Casa Oscura

Autoría de Ariel Cortina y Chelo Margal. Dirección de Karina Bazan Carpintero.

Sábados 18 hs en Teatro El Pasillo ( Colombres 35 )

Una obra perturbadora y cruda, es la carta de presentación de Casa Oscura, adaptación de la pieza " Vi Viendo en penumbras ", que bajo la dirección de Karina Bazan Carpintero, muestra le peor cara de los vínculos familiares, que muchas se vecen se traducen en relaciones tóxicas y crónicas, que muestran como en muchas ocasiones, el resentimiento y las frustraciones que llevamos dentro, se vuelvan contra quienes tenemos cerca, sin importar el daño que ocasionamos.

La historia nos presenta a Amanda ( Adriana Cuerda ) , una mujer ciega a causa de un accidente, que pasa sus días encerrada en su casa, sin salir a calle, teniendo como único pasatiempo ver películas clásicas en la televisión. La acompaña a diario, su sobrino Mariano ( Mariano Peque ), un muchacho con problemas en el habla y con un notorio retraso madurativo, que además de hacerle compañía, a desgano le hace algunos mandados.

La convivencia entre ellos es muy mala y ninguno se siente a gusto de compartir tiempo juntos. Las discusiones son permanentes, por lo general iniciadas por la tía, que parece disfrutar menospreciando a su sobrino de manera constante y con una crueldad sin límites. El sobrino detesta a su tía y trata de defenderse con sus armas,  de acuerdo a las limitaciones que tiene, pero por lo general pierde las batallas y termina sucumbiendo ante la letal lengua de Amanda. 

Las peleas y los cruces dialécticos, cada vez se vuelven mas virulentas, tanto que en algunos momentos la violencia verbal, deja espacio a las agresiones físicas, entrando ya en un terreno peligroso. Las humillaciones de la tía hacia su sobrino son cada vez más fuertes y la paciencia del muchacho parece agotarse. Un incidente con una vecina, será el detonante, para exponer una situación que ya no tendrá retorno. Y hasta allí vamos a contar, porque el suspenso es uno de los mayores capitales del relato.

A nuestro entender, lo más destacado de la obra son las estupendas actuaciones de la dupla protagónica. Adriana Cuerda compone a una auténtica villana, enojada con la vida y con todo lo que la rodea, encuentra en su sobrino, la salida fácil para descargar sus frustraciones y mostrar que podrá haber perdido la vista, pero no su mal carácter, ejerciendo una violencia verbal, que no tiene límites. Muy bueno el trabajo de Adriana.

Y que decir de Mariano Peque, como un muchacho que trata de hacerse fuerte ante las andanadas de palabras y la mala energía de aquella mujer. No es sencillo su personaje y la personificación que realiza es realmente lograda, dando a su Mariano una gran credibilidad y generando empatía con la platea, que sufre con él, por el maltrato y las humillaciones. Magnífico lo de Mariano.

La puesta de Karina Bazan Carpintero, es muy atractiva, logrando darle al relato una atmósfera de tensión y sordidez, acorde con el tono de la historia. Un ítem a destacar es el diseño escenográfico de Xaviera Mondragón, que reproduce un living frío e impersonal. El vestuario también a cargo de Xaviera, colabora en la muy buena caracterización de los personajes.

En definitiva, disfrutamos de una muy buena tarde de teatro, viendo esto perturbadora y cruda historia, que nos habla de vínculos familiares rotos y de furia acumulada, que estalla contra quienes más cerca tenemos, siendo esto una salida cómoda, pero cobarde, ya que no enfrenta el verdadero origen de nuestras frustraciones. Casa Oscura, es un relato descarnado, con una puesta asfixiante y magníficas actuaciones, que invitan a reflexionar, dejando al descubierto, los riesgos de volcar nuestras miserias humanas contra el más débil, ya que además de exponer que clase de persona somos, puede tener graves consecuencias.

Pensador Teatral.

Carnada

Dramaturgia de Susana Torres Molina. Dirección de Cintia Miraglia.

Lunes 20 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1062 ) 

Un texto potente y perturbador de Susana Torres Molina es la carta de presentación de Carnada, una pieza que bucea en la complejidad de la mente humana, poniendo el foco en la negación, como mecanismo de defensa, donde las personas se rehusan a aceptar una realidad dolorosa y por lo tanto inaceptable, eligiendo crear una barrera que nos protege del sufrimiento, apareciendo también la disociación, un proceso por el cual elegimos desconectarnos de ciertas emociones o recuerdos de pasado, para no vernos desbordados.

La historia sucede en la casa de Frida ( Ingrid Pelicori ), ella se encuentra sola en su hogar, cuando recibirá la inesperada visita de dos mujeres jóvenes, que visten de negro y lucen demacradas. La dueña de casa se sorprende y se asusta  a la vez con la llegada de esas extrañas, que le avisan que están cansadas porque vienen de muy lejos y no se muestran muy amistosas. Se las nota enojadas y con sed de venganza, algo que inquieta mucho a Frida.

Pronto revelarán el motivo de su visita, vienen a reclamar justicia y a recuperar lo que les arrebataron.  La mujer les dice que no sabe de que le hablan y allí le indicarán que es su esposo, el que les causó el daño, el arrebatador. Casualmente hace unos días, el esposo de Frida salió detenido de aquella casa. La dueña de casa, les implora que se vayan, que ella quedó sola y que no tiene idea de lo que su marido hacía. Pero las jóvenes, lejos de claudicar, se van a poner insistentes e intimidantes, refrescando algunos hechos del pasado, que van a poner muy incómoda a la mujer, que a medida que la trama avanza se irá sintiendo más acorralada.

La trama es intensa, inquietante y con un aura de misterio que acompañará todo el relato Los interrogantes van en aumento. Quienes son aquellas chicas vestidas de negro que allí se presentan ?? Pertenecen a este plano ?? Son reales o producto de la imaginación de aquella mujer ?? Es posible que Frida desconozca por completo las andanzas de su esposo ?? Nunca sospechó ?? Y más allá, es posible que una persona tenga dos caras tan opuestas, siendo en casa un ser adorable y fuera de ella un ser abominable ?? O en realidad es una percepción falsa que nosotros mismo nos creamos como mecanismo de defensa de un ser querido ?? No vamos a ser nosotros quienes revelemos los interrogantes, porque como dijimos uno de las mayores virtudes que presenta la pieza, es el suspenso que mantiene desde el arranque.

Y cuál es la mayor virtud de la obra ?? No tenemos dudas de ello. Son las magníficas actuaciones que presenta La protagonista central de la historia y figura convocante, es Ingrid Pelicori, una actriz exquisita y de enorme trayectoria. Resulta un verdadero lujo verla en escena, manejando con maestría los tiempos del relato, mostrándose incrédula ante lo evidente, intentando despegarse de lo ocurrido, queriendo pasar como una víctima más, Magnífica composición de Ingrid, siendo un privilegio para el público, disfrutar sus recursos actorales, su sensibilidad y la profundidad que logra darle a su personaje.

Pero no queremos que la interpretación de Ingrid, eclipse los estupendos trabajos de Anahí Gadda y Carolina Guevara, dos actrices jóvenes talentosas y con muy buen recorrido en el teatro independiente. Tienen a su cargo, llevar adelante dos personajes complejos y oscuros, que en su sed de venganza, esconden un dolor por las heridas sufridas. Ambas se lucen mucho, Anahí además de lo actuado, muestra también sus virtudes en el canto y Carolina destaca por su gran expresividad y fantasmagórica presencia, siendo personajes que infunden terror. Sobresalientes ambas, ya que no es sencillo seguirle el paso a Ingrid y ellas lo logran a la perfección, creando un trío protagónico muy virtuoso.

Tiempo de hablar la puesta Cintia Miraglia, que logra darle a la historia, una atmósfera que mezcla suspenso y terror, el soporte justo que pide el relato y lo hace muy atractivo. Varios aspectos a destacar de la puesta. Arrancando por el logrado vestuario dark que lucen las visitantes. Nos gustó el diseño escenográfico de Víctor Salvatore, que nos entrega un hogar inquietante. El diseño de luces de Matías Noval, con una penumbra casi permanente, crea muy buenos climas, al igual que la música que separa los diferentes cuadros.

Y hasta allí vamos a contar, como mencionamos en el comienzo, uno de los mayores capitales que tiene la obra, es la cuota de suspenso que ofrece, por eso queremos ser cuidadosos y no spoilear mucho. Si podemos anticipar, que se van a encontrar con una historia atrapante, que arrancará de manera de tranquila, casi inocente y a medida que la trama avanza, irá ganando en intensidad, creando un escenario de horror y de violencia, que resulta muy reconocible en estos tiempos.

Una original y atrapante propuesta la de Carnada, poniendo el foco en la complejidad de la mente humana, dejando en evidencia como muchas veces, pese a las evidencias, optamos por mirar para el costado y elegimos negar la realidad, aunque la misma tenga una fuerza arrolladora. Un texto inquietante, una puesta perturbadora y actuaciones sobresalientes, son la marga registrada de una obra que se adentra en zonas incómodas, interpelándonos y llamándonos a la reflexión.

 

Pensador Teatral.

La Perichona

Dramaturgia y Dirección de Raúl Ríos.

Domingos 18 en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

El teatro independiente, entre sus múltiples virtudes. tiene una que nos gusta de manera particular, nos referimos a rescatar figuras de la historia argentina, que fueron olvidadas por los historiadores y pocos conocen de su existencia. Sin dudas, que este es uno de esos casos, ya que la dramaturgia de Raúl Ríos, rescata a Marie Anne Périchon, conocida popularmente como La Perichona. una aristocrática francesa, que llegó a Buenos Aires, en el año 1797, acompañando a su esposo Thomas O´Gorman, un oficial irlandés al servicio de Francia.

Anne Marie, decir que fue una mujer audaz, pasional y libertina, que no dudó en romper todos los mandatos de la época. Maestra del secreto y la intriga, fue partícipe de varios escándalos farandulescos de aquellos años y recibió el mote de la " Mata Hari del Virreinato " por su habilidad para manipular políticos y penetrar en los secretos de la Corona. Además fue la amante del Virrey Santiago Liniers, con quien mantuvo una relación apasionada y escandalosa para el época. Su vínculo trascendió lo íntimo y ella desde las sombras logró influir en decisiones políticas relevantes.

Luego de esa pequeña y entendemos que útil introducción, porque muchos seguramente no conocían a Anne Marie, vayamos a la obra que nos convoca. Con habilidad, Ríos toma su enigmática e inquietante figura, partiendo de algunos hechos verídicos, para construir una ficción que navega con pericia, entre lo real y lo onírico, para traer un relato donde el grotesco, el humor negro y lo disparatado, tendrán un lugar central, sembrando la duda en el espectador acerca de que hechos son verídicos y cuales parte de una ficción. Nosotros obviamente no lo vamos a adelantar, para no quitar sorpresa y mantener una intriga que juega muy favorablemente para el desarrollo de la historia.

Pero como muchas veces decimos, se puede tener una buena idea, escribir un texto interesante, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados, las buenas intenciones pueden naufragar en la orilla. Para que se queden tranquilos, esto no fue lo que ocurrió aquí, todo lo contrario diríamos, porque el autor encontró en Malena López, la actriz ideal para adueñarse de este atractivo personaje. La composición de Malena, es simplemente fenomenal. Su trabajo es minucioso, emocional y con una gestualidad para poner en un cuadrito.

Marcando en cada palabra ese delicioso acento francés que debía tener Anne Marie, nos deleitará con una interpretación brutal, cargada de desparpajo, erotismo y pasión. Mostrando gran presencia escénica y sintiéndose muy a gusto con el personaje, le da una fluidez admirable a la francesa,  dándose el lujo de romper la cuarta pared varias veces, buscando complicidad en la platea. La habíamos visto un par de veces Malena y ya la habíamos elogiado mucho, pero aquí vaya que nos sorprendió con este gran trabajo y con una composición que resulta hipnótica.

Malena se lleva los grandes elogios de la noche por su interpretación y por la potencia de su personaje, pero no está sola en escena y no queremos ser injustos con Daira Escalera, a cargo de la Negra Esculapia, la asistente-esclava de La Perichona, que deberá soportar los improperios y pedidos de su ama, que son una constante. Su trabajo se destaca mucho desde lo corporal y su participación será fundamental en el desenlace de la obra, cuando dará cuenta de sus dotes de hechicera. Nos gustó mucho lo de Daira, formando una dupla explosiva con Malena. 

La puesta es un punto altísimo de la obra con muchos aspectos para resaltar. Arrancando por las impresionantes pelucas que llevan ambas protagonistas y los imponentes vestidos de época que lucen, siendo fundamentales para las excelentes caracterizaciones de ambos personajes, al igual que el maquillaje. Nombramos entonces a Patricia Mizraji, MG y Adam Efron, responsables de cada uno de esos rubros. El diseño lumínico de José Pigu Gomez, a cargo del diseño lumínico y hacedor de esa atmósfera de penumbra y humareda, que marca el ritmo del relato. Párrafo especial para Agustín Martino, músico en vivo, que acompaña en gran forma a las protagonistas y agrega mucho valor a una puesta llena de virtudes.

Y hasta acá vamos a contar, la obra es realmente muy atractiva, rescatando del olvido a un personaje fascinante como el de La Perichona, que sacó pecho en una época donde las mujeres estaban absolutamente relegadas a los mandatos patriarcales que reinaban en aquellos tiempos coloniales. La dramaturgia de Raúl Ríos, tiene la valentía de animarse a jugar al fleje, dándole al relato un alto vuelo creativo, saliendo de lo convencional y sin temor a tomar riesgos, para pivotear entre lo histórico, lo fantástico y el delirio.

Con todo lo que comentamos, solo nos queda recomendar La Perichona. Les aseguramos que van a conocer a un personaje fascinante como el de Anne Marie, una mujer inteligente, pasional y sexual, que los historiadores decidieron ignorar, pero que el teatro recupera, gracias a una dramaturgia potente, una puesta riquísima en matices y actuaciones brutalmente exquisitas. Todo ello se conjuga, para que disfrutemos de una gran velada teatral, que nos deja como mensaje que el amor tiene una fuerza tan arrolladora, que hasta puede imponerse a la muerte.

Pensador Teatral.

Soñé con Ellas

Dramaturgia y Dirección de Gustavo Moscona..

Sábados 21 hs en La Gloria Espacio Teatral ( Yatay 890 ) 

Entre muchas de las virtudes que tiene el teatro independiente, una de las más valiosas es dar visibilidad a las problemáticas más urgentes de nuestra sociedad. Por ello abordar el tema da la violencia de género y los femicidios desde el escenario, permite que el arte se convierta en denuncia y memoria. Y Soñé con Ellas se inscribe en esa línea, invitando a reflexionar y no dejando que semejantes atrocidades caigan en el olvido.

La propuesta de Gustavo Moscona tiene como gran mérito, abordar este tema espinoso, desde un punta de vista particular, presentando tres casos emblemáticos que conmocionaron a nuestra sociedad y tuvieron mucha repercusión en los medios de comunicación por un tiempo, ya que como lamentablemente ocurre siempre, debido al vértigo informativo, los casos son desplazados por nuevos hechos o por algún escándalo político o del mundo del espectáculo, que ofrece más rating, naturalizando la violencia y silenciando a las víctimas.

Los casos que exponen en este segundo ciclo de la obra, son los de Marita Verón, María Cash y Micaela García. La pieza, nos recordará los casos, desde las perspectiva de las víctimas, algo que sin dudas le otorga fortaleza y un sentimiento muy particular a cada historia, ya que en una habitación tendremos ante nosotros a esas tres mujeres, víctimas de la la violencia, que se reunirán allí sin saber muy bien en que lugar se encuentran, aunque lo intuyen.

La vuelta de tuerca de la obra, es hablarnos de la muerte desde la vida. Ya que elige mostrar fragmentos de la vida de aquellas jóvenes mujeres. Sus anhelos que quedaron truncos, sus miedos, momentos divertidos que vivieron, los recuerdos de su primer beso y por sobre todas las cosas veremos esa energía y esas ganas de experimentar la vida que tenían como tantas mujeres jóvenes, pero que en sus casos, la violencia les quitó todo futuro de manera cruel e inesperada.

La obra es fuerte y moviliza al espectador, sin tener que recurrir a los golpes bajos, ni a relatos morbosos. La potencia del texto radica en la juventud de aquellas mujeres, que gracias a los sensibles trabajos de las tres jóvenes actrices en escena, pueden tener la voz, que en la vida real ya no tienen y entonces su silencio forzado, exige que otras personas hablen por ellas, en este caso, las actrices, en una noche especial que compartirán juntas.

Tiempo entonces, de hablar de las tres protagonistas. Arrancamos por Laura Moretti como Marita Verón. Su personaje es quien está desde el arranque de la obra y será quien reciba a las otras dos chicas. Laura muestra una gran presencia escénica y será la más sería de todas. Con su gesto adusto, es quien muestra mayor enojo con la situación, portando una bronca que la envuelve. Además como plus de su trabajo, contará un cuento misterioso, que los espectadores seguirán en absoluto silencio. Gran composición de Laura.

Sigamos con Yanina Manfredi, como María Cash. Con una mirada melancólica y triste. Su caso es emblemático, porque nunca se aclaró que pasó con ella, la tierra parece haberla tragado. Se muestra conmovida y recuerda al padre que dió su vida buscándola. Sensible composición de Laura. Y nos queda hablar de Paz Velázquez, como Micaela García. Ella era una militante social, que fue violada y asesinada, cuando volvía de bailar, cuando solo tenía 21 años. Y en el escenario, se vé esa plena juventud. Es una chica que simplemente quiere jugar y divertirse, quedando claro el contraste entre su alegría y el horror de su muerte. Muy bueno el trabajo de Paz.

La puesta que presenta la obra, tiene componentes impensados para una pieza que trata una temática tan dura como esta, ya que ofrece momentos musicales muy tiernos y también deja espacio para la poesía. Con esto se logra dar aire a un tema tan denso, pudiendo remarcar la injusticia del horror que se quedó con tanta vida. Le damos mérito aquí, a la dirección de Gustavo.

Y hasta acá vamos a contar. Soñé con Ellas es una obra muy necesaria para estos tiempos. En su segundo ciclo y cuarta temporada, la obra y las actrices siguen dando voz a mujeres asesinadas que ya no pueden hablar, convirtiendo en el escenario en un acto de memoria y denuncia, posibilitando que el teatro sea un espacio donde el dolor se transforma en conciencia colectiva.

Por todo lo mencionado, recomendamos vean Soñé con Ellas, una valiosa y premiada propuesta del teatro independiente, creación de Gustavo Moscona, que sabe como llegar al corazón del espectador, con una propuesta que nos interpela en forma individual y como sociedad, de la mano de tres jóvenes actrices, que con sensibilidad y compromiso,  la dan voz a tres mujeres. que sufrieron la violencia en carne propia y tuvieron el peor final, representando además a tantas otras mujeres anónimas que fueron víctimas de la misma violencia y su dolor fue invisible a nuestros ojos. La obra conmueve por su crudeza y nos recuerda que mientras haya injusticias, el teatro seguirá siendo una forma de lucha y de memoria.

Pensador Teatral.

Yunta

Texto de Joaquín Daniel. Versión libre y Dirección de Adriana Roffi.

Viernes 20 30 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Una virtuosa versión libre de Adriana Roffi, sobre texto original de Joaquín Daniel, resulta Yunta, una estupenda propuesta del teatro independiente, que se desarrollaen algún lugar indeterminado de nuestro vasto campo, mostrando la relación entre dos hombres, cuyo vínculo no tenemos claro en el comienzo. Se intuye una comedia muy divertida, pero a medida que la trama avanza, veremos que el humor será solo la cubierta, de un texto profundo, que nos interpelará y nos invitará a reflexionar sobre las relaciones jerárquicas y las armas que tiene los poderosos para manipular al más débil, disfrazando la opresión con ironía y sátira.

En el relato, tendremos a un peón de campo ( Matías Broglia ), al que apodan Perrito, por que imita muy bien a los canes que viven en la estancia donde trabaja y al patrón ( Pedro Risi ), su nombre es desconocido, pero lo que realmente importa es que quien tiene el control allí. Mirando como visten aquellos hombres, rápidamente podemos ver que el peón lleva boina y desgastadas ropas de trabajo, típicas de un gaucho. En cambio el patrón, impacta por la pulcritud de su vestimenta, elegante sombrero, pañuelo al cuello y botas relucientes. En las vestimentas, ya se nota la diferencia jerárquica. Además luce un bronceado admirable, que el mismo se encarga de destacar.

Ambos hombres deciden salir a cabalgar por los campos propiedad del patrón de estancia y luego de un rato, deciden hacer un alto en el camino, para descansar un poco, aunque en realidad el único que descansa es el patrón. El peón es quien entiende las artes campestres, por lo que deberá asistir de manera constante a los pedidos del patrón, mostrando paciencia y más que nada teniendo claro que su deber es servir. Perrito es quien sabe como llevar los caballos y calmarlos cuando algo los sobresalta. El patrón quiere mostrar que domina todo, pero depende casi de manera total, se su fiel asistente.

Y el nudo del relato, son los diálogos que mantendrán aquellos hombres. En realidad el que habla es el patrón, haciendo gala de su gran oratoria y del uso de algunas palabras que resultan extravagantes para su acompañante, que se sorprende y expresa su admiración por el grado de instrucción de su amo. Pero el discurso de aquel hombre, tiene un sentido claro, marcar las diferencias con los otros. Aquellos que están más allá del límite de sus campos, que cada vez son más y están cada vez más cerca, siendo una amenaza cada vez mas palpable.

La diatriba es clara. Somos nosotros contra ellos, contra los otros. El patrón no se cansa de marcarle al Perrito, que el nosotros lo incluye y que los responsables de todos los males son los otros. Ellos piensan, los otros no. Ellos son inteligentes y sensibles, los otros no. Y así seguirá enumerando. El peón asiente y repite, por momentos se envalentona y exagera ese odio que le inculcan contra los otros

Pero a medida que la jornada se alarga, algunos diálogos irán ganando en intensidad y Perrito no se siente tan a gusto con lo que escucha. Siempre intenta disimularlo, pero la duda y un cierto enojo comienzan a invadirlo. Será realmente que él está de este lado de la trinchera y el otro es el enemigo ? . O él es uno de los otros que está en el lugar equivocado ? El interrogante se hace cada vas más fuerte en su cabeza y hasta allí vamos a contar, para no queremos spoilear más de la cuenta.

Tiempo de hablar de las actuaciones que tiene la obra y acá queremos detenernos, porque la dupla protagónica que conforman Matías Broglia y Pedro Risi, funciona de manera fenomenal. Mostrando gran química entre ellos, manejarán a la perfección los tiempos del relato, que tendrán momentos divertidos, otros filosóficos y en la parte final, fragmentos de mucha tensión. Realmente se disfrutan y mucho sus trabajos.

Arranquemos por Matías Broglia, un actor que nos gusta mucho y al que ya elogiamos en numerosas oportunidades en este sitio. Matías tiene un carisma y una gestualidad admirable, que se adapta perfecto a su personaje. Se luce muchísimo, imitando los sonidos de los perros, los caballos y otros sonidos de la naturaleza. Juega y se mimetiza con ellos. Su personaje se muestra vulnerable e ingenuo, acostumbrado a la sumisión, a limitar sus palabras y pensamientos. Pero con el desarrolla de la obra, dejará en claro, que tiene un pensar propio. que quiere salir a la superficie. La rompe Matías como el Perrito.

Pero no seamos injustos con Pedro Risi, el villano de la historia, representando al típico terrateniente garca, con un discurso que se apoya en la descalificación y el desprecio por las clases bajas. Siguiendo el legado de su padre, que con mano dura marcó la línea de pensamiento a seguir, justificando los abusos y la crueldad, contra los que no son como ellos. Gran composición la de Pedro.

La puesta de Adriana Roffi resulta muy atractiva, logrando mantener la atención del espectador desde el arranque y jugando de manera muy efectiva con el viraje que irá teniendo el relato, saliendo de zonas inofensivas, para ir ganando en tensión. Destacar el diseño escenográfico de Gustavo Acevedo, que con pocos elementos, logra ambientar la historia en nuestro campo. El vestuario es otro punto alto, ya que caracteriza muy bien a los personajes.

Y no queremos contar más. Solo decirles que nos encantó la obra. Yunta transita su segunda temporada de suceso con este equipo de trabajo y es una obra que adquiere gran vigencia en estos tiempos del país, ya que invita a reflexionar sobre las relaciones entras las distintas clases sociales, poniendo énfasis en la habilidad dialéctica que muchas veces, tienen los que detentan el poder, para envolver con sus discursos a las masas,  tendiendo trampas, para que se sumen a sus filas, a cambio de una supuesta pertenencia, que solo es discursiva.

Por todo lo comentado, solo nos queda recomendar Yunta. Se encontrarán con un texto  inteligente y perturbador a la vez, ya que mediante el humor y la sátira, dejará al descubierto una realidad que conocemos, pero que muchas veces elegimos ignorar Y además se encontrarán con una gran dupla protagónica, que nos regalarán actuaciones exquisitas y personajes artesanalmente construidos. Yunta, es una valiosa propuesta, que nos hará reflexionar acerca de la grieta que existe en la sociedad. Nosotros y ellos. Y en el medio nada. Nos fuimos del teatro, con una gran sonrisa y movilizados por lo que vimos. Y cuando eso sucede, el teatro ha cumplido su cometido.

Pensador Teatral.

Puntera de Acero

Dramaturgia de David Gow. Traducción y Adaptación de Iván Steinhardt . Dirección de Carlos Kaspar.

Miércoles 20 30 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una obra potente, actual y que busca crear conciencia, podría ser la carta de presentación para Puntera de Acero, pieza escrita  por el dramaturgo canadiense David Gow en 1998, que se centra en el brutal asesinado cometido por un joven skinhead neonazi contra un inmigrante pakistaní y en la defensa que deberá ejercer un abogado judío, designado por el Estado para representarlo.

La obra llega a nuestra cartelera, traducida y adaptada por Iván Steinhardt, que además será uno de los personajes centrales de la historia. Esta versión libre de la pieza de Grow,  que nos convoca,  se desarrolla en la multicultural Buenos Aires y tendrá como protagonistas a Miguel ( el propio Iván ) un neonazi que acaba de asesinar salvajemente a un joven de origen boliviano, al que molió a patadas sin piedad. El crimen tuvo gran repercusión en la prensa y más aún cuando trascendió que la defensa del asesino, la ejercería Daniela Dunkelman, una abogada judía, designada como defensora oficial por el sobrecargado poder judicial bonaerense.

El interrogante surge de inmediato, porque una abogada de raíces judías y pensamiento progresista, aceptaría defender a un neonazi que en vez de manifestar algún tiempo de arrepentimiento, se muestra orgulloso por el crimen cometido y no tiene reparos en enarbolar su ideología supremacista de derecha, que culpa de todos los males que sufre el país, a los inmigrantes, sin importar que sean bolivianos, peruanos, negros senegaleses o judíos por supuesto, ya que su ideología nazi, lo hace un antisemita recalcitrante.

La abogada que se siente hundida en un sistema judicial que le asigna los peores casos, tiene un desprecio visceral por aquel asesino confeso. Pero, sin embargo, algo la lleva a soportar los embates verbales de aquel hombre al que visita asiduamente en la cárcel, intentando trazar alguna estrategia, que permita morigerar una pena de cadena perpetua por odio racial que cae de madura, hacia un homicidio simple. Será su ego ?? Mostrar a los demás que su profesionalismo está por encima de todo ?? Hay itra razones ?? Los interrogantes se multiplican en la prensa, que elabora mil conjeturas, tratando de descifrar que oscuras motivaciones tiene la abogada.

Lo real es que cliente y abogado se detestan. Los diálogos entre ellos son violentos y llenos de insultos. Miguel no pierde oportunidad de denigrarla y mostrar su desprecio por los judíos. La abogada, no se queda atrás, ya que además de expresar el asco que le producen las personas con su ideología extrema, se encarga de remarcar que si no se pone las pilas y piensa el mismo alguna estrategia de defensa creíble, ella no estará en condiciones de hacer un milagro y va a recibir una sentencia condenatoria, que lo obligará a pudrirse en la cárcel, mientras ella estará ocupada viajando por el mundo.

Los espectadores serán protagonistas de diálogos cargados de violencia y de una confrontación dominada por el odio. Son el agua y el aceite, pero por algún motivo indescifrable tratarán de tirar para el mismo lado. Será cierta la teoría que los extremos al final se terminan pareciendo ??? No vamos a contar más, porque el suspenso es uno de los ingredientes, principales de esta historia. Solo diremos que el tiempo se está acabando y el juicio es inminente, por eso deberán acercar posiciones, para poder tener una sentencia, que resulte favorable para ambos. En el caso del preso, que la pena no sea a perpetua y en el caso de la abogada, lograr aquel milagro, que la convierta en una profesional de prestigio.

Tiempo de hablar de las actuaciones que presenta la obra. Decir antes que nada, que tanto Ivan Steinhardt como Romina Pinto, son dos actores notables, con gran recorrido en el teatro independiente y que ya formaron duplas protagónicas muy destacadas en anteriores obras, teniendo gran química entre ellos. Podría decirse que se entienden a la perfección y esto resultará fundamental en una obra tan fuerte, que presenta diálogos muy jugados y cargados de violencia. 

Los dos trabajos son superlativos, pero nosotros quedamos impactados por la actuación de Iván Steinhardt, que realiza una composición fenomenal de un lumpen con todas las letras, que es su personaje. Su discurso violento, su mirada desencajada, el odio que se vislumbra en cada uno de sus gestos, etc. Tuvimos la suerte de sentarnos en la primera fila y observar su trabajo de tan cerca, resultó un lujo. Es una composición minuciosa e impactante, que no deja indiferente al espectador, que tiene antes sus ojos a un ser que genera repulsión, Impresionante lo de de Iván, un verdadero villano en escena.

Pero no seamos injustos con Romina Pinto, una actriz que nos encanta. Y acá, tiene un desafío muy complejo, ya que tiene que plantarse ante un sujeto detestable y violento, siendo además, una mujer que debe debatirse entre seguir su deber profesional y sus convicciones. Excelente también lo de Romina, con la gestualidad que la caracteriza y dándole a su abogada, una energía muy alta, necesaria para poder enfrentar la encrucijada en la que se encuentra. Dos interpretaciones sobresalientes, que se potencian en el conjunto, por el gran entendimiento que tienen ambos, algo que agrega mucho valor a las actuaciones, siendo los espectadores los beneficiados.

La puesta de Carlos Kaspar es intensa y no dá respiros. Logra instalar desde el arranque un ambiente tenso y perturbador, a tono con la crudeza de la historia. Destacamos el diseño escenográfico que divide el espacio escénico en tres, siendo el centro para los encuentros de los protagonistas y los extremos para las representaciones individuales. El silencio con el que el púbico sigue las acciones, demuestra lo crudo del relato y solo será interrumpido por alguna risa nerviosa de los espectadores, ante algún respiro que el texto propone.

Puntera de Acero, es la nueva obra que presenta El Vacío Fértil, la compañía teatral creada por los propios Romina e Iván, que tiene como característica presentar espectáculos que ponen foco en problemáticas que se viven en la sociedad y que generalmente no llegan al teatro, ya que trata temas espinosos, que en teoría no son taquilleros. Por el contrario, esta compañía busca dar visibilidad a temáticas complejas, buscando plantear espacios de debate y reflexión, creando conciencia. En esta oportunidad, estrenan una propuesta que confronta de manera directa y cruda, los efectos del odio racial y la discriminación, en la sociedad contemporánea. 

Recomendamos especialmente Puntera de Acero, una obra escrita en Canadá hace 30 años, pero que tranquilamente podría haberse escrito la semana pasada acá, quedando en claro la brutal vigencia que tiene el tema. Estamos en presencia de un texto fuertísimo, un thriller psicológico y judicial, que se apoya en una dupla protagónica exquisita, que nos invita a reflexionar sobre el peligro que conlleva desplegar discursos de odio, que alimentan la intolerancia y la violencia, poniendo en riesgo la convivencia social y fomentando la deshumanización de los que piensan diferente.

Pensador Teatral.

La Señora y la Chica del Tótem

 Dramaturgia y Dirección de Laura González.

Sábados 18 30 hs en Machado Teatro ( Antonio Machado 617 )

Una propuesta sensible y emotiva, llega de la mano de La Señora y la Chica del Tótem, texto escrito por Laura González, que nos habla del peso de los recuerdos y del dolor que atravesamos cuando perdemos a un ser querido, proceso que puede prolongarse en el tiempo y condicionar nuestro presente, influyendo en nuestro estado de ánimo y en los vínculos familiares.

La obra nos sitúa en Nochebuena, afuera llueve y en un departamento veremos a una señora que decide pasar en soledad aquella noche tan especial, en la que los recuerdos de los que ya no están suelen rondarnos por la cabeza. La nostalgia la invade y mientras brinda en soledad, decide abrir una valija en la que guarda algunas cosas que pertenecieron a su marido, fallecido ya hace varios años. Los recuerdos de viajes que disfrutaron juntos y tantos momentos de felicidad vividos, invaden el departamento y la noche navideña.

Pero las sonrisas duran poco, la realidad golpea fuerte. El dolor por haber perdido a un ser querido y no contar con su compañía, muchas veces genera bronca y eso es lo que siente la señora aquella noche luego de tomarse un par de copas. Es por ello, que decide tomar aquella valija y llevarla a la calle, para desprenderse de ella, como si de esa forma pudiera dejar de lado, a todos los fantasmas de los recuerdos. Pero cuando llega al palier de la planta baja del departamento, se encuentra con un tótem de seguridad, algo que está muy de moda en estos años en Buenos Aires. La novedad espanta a la señora, que despotrica por el mal gusto de los administradores del consorcio, que no la consultaron sobre aquella incorporación.

En el tótem hay una joven, que en vez de estar pasando la Navidad con la familia, está trabajando. La chica nota que la señora no se encuentra del todo bien, lo nota por la cara triste que lleva y allí nacerá un diálogo algo forzado, porque la señora no tiene mucho ánimo para dialogar.  Pero de pronto perciben, una silueta en la calle que mira hacia el interior del departamento y de manera inexplicable, parece no mojarse, pese a la lluvia copiosa que cae de manera persistente. 

En aquella noche tan particular, las mujeres que parecen no tener nada en común, se conectarán. La chica del tótem, tiene un aura mística. Huele que esa noche puede dar lugar a los milagros y le propondrá algo a la mujer, que parece dispuesta a abrir su mente y dejar que lo inesperado ocurra. Y hasta allí vamos a contar, el encuentro dejará de ser virtual y juntas ambas mujeres, intentarán abrir los portales, para que lo ángeles de la noche hagan su tarea. Pero cumplimos con nuestra palabra y no contamos más.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. Nos gustó mucho el trabajo de Adriana Cerruti, con una composición cargada de sensibilidad, que logra transmitir al público, ese dolor que la atraviesa y las emociones cruzadas que recorren su mente. Y es muy bueno el contrapunto, con la otra protagonista de la noche, nos referimos a Candelaria Monzón, la chica del tótem, dando vida a un joven fresca  y optimista, la contracara de aquella mujer anticuada y apesadumbrada. Muy lindo personaje el de Candelaria, irradiando ternura y buena energía. Muy buenos trabajos individuales, que se potencian en el conjunto.

Muy bella la puesta que logra Laura González, que además de ser la autora de la obra, es la directora y nos muestra que no siempre se necesitan grandes recursos económicos, para conseguir una puesta atractiva, acá con ingenio y muy buen gusto, se consigue una puesta íntima que atrapa al espectador. Para destacar el diseño escenográfico funcional creado por Leonardo Massari, del que no vamos a dar detalles, para no quitar sorpresa, pero nos encantó. El diseño lumínico de Juan Manuel Sodorini, es muy importante para marcar los climas de la historia y no podemos dejar de mencionar el gran aporte de Martín Bari, músico en vivo, que regalará hermosas melodías con el piano y algunas cosillas más.

Nos movilizó la propuesta de La Señora y la Chica del Tótem, que con toques de humor y sin recurrir a los golpes bajos, nos invita a reflexionar sobre lo complicado que puede ser transitar la desaparición de un ser querido, cuando quedaron cuestiones sin aclarar y palabras que no pudieron ser dichas en el momento indicado, permaneciendo un gusto amargo, que se suma al dolor normal de la pérdida. Y la obra además, propone una vuelta de tuerca, dando lugar a lo divino, para resolver alguna situación inconclusa.

Recomendamos la obra, una historia mínima y humana que emociona, ya que nos habla de temas con los que todos nos identificamos. Lo hace de la mano de una dupla protagónica amorosa y una puesta bella e íntima. La propuesta resulta una caricia al alma, en tiempos donde reina la crispación y nos deja un mensaje esperanzador, para que sepamos que en los momentos de oscuridad, siempre puede aparecer algún ángel, dispuesto a sanar nuestras heridas.

Pensador Teatral.