La Zapatería, Crónica de Mujeres Calzadas.

Dramaturgia y Dirección de Alfredo Allende.

Sábados 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Corrientes 1543 )

Desopilante comedia de época, llega con La Zapatería (Crónica de Mujeres Calzadas), escrita y dirigida por Alfredo Allende, siendo la nueva propuesta de la compañía Síndrome de Eureka, a la que conocimos viendo Damas Bravas, una entrañable obra del off, que lleva cinco años en cartel, cosechando elogios y espectadores. En esta oportunidad, el grupo nos invita a ingresar en una zapatería de barrio de los años 70, para desplegar una historia donde el humor, la sátira y el absurdo se van a combinar para regalarnos una propuesta tan ingeniosa, como divertida-

Ambientada en 1972, la obra nos presenta a cinco mujeres que, por distintas circunstancias, terminarán integrando una organización a la que llaman Las Taquetes. Con pocas convicciones y escasa preparación, se embarcan en un plan tan disparatado como delirante, que pone en juego sus ideales revolucionarios y da lugar a una sucesión de situaciones absurdas y desopilantes. A partir de esta premisa, la comedia juega con el fervor ideológico de aquellos años y las contradicciones de sus protagonistas, que intentan llevar adelante su propósito, con entusiasmo y arrojo.

Con mucho ingenio, Alfredo Allende construye una sátira divertida que se permite coquetear con los ideales revolucionarios, las contradicciones humanas y las distintas maneras de entender el mundo, por aquellos años . El humor está presente de principio a fin, con diálogos ocurrentes, situaciones absurdas y momentos musicales particularmente divertidos y muy bien logrados. Una comedia que encuentra en el disparate y la ironía sus mejores recursos.

Las actuaciones son, sin duda, el aspecto más destacado de la obra y resultan fundamentales para el buen desarrollo de la historia. Las cinco actrices se lucen en escena, dando vida a personajes variopintos y muy bien construidos. Cada una aporta sus propias características y matices, logrando un conjunto de interpretaciones que se complementan y potencian mutuamente. Hay una química muy especial entre las intérpretes, que disfrutan de lo que hacen y consiguen transmitirlo a la platea. 

Vamos a mencionar a las actrices, ya que sus trabajos así lo ameritan. Arranquemos por las vendedoras de la zapatería, allí tenemos que mencionar a Florencia Pineda. como Norita y Flor Orce como Bianchi. La dupla es desopilante, Bianchi es cercana a la jefa de la organización y tendrá la difícil misión de mantener a raya y con la boca cerrada a Norita, que es a una chica judía, algo naif y que cree fervientemente en el amor. Dos personajes deliciosos y super divertidos que provocan muchas risas en la platea.

Continuamos con Julia Nardozza, como Ursula, la cabecilla de Las Taquetes. ella es comunista y es la lider de esta particular célula. Super gestual y desopilante su personaje. Florencia Patiño es Polilla, se incorporó al grupo, por ser quien fumiga en la zapatería. Ella es anarquista, madre y muy firme en sus convicciones. Muy bueno lo de Florencia. Y para el final dejamos a Mirna Cabrera, como Gloria, una clienta de la zapatería con ideas derechosas, que se incorporará en último lugar al grupo, trayendo aires de renovación y planes nuevos. La rompe Mirna, componiendo un personaje festejado por el público.

Cuando dijimos que los personajes eran muy diversos, podrán ver que nos les exageramos nada. Les aseguramos que las cinco actrices, encuentran momentos para destacarse tanto en lo individual, como en lo grupal. Y a preparase para verlas en los momentos musicales que tiene la obra, donde cantarán y bailarán a pata ancha. Excelentes los trabajos de las cinco y cuando usted lector vea la obra, seguramente elegirá cual es su personaje favorito. Los nuestros son Norita y Gloria, pero como ya mencionamos las cinco la rompen.

La puesta también está muy lograda. La ambientación de la zapatería nos traslada inmediatamente a la época, con una escenografía que recrea muy bien ese espacio de trabajo. El vestuario merece una mención especial, ya que caracteriza con mucho acierto a cada uno de los personajes, acompañando sus personalidades y reforzando sus particularidades. La iluminación acompaña muy bien la trama y los momentos musicales aportan dinamismo y frescura al espectáculo.

Nos gustó mucho La Zapatería y por eso la recomendamos, es una buena idea para desconectarse de la rutina y pasar una muy buena velada teatral. Tiene ritmo, ingenio y un humor que se contagia. El absurdo, la sátira y las interpretaciones de sus protagonistas hacen que los setenta se conviertan en el escenario ideal para una sucesión de situaciones tan disparatadas como divertidas.

Con esta nueva creación, Síndrome de Eureka vuelve a demostrar su enorme capacidad creativa y el crecimiento de un grupo que lleva muchos años compartiendo escenarios. Después de lo conseguido con Damas Bravas, Alfredo Allende y las cinco actrices vuelven a apostar por una comedia de época con personalidad propia. Una dramaturgia divertida, una puesta muy atractiva y actuaciones exquisitas se combinan para regalarnos una noche a puro teatro independiente.

Pensador Teatral.

Santa Rita

Dramaturgia de Mariangeles Bonello. Dirección de Gastón Santos.

Viernes 20 hs en El Grito Teatro ( Costa Rica 5459 )

Hay encuentros que llegan de manera inesperada y que, sin saber muy bien cómo, empiezan a modificar nuestra vida cotidiana. Santa Rita, el olor a ruda delata el embrujo, comedia romántica y botánica escrita por Mariangeles Bonello, parte de ese punto para explorar los caminos que se abren cuando dos personas comienzan a acercarse, con sus expectativas, sus temores y sus distintas maneras de entender los vínculos.

Rita ( Mariangeles Bonello )  y Jacinto ( Matias Bertiche )  son vecinos que llegan al encuentro desde lugares diferentes, con sus propias historias, inseguridades y maneras de relacionarse con el mundo. Ella tiene un perrito y plantas en casa, él, un vivero que parece funcionar también como refugio. A partir de un encuentro fortuito, la obra explora los miedos, las expectativas, las proyecciones y las negociaciones que supone estar con otra persona. Esa tensión permanente entre lo que pensamos y lo que sentimos, entre la necesidad de preservar nuestra individualidad y el deseo de compartir, que muchas veces nos desborda.

A lo largo de las cuatro estaciones del año, asistimos a los distintos momentos de una relación amorosa. Desde la euforia el enamoramiento, la pasión y las ganas de estar juntos todo el tiempo, hasta el desgaste, los desencuentros y las pequeñas diferencias que empiezan a ganar terreno. Lo que al comienzo parecía maravilloso puede transformarse, casi sin darnos cuenta, en aquello que nos incomoda. Con mucho humor y una mirada tan inteligente como sincera, la dramaturgia recorre esos vaivenes sin idealizar el amor, mostrando sus contradicciones y también su misterio.

Las actuaciones de Matias Bertiche y Mariangeles Bonello son excelentes. Ambos construyen una dupla protagónica de enorme sensibilidad y complicidad escénica, logrando transmitir con mucha naturalidad los diferentes estados emocionales que atraviesan sus personajes. Hay una química muy interesante entre ellos, que permite que las interpretaciones se desarrollen con frescura y credibilidad.

También resulta muy destacable el trabajo corporal de los intérpretes. No todo pasa por las palabras: los cuerpos, los movimientos y los gestos adquieren un protagonismo fundamental en la narración. Hay mucho de teatro físico en la propuesta, y los actores aprovechan ese lenguaje con gran expresividad, acompañando los cambios de clima y las transformaciones del vínculo. Nos encantaron los trabajos de Mariangeles, que además es quien escribió la obra y de Matías,  siendo fundamentales para la fluidez que tiene la trama.

La puesta de Gastón Santos es otro de los grandes aciertos del espectáculo. La escenografía de Mal Gallina Robert divide el espacio escénico en dos universos, el hogar de Rita y el de Jacinto, que poco a poco comienzan a mezclarse, a invadirse y a confluir en un espacio común. Las plantas tienen un lugar central y no funcionan simplemente como un elemento decorativo: dialogan con los personajes y con el desarrollo de la historia. Los cambios de vestuario en vivo son otro elemento a destacar. Por último, cabe resaltar los momentos musicales que tiene la historia, cuya composición está a cargo de Pablo Viotti y que resultan un complemento muy logrado.

Hasta acá vamos a contar, para no quitarles la sorpresa. Nos gustó mucho Santa Rita y por eso la recomendamos. Se encontrarán con una propuesta que nos invita a recorrer los misterios y los laberintos del amor, con sus momentos de pasión, sus contradicciones, sus desencuentros y todo aquello que dos personas ponen en juego cuando se animan a compartir una historia. Una obra que nos conquistó por la inteligencia y sinceridad de su texto, el humor con el que aborda las relaciones amorosas y la creatividad de una puesta que enriquece la trama

Una dramaturgia inteligente y sensible, una puesta de gran creatividad y dos actuaciones superlativas se conjugan para dar vida a una historia que nos interpela y nos hace reconocernos en muchos de sus momentos. Santa Rita nos deja una idea tan sencilla como profunda: al amor, como a las plantas, hay que cuidarlo, dedicarle tiempo y regarlo para que siga creciendo, porque cuando faltan los cuidados, también puede marchitarse.

Pensador Teatral.

Es tan Largo el Adios. Sesión en Espera.

Dramaturgia de Ana Rodríguez Arana. Dirección de Pablo Bossi y Ana Rodríguez Arana.

Sábados 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

Disfrutamos de una interesante y profunda noche de teatro independiente, de la mano de Ana Rodríguez Arana, autora de Es tan Largo el Adios. Sesión en Espera, una obra que explora en el complejo universo de las despedidas, las rupturas amorosas y el dolor que dejan aquellas relaciones a las que nos cuesta tanto ponerles un punto final. Parafraseando los versos de Neruda, a veces el amor es tan corto y el olvido tan largo que hacen falta años para poder superar una pérdida y dejar atrás la angustia.

Con un particular guiño al psicoanálisis, tan arraigado en nuestra sociedad, vale recordar Argentina es uno de los países con mayor cantidad de psicólogos por habitante en el mundo, la obra nos presenta a un grupo de personas que, sin conocerse, coinciden en una sala de espera de lo que suponemos es un consultorio. Todos aguardan la llegada de un psicólogo, aunque no saben cuándo los atenderá, cuánto durará la sesión, ni siquiera si finalmente aparecerá. Mientras tanto, uno de ellos introduce la idea de la no sesión, en referencia a una modalidad en la que las sesiones parecen reducirse cada vez más, hasta su mínima expresión.

A medida que transcurre el tiempo, las desconocidos se animan a romper el hielo y comienzan a  a compartir los motivos que los llevaron hasta allí. Sus historias, sus frustraciones y sus dolores van encontrando un espacio en ese intercambio inesperado. Casi sin darse cuenta, empiezan a escucharse y a explorar sus propias heridas, dando lugar a una suerte de sesión colectiva en la que el verdadero análisis parece ponerse en marcha sin necesidad de que el profesional esté presente.

Tiempo de hablar de las estupendas actuaciones que presenta la obra. Los cuatro actores construyen personajes atravesados por distintas experiencias afectivas y emocionales, que irán revelando a cuentagotas. En actuaciones muy parejas, nos impactó especialmente el trabajo de Daniel Braguinsky como Bruno, que lamentaba no haberse podido despedirse personalmente de su hermano ,debido a una situación fortuita. Nos gustó mucho la composición de Daniel.

Pero no seamos injustos con el resto, Alejandra Corral, como Clari, aporta mucha intensidad a la trama, tratando de mostrarse fuerte pese a la ruptura amorosa que debe atravesar. Muy bueno lo de Alejandra. Pablo Bossi compone a Héctor, es tal vez el más reservado de todos, el que menos cuenta y es quien desarrolla la teoría de la reducción de los tiempos de las sesiones. Pablo es quien aporta algunos momentos de humor, con sus dichos y formas de caminar. Para el final, dejamos a Dana Basso, como Alicia. Se sumará promediando la trama y su llegada cambiará el clima de aquella sala  y hasta allí contamos. Dana es una actriz a la que elogiamos en numerosas oportunidades en este blog y acá vuelve a mostrar su oficio y versatilidad, con una muy buena interpretación. 

La puesta es íntima y despojada, con un espacio escénico minimalista que centra la atención en los personajes y sus relatos. La iluminación, la música original y los recursos audiovisuales acompañan una propuesta que encuentra en los silencios, las pausas y los desplazamientos, su lenguaje escénico.

Y hasta ahí vamos a contar, consigue atrapar al espectador desde el comienzo, sosteniendo una muy buena cuota de suspenso alrededor de esa espera y de lo que finalmente puede suceder. El texto tiene profundidad, varias capas de lectura y una interesante combinación de poesía y humor que vuelve muy llevadero un recorrido por temas tan sensibles como las rupturas, las pérdidas y el dolor. 

Es tan Largo el Adios. Sesión en Espera.es una original propuesta, que se anima a explorar el universo de la psicología y los vínculos humanos desde un punto de vista particular. Una obra que invita a reflexionar sobre cuánto nos cuesta despedirnos, cuánto tiempo necesitamos para elaborar una pérdida y qué sucede cuando, en lugar de esperar respuestas de los demás, comenzamos a encontrarlas en nosotros mismos. 

Pensador Teatral.

 

Hablar Largo...

Dramaturgia y Dirección de Leandro Airaldo.

Domingos 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 ) 

Disfrutamos de una magnífica noche de teatro independiente de la mano del joven y talentoso Leandro Airaldo. El autor de Enamorarse es Hablar Corto y Enredado, exitosa obra del off, vuelve a explorar los vínculos humanos y las diferencias entre la vida en la ciudad y en el campo. Esta vez, a través de una dramaturgia muy bien elaborada y de varias capas de lectura, nos presenta una historia ambientada en el ámbito rural, donde el reencuentro entre una madre que llega desde la ciudad y un hijo que eligió vivir en el campo pone en tensión dos maneras de entender la vida, los afectos y las decisiones personales.

La historia transcurre en una casa de campo de la provincia de Santa Fe, donde Julián (Nicolás Asprella) vive junto a su novia, Carolina (Alejandra D’Agostino). Después de seis años sin visitarlo, Silvana (Mónica Driollet), su madre, una reconocida y multipremiada actriz que desarrolla su carrera en los escenarios de la ciudad, llegará con una noticia que alterará el mundo familia, llegará con una noticia que alterará el mundo familiar. El reencuentro pondrá sobre la mesa conflictos, reproches y heridas que permanecían abiertas.

A partir de este encuentro, Airaldo construye un relato que va mucho más allá de los conflictos familiares. La relación entre madre e hijo está atravesada por la dificultad de comprender al otro: Silvana se muestra por momentos egoísta y cruel, cuestiona permanentemente las elecciones de Julián y adopta una posición de superioridad que la mayoría de las veces termina por humillarlo. Él, en cambio, parece estar siempre a la defensiva, refugiado en una vida que eligió lejos de la ciudad porque allí no encontraba su lugar. La obra también pone en tensión dos maneras de vivir, con sus diferentes ritmos y prioridades, y aborda cuestiones sociales vinculadas con las crisis que atravesó nuestro país, entre ellas el cierre de los ferrocarriles y sus consecuencias para los pueblos del interior y sus habitantes.

Las actuaciones de los tres protagonistas son excelentes, pero sin dudas es Mónica Driollet quien se lleva los mayores elogios, con una composición fenomenal de una madre egoísta que no tiene reparos en decir todo lo que piensa, sin reparar en las heridas que causa con su lengua filosa. A Mónica ya la habíamos elogiado por su trabajo en Las Encadenadas, otra muy buena obra del off. En esta ocasión, con gran presencia escénica y una enorme actuación, construye un personaje complejo e incómodo para los espectadores. En mi humilde opinión, esta magnífica actuación de Mónica Driollet tiene todos los méritos para ganar algún premio de la crítica especializada y, si algún lector piensa que exagero, les aseguro que cuando vean la obra van a coincidir con mi punto de vista.

Pero no seamos injustos con Nicolás Asprella y Alejandra D’Agostino, ya que ambos se destacan en sus respectivos personajes y son fundamentales para el buen desarrollo de la trama. Nicolás compone con mucha sensibilidad a un joven reservado y vulnerable, que debe convivir con su tartamudez y soportar las burlas y los constantes cuestionamientos de su madre, que no acepta que en el campo y en la naturaleza encontró el refugio que no hallaba en la ciudad. Nicolás es un actor que nos gusta mucho y al que recordamos haberlo elogiado ya en este blog, por sus trabajos en Ángel y Geografías, donde también se destacaba por la sensibilidad de sus personajes, algo que vuelve a demostrar en esta oportunidad.

Por último, cabe mencionar a Alejandra, que construye a Carolina como un personaje enigmático, con un don muy particular que no vamos a revelar, vinculado a un hecho de su infancia. Trabaja en la heladería familiar, pero además es actriz. Con una interpretación que transmite una cuota de misterio, logra generar una gran empatía y se transforma cuando es invitada nada menos que por la madre de su novio para ensayar fragmentos de La gaviota, de Chéjov. Muy buen trabajo de Alejandra.

La puesta es realmente atractiva y seduce al espectador desde el arranque. Se destaca especialmente el diseño escenográfico de Miguel Nigro, que recrea una casa de campo muy lograda, un espacio que no funciona solamente como escenario, sino que adquiere un peso propio dentro del relato. El vestuario de Gabriela Gerdelics es otro ítem para destacar, ya que contribuye a la caracterización de los personajes. La ambientación ayuda a construir ese universo rural y su vínculo con la naturaleza.

Hasta aquí vamos a contar. Hablar Largo se destaca por una dramaturgia excelente, muy bien elaborada y con distintas capas que enriquecen la historia y abren la puerta a múltiples lecturas. Los vínculos familiares heridos, las marcas que deja el pasado y la dificultad para hablar de ciertas cosas conviven con las diferencias entre la vida en la ciudad y en el campo, y con lo difícil que muchas veces resulta ponerse en el lugar del otro y aceptar sus decisiones. Una obra que seguramente interpelará al espectador desde alguna de estas temática.

Nos gustó mucho la obra y sin dudas la queremos recomendar, ya que se encontrarán con una propuesta que nos recuerda lo difícil que puede resultar escuchar y comprender a quienes tenemos cerca, especialmente cuando las diferencias y los reproches se imponen sobre el afecto. En definitiva, una gran noche de teatro, gracias a una excelente ficción de Leandro Airaldo, una puesta atrapante y actuaciones que se destacan, elementos que se conjugan para dar vida a una obra que merece ser vista y disfrutada.

Pensador Teatral.

Hablar Largo . Reseña teatral de la obra escrita y dirigida por Leandro Airaldo, con la actuación de Nicolás Asprella, Alejandra D'Agostino y Mónica Driollet en Teatro del Pueblo.

Yo, Olmedo

Dramaturgia de Florencia Aroldi. Dirección de Antonio Célico.

Viernes 20 hs en El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1072).

Hay actores que dejan una huella imborrable en su época y que, aun después de su partida, permanecen vivos en el recuerdo y el corazón de la gente. Alberto Olmedo fue uno de ellos, un cómico extraordinariamente popular que marcó una época en la televisión argentina, desde sus comienzos con el querido Capitán Piluso, junto a Coquito, hasta el éxito de programas inolvidables como No toca botón, además de sus recordadas películas junto a Jorge Porcel. Un artista que supo ganarse el cariño de varias generaciones y cuya figura sigue muy presente en nuestra cultura.

En este sentido, resulta muy valioso que el teatro independiente se anime a homenajear a ídolos populares de semejante dimensión. La propuesta de Florencia Aroldi demuestra que no siempre hacen falta grandes producciones ni grandes despliegues para alcanzar excelentes resultados. Una buena historia, una idea atractiva y el trabajo comprometido de sus intérpretes pueden ser suficientes para construir una experiencia teatral que conecte con el público y recupere la memoria de una figura tan querida.

La historia nos presenta a un hombre que cree ser Alberto Olmedo y que, por disposición de la Justicia, debe asistir a sesiones con una psicóloga como parte de una especie de probation. A partir de estos encuentros se construye un vínculo particular entre ellos, con diálogos y situaciones en los que la ficción y la realidad comienzan a confundirse. La obra encuentra en ese juego su principal atractivo y nos invita a reencontrarnos con el universo del cómico desde el humor, sin necesidad de recurrir a golpes bajos ni profundizar en los aspectos más oscuros de su vida.

Es momento de destacar la magnífica composición de Manuel Longueira, que sorprende por su parecido físico con Olmedo. Su risa, sus miradas, sus movimientos y su manera de desenvolverse en el escenario nos llevan a reconocer al querido cómico. Realmente, por momentos sentimos que estamos viendo al propio Olmedo en escena. A esto se suma su manejo del público y los momentos en los que rompe la cuarta pared, redondeando una actuación magnífica.

Pero Manuel no está solo en escena. Lo acompaña Jessica Schultz como la bella e inteligente Dra. Jouvet. Jessica demuestra su enorme oficio como actriz y una gran presencia escénica, componiendo a la psicóloga con solvencia y naturalidad, con matices que enriquecen a su personaje. La dupla protagónica funciona de maravillas y resulta sumamente atractiva para el público.

La puesta acompaña muy bien el espíritu de la obra. Se destaca el excelente vestuario de Alejandro Mateo, fundamental para la caracterización del capo cómico y que reserva una gran sorpresa para el final, involucrando también a la psicóloga. Alejandro también está a cargo de un diseño escenográfico cálido que contribuye a generar una atmósfera cercana. La propuesta de Antonio Célico es íntima y encuentra en esa cercanía una de sus fortalezas, logrando conectar con el público sin necesidad de grandes despliegues.

Pero Yo, Olmedo no se queda solamente en la recreación de un personaje popular. También nos invita a recordar la cercanía que Alberto Olmedo supo construir con la gente, esa capacidad de entrar en los hogares y convertirse en parte de la vida cotidiana de millones de argentinos. Su humor, sus personajes y sus ocurrencias marcaron a toda una generación, y su figura sigue despertando cariño incluso en quienes no llegaron a verlo en sus años de mayor popularidad.

Y hasta acá vamos a contar. Solo nos queda recomendar Yo, Olmedo, una propuesta que rinde homenaje a uno de los grandes cómicos argentinos a través de una historia entretenida, entrañables actuaciones y una puesta que nos acerca a un artista inolvidable. Una oportunidad para disfrutar de una noche entrañable y volver a casa con una enorme sonrisa dibujada en el rostro, recordando al gran Negro Olmedo.

Pensador Teatral.

Yo, Olmedo  - Reseña Teatral de la obra escrita por Florencia Aroldi y dirigida por Antonio Célico, con la actuación de Manuel Longueira y Jessica Schultz, en El Portón de Sánchez. Alberto Olmedo.

La Escriba.

Dramaturgia y Dirección de Sandra Franzen.

Sábados 18 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Una propuesta teatral sensible e intensa llega con La Escriba, que nos atrapó por la poesía y la fuerza de su texto, la riqueza de su puesta y el enorme trabajo de Anahí Gadda que lleva con maestría las riendas de este potente unipersonal. Sandra Franzen construye un universo onírico, donde la palabra, la música y la expresión corporal se combinan para abordar temas que atraviesan distintas épocas y que siguen teniendo una fuerte resonancia en nuestro presente.

Una autora busca darle forma a su obra y encontrar el rumbo de una historia que comienza a tomar vida propia. De su escritura nace una mujer que vaga desterrada y embarazada por el litoral argentino. A partir de esta historia, el texto recorre diferentes temporalidades, desde épocas de matrimonios arreglados y mujeres sin derechos hasta llegar a un presente en el que los recursos naturales, incluido el litio, son apropiados por los poderosos. Una dramaturgia que enlaza las injusticias del pasado con las del presente y pone en primer plano el empoderamiento de la mujer, su libertad y su derecho a decidir sobre su propia vida.

La escritura tiene una fuerte impronta poética y simbólica, entrelazando la historia de sus personajes con problemáticas sociales que atraviesan generaciones. La naturaleza y la figura de la yarará se integran a este universo, en un relato que encuentra en sus imágenes y metáforas una forma de expresar las heridas, las luchas y la resistencia de las mujeres.

Anahí Gadda realiza un trabajo completísimo, de enorme entrega y compromiso, sosteniendo con mucha fuerza un personaje que transita diferentes estados emocionales. Canta, toca el bombo, zapatea y despliega un notable dominio corporal, componiendo una figura de gran presencia escénica. Su interpretación combina fuerza y sensibilidad, y demuestra una versatilidad que potencia cada momento de la obra.

No es la primera vez que vemos a Gadda en escena, ya la habíamos elogiado anteriormente por su trabajos, pero nunca la habíamos visto en un unipersonal, género que tiene una exigencia particular, siendo todo un desafío. Y vaya si lo supero con creces. Una composición fenomenal de Anahí, hipnótica, con una fuerza que impacta, redondeando una actuación que sin dudas podemos poner entre las mejores que vimos este año, algo que resulta muy significativo, ya que son muchas las obras que vemos.

La puesta de Sandra Franzen es muy atractiva, con una iluminación estupenda que acompaña los distintos momentos de la obra y crea imágenes de gran belleza. La música también se integra muy bien al relato, acompañando sus diferentes climas. Se aprovechan además las generosas dimensiones de Hasta Trilce, potenciando el despliegue físico de Anahí y sumando riqueza a la propuesta.

La obra invita a reflexionar sobre la historia de las mujeres, las desigualdades que persisten y las luchas por conquistar la propia voz. Franzen construye un relato que mira al pasado sin perder de vista el presente, encontrando en el teatro un espacio para cuestionar las injusticias y reivindicar la libertad.

La Escriba nos invita a descubrir historias propias, de nuestro país y de nuestro interior, con una mirada que recupera nuestro pasado y lo conecta con problemáticas que siguen vigentes, poniendo en primer plano, desde una perspectiva femenina, las luchas de las mujeres y su búsqueda de libertad. Una puesta muy atractiva y el enorme trabajo de su protagonista, que con su entrega y fuerza interpretativa logra llevar a escena toda la riqueza del texto, hacen de esta propuesta una experiencia que vale la pena disfrutar.

Pensador Teatral.

La Escriba - Reseña Teatral de la obra escrita y dirigida por Sandra Franzen, con la actuación de Anahí Gadda, en Hasta Trilce.

The Old Man and the Old Moon.

 Dirección General de Susana Golletti . Dirección Musical de Nacho Pelaezz y Sebastián Aldea Dávila.

Miércoles 20 hs en Paseo La Plaza ( Av, Corrientes 1660 ) 

Hermosa noche de teatro vivimos con The Old Man and the Old Moon , un bello musical que llega a Buenos Aires desde el Off-Broadway neoyorquino para invitarnos a disfrutar de una fábula cargada de fantasía, ternura y aventura. Creada por la compañía estadounidense Pig Pen Theatre Co., la propuesta nos sumerge en un universo poético en el que la música, lo lúdico y la imaginación se combinan para contar una historia con tintes fantásticos.

Los protagonistas son un hombre y una mujer. Él tiene una particular misión vinculada con la luna, a la que debe mantener iluminada todas las noches. Pero la rutina se verá alterada, cuando una noche y manera imprevista su esposa dejará la casa y se verá obligado a emprender una travesía inimaginable para encontrarla, dejando atrás su mundo conocido y lanzándose a una aventura que lo llevará por caminos inesperados. Una búsqueda impulsada por el amor, pero también por el deseo de descubrir qué hay más allá de los límites de su propia existencia.

A partir de allí, comienza una travesía por los mares, con encuentros con célebres marineros. tripulantes díscolos y la búsqueda de ciudades fantásticas. La luna permanece siempre como telón de fondo de este recorrido, una presencia que acompaña al protagonista mientras se enfrenta a situaciones insólitas y descubre nuevos mundos. La historia avanza como una fábula que nos invita a dejarnos llevar por la aventura, la poesía y la ternura de sus personajes.

El elenco de doce actores es uno de los grandes atractivos del espectáculo. Además de actuar, los intérpretes cantan, bailan y tocan diferentes instrumentos, desplegando una gran variedad de recursos y poniendo el cuerpo al servicio de la historia. Nos encantó el trabajo de este joven elenco, que se entrega por completo a la propuesta y sostiene con energía y entusiasmo cada momento de la función.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar algunos trabajos que entendemos merecen destacarse, arrancando por Pato Witis, como el hombre, el protagonista de la historia, el que deberá dejar su vida conocida, para adentrarse en aguas y terrenos muy peligrosos, debiendo tener que adoptar una identidad falsa, para poder ser parte de la travesía y hasta ahí contamos. Gran trabajo el de Pato, a la altura de un protagónico exigente.

Otro gran trabajo, es el de Julián Rubino, como Callahan. Con gran presencia escénica y un histrionismo a flor de piel, regala momentos muy festejados por el público. Juan Alvarez Prado como Matheson es un personaje muy importante en la trama y además hace las veces de presentador de la historia, por lo que queremos mencionarlo. Y una de las grandes revelación de la obra, a nuestro entender es Guadalupe Devoto, como Mabelu, que compone un personaje muy divertido y super gestual. Nos gustó mucho su trabajo y su entrega.

Pero, como dijimos más arriba, esperamos que estas menciones no resulten injustas para el resto del elenco, ya que los intérpretes forman un bloque compacto y necesario para el desarrollo de la obra. La entrega es colectiva y eso se percibe en la dinámica de las escenas y en la capacidad de los artistas para construir situaciones y espacios con sus propios cuerpos. A esto se suma la música, uno de los puntos fuertes de la obra, que aporta belleza y acompaña de manera permanente el desarrollo de esta aventura.

La puesta en escena merece un párrafo aparte por su creatividad y su carácter artesanal. El uso de las sombras es uno de sus recursos más interesantes: a partir de ellas se construyen imágenes y situaciones que estimulan la imaginación del público  La escenografía es austera, el protagonismo lo tendrán los actores.  No hace falta mostrarlo todo para transportarnos a otros lugares. La propuesta apuesta por un lenguaje artesanal, apoyado en el teatro físico y en la capacidad de sugerir, que encuentra en la imaginación una de sus mayores virtudes, llegando a los espectadores, gracias a la buena factura de las actuaciones.

The Old Man and the Old Moon nos propone un viaje fantástico en busca de aventuras, surcando mares y cielos, con la luna siempre presente y acompañando cada paso de esta hermosa fábula. La música, las sombras y el trabajo físico de los actores se combinan para dar vida a una historia muy bien contada que nos invita a dejarnos llevar por la imaginación. Además, es un gusto que una propuesta que llega del Off-Broadway pueda disfrutarse en Buenos Aires, acercándonos una experiencia teatral original de gran creatividad.

Recomendamos descubrir esta creativa y tierna obra, Una de esas propuestas que nos recuerdan que el teatro puede sorprendernos sin necesidad de grandes despliegues, apelando a la inventiva, al talento de los actores y a las ganas de contar una buena historia. Una invitación a viajar por mundos fantásticos y a recuperar por un rato la ilusión de aquellos cuentos que nos contaban cuando éramos chicos y que nos hacían soñar con aventuras extraordinarias.

Pensador Teatral.

The Old Man and the Old Moon. . Reseña teatral- Paseo La Plaza.