Lo Lindo de Calzarse es Pisar en Cualquier Lado

Martes 21 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1034 )

Dramaturgia y Dirección de Julián Rodríguez Rona

Una propuesta onírica y poética nos trae Lo Lindo de Calzarse es Pisar en Cualquier Lado, con personajes que parecen flotar en una isla donde los recuerdos y los fantasmas se adueñan del ambiente.

La historia nos traslada a una isla del Tigre, a la que van a pasar el día, una parejita de novios, que entre mimos y charlas, fantasean con entrar en una casa abandonada y luego discutirlo un rato,  se animan a hacerlo.

El río sube y quedan atrapados por la inundación. Ya es de noche y aparecerá en escena El Bocha, un lugareño misterioso, que se ofrece a ayudarlos, ya que la pareja de novios, perdió su piragua, al atarla mal.

Ficción y realidad se confundirán, en esa isla que parece esconder muchos secretos en su interior y donde quienes se adentran en ella, parecen quedarse suspendidos en el tiempo y por el aire melancólico que se respira en el ambiente.

Nos gustaron mucho, las actuaciones que presenta la obra, Andrés Caminos, es un novio que no creer en Dios, ni en casa nada. Al menos creera en el amor ? Es muy buena su composición, creando un personaje introvertido y cauteloso. Además con su guitarra le dará buenos toques musicales a la trama.

Eugenia Blanc, su novia, construye para nosotros la mejor actuación de la noche, componiendo a una joven sensual e ingenua, con una mirada profunda que expresa mucho. Ella si apuesta por el amor, buscando contagiar a un novio que parece esquivo, Le aporta una cuota de belleza y frescura a la obra, con una interpretación que luce mucho.

La historia se completa, con Mauricio Minetti, El Bocha, habitante de la isla, personaje misterioso, malancólico y que por momentos dá miedo. Lo atormenta el fantasma de su esposa Hilda, una pérdida de la que no puede recuperarse y una soledad que parece jugarla una mala pasada respecto de su cordura.  Muy buen trabajo de Mauricio, que se incorporó este año al elenco.

La trama permite que cada protagonista, tenga su momento de lucimiento individual, aunque lo más destacado, es como funcionan en el conjunto, muy identificados con la historia que cuentan.

La puesta de Julián Rodriguez es lograda, lo más destacado es el original diseño escenográfico de Cecilia Zuvialde, con el cartón corrugado que constituye la geografía de la isla, siendo curioso como los protagonistas, deberán caminar entre ellos, como una buena metáfora de tener que superar los obstáculos que van apareciendo.

La obra como dijimos, tiene mucho vuelo poético, es sutil, tocando temas trascendentales, como la soledad, la muerte y el amor, Es abierta y deja mucho espacio para que el espectador haga volar su imaginación, junto a los protagonistas, que habitan una isla,  donde el tiempo parece detenerse y los sentimientos brotan a flor de piel.

La obra transita su segunda temporada en cartel y  obtuvo en su primera temporada, la Mención Honorífica del Premio ARTEI a la Producción de Teatro Independiente, siendo además una de las piezas seleccionadas para participar en la Fiesta de Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2018.

Invitamos a los espectadores, a que se calcen sus botas preferidas, para pisar el suelo húmedo de la isla y puedan disfrutar como nosotros, de este viaje onírico que nos propone  Lo Lindo de Calzarse es Pisar en Cualquier Lado.




Pensador Teatral.

Ejercicios Fantásticos del Yo.

Jueves a Domingos en Teatro Coliseo ( Marcelo Torcuato de Alvear 1125)

Dramaturgia de Sabina Berman y Dirección de Nelson Valente.

El tradicional e histórico Teatro Coliseo, es el elegido, para recibir por diez únicas semanas a Ejercicios Fantásticos del Yo, original propuesta teatral que hermana a la Argentina, con nuestros hermanos mexicanos.

Tenemos autora mexicana, Sabina Berman, la dramaturga más importante de su país, en los últimos años, con numerosos éxitos no solo en tierra azteca, sino en todo el mundo. Director argentino, nos referimos a Nelson Valente, el fundador de Teatro Ensamble de Banfield, autor de éxitos como El Loco y la Camisa o El Declive, por mencionar solo sus últimas creaciones.

Un elenco argentino, con actores de reconocida trayectoria, como Fernán Mirás, Martín Slipak, Vanesa González y la gran Rita Cortese, por nombrar solo a algunos de los que componen el elenco.

Y para el final, dejamos a la gran figura de este proyecto, nada menos que Gael García Bernal, célebre actor mexicano que saltó a la fama en el año 2000 , como protagonista de Amores Perros, con su recordado personaje de Octavio y luego en 2004 en Diarios de Motocicleta, en su recordada interpretación del Che Guevara. A partir de allí, su carrera no tuvo techo, protagonizando numerosos filmes, trabajando con los directores de mayor renombre y siendo sin dudas una verdadera estrella de Hollywood.

Con semejantes antecedentes, queda claro que poder tener a Gael, haciendo teatro en Buenos Aires es un privilegio, que no se dá todos los días. Un proyecto de gran envergadura, con el sello de Sebastián Blutracht, en la producción, logrando que el estreno mundial de la obra sea en nuestro país,

Hecha la presentación, contemos Gael García Bernal encarnará a Fernando Pessoa, poeta y escritor portugués, considerado unos de los más figuras más relevantes de la literatura en lengua portuguesa. Influido por filósofos como Nietzche y Shopenhauer, introdujo en su país, las corrientes literarias de vanguardia de la época, como el modernismo y el futurismo.

En la obra, se narrarán 24 horas cruciales y decisivas de la vida de Fernando Pessoa en su Lisboa natal, aquel 29 de Junio de 1914, que será recordado por ser el inicio de la Primera Guerra Mundial y día en que al poeta portugués, todo parecía salirle mal, ya que perdió su trabajo en la agencia de publicidad donde trabajaba, perdió el amor su amada Ofelia con la que quería casarse, perdió la oportunidad de presentarse en el Concurso de Poesía Reina Victoria y cuando ya entregado a la bebida en aquel día aciago, pudo componer dos poemas que son los más citados y recitados en la historia de su país.

En la pieza, se indaga en la mente del poeta, que tiene una personalidad múltiple, que se disocia en diferentes yo de Pessoa, por momentos esas múltiples personalidades, bien diferenciadas entre ellas,  lo ayudan para ser creativo, pero en diferentes momentos esas voces distintas, lo abruman y no dejan que cumpla con sus verdaderos deseos.

En la obra, veremos como si fuese un juego de espejos, como los diferentes Pessoas, sus heterónimos, le dan un toque de locura y también de humor a la pieza, que por momentos no es fácil de seguir, ya que adrede, deja muchas puertas abiertas, para que el espectador juegue con ellas.

Las actuaciones que tiene la obra, son realmente el punto fuerte de la misma, arrancando obviamente con un Gael García Bernal, que de manera hipnótica, parece atraer todas las miradas, se disfruta mucho de su actuación, su característico acento y una entrega que no deja de sorprender, en un actor de sus kilates.

El resto del elenco, lo acompaña muy bien, algo que no sorprende, ya que son todos actores de gran trayectoria y esto es algo fundamental ya que la obra tiene su complejidad.

Nos gustó mucho el trabajo de Fernán Mirás, como Ricado Reis, que le gusta hablar con palabras esdrújulas componiendo un personaje muy gracioso.
Martín Slipak como Alvaro Campos, se destaca muchísimo y luego de Gael, es quien más luce, dando vida a un personaje despiadado y con pocos escrúpulos.
Javier Lorenzo como Bernardo Soares y Lucas Crespi como Alberto Caeiro, completan los otros yo de Pessoa, con muy buenas interpretaciones.

En el elenco femenino, hay que mencionar a Rita Cortese, como la tía de Pessoa y con Gertrude, en ambos papeles Rita muestra su talento y versatilidad.
Vanesa González es Ofelia, la angelical prometida de Pessoa, aportando la cuota de belleza y frescura a la pieza.

La puesta que presenta Nelson Valente, tiene muchos puntos altos, el principal el moderno diseño escenográfico y lumínico de Philippe Amand, con paneles móviles, que se deslizan, ocultando y creando los diferentes espacios. Además, se proyectan imágenes que permiten recrear bellos paisajes de Lisboa y crear momentos de mucho realismo, como aquel en que Pessoa sube por ascensor y llega a las alturas de la capital portuguesa. Realmente una muy buena utilización de la modernidad, al servicio de una puesta.

Otro item, que no podemos dejar de mencionar, es el diseño de vestuario de Genevieve Petitpierre, con ropa de época y mucho sombrero para los distintos Pessoa y elegantes vestidos para Ofelia.

En definitiva, un espectáculo original y donde se explora en la vida de este notable escritor portugués, que con mucho talento y una pizca de locura, dejó su huella en la literatura. Además la gran oportunidad, de poder disfrutar en la cartelera teatral porteña a una celebridad como Gael García Bernal, algo que no ocurre todos los días  si además se lo acompaña con un elenco local, pleno de talento, la mesa está servida, para que el espectador de dé una panzada de teatro y disfrute del estreno mundial de Ejercicios Fantásticos del Yo.



Pensador Teatral.

Musseum, La Obra

Domingos 20 hs en El Portón de Sanchez ( Sánchez de Bustamante 1034 )

Dirección de Emiliano Formia.

Musseum, es una obra que sorprende al espectador por su originalidad y la potencia de su puesta, con un derroche de energía y de recursos escénicos, que debemos destacar.

Arranquemos contando, que el guión de la obra, es creación de las propias protagonistas, tras un trabajo de investigación e improvisación que duró más de un año, donde Emiliano, el director, tuvo un papel fundamental, en este proceso creativo, ordenando y organizando las ideas que iban surgiendo luego de cada ensayo.

El desafio era grande, ya que la obra tiene mucho de experimental, es una propuesta arriesgada, que se anima a salir de los cánones convencionales del teatro habitual que vemos y los resultados son muy satisfactorios, ya que se logra un espectáculo divertido, potente y que logra sorprender al espectador a cada momento.

La obra no es sencilla de encasillar, ya que los nueve cuadros que la componen son independientes entre sí, cada uno de ellos es una historia aparte. No vamos a anticiparlos, para conservar el suspenso, solo decir que en algunos, la preponderancia la tendrá la danza y las coreografías ejecutadas con mucha precisión, en otros aparecerá el teatro normal por llamarlo de alguna manera y en algunos será la música la dominante,

La característica, de todos los cuadros, es la belleza estética y que se cuida hasta el mínimo detalle, algo muy bien recibido por el espectador, que no deja de sorprenderse ante cada cuadro y se pregunta que es lo próximo que verá.

La obra protagonizada por ocho jóvenes actrices, indaga sobre el rol de la mujer en la sociedad y como muchas veces, ciertos mandatos sociales y el hacer lo políticamente correcto es lo que define los comportamientos, quedando postergados los deseos verdaderos.

La mirada del otro, mucha veces acusadora y moralizante, tiene una preponderancia exagerada y siempre es más severa para con las mujeres. En forma sutil en algunos casos y en otras de manera provocadora y disparatada, la obra consigue transmitir la idea mencionada y moviliza al espectador.

Es momento de destacar las magníficas actuaciones que tiene Musseum. Son ocho jóvenes y talentosas actrices, las que idearon Musseum y las que se destacan en cada cuadro.
Nos referimos a Laura Amestoy, Lola Banfi, Vicky Brudny, Laura Kahan, Gaby Kot, Agustina Paez, Julieta Puleo y Nuria Vilaseca.

Cuando vean la obra, ustedes elegirán quien le gusto más. Nosotros corriendo el riesgo, de ser injustos destacaremos a Julieta Puleo, una actriz a quien el año pasado vimos lucirse protagonizando una juvenil versión de Bodas de Sangre en el Chacarerean y aquí se destaca por su histrionismo, como monja y cocinera.
Otra destacada fue Astrid Urban, que justo la función que vimos cubría una suplencia y Gaby Kot que la rompe en el último cuadro.

Pero no seamos injustos, las ocho protagonistas, tienen su momento de destaque individual y se lucen mucho en el conjunto, Se las nota compenetradas con el proyecto, con mucha actitud y una entrega absoluta, desde lo actoral y desde lo físico, ya que la obra les exige un inusual derroche de energía y permanente movimiento.

Estas destacadas interpretaciones, además encuentran eco en una puesta excelente y poco habitual en el teatro independiente. Debemos tildar de fantástico el diseño lumínico que presenta la pieza, impactante, moderno y jugando mucho con la dualidad, oscuridad y luz. Este rubro está a cargo de Victor Gabriel Olivera, a quien felicitamos.

Y en el mismo nivel superlativo, hay que mencionar la composición y producción musical de Jonathan Gejtaman, productor de la Tonta de Jimena Barón, con una potencia y una fuerza que sacuden y le agregan muchísimo valor a la puesta, en un escenario de El Portón de Sanchez, que brinda un marco ideal.

Una mención merecida, para el vestuario de Bir Vega, dando glamour a las protagonistas y con algunos toques futuristas en algunos cuadros, que nos gustaron mucho.

En definitiva, una gratísima sorpresa nos llevamos con Musseum,  propuesta original, multidisciplinaria y desopilante, que se arriesga a ofrecer algo distinto, valiéndose para ello de un elenco conformado por actrices jóvenes y muy talentosas que se entregan por completo, junto a un director que conduce una puesta realmente de lujo, para el teatro independiente.

Desde nuestro humilde lugar, que nos permite ver varias obras por semana, siempre celebramos cuando aparecen propuestas frescas y arriesgadas, que se animan a sorprender al espectador.
El aplauso con que el público, despide a las protagonistas, al final de la función, es una clara muestra que además de sorprenderse, los espectadores, disfrutaron a pleno, esta gran propuesta.

Solo queda recomendar la obra e invitarlo a descubrir las sorpresas que estas ocho mujeres tienen reservadas para usted.



Pensador Teatral.

La Sangre de los Árboles

Jueves 20 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Dramaturgia y Dirección de Luis Barrales.

Una propuesta muy interesante la que nos trae La Sangre de los Árboles, original y alejada de las urgencias del teatro comercial, nos acerca un texto que indaga en los vínculos humanos y en las emociones que se ponen de manifiesto en esas relaciones, dando además mucha relevancia al tema de la identidad y de nuestros orígenes.

La idea surgíó luego que Juana Viale y Victoria Césperes, las protagonistas de esta obra, compartieron una clase magistral de ocho horas de duración. Al finalizar la misma, sintieron el deseo de hacer algo juntas y buscaron un texto que les resulte atractivo, surgiendo luego el nombre del dramaturgo chileno Luis Barrales, a quien sin conocerlo, le acercan el texto y enseguida, el autor manifiesta que sería un gusto trabajar junto con ellas en el proyecto, pero dejando claro que no haría ninguna obra, que no estuviese escrita por él.

Fue así como los tres, comenzaron a reunirse, para reelaborar aquel texto inicial y se dió un proceso creativo muy rico, en que a partir de ejercicios experimentales, ficcionales y sugerencias de las mismas actrices, se sucedían los ensayos y de acuerdo a lo que sucedía en esos ejercicios, el autor iba escribiendo el libro. Una elaboración artesanal y para nada rígida, ya que el texto permanentemente se modificaba, de acuerdo a los resultados y las experiencias que surgían de los ensayos.

La Sangre de los Árboles, es una propuesta que permite a las protagonistas, jugar en el escenario, moverse con libertad, para ir cambiando en forma permanente de personajes y vínculos, pudiendo ser por momentos hermanas, el inicio de la obra planea justamente ese interrogante, saber si lo son, en otros serán pareja, también madre e hija, se amarán, se odiarán y se traicionarán, a lo largo de la obra, en un desarrollo, en el que, se desatarán un torbellino de emociones.

La figura convocante de la obra, sin dudas, es Juana Viale, más conocida por sus trabajos en cine y televisión, aquí decide apostar por el teatro independiente, en una obra profunda y compleja, que como la misma Juana dice, no está pensada para facturar o llenar teatro, como dijimos antes, serán las emociones, las protagonistas de la noche.

Nos encantó el trabajo de Juana, como Leonor, bióloga y lesbiana, en un papel muy exigente, en el que debe recurrir a todo su bagaje técnico y se luce mucho, con una entrega absoluta. Se nota que es su proyecto y está cómoda en escena, se la nota contenta y disfrutando cada instante, permitiendo que el espectador sea partícipe de ese disfrute. En nuestra opinión Juana, es una gran actriz y aquí no hace más que confirmarlo.

Su coequiper es la joven actriz uruguaya Victoria Césperes, ella es Manuela, traductora y a punto de casarse, toda una revelación para nosotros, no se amilana para nada con el desafío, mostrando una fuerza actoral y una versatilidad que hay que destacar, transitando en gran forma los diferentes estados emocionales, que exige la obra.

Juntas muestran una química muy difícil de conseguir, la obra tiene recorrido y esto se nota de manera positiva, las dos tienen actuaciones potentes, van a fondo, se las nota muy a gusto y conectadas totalmente entre ellas. Hay muchas escenas, que quedarán en la memoria, solo anticipamos, una en la que son dos señoras mayores, que es realmente deliciosa.

Pero no estarán solas en escena, a las protagonistas, las acompañan Lucía Gómez, con su cello, superlativo su aporte, con bellas melodías y sonidos, que van acompañando el relato. Sin dudas un toque de distinción, que enriquece y embellece el espectáculo.

Una puesta minimalista propone el director, con una escenografía despojada, con muy pocos elementos en escena, solo hay una mesa de vidrio con ruedas, un microscopio y algunos libros. En esta obra, el protagonismo, lo tiene la palabra y la puesta deja en claro esto. Debemos destacar, el diseño lumínico, que crea las diferentes atmósferas, que pide la trama.

En definitiva, La Sangre de los Árboles, es una obra con varias capas, sin un esquema fijo, con mucha poesía, donde las protagonistas, se conectarán desde diferentes vínculos, ya sea como hermanas, pareja y hasta madre e hija. Siempre buscando su identidad, su origen y teniendo claro, que ellos modificará su presente.

Una pieza abierta, donde cada espectador de acuerdo a su realidad, descubrirá algo distinto, ya que es muy rica en conceptos.  En lo que no hay dudas y todos vamos a coincidir, es en las excelentes interpretaciones de Juana y Victoria, que se las nota, disfrutan cada escena, son libres y logran movilizar al espectador,  con actuaciones cargadas de emociones.

El aplauso prolongado, que el público que colmó la sala, les tributa a las protagonistas, al término de la función, deja claro que disfrutaron de una entrañable velada de buen teatro.



Pensador Teatral.

Las Loras, Amor Linyera

Domingos 20 hs en Fandango Teatro ( Luis Viale 108 )

Dramaturgia y Dirección de Pablo Dos Reis.

Una divertida propuesta, llega de la mano de Pablo dos Reis, formado en el Sportivo Teatral con Ricardo Bartis, presentado su opera prima, Las Loras, Amor Linyera, nos ofrecerá una comedia ácida y desopilante, que en una cubierta divertida, esconde la desesperación de dos mujeres.

La historia, nos habla de dos mujeres maduras y amigas, Betty ( Mariela Selicki ) y Flora ( Catalina de Urquiza ), quienes deciden emprender un viaje bastante alocado, ya que deciden ir a Mar del Plata, fuera de temporada claro, en la búsqueda de conquistar algún hombre.

Decimos alocados, porque en vez de alojarse en un hotel, pararán en una garita desocupada de un balneario, que en esa época del año luce desolado. A poco de iniciar la obra, notaremos que esas mujeres, no están bien, sufren un desequilibrio emocional grande y la búsqueda de algún hombre que mejore sus vidas, tiene un carácter casi desesperado.

El texto tiene mucho de grotesco y de satirización, la desesperación y soledad de esas dos mujeres, las harán discutir mucho entre ellas y cometer locuras varias, que se traducen en momentos muy divertidos en el escenario.

La columna vertebral de la obra, son las muy buenas actuaciones que tiene la dupla protagónica, ya que tanto Mariela como Catalina, logran caracterizar en forma admirable, dos personajes muy diferentes, casi opuestos entre así, unidos solo por la soledad y las penas compartidas.
La frase no los une el amor, sino el espanto, aplicaría acá perfectamente.

Mariela Selicki, es Betty, la que timonea la travesía, con su pose seductora, se siente una cazadora de hombres y tratará sin guardarse nada de jugar sus últimas cartas en materia de amor, porque tiene claro, que el tiempo para encontrar al hombre de su vida se está agotando. Muy buena la interpretación de Mariela, mostrando todo su histrionismo y mucha presencia escénica.

Catalina de Urquiza, es Flora, arrastrada por su compañera, parece sumida en un estado depresivo crónico, que apenas le permite mantenerse en pie. Trata de aportar un poco de seriedad, ante las locuras de su amiga, aunque con poco éxito. Una gran composición de personaje de Catalina, quien a su lucida actuación, le suma buenos momentos musicales, mostrando sus virtudes para el canto.

Gran trabajo de estas dos mujeres, que se entregan por completo y muestran mucha química entre ellas, logrando dar una muy buena dinámica a la obra.

Pero estas dos mujeres no estarán solas en escena, ya que en ese balneario, sorpresivamente aparecerá un linyera ( Gabino Torlaschi ) muy bien caracterizado, que provocará muchos momentos graciosos y vivirá un affaire, con algunas de las damas. No anticiparemos con cual de ellas será la que se entregue al amor, ni que sucederá con esa relación, dejaremos que el espectador, lo descubra cuando vea la obra.

Nos gustó mucho la puesta, con varios ítems a destacar. Hay un muy buen diseño escenográfico de Verónica Copello, aprovechando en forma integral un escenario de dimensiones reducidas, con ese refugio playero como centro. Destacado el moderno diseño de luces de Lucio Martínez Ledesma, que tiene momentos de mucho destaque, al igual que el vestuario de Sol Daniela García que contribuye para la muy buena caracterización que tienen los tres personajes.

En conclusión, Las Loras Amor Linyera, es una comedia negra, que nos hablará del amor, pero más aún del desamor y del desamparo, exagerando adrede algunos rasgos, pero dejando claro como muchas veces la soledad y la desesperación, pueden llevarnos a realizar todo tipo de locuras.

Invitamos al espectador, a ver la obra, para divertirse con la historia de estas dos amigas y las acompañen en el viaje que emprenden a una desolada Mar del Plata, para ver si las ayudan a cazar al hombre, que les permitan dejar atrás sus vidas tristes y solitarias.



Pensador Teatral.

Un Puma todo Dorado

Domingos 17 30 hs en Teatro El Excéntrico de la 18 ( Lerma 420 )

Dramaturgia y Dirección de Agustín Rittano.

Una propuesta muy interesante, nos acerca Un Puma todo Dorado, obra escrita por Agustín Rittano, joven autor nacido en la localidad puntana de Tilisarao,que nos ofrece una hermosa semblanza de la vida en el campo, volcando vivencias de su infancia, trayendo esos personajes tan pintorescos que siempre existen en los pagos chicos y dando lugar a las historias y leyendas, que son moneda corriente en el campo, donde ese folklore, tiene enorme importancia.

La historia, que tiene mucho de fantástico y es muy poética, podemos encuadrarla en el género de comedia negra. Se inicia, con intriga, con una mujer madura, que vive en la ciudad y que vá al campo profundo, donde recurre a los servicios de el Gringo, un baqueano, que le servirá de guía, para llegar a un sitio determinado por ella, para cumplir una tarea, que no vamos a revelar en estas líneas, para mantener el suspenso.

Pero en medio de esa travesía, a esta mujer, se le cruzarán en su mente, recuerdos de su infancia, de cuando era una niña y estuvo caminado por ese mismo lugar, al que ahora retorna. Aquellos recuerdos parecen atormentarla y decide ir contando esa historia a El Gringo, que de mala gana la escucha.

En aquel relato, ella era chica, era la niña Mari, que en un momento que se aleja de sus padres y se encuentra con Darmenia Peñaloza y con Peto su hermano mayor. Ella una niña de ciudad y los Peñaloza, dos bichos de campo, que conocen todos los secretos de aquellas extensas pampas. La situación parece peligrosa para esa niña ingenua. Le cuentan a la niña, que están sufriendo en la zona, los ataques de un puma dorado, una bestia con una astucia única, } experta en camuflarse, se come el ganado, las gallinas y es una amenaza para todo aquel que habite en esos parajes.

Presente y pasado, se confundirán por momentos, todo parece ocurrir en la mente de esa mujer, que sin dudas vivió algo muy fuerte en el pasado, algo que la marcó y esa vivencia, la persigue hasta estos días y su retorno al campo, sin dudas es para saldar esa cuenta pendiente.

La pieza como dijimos es una pintura riquísima del mundo campestre y de sus personajes, plena de poesía y con la lógica de pueblo chico, en donde todos se conocen y se mira con recelo a la gran ciudad y a quienes llegan de ella.

La trabajada dramaturgia de Rittano, encuentra eco, en los excelentes intérpretes elegidos para contar la historia, con un elenco que repite gran parte de su anterior obra, la Oveja Abandonada.

Arranquemos por María de Cousandier, la protagonista de la obra, es la mujer que vuelve al campo, para cerrar una historia aún abierta, que la movilizó mucho, tanto que debe convivir con esos recuerdos que la invaden a cada momento. Un gran trabajo el de María, jugando con su cuerpo y su gestualidad, para pasar en instantes de ser una mujer madura, a una niña inocente. Gran trabajo de María, en un papel complejo.

Su acompañante en la travesía es Rodrigo Martínez Eguizabal, como El Gringo, un gaucho, muy bien personificado, que parece esconder más de lo que dice. Rodrigo además de su buena actuación, nos regala los momentos musicales que tiene la pieza, cantando y tocando la guitarra.

El mayor de los Peñaloza, es Peto, interpretado por Fernanda Pérez Bodria, siendo un varón recio, preocupado por dar muerte al puma y con disimulado interés por la niña. Lograda interpretación.

Fernanda Bercovich, es Darmenia Peñaloza, un entrañable personaje campestre, sus movimientos, sus tonos de voz, todo es destacable. Una composición de personaje notable , siendo Fernanda con su histrionismo, quien mayores risas del público consigue y junto con María, para nosotros son las actuaciones más destacadas que presenta la obra.

Se nota, que todo el elenco está compenetrado con la idea del autor y ese compromiso se nota en cada interpretación, ya que no son sencillos los papeles a representar y en algún momentos hasta cambian algunos roles.

La puesta tiene varios elementos a destacar, una escenografía poco cargada, con un alambre, que marca los límites muy claramente del adentro y el afuera, se destaca el vestuario que caracteriza muy bien a todos los personajes, ambos ítems a manos de Peonía Veloz y la iluminación de Soledad Ianni. Todos elementos que contribuyen a recrear la atmósfera campestre que requiere la pieza y agregan valores, para que la puesta resulte muy atractiva

En definitiva, una muy buena propuesta la que nos ofrece la pluma de Agustín Rittano, una colorida semblanza de nuestro Interior, de nuestras Pampas, en este caso del Valle de Traslasierra, trayendo personajes y leyendas, que sin dudas existen en el campo y que los que habitamos la ciudad, muchas veces subestimamos, desconociendo el peso que tienen.

La historia si bien está presentada en un marco de comedia, es profunda y abieta, ya que nos muestra como muchas veces, situaciones que vivimos en nuestra infancia, puedan dejar cicatrices, que aunque pasen los años, no desaparecerán.

Nos gustó mucho la obra y por eso recomendamos emprender este viaje al campo profundo que nos propone el autor, para ayudar a sus entrañables personajes, a dar caza a ese Puma Dorado, que hace tantos años, asola las pampas y sus mentes.



Pensador Teatral.

La Discreta Enamorada

Viernes y Sábados 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación (Av.Corrientes 1543)

Dramaturgia de Lope de Vega y Dirección de Santiago Doria.

Clásico del Siglo de Oro Español, estrenada en 1608 en Madrid, fue escrita por Lope de Vega, uno de los escritores y dramaturgos más relevantes de aquel período de florecimiento del arte y la literatura en España, con autores de la talla de Miguel de Cervantes, Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Francisco de Quevedo y el mismo Lope de Vega, por nombrar solo a los más relevantes.

Realmente un gran reto para Santiago Doria, reconocido director, que ya incursionó en el teatro clásico español de este período, la decisión de presentar una obra como La Discreta Enamorada, escrita hace 400 años y que resulte actual, lo que obligó a una cuidada adaptación, debiendo quitar algunas referencias históricas y palabras en desuso, para que la pieza, sin perder su espíritu, sea atractiva para el espectador actual, sin dudas una tarea ardua.

Además para sumar una dificultad, a lo ya mencionado, La Discreta Enamorada, está escrita en verso, lo que representa una exigencia adicional para los actores, que sin margen para improvisar, deben tener muy claro el texto, ya que al hablar en verso, deben entender el texto que dicen, para que llegue en forma correcta al espectador. Por lo que se requiere, mucho ensayo y entrenamiento.

Digamos ya, que los resultados logrados por Doria, son estupendos, ya que pone en escena un clásico de época, una comedía de enredos de aquellos años, con los códigos y rasgos del 1600, que resulta amena y divertida para un público que disfruta mucho de los diálogos y de las estupendas actuaciones que tiene la pieza.

Pero esta opinión, no es solo nuestra, mencionemos que la obra que transita su segunda temporada, y ya ovtuvo el Premio ACE  Mejor Espectáculo,  Premio ACE mejor actriz ( Ana Yovino ) y Premio ACE de Oro 2017 a Santiago Doria, como mejor Director, reconocimientos muy merecidos.

Realmente la obra se disfruta mucho, la mente del espectador viaja a ese Madrid del Siglo 17, donde las costumbres y la moral eran otras, debían respetarse ciertos códigos, a nuestra visión de hoy, muy anticuados, pero hecha le ley, hecha la trampa, los jóvenes de aquella época, siempre buscaban la forma, de encontrar algún recoveco, para escapar de las estrictas imposiciones de la época. En este texto, Lope de Vega, hace foco en la inteligencia de la mujer para sortear la hipocresía social reinante en aquellos años, donde el problema no era hacer algo indebido, sino que los otros se enteren de ello.
El mayor problema, no es hacer, sino que se sepa, premisa que se aplicaba hace 400 años y puede aplicarse hoy, de ahí la vigencia de estos textos.

En La Discreta Enamorada, se cuenta la historia de una bella doncella llamada Fenisa ( Ana Yovino ) que vive en Madrid, en una casa de la calle Los Jardines, con su madre Belisa ( Irene Almus ). Sus vecinos son el joven Lucindo ( Mariano Mazzei ) y su padre el Capitán Bernardo ( Gabriel Virtuoso ). Belisa se interesa por Lucindo, pero el problema surge, cuando el Capitán se presenta en la casa para pedir la mano de la doncella, lo que desatará una maraña de enredos y equívocos, que parecen no tener fín.

No contaremos más, para no quitar sorpresa, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, vaya descubriendo, como las mentiras y los engaños, irán apareciendo uno tras otro, dándose muchas situaciones graciosas y divertidas.

Vayamos entonces a las actuaciones que tiene la pieza, que como dijimos son el punto central de la misma, ya que el elenco tiene un gran nivel de exigencia, ya que el hablar en verso, requiere además de mucha concentración, el talento para lograrlo y los elegidos por Doria ( hay mérito indudable en la elección del elenco ), realmente muestran estar a la altura, regalando preciosas interpretaciones, con una fluidez que hay que destacar.

La protagonista de la historia, es Ana Yovino, como Fenisa, la dulce y casta doncella, de aire inocente, pero con la picardia e inteligencia necesaria para conseguir sus objetivos. Gran interpretación la de Ana, quien como dijimos obtuvo un ACE por este trabajo.

Su enamorado es Lucindo, interpretado excelentemente por Mariano Mazzei, un joven galante y agraciado, que un un principio tiene su corazón roto por una bella cortesana y luego se pierde de amor por Fenisa. Nos gustó mucho el trabajo de Mariano, con mucha gracia y frescura, en este protagónico.

Nos encantaron las actuaciones de Irene Almus ( como la madre de Fenisa ) y Gabriel Virtuoso ( como padre de Lucindo ), excelentes actores y de mucho recorrido, disfrutamos ya de esta dupla, el año pasado,  en Espumas de Oriente, estupenda obra del off en la que protagonizaban un radio teatro ). Irene aquí es una madre cándida, pero apasionada a la vez y Gabriel, un padre bonachón, con mucha  gracia y ese vozarrón que invade el escenario. Aplausos para ambos, que se lucen un montón.

Completan el elenco, la bella Mónica D´Agostino, como Gerarda, con mucha presencia, es la villana de la obra, Francisco Pesqueira, como Doristeo, un elegante caballero de época y Pablo Di Felice, como Hernando, un criado, muy gracioso y es uno de los que más risas provoca, con la muy buena composición de personaje que realiza.

Un elenco muy parejo, para una obra muy desafiante, mostrando todos un gran timming y entendimiento, para llevar con mucha dinámica la historia.

La escenografia es despojada, solo hay dos bancos largos, dominando la escena que los mismos actores, van cambiando de posición, en los diferentes cuadros. Esta austeridad escenográfica, sin dudas es un guiño del director, para dejar claro, que lo importante en esta obra, es la palabra.

Debemos destacar el vestuario de época de Susana Zilberyang, que dota de mucha elegancia a los protagonistas y también la música original de Gaby Goldman, con melodías de zarzuela, pasodoble y el sónido de las castañuelas, que le dan una atmósfera españolísima al ambiente.

En definitiva, una propuesta que celebramos y felicitamos a Santiago Doria, por la iniciativa de brindar este espacio a un clásico del Siglo de Oro español, una obra en verso, que tanta poesía ofrece, resultando ser este tipo de textos, el origen del sainete español y lo será luego de nuestro grotesco criollo.

Como dijimos la lograda adaptación y las grandes interpretaciones que presenta la obra nos regalan una hermosa velada teatral y son coronadas por un generoso y prolongado aplauso de los espectadores, que confirman, que los clásicos siempre serán bienvenidos, por los amantes del buen teatro.

Pensador Teatral.