su personaje cautiva todas las miradas, se luce muchísimo y es el personaje más festejado por la platea.

A continuación, hay que mencionar a Nacho Gadano, como Lars, escritor y esposo de Page, un actor de trayectoria componiendo un esposo frío y distante, papel que cumple a la perfección, realmente un gusto verlo sobre el escenario a Nacho.

En tercer lugar, debemos destacar a Juan Manue Guilera, como Mike, un actor joven con gran futuro, es el extraño de la cena, el único "pobre" y cumple en gran forma, su papel de contraste, con momentos de mucho destaque.  Otra que se luce mucho, es Victoria Césperes, como Wynne, la joven y bella actriz uruguaya, representando a una artista plástica, muy fresca, muy onda zen, que comparte muchos de los gustos de Lars y tiene muy buena actuación.
Un papel delicioso es el de Alejandro Veroutis, el mayordomo, que fue contratado por Paige por Internet, muy concentrado en su rol, es otro papel muy logrado y festejado por la platea, con sus caras y gestos cómplices con la dueña de casa.
Por ultimo mencionar a Joaquín Berthold ( Hal ) y Leonora Balcarce ( Sián ), él científico y ella chimentera en la televisión, una pareja despareja, que se tiran dardos envenenados durante toda la veleda.
Como puedan observar, un elenco numeroso y de mucha jerarquía, que llevan adelante esta cena tan feroz y disparatada en gran forma.

Concluyendo, Dinner es una comedia negra, con una puesta imponente, en la que abundan las tensiones y en la que ván a desfilar, amores, pasiones, odios, traiciones y una gran dosis de hipocresía, todos comportamientos muy  presentes en  nuestra sociedad moderna. A lo largo de la obra, el espectador, vivirá momentos graciosos y otros de profundo drama, pero siempre deberá estar atento, porque las emociones a lo largo de esta cena inédita , irán en constante aumento y tendrá que estar atento hasta el final.

Una historia original, con mucho suspenso y actuaciones de primer nivel, que recomendamos.


Pensador Teatral.

Once Hijos

Domingos 21 hs en ElKafka Espacio Teatral.

Obra basada en el cuento Once Hijos, escrito por el notable escritor checo Franz Kafka en 1883, traducida por Pablo Caramelo y con adaptación y dirección del joven y talentoso Federico Ponce.

Gran desafío el de Federico, trayendo al teatro independiente, esta obra de Kafka, que no resulta sencilla y que requiere un gran despliegue artístico y escénico, con tantos actores en acción en forma simultánea.
Indudablemente una gran apuesta de ese joven dramaturgo y la resolvió en gran forma, ya que logra una obra sólida, conservando el espíritu del cuento original, pero aportando su impronta y logrando una puesta con mucha dinámica, que atrapa al espectador en todo momento.

La obra explora el vínculo siempre complejo, entre padre e hijos. En escena vemos un padre, brillantemente interpretado por Pablo Caramelo, quien en forma minuciosa, hace una descripción de las características personales de cada uno de sus hijos, tanto de carácter, como físicas, encontrando en cada uno de ellos, aspectos positivos y negativos, pero siempre eligiendo quedarse con la parte negativa, con el defecto de sus hijos, con un aire de desilusión y rechazo que está presente en cada de uno de sus parlamentos.

La interpretación de Caramelo, es soberbia, con un dominio total de la escena, con mucha presencia y transmitiendo una imagen de absoluta autoridad, con una sonrisa socarrona casi permanente en su rostro y un swing , que en realidad esconde su frustración, por tener esos hijos que distan tanto de ser perfectos, según su exigente mirada personal. Es muy destacable, la interacción del padre con sus once hijos, compartiendo el limitado espacio escénico, cruzando miradas, tocándolos y haciendo gestos, nada parece escapar del control de este padre omnipresente.

Los hijos merecen ser nombrados, ya que cumplen una labor fundamental en el éxito de la puesta, son: Daniel Barbarito, Juan Pablo Antonelli, Juan Pablo Maicas, Lautaro Sosa, Manuco Firmani, Patricio Bertoli, Rodrigo Martínez, Rodrigo Pedrosa, Manuel Aime, Marcos Paterlini y Matías Tagliani.
El lector, al ver tantos nombres, ya imaginará lo complejo que es tenerlos a todos al mismo tiempo en escena y el desafío es resuelto en gran forma por el director y se nota que hay mucho trabajo y ensayo previo, ya que muestran una gran coordinación, en sus movimientos, sus miradas, sus gestos, sus bailes, todo se hace en forma sincronizada y hacen que la platea,  esté siempre atenta y tratando de abarcar con su mirada, que hace cada uno de los hijos en escena, algo difícil, ya que están en constante movimiento, siendo este un reto adicional y estimulante para el espectador.

La escenografía, es solamente una silla, con eso alcanza para producir teatro, pero Once Hijos tiene muchos más recursos, por ejemplo el excelente diseño de iluminación a cargo de Lucas Orchessi, desde las luces de led, que marcan los límites del escenario, pasando por un potente reflector o los momentos de oscuridad, el trabajo lumínico es un punto muy fuerte en esta puesta. Otro punto altísimo, es el sónido, que le dá una gran potencia a la obra y colabora con la música a las excelentes coreografías que se dán a lo largo de la puesta, coordinadas por Verónica Litvak y que realmente impactan, ya que muestran coordinación, gracia y mucho ritmo, en un espacio limitado en el que doce actores, realizan un despliegue corporal constante.

Por último mencionar el vestuario, de los hijos, todos atildados e igualitos, con sus trajes negros, dándoles un aire misterioso, realmente una puesta donde está cuidado hasta el más mínimo detalle.

En definitiva, un placer poder ver justamente en ElKafka, una representación teatral de un cuento del propio escritor checo, llevada a escena brillantemente por un joven director como Federico Ponce y su talentoso equipo, explorando acerca del siempre vigente vínculo padre / hijo, con una puesta potente y efectiva y una calidad que asombra y debe llenar de orgullo, a todos lo que amamos el teatro independiente.

Recomendamos mucho Once Hijos, una experiencia teatral original, con un enorme despliegue artístico y escénico, que el espectador disfrutará mucho.


Pensador Teatral.

Trópico del Plata

Sábados 18 hs en Espacio Callejón.

Obra escrita y dirigida por Rubén Sabadini, que se estrenó en Buenos Aires en el 2013 y desde esa fecha, viene cosechando elogios de la crítica y del público , ganando premios y  participando en diversos festivales teatrales internacionales y ahora se reestrena en su 4ta temporada en el cálido Espacio Callejón.

La pieza arranca, con Aimé ( Laura Nevole ) parada sobre una tarima de madera, como única escenografía , contando su historia, que es una historia de amor que tiene con el misterioso Guzmán. Ella vive por Guzman, un hombre culto y disfruta escuchando las palabras refinadas con las que le habla aquel hombre. Siempre esta alerta y espera escuchar sus pisadas en el techo de chapa, porque cuando viene solo, él no entra por la puerta, él entra por el techo, anuncia a los espectadores.

Aimé está perdidamente enamorada de Guzmán, usa la ropa que le gusta a él, la peluca que él le pide, se pinta los labios con el color preferido de él, ella es feliz complaciendo a su amado, ese es su propósito en la vida, pasarla bien y hacer feliz a su Guzman  y es por eso que se preocupa por satisfacer todos sus pedidos.

El relato es gracioso y grotesco en ese comienzo y el espectador sonríe con lo que relata esa chica bruta, que se reconoce asimismo con una negrita, demostrando una autoestima muy baja.

Pero a medida que el relato de Aimé vá avanzando, la sonrisa vá desapareciendo y vá dejando lugar al drama, el inocente baile de los enmascarados y los enigmáticos amigos de Guzmán que participan de las fiestas que él organiza, ya no san tan simpáticos e inocentes y en forma desgarradora, van a ir revelando, su verdadera cara.

El texto de este unipersonal es ágil y la atención de la platea no decae nunca, por el contrario, va in crescendo,  indudablemente la responsable de que esto suceda esLaura Nevole, que tiene una actuación fabulosa , su interpretación es brillante y nos hace creer, que no estamos en un unipersonal, ya que hace también de Guzman recreando los diálogos que tienen, pasando de la mujer simple que es Aimé, al refinado Guzmán en un click, con una facilidad y ductilidad que asombran.

El relato de Aimé es atrapante, con un manejo de los tiempos insuperable, arrancando con un estilo aniñado y sensual, pero que en el transcurso de la puesta, vá  incorporando al personaje un dramatismo y un sufrimiento, que llega al corazón del espectador.

Recordemos que por esta actuación, Laura recibió varios premios, que al ver la obra, uno entiende son totalmente justificados, ya que estamos ante una actuación magnífica, la gestualidad, los tonos, la entrega física , todo es perfecto  y no exageramos, diciendo que aquellas personas que estudian teatro, tienen la oportunidad de participar en una verdadera clase magistral de teatro, que dicta la protagonista.

En definitiva, viendo  Trópico del Plata nos vamos a encontrar con una obra fuerte, que tiene poesía y pasajes de humor, pero que en realidad enmascara un profundo drama y una trampa en la cual  Aimé se encuentra inmersa y de la que no puede escapar.

Recomendamos muchísimo esta obra, por la historia y por la conmovedora actuación de Laura Nevole.
La prolongada ovación del público al finalizar la puesta, no deja lugar a la duda, estamos en presencia de una verdadera joyita del teatro independiente, que no debemos perdernos.


Pensador Teatral.

La Escena del Crimen

Viernes 22 15 hs en Teatro El Tinglado.

Guión autoría de  Daniel Dalmaroni y dirección de Sebastián Bauzá.

La Escena del Crimen, arranca cuando un matrimonio conversa en la cocina sobre unas sospechosas marcas rojas que aparecen en el auto de él y que pueden ser de sangre, preocupado porque no recuerda lo que sucedió la noche anterior, en la que salió con un vecino amigo  y tomaron algunos copas de más.

Los diálogos entre este matrimonio conformado, por Marta ( Mirta Wons ) y Norberto ( Marcelo Serre ) son desopilantes y se generan gags muy divertidos, donde aparece la hipocondría de él, que presenta un catálogo de las enfermedades que supone tener, los reproches de ella porque el auto no está a nombre de ambos y las especulaciones y la paranoía por intentar descubrir el misterio de aquellas manchas en el auto.
Para colmo la llegada del Miguel ( Leo Prestía ) el vecino sólo aporta confusión, ya que tampoco recuerda nada de lo sucedido en la pasada noche y al igual que Norberto, tiene miedo de que la policía venga a detenerlos.

El desconcierto, llega a su punto máximo, cuando toca el timbre de la casa, un policía muy particular, interpretado por Pasta Dioguardi, que en lugar de aportar para la resolución del misterio, sólo genera más confusión y situaciones graciosas.

El guión interesante de Dalmaroni, se sustenta, en las excelentes actuaciones que tiene la pieza, donde Mirta Wons, que indudablemente, tiene un ángel muy especial para las comedias y ya con su risa contagia a la platea, se luce mucho a lo largo de la obra y trata de poner algo de cordura ante tres hombres que no la tienen, en un papel que le cae muy bien.
Destacadísima la performance de Marcelo Serre, que compone un personaje muy gracioso, con toda su verborragia  y muchos momentos de lucimiento, cuando encarna a Norbertito.
Hay que mencionar, que el contraste entre la pareja despareja del pequeñito Norberto y la corpulenta Marta, explotada en varias partes de la obra, ya por si solo provoca risas en la platea.
Queda mencionar a Leo Prestía, el vecino despistado y miedoso, que pese a tener más de 40 años, todavía vive con su madre y el policía interpretado por Pasta Dioguardi, que pese a llevar el uniforme policial y tratar de mostrar seriedad en su accionar, compone un personaje desopilante, que provoca muchas risas.

En definitiva, un elenco que demuestra mucha química entre sí y todos muy graciosos individualmente, aportando momentos hilarantes a lo largo de la pieza.

Destacado el diseño de la escenografía, que nos muestra una típica cocina y comedor diario donde se desarrolla la obra, una correcta iluminación y también para destacar los momentos musicales que tiene la pieza, donde Marta Wons, muestra todo su histrionismo y ese ángel que mencionamos más arriba.

Concluyendo, estamos en presencia, una deliciosa comedia de humor negro, para reírse por las situaciones absurdas que suceden a o largo de la obra, donde la culpa y la paranoia hacen de las suyas por situaciones inverosímiles, donde se deja un espacio para ver la desconfianza que hay en la autoridad policial y también el espectador se verá reflejado en muchas situaciones, en las que el famoso dicho, que el árbol no nos tape el bosque, tendrá una indudable vigencia.

Una comedia sin doble sentido, algo muy meritorio en el teatro actual, con actuaciones destacadas, que harán reír mucho al espectador y lo harán pasar una divertidísima noche de teatro.


Pensador Teatral.

El Hombre de la Nariz Rota

Jueves 21 hs en Auditorio Losada

Obra escrita por el multifacético Rolo Sosiuk y dirigida por Victor Cano Ayerra.

El Hombre de la Nariz Rota, nos regala una mirada sobre la vida del reconocido escultor francés Auguste Rodin ( todos conocemos su obra cumbre El Pensador de Rodin )  y de Camille  Claudel, una joven y talentosa  escultora , que tuvo a Rodin como su mentor y que pese a la belleza de su obra ( algunos críticos de la época comentaron que sus trabajos llegaron a superar a los de su maestro ), quedó en la historia,  sólo por haber sido la amante del artista, indudablemente ser mujer en esa época era un desventaja y Camille pagó con una vida sufrida la osadía de ser mujer y artista.

El conflicto en la historia aparece pronto, porque Rodin era un hombre casado, Rose Beuret su esposa, conocía el gusto de su marido por las mujeres y su predilección especial por su bella y joven Camille, que indudablemente era una alumna especial.
Tampoco aprobaba la relación, su hermano Paul Claudel, que tenía una vínculo muy especial con su hermana y miraba con recelo como entregaba su vida a este hombre casado, que además era veinte años mayor que ella.

La puesta de la obra es bellísima, tiene mucha poesía y una estética muy cuidada, donde la danza y el canto tienen su lugar destacado
Es muy creativo el recuso de las esculturas vivientes, aportando una belleza particular y brindando unas coreografías que son un deleite para el espectador y le aporta un plus de refinamiento a la puesta que merece destacarse.

En la historia, que es muy fuerte, se habla de celos, de locura, de locura  y principalmente de amor, sin dudas la relación entre maestro y discípula fue muy tormentosa y dejó sus huellas definitivas en sus vidas.

Excelentes las actuaciones, en mi opinión  la interpretación  más destacada es la de Zuleika Esnal, como Camille, dando al personaje una fuerza increíble, mostrando a carne viva, su pasión y su  lucha constante entre el lado masculino y femenino que conviven en su interior. Matías Garnica como Rodin, muestra su carácter fuerte y que es un ser irritable, resolviendo muy bien el protagónico. Gran lucimiento el de Lucas Foresi, como Paul, el hermano de Camille, mostrando toda su versatilidad en el escenario y hasta cantando en francés, redondenado una gran perfomance y Cecilia Bruno, que es Rose, la esposa sufrida y abandonada.
Por último, tenemos a Rolo Sosiuk, el autor de la obra, caracterizado en forma especial y siendo una especie de relator de la historia y testigo privilegiado de lo que va ocurriendo,   realmente un acierto su inclusión en esta función, que Rolo, resuelve de manera perfecta.

Una escenografía desprovista, un vestuario de época que se luce, una iluminación que cumple una función importantísima en la obra, el humo que cubre por momentos el escenario y llega hasta la platea,  todo el conjunto contribuye a recrear una atmósfera perfecta que nos traslada al Paris del 1800.

En definitiva, El hombre de la Nariz Rota, que justamente es el nombre que lleva la escultura de Rodin, realizada en 1863 y que fuera considerada como su primer trabajo relevante, ofrece una versión particular  de la apasionante vida de Auguste Rodin y Camille Claudel, con una puesta exquisita, donde la belleza visual y la poesía, tienen un sitial de privilegio.
Celebramos que desde el teatro independiente, aparezcan propuestas de este tipo, que resultan un verdadero soplo de aire fresco para la nutrida cartelera porteña.



Pensador Teatral.

Hacia Vía

Martes 20 hs en Teatro del Abasto.

Obra escrita por Gustavo Cornillón y el polifacético Germán Rodríguez, que es también el director y actúa en esta interesante puesta.

Hacia Vía, es una pieza inquietante y profunda, que se desarrolla en los andenes de una estación de subterráneo, donde un grupo de desconocidos coinciden a la espera de un tren que no llega y se sienten atrapados, allá abajo, por una realidad que los agobia..

La puesta tiene un gran vuelo metafórico y mucha poesía, con estos personajes se sienten aturdidos por la rutina  y por frustraciones que dominan su horizonte.

La idea del suicidio como solución mágica a todos los problemas, sobrevuela permanentemente la atmósfera que es de tensión, las vías  y la fantasía de tirarse a ellas, le dá un toque de tragedia a la obra que inquieta.

Muy convincentes las actuaciones, se destaca mucho Germán Rodríguez, con mucha presencia en escena,  muestra un grado de paranoia agudo, me encantó Marcelo Aruzzi, con su  personaje de diariero desgarbado, que para mí hace la mejor interpretación, Melania Miñones con su papel de empleada de subte, aporta  momentos cómicos y otros de hondo drama, en una actuación muy lucida y Camila Brecht, la oficinista que justo ese día fue despedida del trabajo y muestra toda su angustía. Por último, mencionar a Maximiliano Rodríguez, el punga, que es un personaje misterioso y un nexo entre el mundo subterráneo y el de arriba.

La escenografía de Julieta Potenza es realmente excelente, con simpleza logra ser impactante, simulando una estación de subte de aspecto siniestro, donde aparece el agua, como recurso novedoso,  que le aporta un mayor dramatismo a la puesta.( no vamos a profundizar al respecto para guardar la sorpresa del espectador  ) y debemos mucho también, destacar la iluminación a manos de Paula Fraga, que con un manejo admirable , logra una atmósfera densa, que está acorde con el texto de la puesta.

En conclusión, Hacía Vía, es una pieza teatral abierta y muy creativa, con mucho vuelo poético, donde las matáforas y las emociones, estarán presente permanentemente y  harán que el espectador esté siempre atento a lo que puede suceder y lo hará reflexionar sobre el verdadero sentido de lo que está viendo.

Una propuesta profunda e inteligente, con mucha fuerza y  lejos de los clichés, que de ninguna manera va a dejar indiferente al espectador.



Pensador Teatral.

Hijo de mil

" Hijo de mil, Concierto de palabras putas."  Sábados 23 hs en Teatro La Comedia.-

Esta obra, es versión libre de La madre voluptuosa del escritor y psicoanalista argentino, Ariel Arango. Bajo la dirección de Marcelo Nacci. Este unipersonal escrito y actuado por el genial y multifacético Pablo Finamore.

La historia, relata como Gustavo Mahler, el prestigioso pianista checo, luego de haberse enterado que su mujer lo está engañando con otro hombre, concurre a una sesión de psicología, con el famoso Sigmund Freud.

A medida que la obra transcurre van apareciendo asociaciones de Mahler, que lo llevan a plantearse y reflexionar sobre la dicotomía de la " madre puta " y " madre virgen " y su incapacidad para disociar una de otra. La utilización de la palabra " puta " con toda su fuerza y sus significado, utilizada en múltiples ejemplos, logra demostrarle al exitoso pianista, verdadera razón por la cual su mejor está dispuesta a dejarlo.

Un texto polémico y perturbador,  que moviliza e invita a reflexión del espectador y que explora sobre  la sexualidad y los tabúes linguisticos, que giran en torno a ella.

La iluminación y los diversos recursos que aparecen en escena, contribuyen en la generación de un clima intimista, que invita a adentrarse en la obra. El excelente uso del piano, para acentuar los momentos importantes de la puesta, es fundamental en el desarrollo de la pieza.

La actuación de Pablo Finamore, es estupenda, con una dialéctica desopilante y el uso de las malas palabras, le dá un carácter transgresor a la obra y muy divertido a la vez, logrando los distintos matices de un apesadumbrado Mahler y un sabio Freud.
Los usos de la voz, su gestualidad, su entrega física e incluso sus silencios, completan una fantástica interpretación, de un actor talentoso como Finamore, que una vez más, demuestra el bagaje de recursos con los que cuenta para protagonizar de la mejor forma, un unipersonal, que siempre es un desafío complejo para cualquier actor.

En conclusión, un texto profundo, no exento de polémica, siempre actual y una actuación fantástica, nos regalan con Hijo de Mil, una propuesta audaz y más que interesante, que recomendamos.


Anabella Rosso para Pensador Teatral.

Cita a Ciegas

Viernes, Sábados y Domingo 20 45 hs en el Maipo Kabaret.

Musical proveniente de Broadway,  basado en la obra First Date de Austin Winsberg y dirigida en esta versión local por Sebastián " Chato " Prada.
La adaptación argentina a cargo de Marcelo Kotliar, es estupenda, ya que logra superar las barreras del idioma y mejorar la versión original, con diálogos deliciosos y efectivos giros locales.

Estamos en presencia, de una estupenda obra, el musical más divertido, como reza el slogan en el programa y no se equivoca, ya que abundan los gags y las situaciones cómicas.
Cita a Ciegas nos cuenta, la historia de Ariel ( Mariano Zito ) y Camila ( Lucía Mundstock ) la pareja protagónica, que se encuentran en un bar sin conocerse previamente, el desafío adicional,, es que tienen personalidades opuestas, Ariel es tímido, formal y estructurado, en cambio ella, es  extrovertida, dark y no tiene filtros.

Con tan poco en común, es difícil pensar que en esa cita, puede formarse una pareja y a lo largo de la charla, se producen diálogos despolitantes y muy graciosos, donde se habla de amor, de la familia, de los recuerdos de la infancia y hasta de religión.
Además los protagonistas, cuentan mucho de ellos mismos en las partes cantadas  y lo hacen en gran forma, ya que tienen muy buena voz y afinación ambos.

Pero la pareja que recién se conoce, no estará sola en ese bar, ya que ante ellos, desfilarán una seríe de personajes, amigos, familiares y sorpresas, que les traerán miedos y recuerdos latentes en sus mentes.  Estos momentos que se disfrutan mucho, tienen muy buenas coreografías y provocarán escenas hilarantes y de todo tipo, que son muy disfrutables.

La obra tiene una dinámica asombrosa y un gran aprovechamiento del espacio escénico,ya que los personajes, suben y bajan del escenario permanentemente, hasta en algún momento se sientan entre el público, apareciendo en forma sorpresiva en escena, lo que le aporta mucha acción a la puesta.

Dá gusto, ver un elenco tan joven y talentoso en acción, los protagonistas centrales, son Mariano Zito, con una excelente actuación y una composición perfecta de su personaje de chico tímido y estructurado, que parece hecho a medida. Su compañera de cita, es Lucía Mundstock, hija del reconocido luthier Marcos Mundstock, una verdadera revelación, dando a su personaje la personalidad fuerte que requiere, con gran presencia en el escenario y una voz hermosa, que se luce mucho en las partes cantadas.

Pero además de la pareja protagónica, en Cita a Ciegas, hay otros personajes, que no deberían llamarse secundarios, ya que tienen participación fundamental en la puesta de la obra, con sus variadas y lucidas participaciones.
Todos merecen ser nombrados, arrancamos con Mariano Condoluci, con una admirable gestualidad y mucha gracia, hace reír mucho y  se destaca especialmente en su papel de amigo gay , al igual que Ignacio de Santis ( reciente ganador del Premio Hugo al mejor actor de reparto por esta obra ) , mesero y psicólogo de la velada, que tiene partes individuales, donde demuestra todo su carisma y talento, Laura Montini, la bella de la obra y su personaje de ex, es una femme fatal y malvada que cumple con creces,  completando el elenco con Lucas Gentili, el hermano de Ari y Mica Pierani Méndez, la hermana de Cami, que con sus consejos tratan de apuntalar a su respectivos hermanos y ambos están bárbaros.-

Realmente mucho mérito en la dirección de la obra, que logró reunir, un elenco tan joven, talentoso y con mucho futuro, donde los roles están tan bien distribuidos, que permiten el lucimiento individual de todos, mostrando mucha química y entendimiento, indudablemente estas excelentes actuaciones, son una de las razones que explican el suceso de la obra.

Debemos destacar la iluminación que tiene la obra, realmente espectacular, la potencia del sonido de la sala, algo fundamental para un musical, es de primera y la banda en vivo, hace también un aporte muy valioso para enriquecer la puesta.

También debemos mencionar la moderna escenografía y un vestuario variado, hay muchísimos cambios a lo largo de la pieza que permiten una excelente caracterización de los distintos personajes.

En definitiva, estamos en presencia de una excelente propuesta, un musical moderno, con escenas muy divertidas y muchas sorpresas.
Una puesta deliciosa y un elenco jóven, que con esplendidas actuaciones y mucha entrega, ofrecen un producto final de alta calidad.

Recomendamos mucho Cita a Ciegas, una obra que se presenta con gran éxito de público en el Maipo Kabaret y también de crítica, ya que merecidamente obtuvo siete nominaciones a los Premios Hugo, entre ellas a la de Mejor Musical.


Pensador Teatral.

Deseo

Miércoles, Jueves y Viernes 20 hs. Sábado 22 hs y Domingo 19 hs en Teatro Metropoliutan Citi.

Obra escrita por el dramaturgo español Miguel del Arco y dirigida por Alejandra Ciurlanti, llega a Buenos Aires, trás su éxito en España donde tuvo gran éxitode crítica y taquilla-

Deseo como lo indica su nombre, es una pieza que habla de las pasiones, de los anhelos reprimidos, de los límites que tenemos en la vida y que sucede cuando nos atrevemos a saltar esa barrera moral que la sociedad impone.
Reflexiona acerca de como el ser humano maneja sus impulsos y toca permanentemente el tema de la infidelidad, de la rutina de la vida en pareja, de amantes y de encuentros sexuales.

Es un guión muy actual, que atrapa al espectador en todo momento, ya que la trama es muy ágil. El tono de la obra es de comedia, el espectador se va a reír mucho en muchas escenas , pero también es una pieza incómoda, ya que muestra algunas miserias del ser humano, que muchas veces, deja de lado familia, amistades y rompe todo tipo de códigos, por seguir una pasión o un impulso.

La historia, comienza con dos amigas compañeras de gimnasio, Ana ( Julieta Ortega ) y Paula ( Moro Anghelieri ) que son muy diferentes, una estructurada y casada hace 10 años y la otra muy liberal, que se vanagloria de sus apasionados en encuentros con su amante. Ana le propone a Paula, pasar un fin de semana en su quinta, junto a su marido ( Juan Gil Navarro ) y un amigo de ellos ( Alejandro Parker ) quien acaba de separarse.

Lo que se inicia como un juego inocente, irá subiendo la temperatura y aparecerán los conflictos, las peleas y la atracción, en este cuadrado peligroso, donde nada es lo que aparenta y todo puede suceder.

Con el gran elenco que tiene la obra , no es de extrañar las excelentes actuaciones, en el punto más alto, según nuestra opinión,  Moro Anghileiri, en el papel de la mujer fatal y provocadora, que se deja llevar por sus impulsos, cumple a la perfección su papel, con mucha sensualidad y presencia sobre el escenario. Me gustó mucho también Juan Gil Navarro, el apuesto marido, que se vé acorralado por un juego que no le resulta cómodo y que resuelve con mucha solvencia..

Destacado también la labor de Alejandro Parker, el más gracioso de la obra y fiel prototipo del recién separado, que navega entre la angustia de la separación y el despertar de nuevas emociones. Queda para el final Julieta Ortega, la esposa fiel, que tiene un papel muy sufrido y que lleva muy bien adelante.
En definitiva, muy buenas actuaciones, de un elenco joven que demuestra muy buena química y entendimiento a lo largo de la puesta.

Muy buena la escenografía, efectivo el recurso, cuando el escenario se divide en dos y se ven los dos dormitorios al mismo tiempo con acción en cada uno de ellos, un vestuario que se luce y una iluminación efectiva, que logra imponer muy buenos climas, completan una estética muy cálida y cuidada que tiene la puesta.

Concluyendo, estamos en presencia de una temática muy actual, ideal para ver en pareja y que sin dudas, luego de la risa inicial, deja lugar a la reflexión, ya que sin juzgar, expone de manera cruda, hasta donde los deseos del ser humano, se reprimen y que sucede cuando la pasión arrasa con todo y los límites se traspasan.
Deseo es una obra que recomendamos, atrapará al espectador , lo invitara a reflexionar y le reservará sorpresas hasta el final.


Pensador Teatral.