Nadie es tan Rubia

Jueves 21 hs en Teatro El Método Kairos ( El Salvador 4530 )

Dramaturgia de Guillermo Difilippo y Dirección de Zaida Mazzitelli

Nuestro teatro off, se caracteriza por su inagotable oferta y en esta oportunidad, nos presenta Nadie es tan Rubia, unipersonal protagonizada por Carolina Fassa, que se basa en la vida de Marilyn Monroe, una de las actrices estadounidenses, más famosas que dió ese país y verdadero ícono sexual de los años cincuenta. Su nombre trascendió su época y aún hoy, su mito, sigue vigente en todo el mundo.

La obra arranca en los últimos minutos de vida de Marilyn y es el momento en que repasará los instantes más relevantes de su existencia, haciendo un pasaje por cada una de las personas que fueron importantes en su vida, entablando diálogos imaginarios y muy ricos con todos ellos.

Un gran mérito de la obra, es encararar a Marilyn, despojándola de su traje de estrella, presentándola al público, como mujer, como persona que fue, contando su dura infancia, donde desfiló por distintas casas de familiares y orfanatos, sus matrimonios fallidos y cargados de violencia, sus conflictos con el psicoanálisis y su permanente lucha por superar el prejuicio, de los que solo veían en ella, un simbolo sexual, sin reparar, que era una mujer sensible e inteligente.

Teniendo en cuenta, que Norma Jeane Baker, conocida por todos, como Marilyn Monroe falleció en 1962, es decir hace más de 50 años, son muchos, los que en la actualidad, poco conocen acerca de la vida real de esta diva de Hollywood y por eso es muy bienvenida este semblanza en primera persona, que tanto nos cuenta, de su vida, haciendo foco, en aspectos íntimos y humanos, no tan conocidos.

La obra nos gustó mucho y esto sucede en gran parte, por la fantástica actuación de Carolina Fassa, que nos regala una interpretación exquisita, luciéndose mucho en los parlamentos y más aún en las partes cantadas. Una grata sorpresa, la hermosa voz de Carolina y lo bien que canta en inglés, algo nada sencillo, dándose el lujo, hasta de cantar, estando acostada, en un momento de la trama.

Fassa siempre admiró a Marilyn y cuando conoció su historia, que comprende una infancia muy sufrida y una vida con muchos momentos tristes, se maravilló con la misma y no tuvo dudas que sería un gran proyecto protagonizar una obra que logre transmitir los fragmentos más relevantes de su existencia y aquellas facetas escondidas, que toda gran estrella tiene. Es justo reconocer a esta altura, al autor de la pieza, Gullermo Difilippo, quien luego de un arduo trabajo de investigación, logra escribir un guión atractivo, que seduce al espectador, trayendo detalles poco revelados de la vida de Marilyn.

Gracias a su talento y sus condiciones, supera el reto complejo, de retratar a aquella gran mujer que fue Marilyn, sin buscar imitarla, el objetivo era transmitir sus emociones y es algo que consigue con creces, con una excelente performance.
Fantástica labor la de Carolina, con una pasión y una entrega total, que los que estamos acostumbrados a ver teatro independiente, recocemos, pero no por ello, hay que dejar de destacar.

Para que el proyecto llegue a buen puerto, es tanbita fundamental el aporte de Zaida Mazzitelli,  la directora, que en línea con lo que dijimos párrafos antes, buscó que la protagonista lejos de imitar a la diva, traiga a escena a la gran mujer que hay en ella.

La escenografia es minimalista, con una sabana blanca, en la que protagonista aparece acostada al inicio de la obra y que funciona como su redil, sólo algunos elementos desparramados en esa sábana y un diseño lumínico que se destaca mucho y colabora en crear esa atmósfera íntima que pide la obra.

En conclusión, quedamos más que contentos, con Nadie es tan Rubia, una muy buena manera de homenajear a una diva de Hollywood, como fue Marilyn. y traerlas a estos tiempos, gracias a la gran interpretación de Carolina Fassa.

El aplauso con que el público despide a la protagonista, al término de la función, es fiel termómetro, que la obra se disfrutó mucho y que el teatro independiente, siempre tiene sorpresas agradables para regalarnos.



Pensador Teatral.

Entonces la Noche

Miércoles a Domingos en Paseo La Plaza ( Av. Corrientes 1660 )

Dramaturgia y Dirección de Martín Flores Cárdenas.

Es la primera incursión de Martín Flores Cárdenas en el circuito comercial, destacado autor y director con dilatada trayectoria en el teatro alternativo, llega a la Calle Corrientes, para confirmar una vez más, que el teatro es uno solo y que cualquier buen autor o director del off, puede desembarcar en el teatro comercial.

Entonces la Noche, es una obra original, anclada en la noche, con personajes que se sienten cómodos en la nocturnidad y en la oscuridad, con un halo de misterio y con historias de vida sufridas, con muchas cicatrices en el cuerpo y en mente, que las sombras de la noche quieren ocultar.

Podemos afirmar, que esta pieza tiene muchos puntos en común, con Entonces Bailemos, obra estrenada en 2013 en el Abasto, que recibió numerosos reconocimientos. Lo que sabemos, de boca , de los propios protagonistas, es que al término de una de las funciones de Entonces Bailemos, a la que habían concurrido Cecilia Roth y Dolores Fonzi, fueron a cenar con Martín y con Ezequiel Díaz, uno de los actores y en esa cena con la euforia post teatral,  alguno de los comensales tiró la frase que siempre aparece, promediando la velada: Deberíamos juntarnos para hacer algo juntos.

La mayoría de las veces, esas frases quedan en el aire y no se concretan, pero hay contadas ocasiones, donde los planetas se alinean y los proyectos se llevan a cabo.

El deseo de hacer algo juntos, fue el motor de este barco, que con el entusiasmo y la constancia de todos, pudo llegar a buen puerto, siendo la obra un estupendo mix, de artistas provenientes del off, con actrices consagradas como el caso de Dolores y Cecilia, mostrando como dijimos al comienzo, que el teatro es siempre el mismo y que las divisiones entre comercial e independiente, lo marca más el contexto y los encasillamientos, pero en ambos casos hay un escenario en la que los artistas exponen su arte y espectadores que desde sus butacas, quieren nutrirse de sus historias.

Luego de esta larga, pero esperamos, colorida introducción, contemos que Entonces la Noche, es una pieza original, que se desarrolla en una ciudad no definida, que podemos intuir por los vestuarios y el contexto, podríamos situar en el Lejano Oeste de los Estados Unidos, con personajes que no tienen nombre, que puede ser cualquier de nosotros, seres anónimos que eligen la noche, como momento del día, en la que tendrán mayor actividad y se sentirán más aliviados, lejos de las miradas de una sociedad que día, tal vez tenga una mirada demasiado penetrante y estricta, para ser soportada.

En la obra, cada uno de los personajes tiene una historia para contar, ninguna de ellas es color de rosas, en todas el denominador común en la violencia y la crueldad, que es la moneda corriente en nuestra sociedad actual. El espectador busca descubrir si esas historias son individuales o tienen algún punto en común entre ellas, además de ese marco de violencia y de nocturnidad que las envuelve a todas-.

Es muy original, la estructura que presenta la pieza, hay un piano, dos músicos y mientras cada uno de los protagonistas se enfrenta a la platea, en una especie de monólogo, el resto escucha en un sillón, cuchicheando entre ellos, tomando agua, con sonrisas cómplices, como si fueran un grupo de actores, esperando su momento, en un set de filmación. Realmente una estética muy particular y lograda, tiene la puesta que plantea el autor.

No vamos a descubrir nada diciendo que el punto fuerte de Entonces la Noche, son las interpretaciones que presenta, de un elenco muy talentoso, que se nota compenetrado y unido en el proyecto, siendo esto, algo que el espectador percibe en todo momento.

Vayamos por orden de aparición y arranquemos por Ezequiel Diaz, un muchacho ahora, que cuando tenía cinco años, recuerda como su padre huyó del hogar, dejando sola una huella de zapato en el cemento, que será su única pista para una búsqueda desenfrenada, que emprenderá ya mayor, en busca de su identidad. Nos gustó mucho lo de Ezequiel, un actor de raza del off, que se lo notó muy a  gusto en el amplio escenario de la sala Pablo Picasso del Complejo La Plaza.

Luego llega Cecilia Roth, dando vida a una mujer solitaria, algo desencajada y afecta a la bebida y a frecuentar bares. Un personaje complejo y oscuro,  el que tiene que componer Cecilia y lo hace en gran forma, mostrando su enorme versatilidad y talento, en este caso para monologar. Un privilegio ver en escena a una actriz de sus pergaminos, siendo un disfrute extra para el espectador.

Guillermo Arengo, también proveniente del off, dá vida a un policía muy humano, que parece ajeno a ese mundo de violencia y crímenes que debe transitar. Un personaje muy gracioso el que compone Guillermo y muy festejado por el público. Nos encantó su actuación.

Para el final, queda Dolores Fonzi, para nosotros la actuación más destacada de la noche, excelente su composición de prostituta, que con un acento indescifrable y una crudeza absoluta, relatará sus duras vivencias, en las noches de ruta en la que busca clientes. Siempre sensual y con una presencia escénica que nos sorprendió, en un elenco muy parejo, como dijimos, regala la mejor composición de personaje, con una interpretación excelente.

Pero estos cuatro protagonistas, no están solos en escena, los acompañan en todo momentos, los talentosos músicos, Fernando Tur y Julían Rodríguez Rona, que con piano, guitarra y armónica, otorgarán distinguidos momentos musicales, fundamentales para recrear el clima que el director y la obra piden. Destacadísima la labor de ambos.

Nos gustó mucho el diseño escenográfico de Alicia Leloutre, poco cargado, donde resalta un panel de reflectores en el fondo del escenario con doble función y un sillón de cuatro cuerpos,  el estupendo vestuario de Ana Markarian y Alicia Macchi, con reminiscencias de western y una moderna iluminación de Matías Sendon, complementan una puesta muy original en la que se cuidan todos los detalles y que por momentos parecen remitirnos a Kill Bill, con esos personajes particulares y una estética muy Quentin Tarantino.

En conclusión, una apuesta arriesgada y original, la que propone Entonces la Noche, fusión de teatro off y comercial, en la que predomina la palabra y de la mano de las superlativas interpretaciones que presenta, ilustrará al espectador y le hará vivir imágenes de esas noches de profunda oscuridad, de la que emergen personajes sufrientes, que solo buscan sobrevivir, en un mundo hostil, que siempre les fue adverso.

Celebramos la llegada de Martín Flores Cárdenas a la calle Corrientes, con una historia oscura y actuaciones exquisitas, que los espectadores reconocerán con un prolongado aplauso con el que despiden a los protagonistas.


Pensador Teatral.

Después te Cuento

Viernes 21 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Dramaturgia de Adriana Gómez Piperno y Dirección de Juan Arena.

Estuvimos presente en el reestreno de Después te Cuento, que arranca su segunda temporada, con elenco renovado.

Digamos de entrada, que la obra presenta una puesta distinguida, con una estética muy bien cuidada, explorando el universo femenino, con foco en el vínculo madre e hija, desde un punto de vista particular, ya que se establece entre la hija que está en un momento de su vida donde abundan las dudas existenciales y una madre, que ya no está en el mundo de los vivos, pero que aparece en escena, literalmente dentro de un cuadro, desde donde la escuchará, mirará y se horrorizará con algunas cosas que cuenta su querida hija.

Si bien por momentos Ana, siente una presencia en el ambiente, no logra ver, ni escuchar a su madre.
Es una noche especial, ya que la hija preparará una cena en su honor, cocinando una tortilla, el plato favorito de su madre, abriendo un buen vino y preparando una mesa para ambas, aún sabiendo que su deseo de compartir esa comida es imposible. O la magia del teatro lo posibilitará ??

Ana, es una madre joven y moderna, que anda a los tumbos por la vida, con algo de angustia, ya que se dá cuenta, que no encaja, le cuesta adaptarse a lo políticamente correcto, no está conforme con lo que le propone este mundo y ensaya un monólogo, donde hablará de su hija, de su pareja, de la libreta donde anotan las veces que hacen el amor y muchas cosas más. Será una suerte de confesión y de pedido de ayuda, con la madre testigo desde el cuadro, que seguirá con atención el parlamento de Ana, asintiendo lo que dice en algunos casos, en otros espantándose y en la mayoría de los casos, tratando de darle consejos, que infelizmente su hija no puede escuchar.

La obra tiene muy buena dinámica y el relato es muy entretenido, en esto tienen mucho que ver las protagonistas, que debutaban en esta función y esto no se notó en ningún momento, ya que se manejaron con un entendimiento y una química, que por lo general  se logra recién luego de varias funciones.

Arranquemos por Ximena Seijas, que encarna a una Ana extremadamente sensible, que expone con mucha profundidad, su distancia con los demás, le cuesta comunicarse hasta con su propia hija, siente que le falta una brújula en la vida y añora muchísimo a su madre, que ya no está para aconsejarla.
Par destacar la expresividad de Ximena, su mirada vivaz, una voz potente y una entrega total en el escenario, que el espectador recibe agradecido. En esto contribuye mucho, la cercanía, de la protagonista con el público, que permite seguir cada uno de sus movimientos, sin perder detalle.
Una actuación magnífica la de Ximena.

Y que decir de Lucianna Ligorio en el papel de madre, un papel complejo, ya que ella está en un cuadro como fuera de escena y desde esa distancia, debe transmitir sus sentimientos y sus pareceres, en una lucha permanente, para que el milagro se produzca y su hija pueda verla. No vamos a contar si eso sucede o no, solo decir que muchas veces, hay que confiar en la magia del teatro.
Una gran interpretación la de Lucianna, con mucha ternura y con un amor de madre que se siente en el ambiente.

Muy buenas actuaciones individuales y más que nada en el conjunto, ya que es una obra, que por el texto, requiere una conexión especial entre las protagonistas y en este caso, esto se logra en todo momento.

Pero las protagonistas no están solas en escena, las acompaña, Sonia Kovalivker, que con su órgano aporta una muy bella música en vivo y con su voz, unas muy logradas partes cantadas.
Siendo su aporte muy bueno, ya que propicia las pausas que la trama requiere y una calidez que contribuye al clima que el guión busca.

La puesta en escena de Juan Arena, es para resaltar por su originalidad y efectividad, aprovechando las posibilidades que le brinda esta nueva y adaptable sala de El Camarín de las Musas, que permite que Ana cocine, de cara a un ventanal que dá a la calle, logrando una complicidad, entre los actores y los espectadores, con el afuera, ya que los peatones que a esas horas caminan por Mario Bravo, se sorprenden con esa chica rubia, que está cocinando una tortilla y con ese público que está presenciando aquello.

Un guiño muy original propone la puesta, como ese olorcito a cebolla que llena la sala y el ruido del fuego cocinando la tortilla en plena función. Si a esto le sumamos la música original de Sonia, un vestuario alegre de Nury Bertone que nos gustó mucho y un diseño escenográfico y lumínico de Eduardo Pérez Winter, que le aportan mucha bonhomia a la obra, redondeamos una puesta excelente y muy original, que agrega mucho valor al atractivo guión.

En definitiva, una propuesta muy interesante, la que nos ofrece Después te Cuento, cálida e intima, donde el espectador se vá a reir, vá a reflexionar y también viajará con su mente ( caminaremos por calles y los mercados de Marruecos ), disfrutando mucho las interpretaciones de las actrices,

El aplauso sostenido que las protagonistas reciben al final de la función, confirman que han quedado muy satisfechos con lo que vieron y que Después te Cuento, es otra de las muy buenas propuestas que el teatro independiente tiene para ofrecer.



Pensador Teatral.

Mamífera

Dramaturgia de Sol Bonelli y Alejandra D´Agostino, Dirección de Sol Bonelli.

Jueves 21 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Segunda temporada de esta interesante propuesta que nos habla de la maternidad, con una mirada moderna y en sintonía con lo tiempos actuales, en los cuales las mujeres además de cumplir con su rol de madre, debe preocuparse por ser competitiva dentro del mercado laboral y también por cuidar su imágen y lucir esplendida, pese a estar agotada por haber dormido solo tres horas.

La obra está escrita en tono de comedia, pero no por eso deja de exponer problemas muy presentes en las madres jóvenes de hoy, que deben hacerse cargo de la crianza del recién nacido, sin demasiada ayuda del entorno familiar y con una mirada indiferente y por momentos hostil, de la sociedad.

El guión como mencionamos es moderno y aggiornado a estos tiempos actuales, en los que la mujer tiene múltiples obligaciones, como madre, esposa, amante y eficiente en el trabajo, una combinación nada sencilla, que muchas veces amenaza doblegar su espíritu, siendo casi obligada a ponerse el traje de mujer maravilla para cumplir con todo y que la culpa, no la mate en el intento.

Quien lleva adelante este unipersonal, cumpliendo una gran interpretación, es Alejandra D´Agostino, una jóven actriz, a la que vimos por primera vez en un escenario y nos dejó una inmejorable impresión. Con una gestualidad y una expresividad a flor de piel, sabe transitar los diferentes caminos que le pide la trama, siendo por momentos una madre super tierna y enamorada de su bebé, por otros una mujer que busca volver a ocupar su espacio en el mercado laboral y en otros, una mujer agobiada y agotada, por la exigencia y la responsabilidad, que tiene como joven madre.


Estupenda actuación de Alejandra, resolviendo en gran forma su protagónico en unipersonal, logrando cautivar al público, con su histrionismo y apoyándose en un guión atractivo.

Nos gustó mucho la puesta minimalista, que presenta la pieza, una escenografía despojada, dominada por un baúl multiuso, que sirve para guardar algunos objetos que irán apareciendo en el transcurso de la obra y también como base, en la que la protagonista se sentara, se parará y hasta le servirá de trampolín, para arrojarse literalmente al vacío.

Destacamos el vestuario de Lucía Castellani que le aporte mucho colorido a la protagonista, los momentos musicales que tiene la pieza ( canta muy lindo Alejandra ) y también el diseño lumínico de Paula Fraga, que destacamos y le agrega valor a una puesta, que cuida todos los detalles.

En definitiva, una mirada muy interesante, la que nos propone Mamífera, hablando sobre el mundo femenino y graficando lo complicado que es ser madre hoy, logrando que el espectador se sienta muy identificado, con lo que cuenta la protagonista, siendo mayoría de mujeres en la sala, que repasan entre otras cosas, sus vivencias en el parto y en los primeros años de vida de sus hijos. En el caso de los hombres, se sienten atraídos por la historia, ya que logran mucha empatia con la protagonista, haciendo un puente con las madres de su círculo familiar.

Mamífera, es otra buena oportunidad, de ver en escena a nuevos autores, que le aportan una mirada moderna a una temática siempre vigente, como la maternidad, con una puesta cuidada, en donde resalta la excelente labor de Alejandra D´Agostino, que apoyándose en un guión atractivo y una cálida puesta, pone los ingredientes necesarios, para que tengamos una muy linda velada de teatro
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Pensador Teatral.

Desde la Lona

Sábados 19 30 hs en Centro Cultural El Deseo ( Saavedra 569 )

Dramturgia de Mauricio Kartun y Dirección de Mariano Terré.

La música de Titanes en el Ring y esas copitas de moscato con las que se recibe al espectador en el looby de El Deseo, presagiaban que Desde la Lona, no sería una obra más, se notaba en la atmósfera, que sería una noche especial.

Y los presagios se cumplieron, ya que vivimos una velada mágica de teatro, los duendes se hicieron presentes, sumándose a la exquisita dramaturgia de Kartun y principalmente a este talentoso grupo de actores, que compusieron sus personajes con una pasión y un talento que enorgullecen a los que amamos el teatro independiente.

Contemos que Desde la Lona, es una de las tantas obras, escritas por un maestro de la dramaturgia criolla, como Marcelo Kartun, el autor de Terrenal, Sacco y Vanzetti, por nombrar solo dos, escribió esta pieza, que fue estrenada en 1997, con un elenco magistral conformado entre otros por Ulises Dumont, Alicia Zanca, Juan Carlos Gené y Fabian Vena, vaya nombres por cierto.

Esa puesta fue vista por Mariano Terré, un joven desconocido en ese entonces, para el mundo del teatro, tiempo después, se encontró con el texto en una librería de la Calle Corrientes y desde ese momentos tuvo la certeza, que quería montar esa obra. Le envió un mail a Kartun, interesado en los derechos de la obra. El maestro gentilmente le dijo, que por ahora no tenía pensado cederlos y la ilusión de Mariano quedó en suspenso.

Pero el tiempo fue transcurriendo, Terré comenzó a ganar experiencia en el circuito del teatro alternativo y trece años después de aquel fallido intento, le volvió a escribir a Kartun, la respuesta esta vez fue esperanzadora y finalmente en 2016, luego de otro contacto, el autor le dió el consentimiento para que inicie el trámite en Argentores y allí el sueño de aquel joven que vió la obra hace veinte años, se hizo realidad,  Desde la Lona, volvería a escena, bajo su dirección y con un elenco,  que venía diagramando hace años en su mente.

Fue algo larga, la introducción, pero creo que la historia valía la pena, uno muchas veces, llega al teatro, se sienta en su butaca, vé la obra y se vuelve rápidamente a su casa y no conoce todo el trasfondo, que hubo para que el hecho teatral se produzca.

Yendo a la obra en sí, les contamos que Desde la Lona, se desarrolla en un pueblito perdido llamado Maquinista Pi, que intuimos está situada en la Provincia de Buenos Aires. Hasta allí llegó Bautista o mejor dicho Mister Argentina, un veterano ex campeón de catch, con son tu troupe de luchadores, para presentarse en el club local.

Lo que vemos en escena,  es el día después, de aquella presentación fallida, en la que se vendieron menos de veinte entradas y Bautista tuvo que poner sus últimos ahorros, para honrar los compromisos con sus luchadores y salvaguardar su nombre y honor.

Bautista ( Fabián Caero ) aparece solo en escena, hablando con su colectivo Bedford 60, al que llama Marciano, es su compañero de travesías, el que lo acompañó por tantos años, transitando las diferentes rutas argentinas, llevando a sus gladiadores del catch, en épocas de esplendor, muy distintas a las que se viven en el presente.

El Bedford luce agotado y pese a los esfuerzos y a las palabras de aliento de su dueño, parece encaprichado en no arrancar más y quedarse varado para siempre en ese pueblo ignoto. Dijimos palabras, porque Bautista, le habla a su colectivo, es su mejor amigo, aquel que conoce todas sus desventuras y secretos. Su compinche de mil anécdotas y por eso confía en que no le vá a fallar y con un poco de mano, en su vieja carrocería, finalmente arrancará.

Pero el veterano luchador no está solo en ese pueblo, que nació al calor del ferrocarril y fue quedando cada vez con menos habitantes, cuando la estación, quedó como pieza de museo, ya que el tren, nunca más pasó por allí. Una historia tan común a tantos pueblos de nuestro interior, que fueron languideciendo al compás de la desaparición del ferrocarril y con cada vez menos pobladores.

Mientras Mr.Argentina dialoga con su colectivo, desfilarán entrañables personajes, habitantes de esas latitudes y nacidos de la virtuosa pluma de Kartun, que irán cobrando vida y protagonismo, a lo largo de la obra. Personajes cercanos y reconocibles, en aquellos pueblos, donde todos se conocen y parece que nunca nada puede hacerse, sin que todos se enteren.

La historia que resuelta cercana y sencilla, atrapa al espectador desde su inicio, se disfruta cada uno de los relatos y anécdotas, que tienen para contar los personajes y en esto, además de la lucidez del director, en la exposición, tiene gran responsabilidad las entrañables interpretaciones que tiene la obra.

Arranquemos por Fabián Caero,  Bautista o Mr.Argentina, como prefieran llamarlo, un ex campeón de catch, personaje querible y bonachón, que recorre el país en su Bedford con la bandera argentina flameando en su ventana. Bautista es un luchador en el sentido amplio de la  palabra, tanto en el ring, como en la vida, donde pese a sus limitaciones y sus frustraciones, seguirá dando batalla, sin bajar los brazos nunca. Una composición brillante la de Fabián. Sus gestos, sus movimientos, la ternura que le imprime al personaje, sus desopilantes diálogos con Marciano, su compañero rodante y sobre todo su dignidad,  encandilan a la platea. Es en una composición brillante por donde se la mire, la que nos regala el protagonista.

Alejandra Martínez es Pitusa, la severa administradora del club, señora anticuada y conservadora, que parece conocer todos los secetos del pueblo y las historias de cada uno de sus habitantes. Conocedora además de los vientos que asolan a Maquinista Pi, es quien debe cobrarle la cuenta a Bernardo. Muy bueno su trabajo.

Nestor Pedace, es Don Justo, un anciano, ex bibliotecario del pueblo y testimonio de una época pasada, añorando su antiguo trabajo y a compañeros que ya no están. Un personaje muy querible, dueño de mil anécdotas, que ya nadie quiere escuchar, como muchas veces ocurre hoy con nuestros viejos, se gana al publico con su bonhomia.

Por último resta mencionar a Luciano Rojas, en el papel de Lauciano, un joven que camina en cuatro patas, parece mudo y que pese a sus limitaciones,  quiere aprender las tomas que realiza el eximio luchador. Un personaje muy complejo el que debe desempeñar Luciano y lo saca adelante en gran forma-  No vamos a contar más de él, pero su andar irá mutando, conforme avanza la trama y será quien genere las mayores sonrisas de la noche.

Son cuatro los personajes que tiene la obra y los cuatro realizan una admirable composición de sus personajes, todos ellos con muchas frustraciones sobre sus hombres, siendo personas comunes, que el espectador reconoce y adopta, ya que representan personajes entrañables y plenos de sensibilidad.

La puesta tiene una calidez que hay que destacar, con esa escenografía pueblerina dominada por el frente de ese antiguo colectivo, un vestuario acorde, una armónica musicalización y un diseño lumínico que genera muy buenos climas Todos los detalles están perfectamente cuidados, en esta confortable sala de El Deseo, que visitamos por primera vez y que nos impresionó muy gratamente.

Como mencionamos al principio, Desde la Lona, no es una obra más, es una verdadera joyita de nuestro teatro independiente, una semblanza de nuestro querido interior, con muchos guiños a los recordados Titanes en el Ring, que marcaron toda una época en la infancia de tantos niños.

Con todo lo que narramos, no hay dudas, que estamos en presencia de esas contadas ocasiones, en las que confluyen una exquisita dramaturgia, un director apasionado que corrió detrás de un sueño y un elenco talentoso e identificado con la historia, que se entrega por completo.

El aplauso emocionado y largo, muy largo de los espectadores, confirmaron nuestros presagios y tenemos la certeza, que Desde la Lona, tiene cuerda para rato y veremos muchas más funciones, en las que Bautista, su Bedford y los habitantes de Maquinista Pi, seguirán deleitando a los espectadores.

Recomendamos fervorosamente la obra y celebramos que nuestro rico teatro independiente nos siga ofreciendo bellos espectáculos como Desde la Lona, donde los duendes del teatro, lucen su mejor sonrisa.



Pensador Teatral.

Hermanos de Sangre

Viernes y Sábados 21 hs, Domingos 20 30 hs en Teatro del Globo ( Marcelo T de Alvear 1155 )

Libro de Willy Russell, Adaptación de Marcelo Kotliar, Dirección General de Alejandro Ibarra y Mariano Taccagni y Dirección Musical de Damián Mahler.

Llega a nuestra cartelera porteña, Hermanos de Sangre, obra escrita por el británico Willy Russell, el  autor de Yo Amo a Shirley Valentine y Educando a Rita entre otras. Blood Brothers fue estrenada en 1983 en Londres, batiendo récords de permanencia en su país, ya que estuvo durante más de 20 años ininterrumpidos en cartel.. La pieza se presentó con gran suceso en escenarios de todo el mundo, recibiendo numerosos reconocimientos, entre ellos dos Premios Laurence Oliver en Londres y seis Nominaciones a los Premios Tony en Broadway.

La obra se estrenó en Buenos Aires en 1994, en una recordada puesta en el Metropolitan, que tuvo a Tina Serrano y Gustavo Garzón, como las figuras más destacadas de aquella versión.

Con semejantes antecedentes, la expectativa por ver esta puesta de Hermanos de Sangre era importante y el desafío para el muy buen equipo conformado, para la ocasión era muy grande.Sin más suspenso, digamos que el reto fue superado ampliamente, ya que el espectáculo que se presenta en el Teatro del Globo es excelente, con interpretaciones magníficas y una puesta en escena que debemos destacar y sorprende por su enorme despliegue.

Para quienes no conocen la historia, comentemos brevemente que Hermanos de Sangre, ambientada en Liverpool de los 60, narra la historia de Eddie ( Gonzalo Almada ) y Mickey ( Mariano Taccagni ), dos hermanos mellizos separados al nacer. Su madre la Sra.Johnsnton ( Julia Zenko ) agobiada por problemas económicos durante el embarazo, trabajaba como empleada doméstica en la casa de los acaudalados Lyons, allí la dueña de casa, que no podía tener hijos, vé en su empleada, una oportunidad de oro, para poder ser madre, proponiendo un trato muy particular, por el cual, se quedaría con uno de los hermanos al nacer.

La Sra Johnstone cumplió su parte y al nacer los mellizos, le entregó uno de sus hijos a la Sra.Lyons ( Magalí Sanchez Alleno ). Pero la dueña de casa, no cumple con la suya y al poco tiempo decide despedir a la Sra.Johnston y bajo amenazas, le hace prometer, que guardará aquel secreto por siempre y que esos niños nunca se volverían a ver.

Pero la vida es una caja de sorpresas y las cosas no siempre salen como se planean, pese a vivir en barrios y ambientes diferentes, de manera fortuita, Eddie y Mickey, se conocen cuando son niños en las calles del vecindario, evidentemente tienen algunos puntos en común y pese al desagrado de su madre y de la Sra.Lyons, se hacen amigos y a pesar de los intentos varios por separarlos, sus destinos quedarán unidos, dando lugar a una historia atractiva y conmovedora, de la que no vamos a contar más para mantener el suspenso, solo diremos que viendo el desarrollo que irá tomando la trama, entenderemos los motivos, por que la obra tuvo tanto éxito y estuvo tanto tiempo en cartel.

En la buena repercusión que tiene esta versión, tiene mucho mérito la adaptación que consigue Marcelo Kotliar, que sin perder los lineamientos centrales de la historia original, logra aggiornarla a una realidad más cercana a estas latitudes, logrando una versión dinámica y muy entretenida.

En darle agilidad a la trama, tienen también mucha influencia los directores Alejandro Ibarra y Mariano Taccagni, pero como siempre decimos siempre, los principales responsables de que un espectáculo llegue a buen puerto, son los actores y en este caso, se logró reunir a un elenco muy talentoso y profesional, que muestra sus virtudes, en un género nada sencillo y siempre desafiante como el musical.

Arranquemos por Julia Zenko, interpretando a la Sra.Johnstone, siendo para nosotros la actuación más destacada de la noche, es quien lleva el mayor peso de la obra, con una presencia escénica que impresiona, como una madre luchadora y un lucimiento total en las partes cantadas. Julia con su hermosa voz, regala momentos deliciosos a lo largo de la noche y se lleva con justicia, las mayores ovaciones de la noche, ya que su trabajo es excelente.

Renglón seguido, hay que mencionar a sus dos hijos en la pieza, Mariano Taccagni, como Mickey, el mellizo que se crió con ella y sus otros hermanos y Gonzalo Almada como Eddie, que fue criado en el seno de la acomodada familia Lyons. Gran trabajo de ambos, en papeles muy exigentes, ya que deben arrancan como niños y conforme la obra va avanzando, se van convirtiendo en adolescentes primero y adultos luego. Muy bueno el recorrido y las transformaciones. Excelentes sus interpretaciones y muy bueno el contrapunto, de ver con crudeza, como la crianza en diferentes hogares, puede modificar los temperamentos y las oportunidades de ambos en la vida.

Un trabajo que nos gustó muchísimo, es el de Alejandro Vázquez, en el papel del narrador, es quien aparecerá mucho tiempo en escena, guiando los recorridos de la historia y de los protagonistas. Gran presencia escénica y una voz privilegiada, redondean una fantástica labor, siendo para nosotros la gran revelación de la noche..

Magalí Sanchez Alleno es la Sra Lyons, protagonista principal en la primera parte de la pieza, dando vida a una aristócrata inglesa, transmitiendo al principio su angustia por no poder tener hijos y luego su miedo permanente de que la verdad saliera a la luz. Muy buena su performance y la posibilidad de disfrutar su hermosa voz en las partes cantadas.

Laura Montini, como Linda, se destaca mucho en su papel, que arranca como una niña traviesa,  luego una adolescente en pleno despertar sexual y por último convirtiéndose en una mujer responsable y atractiva. Muy bueno lo suyo.

Nos queda mencionar a Guillermo Jauregui, con gran presencia escénica, como el Sr,Lions, un hombre de negocios de la época, que no tiene demasiado tiempo para dedicarle a la familia. Matías Asenjo es Sammy, el hermano mayor de Mickey, un rebelde que no llevará por el buen camino a su hermano. Completando el numeroso elenco, Lali Vidal, Manuel Di Francesco, Matías Acosta y Verónica Pacenza, en papeles secundarios, pero aportando su granito de arena y mucha frescura a la puesta y a las 
coerografías.

Se reunió un elenco numeroso, donde Julia Zenko es la cabeza, con un excelente acompañamiento de un elenco joven y talentoso , que demuestra su valía y estar a la altura del desafío, en una obra larga, de dos actos,  que siempre entretiene.

Sin dudas, uno de los puntos altos de la obra, es la gran puesta de escena que presenta la pieza. Hay un enorme despliegue escénico, en un musical que así lo requiere.

Resaltamos la magnífica dirección musical de Damian Mahler, un verdadero talento, que aquí muestra nuevamente sus condiciones. Al frente de su orquesta,, nos regala los bellos acordes en vivo y los sonidos que acompañan la historia. En referencia a la música, destacar que está en su potencia justa, sin tapar nunca las voces de los actores, algo fundamental, que lamentablemente no se cumple en todos los musicales.

Otro punto altísimo, es el diseño escenográfico de René Diviú, con estructuras móviles, que acompañaran los diferentes cuadros y esa proyección de imágenes sobre el fondo del escenario, que es una muy excelente demostración, del buen uso de la tecnología al servicio de la obra, permitiendo pasar por los distintos paisajes y climas de Londres. Un gran aporte el de la tecnología.

Como habrá podido apreciar el espectador, en esta detallada reseña, confluyen muchos elementos que terminan de configurar un gran espectáculo. Un guión atractivo y de probado funcionamiento, una adaptación inteligente, una dirección precisa que coordinar a tantos actores y dota a la pieza de una puesta de gran nivel ( importante aporte de Gonzalo Almada en la producción ), permitiendo a un elenco talentoso, que aprovechando todos los recursos volcados, lucirse y entregarse por completo.

Con todo lo mencionado, solo queda felicitar a todo el equipo y recomendar Hermanos de Sangre, un musical que hará reír al espectador, también lo hará reflexionar con una historia muy bien escrita y sobre todo le permitirá disfrutar de un magnífico espectáculo, con actuaciones superlativas.

El aplauso emocionado, con que los espectadores despiden a los actores al final de la función, no deja dudas, que fuimos testigos de una gran noche de teatro.



Pensador Teatral.

Gabriela Infinita

Sábados 19 hs en el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco ( Suipacha 1422 )

Dramaturgia y Dirección de María Marta Guitart.

El teatro nos convoca en esta oportunidad, de la mano de la talentosa María Marta, que en este unipersonal, nos presenta este hermoso homenaje a la poetiza chilena, Gabriela Mistral, ganadora del Premio Nobel de Literatura en 1945. Ya han pasado más de 70 años y Gabriela sigue siendo la única escritora latinoamericana en obtener este galardón.

Maria Guitart, una actriz con una sensibilidad notable, ya nos dió muestras de su enorme talento al retratar personajes notables de la literatura y de la poesía, con trabajos sobre Alfonsina Storni y Federico García Lorca que han recibido gran reconocimiento de la crítica y del público. En esta ocasión, conmovida por la obra de la chilena, decidió adentrarse en su universo, leyendo sus libros primero y creando luego este hermoso espectáculo que nos convoca.

Gabriela Infinita, tiene una dramaturgia conformada totalmente por textos y poemas de Mistral, que surgen de sus cuatro libros: Desolación, Ternura, Tala y Lagar. La autora incorporó los textos que más la conmovieron y los llevó a escena, entretejiendo una historia sensible y profunda, que permite al espectador, conocer quien fue esta célebre escritora chilena, a lo largo de una pieza, donde la emoción y la poesía, estarán presentes en los cincuenta minutos que dura el espectáculo, que realmente se disfruta muchísimo.

La historia ilustra la vida humilde que tuvo Gabriela Mistral, y nos habla de la pobreza, del dolor de las privaciones, de la maternidad y de la naturaleza, del vasto valle en el que habitó, representado no solo su figura, sino la de mucha otra gente en su misma situación. Lo interesante, es que pese a las privaciones que tuvo, el mensaje que nos transmite la autora, es la de esperanza por un futuro mejor y de un infinito amor de Gabriela para dar, a su hijo que viene en camino, a su madre que la acompaña desde el cielo y en general un sentimiento de servicio al prójimo, conformado un mensaje de amor y de paz, poco corriente y necesario, para este mundo actual tan convulsionado.

El trabajo de Guitart, es admirable, actriz, poeta y locutora, muestra su amor por la poesía y una libertad total para compartir generosamente los textos y poemas que a ella la conmovieron y que sin dudas también conmoverán al público. Lo hace con una entrega absoluta, dejando todo en el escenario, con una gestualidad muy rica, sus miradas que tanto expresan y una voz hermosa, que se luce en las partes habladas y se potencian en los fragmentos cantados que son muy disfrutables

La protagonista está solita en escena, con una escenografía sencilla, solo algunos objetos, como una vela y un tacho de agua. Es ella con su cuerpo y su voz, siendo la palabra de Mistral y de los desposeídos. Un desafío nada fácil y le sale bárbaro, haciendo sencillo, algo que no lo es para nada y que logra sin dudas, por el carisma, el compromiso y sobre todo la pasión con la que encara cada uno de sus proyectos, donde se nota no busca el éxito, sino transmitir un mensaje de esperanza y alimentar la llama  de personajes que han trascendido su época y merecen que más público se acerque a ellos.

Como dijimos son muchísimos los momentos mágicos que tiene la obra, cada uno elegirá el suyo, a quien escriba estas líneas, lo conmovió mucho ese pasaje en el que Gabriela habla con su madre que ya no está, añorando los bellos momentos vividos y pidiendo consejos, para afrontar su maternidad en camino. Un fragmento que quedará grabada en nuestra mente por mucho tiempo, son esos momentos teatrales, para poner en un cuadrito.

En conclusión, quedamos encantados nuevamente con esta propuesta de María Marta, alejada del bullicio y siempre apegada a la belleza de las artes. Para quien todavía vió ninguno de sus espectáculos, esta es una gran oportunidad de hacerlo y conocer a esta magnífica actriz y para aquellos que ya la conocen, no hace falta decirles mucho, solo que vean la obra, que tiene la calidad y la sensibilidad que caracterizan todos los espectáculos de Guitart.

Solo queda recomendar fervorosamente la obra y agradecer a la protagonista, permitirnos conocer con mayor profundidad, el legado de esta notable escritora chilena, valiéndose para ello de una interpretación fantástica y regalándonos a todos los espectadores que colmaron esta sala tan especial, una tarde luminosa, donde el teatro y la poesía son homenajeados.



Pensador Teatral.