Hablar Largo...

Dramaturgia y Dirección de Leandro Airaldo.

Domingos 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 ) 

Disfrutamos de una magnífica noche de teatro independiente de la mano del joven y talentoso Leandro Airaldo. El autor de Enamorarse es Hablar Corto y Enredado, exitosa obra del off, vuelve a explorar los vínculos humanos y las diferencias entre la vida en la ciudad y en el campo. Esta vez, a través de una dramaturgia muy bien elaborada y de varias capas de lectura, nos presenta una historia ambientada en el ámbito rural, donde el reencuentro entre una madre que llega desde la ciudad y un hijo que eligió vivir en el campo pone en tensión dos maneras de entender la vida, los afectos y las decisiones personales.

La historia transcurre en una casa de campo de la provincia de Santa Fe, donde Julián (Nicolás Asprella) vive junto a su novia, Carolina (Alejandra D’Agostino). Después de seis años sin visitarlo, Silvana (Mónica Driollet), su madre, una reconocida y multipremiada actriz que desarrolla su carrera en los escenarios de la ciudad, llegará con una noticia que alterará el mundo familia, llegará con una noticia que alterará el mundo familiar. El reencuentro pondrá sobre la mesa conflictos, reproches y heridas que permanecían abiertas.

A partir de este encuentro, Airaldo construye un relato que va mucho más allá de los conflictos familiares. La relación entre madre e hijo está atravesada por la dificultad de comprender al otro: Silvana se muestra por momentos egoísta y cruel, cuestiona permanentemente las elecciones de Julián y adopta una posición de superioridad que la mayoría de las veces termina por humillarlo. Él, en cambio, parece estar siempre a la defensiva, refugiado en una vida que eligió lejos de la ciudad porque allí no encontraba su lugar. La obra también pone en tensión dos maneras de vivir, con sus diferentes ritmos y prioridades, y aborda cuestiones sociales vinculadas con las crisis que atravesó nuestro país, entre ellas el cierre de los ferrocarriles y sus consecuencias para los pueblos del interior y sus habitantes.

Las actuaciones de los tres protagonistas son excelentes, pero sin dudas es Mónica Driollet quien se lleva los mayores elogios, con una composición fenomenal de una madre egoísta que no tiene reparos en decir todo lo que piensa, sin reparar en las heridas que causa con su lengua filosa. A Mónica ya la habíamos elogiado por su trabajo en Las Encadenadas, otra muy buena obra del off. En esta ocasión, con gran presencia escénica y una enorme actuación, construye un personaje complejo e incómodo para los espectadores. En mi humilde opinión, esta magnífica actuación de Mónica Driollet tiene todos los méritos para ganar algún premio de la crítica especializada y, si algún lector piensa que exagero, les aseguro que cuando vean la obra van a coincidir con mi punto de vista.

Pero no seamos injustos con Nicolás Asprella y Alejandra D’Agostino, ya que ambos se destacan en sus respectivos personajes y son fundamentales para el buen desarrollo de la trama. Nicolás compone con mucha sensibilidad a un joven reservado y vulnerable, que debe convivir con su tartamudez y soportar las burlas y los constantes cuestionamientos de su madre, que no acepta que en el campo y en la naturaleza encontró el refugio que no hallaba en la ciudad. Nicolás es un actor que nos gusta mucho y al que recordamos haberlo elogiado ya en este blog, por sus trabajos en Ángel y Geografías, donde también se destacaba por la sensibilidad de sus personajes, algo que vuelve a demostrar en esta oportunidad.

Por último, cabe mencionar a Alejandra, que construye a Carolina como un personaje enigmático, con un don muy particular que no vamos a revelar, vinculado a un hecho de su infancia. Trabaja en la heladería familiar, pero además es actriz. Con una interpretación que transmite una cuota de misterio, logra generar una gran empatía y se transforma cuando es invitada nada menos que por la madre de su novio para ensayar fragmentos de La gaviota, de Chéjov. Muy buen trabajo de Alejandra.

La puesta es realmente atractiva y seduce al espectador desde el arranque. Se destaca especialmente el diseño escenográfico de Miguel Nigro, que recrea una casa de campo muy lograda, un espacio que no funciona solamente como escenario, sino que adquiere un peso propio dentro del relato. El vestuario de Gabriela Gerdelics es otro ítem para destacar, ya que contribuye a la caracterización de los personajes. La ambientación ayuda a construir ese universo rural y su vínculo con la naturaleza.

Hasta aquí vamos a contar. Hablar Largo se destaca por una dramaturgia excelente, muy bien elaborada y con distintas capas que enriquecen la historia y abren la puerta a múltiples lecturas. Los vínculos familiares heridos, las marcas que deja el pasado y la dificultad para hablar de ciertas cosas conviven con las diferencias entre la vida en la ciudad y en el campo, y con lo difícil que muchas veces resulta ponerse en el lugar del otro y aceptar sus decisiones. Una obra que seguramente interpelará al espectador desde alguna de estas temática.

Nos gustó mucho la obra y sin dudas la queremos recomendar, ya que se encontrarán con una propuesta que nos recuerda lo difícil que puede resultar escuchar y comprender a quienes tenemos cerca, especialmente cuando las diferencias y los reproches se imponen sobre el afecto. En definitiva, una gran noche de teatro, gracias a una excelente ficción de Leandro Airaldo, una puesta atrapante y actuaciones que se destacan, elementos que se conjugan para dar vida a una obra que merece ser vista y disfrutada.

Pensador Teatral.

Hablar Largo . Reseña teatral de la obra escrita y dirigida por Leandro Airaldo, con la actuación de Nicolás Asprella, Alejandra D'Agostino y Mónica Driollet en Teatro del Pueblo.

Yo, Olmedo

Dramaturgia de Florencia Aroldi. Dirección de Antonio Célico.

Viernes 20 hs en El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1072).

Hay actores que dejan una huella imborrable en su época y que, aun después de su partida, permanecen vivos en el recuerdo y el corazón de la gente. Alberto Olmedo fue uno de ellos, un cómico extraordinariamente popular que marcó una época en la televisión argentina, desde sus comienzos con el querido Capitán Piluso, junto a Coquito, hasta el éxito de programas inolvidables como No toca botón, además de sus recordadas películas junto a Jorge Porcel. Un artista que supo ganarse el cariño de varias generaciones y cuya figura sigue muy presente en nuestra cultura.

En este sentido, resulta muy valioso que el teatro independiente se anime a homenajear a ídolos populares de semejante dimensión. La propuesta de Florencia Aroldi demuestra que no siempre hacen falta grandes producciones ni grandes despliegues para alcanzar excelentes resultados. Una buena historia, una idea atractiva y el trabajo comprometido de sus intérpretes pueden ser suficientes para construir una experiencia teatral que conecte con el público y recupere la memoria de una figura tan querida.

La historia nos presenta a un hombre que cree ser Alberto Olmedo y que, por disposición de la Justicia, debe asistir a sesiones con una psicóloga como parte de una especie de probation. A partir de estos encuentros se construye un vínculo particular entre ellos, con diálogos y situaciones en los que la ficción y la realidad comienzan a confundirse. La obra encuentra en ese juego su principal atractivo y nos invita a reencontrarnos con el universo del cómico desde el humor, sin necesidad de recurrir a golpes bajos ni profundizar en los aspectos más oscuros de su vida.

Es momento de destacar la magnífica composición de Manuel Longueira, que sorprende por su parecido físico con Olmedo. Su risa, sus miradas, sus movimientos y su manera de desenvolverse en el escenario nos llevan a reconocer al querido cómico. Realmente, por momentos sentimos que estamos viendo al propio Olmedo en escena. A esto se suma su manejo del público y los momentos en los que rompe la cuarta pared, redondeando una actuación magnífica.

Pero Manuel no está solo en escena. Lo acompaña Jessica Schultz como la bella e inteligente Dra. Jouvet. Jessica demuestra su enorme oficio como actriz y una gran presencia escénica, componiendo a la psicóloga con solvencia y naturalidad, con matices que enriquecen a su personaje. La dupla protagónica funciona de maravillas y resulta sumamente atractiva para el público.

La puesta acompaña muy bien el espíritu de la obra. Se destaca el excelente vestuario de Alejandro Mateo, fundamental para la caracterización del capo cómico y que reserva una gran sorpresa para el final, involucrando también a la psicóloga. Alejandro también está a cargo de un diseño escenográfico cálido que contribuye a generar una atmósfera cercana. La propuesta de Antonio Célico es íntima y encuentra en esa cercanía una de sus fortalezas, logrando conectar con el público sin necesidad de grandes despliegues.

Pero Yo, Olmedo no se queda solamente en la recreación de un personaje popular. También nos invita a recordar la cercanía que Alberto Olmedo supo construir con la gente, esa capacidad de entrar en los hogares y convertirse en parte de la vida cotidiana de millones de argentinos. Su humor, sus personajes y sus ocurrencias marcaron a toda una generación, y su figura sigue despertando cariño incluso en quienes no llegaron a verlo en sus años de mayor popularidad.

Y hasta acá vamos a contar. Solo nos queda recomendar Yo, Olmedo, una propuesta que rinde homenaje a uno de los grandes cómicos argentinos a través de una historia entretenida, entrañables actuaciones y una puesta que nos acerca a un artista inolvidable. Una oportunidad para disfrutar de una noche entrañable y volver a casa con una enorme sonrisa dibujada en el rostro, recordando al gran Negro Olmedo.

Pensador Teatral.

Yo, Olmedo  - Reseña Teatral de la obra escrita por Florencia Aroldi y dirigida por Antonio Célico, con la actuación de Manuel Longueira y Jessica Schultz, en El Portón de Sánchez. Alberto Olmedo.

La Escriba.

Dramaturgia y Dirección de Sandra Franzen.

Sábados 18 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Una propuesta teatral sensible e intensa llega con La Escriba, que nos atrapó por la poesía y la fuerza de su texto, la riqueza de su puesta y el enorme trabajo de Anahí Gadda que lleva con maestría las riendas de este potente unipersonal. Sandra Franzen construye un universo onírico, donde la palabra, la música y la expresión corporal se combinan para abordar temas que atraviesan distintas épocas y que siguen teniendo una fuerte resonancia en nuestro presente.

Una autora busca darle forma a su obra y encontrar el rumbo de una historia que comienza a tomar vida propia. De su escritura nace una mujer que vaga desterrada y embarazada por el litoral argentino. A partir de esta historia, el texto recorre diferentes temporalidades, desde épocas de matrimonios arreglados y mujeres sin derechos hasta llegar a un presente en el que los recursos naturales, incluido el litio, son apropiados por los poderosos. Una dramaturgia que enlaza las injusticias del pasado con las del presente y pone en primer plano el empoderamiento de la mujer, su libertad y su derecho a decidir sobre su propia vida.

La escritura tiene una fuerte impronta poética y simbólica, entrelazando la historia de sus personajes con problemáticas sociales que atraviesan generaciones. La naturaleza y la figura de la yarará se integran a este universo, en un relato que encuentra en sus imágenes y metáforas una forma de expresar las heridas, las luchas y la resistencia de las mujeres.

Anahí Gadda realiza un trabajo completísimo, de enorme entrega y compromiso, sosteniendo con mucha fuerza un personaje que transita diferentes estados emocionales. Canta, toca el bombo, zapatea y despliega un notable dominio corporal, componiendo una figura de gran presencia escénica. Su interpretación combina fuerza y sensibilidad, y demuestra una versatilidad que potencia cada momento de la obra.

No es la primera vez que vemos a Gadda en escena, ya la habíamos elogiado anteriormente por su trabajos, pero nunca la habíamos visto en un unipersonal, género que tiene una exigencia particular, siendo todo un desafío. Y vaya si lo supero con creces. Una composición fenomenal de Anahí, hipnótica, con una fuerza que impacta, redondeando una actuación que sin dudas podemos poner entre las mejores que vimos este año, algo que resulta muy significativo, ya que son muchas las obras que vemos.

La puesta de Sandra Franzen es muy atractiva, con una iluminación estupenda que acompaña los distintos momentos de la obra y crea imágenes de gran belleza. La música también se integra muy bien al relato, acompañando sus diferentes climas. Se aprovechan además las generosas dimensiones de Hasta Trilce, potenciando el despliegue físico de Anahí y sumando riqueza a la propuesta.

La obra invita a reflexionar sobre la historia de las mujeres, las desigualdades que persisten y las luchas por conquistar la propia voz. Franzen construye un relato que mira al pasado sin perder de vista el presente, encontrando en el teatro un espacio para cuestionar las injusticias y reivindicar la libertad.

La Escriba nos invita a descubrir historias propias, de nuestro país y de nuestro interior, con una mirada que recupera nuestro pasado y lo conecta con problemáticas que siguen vigentes, poniendo en primer plano, desde una perspectiva femenina, las luchas de las mujeres y su búsqueda de libertad. Una puesta muy atractiva y el enorme trabajo de su protagonista, que con su entrega y fuerza interpretativa logra llevar a escena toda la riqueza del texto, hacen de esta propuesta una experiencia que vale la pena disfrutar.

Pensador Teatral.

La Escriba - Reseña Teatral de la obra escrita y dirigida por Sandra Franzen, con la actuación de Anahí Gadda, en Hasta Trilce.

The Old Man and the Old Moon.

 Dirección General de Susana Golletti . Dirección Musical de Nacho Pelaezz y Sebastián Aldea Dávila.

Miércoles 20 hs en Paseo La Plaza ( Av, Corrientes 1660 ) 

Hermosa noche de teatro vivimos con The Old Man and the Old Moon , un bello musical que llega a Buenos Aires desde el Off-Broadway neoyorquino para invitarnos a disfrutar de una fábula cargada de fantasía, ternura y aventura. Creada por la compañía estadounidense Pig Pen Theatre Co., la propuesta nos sumerge en un universo poético en el que la música, lo lúdico y la imaginación se combinan para contar una historia con tintes fantásticos.

Los protagonistas son un hombre y una mujer. Él tiene una particular misión vinculada con la luna, a la que debe mantener iluminada todas las noches. Pero la rutina se verá alterada, cuando una noche y manera imprevista su esposa dejará la casa y se verá obligado a emprender una travesía inimaginable para encontrarla, dejando atrás su mundo conocido y lanzándose a una aventura que lo llevará por caminos inesperados. Una búsqueda impulsada por el amor, pero también por el deseo de descubrir qué hay más allá de los límites de su propia existencia.

A partir de allí, comienza una travesía por los mares, con encuentros con célebres marineros. tripulantes díscolos y la búsqueda de ciudades fantásticas. La luna permanece siempre como telón de fondo de este recorrido, una presencia que acompaña al protagonista mientras se enfrenta a situaciones insólitas y descubre nuevos mundos. La historia avanza como una fábula que nos invita a dejarnos llevar por la aventura, la poesía y la ternura de sus personajes.

El elenco de doce actores es uno de los grandes atractivos del espectáculo. Además de actuar, los intérpretes cantan, bailan y tocan diferentes instrumentos, desplegando una gran variedad de recursos y poniendo el cuerpo al servicio de la historia. Nos encantó el trabajo de este joven elenco, que se entrega por completo a la propuesta y sostiene con energía y entusiasmo cada momento de la función.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar algunos trabajos que entendemos merecen destacarse, arrancando por Pato Witis, como el hombre, el protagonista de la historia, el que deberá dejar su vida conocida, para adentrarse en aguas y terrenos muy peligrosos, debiendo tener que adoptar una identidad falsa, para poder ser parte de la travesía y hasta ahí contamos. Gran trabajo el de Pato, a la altura de un protagónico exigente.

Otro gran trabajo, es el de Julián Rubino, como Callahan. Con gran presencia escénica y un histrionismo a flor de piel, regala momentos muy festejados por el público. Juan Alvarez Prado como Matheson es un personaje muy importante en la trama y además hace las veces de presentador de la historia, por lo que queremos mencionarlo. Y una de las grandes revelación de la obra, a nuestro entender es Guadalupe Devoto, como Mabelu, que compone un personaje muy divertido y super gestual. Nos gustó mucho su trabajo y su entrega.

Pero, como dijimos más arriba, esperamos que estas menciones no resulten injustas para el resto del elenco, ya que los intérpretes forman un bloque compacto y necesario para el desarrollo de la obra. La entrega es colectiva y eso se percibe en la dinámica de las escenas y en la capacidad de los artistas para construir situaciones y espacios con sus propios cuerpos. A esto se suma la música, uno de los puntos fuertes de la obra, que aporta belleza y acompaña de manera permanente el desarrollo de esta aventura.

La puesta en escena merece un párrafo aparte por su creatividad y su carácter artesanal. El uso de las sombras es uno de sus recursos más interesantes: a partir de ellas se construyen imágenes y situaciones que estimulan la imaginación del público  La escenografía es austera, el protagonismo lo tendrán los actores.  No hace falta mostrarlo todo para transportarnos a otros lugares. La propuesta apuesta por un lenguaje artesanal, apoyado en el teatro físico y en la capacidad de sugerir, que encuentra en la imaginación una de sus mayores virtudes, llegando a los espectadores, gracias a la buena factura de las actuaciones.

The Old Man and the Old Moon nos propone un viaje fantástico en busca de aventuras, surcando mares y cielos, con la luna siempre presente y acompañando cada paso de esta hermosa fábula. La música, las sombras y el trabajo físico de los actores se combinan para dar vida a una historia muy bien contada que nos invita a dejarnos llevar por la imaginación. Además, es un gusto que una propuesta que llega del Off-Broadway pueda disfrutarse en Buenos Aires, acercándonos una experiencia teatral original de gran creatividad.

Recomendamos descubrir esta creativa y tierna obra, Una de esas propuestas que nos recuerdan que el teatro puede sorprendernos sin necesidad de grandes despliegues, apelando a la inventiva, al talento de los actores y a las ganas de contar una buena historia. Una invitación a viajar por mundos fantásticos y a recuperar por un rato la ilusión de aquellos cuentos que nos contaban cuando éramos chicos y que nos hacían soñar con aventuras extraordinarias.

Pensador Teatral.

The Old Man and the Old Moon. . Reseña teatral- Paseo La Plaza. 

La Mesa

Dramaturgia de Andrea Ojeda. Dirección de Diego Cazabat.

Jueves 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Estamos en presencia de una propuesta fuerte e intensa de Andrea Ojeda que expone, con una crudeza que por momentos duele, situaciones que pueden atravesar a muchas familias. La muerte de un ser querido puede quebrar definitivamente aquello que parecía unido, dejando a quienes quedan sin saber muy bien cómo continuar. En La Mesa o las formas que toma el amor, una familia se reúne alrededor de una mesa después de la muerte del padre y, a partir de ese momento, comienzan a aparecer las miserias que permanecían ocultas. La codicia, la envidia, la avaricia, la falta de empatía, el desprecio por lo que piensa el otro y viejos resentimientos salen a la superficie hasta provocar una verdadera implosión familiar.

La obra transita ese territorio con una crudeza que no busca suavizar lo que muestra. Hay algo reconocible en esas discusiones, en los reproches y en la imposibilidad de escucharse, aunque aquí muchas de esas situaciones aparecen llevadas al extremo. Y justamente allí está una de sus mayores fortalezas: exagerando determinadas conductas, La Mesa consigue poner frente al espectador sentimientos y miserias que existen y que muchas veces permanecen escondidos hasta que un hecho límite los hace estallar. El amor familiar, entonces, aparece dominado por las experiencias negativas, atravesado por el poder, el resentimiento, la necesidad y la imposibilidad de perdonar., quedando esto muy expuesto en el trato que le dan a la madre, a la que destratan de una manera despiadada.

Con dirección de Diego Cazabat, la obra construye alrededor de esa mesa un laberinto familiar, del que resulta imposible escapar indemne. Son siete los actores en escena, cada uno tiene su propio conflicto y su propia manera de enfrentarse con los demás, con un conjunto que  funciona con una intensidad que sostiene el despliegue escénico. Queremos destacar especialmente la composición de Alejandra Tabach, como Marianella, la madre, que ocupa un lugar fundamental dentro de esa familia desmembrada,  Sin casi tener que hablar, su presencia desde el silencio y las miradas, es notable. Gran trabajo de Alejandra.

Pero hay que dejar en claro, que la destacable actuación de la madre, no opaque el gran trabajo del resto del elenco. Las tres hijas, interpretadas por Luz Miraldi, Carolina Del Valle y Ana Rodríguez, y los tres hijos, a cargo de Mario Gutiérrez, Marco Álvarez y Juan Bampini, construyen personajes complejos y muy diferentes entre sí, que protagonizan una verdadera guerra de todos contra todos. En ese enfrentamiento permanente aparecen numerosas facturas pendientes que se pasan de unos a otros, viejos rencores, reproches y.heridas que parecían guardadas y que ahora encuentran el momento para salir a la luz, muchas veces con una violencia extrema.

Diego Cazabat consigue así una puesta despiadada y perturbadora, donde el clima acompaña permanentemente la tensión de la historia. Se destaca especialmente el magnífico diseño de vestuario de Julia Fassone , caracterizando muy bien a los personajes. La penumbra, la oscuridad y el espacio cerrado generan una atmósfera asfixiante, casi de pesadilla. Hay momentos en los que La Mesa se acerca al terror, no necesariamente por lo que sucede en escena sino por aquello que puede reconocerse detrás de esa violencia: la crueldad con la que personas unidas por la sangre pueden llegar a tratarse.

Y hasta aqui vamos a contar, La Mesa es una propuesta fuerte, valiente y políticamente incorrecta. No intenta quedar bien con nadie ni presentar una imagen amable de los vínculos familiares. Por el contrario, se anima a llevar algunas situaciones al límite para mostrar, sin medias tintas, los peores sentimientos de la condición humana.

Es una obra que incomoda y por momentos duele, con actuaciones de gran nivel y una puesta perturbadora que potencia la crudeza de lo que se cuenta. Lo que más me queda es esa sensación de estar frente a una familia que, una vez desaparecida la figura que la sostenía, deja caer todas sus máscaras. Aparecen entonces los resentimientos, las rivalidades y las miserias que permanecían escondidas, dejando al descubierto una realidad tan dolorosa como reconocible: muchas veces, el interés económico termina imponiéndose sobre los afectos.

Pensador Teatral.

La Mesa. Reseña teatral de la obra de Andrea Ojeda, dirigida por Diego Cazabat, en el Centro Cultural de la Cooperación.

Nido de Lagarto.

 Dramaturgia y Dirección: Franco Verdoia.

Lunes 20.30 hs en El Extranjero (Valentín Gómez 3378)

Estamos en presencia de una sensible y jugada propuesta de Franco Verdoia, dramaturgo cordobés,  que se atreve a bucear en un tema poco explorado en el teatro: el amor y el deseo en la tercera edad. Nido de Lagarto es, además, la tercera y última obra de Teatro Animal, la trilogía que Verdoia  que arrancó con Late el Corazón de un Perro y continuó con Matar a un elefante. Tres historias diferentes, pero atravesadas por el mundo animal y por personajes que transitan vínculos conflictivos y secretos guardados bajo siete llaves.

En esta oportunidad, Gloria ( Silvina Sabater ) y el Vasco ( Horacio Acosta ) son dos amantes que se conocen desde jóvenes y llevan cuatro décadas manteniendo una relación clandestina. Cada uno hizo su vida, tuvo su pareja y siguió su camino, pero nunca pudieron dejar atrás las ganas de volver a verse. Por eso, de manera regular, se encuentran a escondidas en un albergue de ruta  regenteado por el Panza, que terminó convirtiéndose en el refugio de ese amor que debe permanecer a resguardo de la mirada de los otros.

Nido de Lagarto habla del amor, del deseo, de los recuerdos y del paso del tiempo. Verdoia se anima a mostrar a estos dos amantes sin ocultar las marcas que dejaron los años. Los cuerpos cambiaron, aparecen algunas dificultades propias de la edad y la memoria también puede jugarles alguna mala pasada, pero el deseo sigue estando. Y esto es quizás uno de los aspectos que más nos marcó de la propuesta: entender que el paso del tiempo no significa dejar de sentir, de desear o de enamorarse.

La historia tiene momentos de humor que aparecen naturalmente, en medio de situaciones que también tienen algo de melancolía. Nos reímos con ellos, pero también entendemos que detrás de algunas palabras, de ciertos silencios y de esas pequeñas discusiones hay muchos años compartidos. Porque Gloria y el Vasco se conocen demasiado, saben cómo lastimarse, pero también saben perfectamente cómo volver a acercarse. Y después de cuarenta años, ese vínculo sigue teniendo una fuerza enorme.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones de la dupla protagónica, conformada por Silvina Sabater y Horacio Acosta, que simplemente están fenomenales.  Hay mucha química entre los dos y eso se nota desde el comienzo. No necesitamos que nos expliquen demasiado sobre la relación entre Gloria y el Vasco: aparece en las miradas, en los gestos, en la manera en que se hablan, como se miran y hasta en sus silencios.

Nos gustó especialmente cómo construyen personajes que no son solamente dos amantes mayores. Son dos personas con una larga historia de vida, con hijos que criaron y matrimonios que pese a todo, siguen en pie. Silvina y Horacio consiguen que nos olvidemos de que estamos viendo una obra y por momentos sentimos que estamos espiando sus encuentros reales. Resaltar la entrega de ambos y en lo personal, siempre disfrutamos de ver en escena, a actores de gran trayectoria, mostrando su vigencia. Felicitamos a ambos.

La puesta es íntima, algo que nos parece fundamental para esta propuesta. El espacio del albergue nos acerca mucho a los protagonistas y hace que seamos casi testigos de esos encuentros clandestinos. Para destacar el diseño de luces de Matías López Stordeur, que contribuye al clima íntimo que la historia pide, al igual que el diseño escenográfico de Cecilia Zuvialde, con los elementos justos, para darle el marco de calidez, que mejor pega con la propuesta.

Y hasta acá vamos a contar. Porque hay situaciones y momentos de la obra que es mejor descubrir en la sala, acompañando a Gloria y al Vasco en cada encuentro. por lo que no queremos spoilear. Nido de Lagarto es una valiosa y sensible propuesta, que llena la sala desde su estreno y que obtuvo nada menos que 5 Nominaciones a los Premios Ace y luego de ver la obra, nos queda claro el porqué.

Por todo lo mencionado, recomendamos Nido de Lagarto, una sensible historia de amor y pasión que se anima a mostrar que el paso del tiempo puede transformar los cuerpos, pero no necesariamente aquello que permanece vivo en el corazón. Con las magníficas actuaciones de Silvina Sabater y Horacio Acosta y una puesta íntima, es una obra que nos recuerda que hay amores que, pese a todo, siguen vivos, desafiando al tiempo y a las decisiones de la vida.

Pensador Teatral.

Nido de Lagarto.  Reseña teatral de Franco Verdoia, en el Teatro El Extranjero.

Siete Estaciones para Hablar de Amor

Dramaturgia y Dirección de Victoria Hladilo.

Lunes 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una propuesta donde la pasión, el deseo y la traición se entrelazan a medida que avanza la historia son el punto de partida de Siete Estaciones para Hablar de Amor, la obra escrita y dirigida por Victoria Hladilo e inspirada en el cuento Del Amor, de Antón Chéjov. Ambientada en el interior campestre de la provincia de Buenos Aires, a comienzos del siglo XX, la historia nos presenta a tres personajes cuyos vínculos irán cambiando cuando aparecen sentimientos que ya no resulta tan sencillo ocultar. Desde el comienzo, la obra consigue atraparnos, construyendo un clima de tensión que irá creciendo a medida que la trama avanza.

La historia nos lleva hasta una estancia, donde conocemos a Gregorio ( Carlos Belloso )  y Ana ( Laura ) , un matrimonio de muy buena posición, y a Pablo ( Manuel Vignau ) , que llega para compartir unos días con ellos. Entre los tres se establece rápidamente un vínculo de amistad y confianza, pero algo empieza a cambiar. Una mirada, una conversación, una cercanía que quizás antes pasaba inadvertida. Lo que parecía una relación sencilla entre amigos empieza a complicarse cuando aparecen sentimientos que cada vez se volverán más fuertes.

Y ahí está uno de los mayores atractivos de la obra. La dramaturgia no necesita apurarse para plantear el conflicto. Lo va construyendo de a poco, dejando que los personajes se vayan metiendo casi sin darse cuenta en una situación cada vez más difícil. Los silencios dicen tanto como las palabras y las miradas empiezan a tener otro significado. La amistad, los celos, el deseo y las diferencias sociales se cruzan en una historia donde cada decisión y cada renunciamiento, pueden traer consecuencias.

Además, hay algo que funciona muy bien: nunca sabemos del todo hasta dónde pueden llegar los personajes. La tensión se mantiene y, cuando aparecen momentos de humor, sirven para aflojar un poco ese clima, pero enseguida la historia vuelve a ponerse seria. Es una obra que habla de amor, claro, pero también de esas situaciones en las que sabemos perfectamente qué deberíamos hacer y, sin embargo, terminamos haciendo otra cosa.

Las actuaciones son uno de los puntos más fuertes de la propuesta. Carlos Belloso, como Gregorio, tiene una presencia enorme y construye un personaje intenso, con momentos de humor pero también con una personalidad que se vuelve cada vez más fuerte a medida que avanza la historia. Resulta un verdadero privilegio ver a un actor de los quilates de Carlos, protagonizando en el teatro independiente. Laura Nevole está magnífica como Anna, transmitiendo muy bien sus deseos, sus dudas y todo aquello que muchas veces su personaje no puede decir. Laura es una actriz que nos encanta y aún recordamos su gran trabajo en Trópico del Plata, estupenda obra del off, que vimos hace varios años en Espacio Callejón. Tiene una enorme sensibilidad, que transmite de gran forma a sus personajes. Y Manuel Vignau aporta mucha frescura como Pablo, además de sorprender con sus habilidades con la guitarra. Es el tercero en discordia y se luce mucho en un personaje que genera mucha empatía. Los tres funcionan muy bien juntos y forman un triángulo que resulta fundamental para sostener el clima de la obra.

La puesta nos gustó mucho. La escenografía, con mucho verde, genera desde el primer momento ese ambiente campestre en el que transcurre la historia y tiene una presencia muy importante dentro del escenario. El vestuario acompaña muy bien la época y ayuda a darle identidad a cada personaje, mérito de Gabriella Gerdelics, a cargo del vestuario. Y la música aparece en los momentos justos, especialmente cuando Vignau toma la guitarra, aportando algo diferente y sumando mucho a la propuesta. Son detalles que agregan mucho valor a un puesta que atrapa al espectador.

Y hasta acá vamos a contar, solo nos queda recomendar Siete Estaciones para Hablar de Amor plantea algo que todos conocemos, aunque probablemente ninguno pueda explicar del todo: los sentimientos no siempre responden a la lógica. Podemos intentar controlarlos, podemos pensar qué está bien y qué está mal, pero no siempre alcanza. La obra también habla de la amistad, de las traiciones y de lo difícil que puede ser seguir aquello que nos dicta el corazón cuando sabemos que hacerlo puede lastimar a otras personas.

Nos gustó mucho la propuesta de Victoria Hladilo. Una historia que atrapa, que tiene buenos momentos de humor y otros de mucha tensión, que se potencia con un elenco de lujo para el teatro independiente. La obra invita a disfrutar y también a reflexionar sobre los misterios del amor, que tiene sus propios laberintos y no siempre sabemos hacia dónde nos llevan. A veces creemos conocer el final de una historia, pero nuestras decisiones se encargan de desmentirnos.

Pensador Teatral.

Siete Estaciones para Hablar de Amor | Victoria Hladilo | Carlos Belloso | Laura Nevole | Manuel Vignau | Teatro del Pueblo | crítica teatral