El Filo de las Hojas de Afeitar

Dramaturgia y Dirección de Franco Cassano.

Miércoles 20 hs en Teatro Azul ( Av. Corrientes 5965 )

Quienes siguen nuestro blog, saben que disfrutamos especialmente de ir al teatro sin tener referencias previas sobre la obra que veremos y El Filo de las Hojas de Afeitar, fue una de esas gratas sorpresas que justifican esa elección, ya que nos retiramos del Teatro Azul, reconfortados por la riqueza de nuestro teatro independiente. Como carta de presentación, podemos decir que estamos en presencia de un atrapante thriller psicológico, políticamente incorrecto, que construye un permanente clima de misterio, manteniendo enganchado al espectador, que se sorprenderá conforme avanza la trama. 

Desde sus primeros minutos, la obra crea una atmósfera inquietante que despierta interrogantes y mantiene una permanente sensación de incertidumbre. Poco a poco, la historia va revelando personajes complejos, emocionalmente quebrados, que intentan sobrevivir como pueden al peso de sus propias historias y a la incapacidad de establecer relaciones sanas. La familia aparece aquí como un espacio de contención, pero también como un escenario donde afloran las heridas más profundas, los silencios y los conflictos que nunca terminan de cicatrizar.

La dramaturgia de Franco Cassano no busca ser complaciente, ni presentar personajes completamente buenos o malos. Por el contrario busca incomodar y construye seres profundamente humanos, llenos de contradicciones, capaces de despertar empatía y rechazo casi al mismo tiempo. Esa complejidad es uno de los mayores aciertos de la obra y permite que el espectador permanezca involucrado emocionalmente durante toda la función.

La dirección resulta sumamente acertada. Con gran precisión logra que la tensión nunca decaiga, sosteniendo un permanente halo de misterio que alimenta la intriga escena tras escena. El ritmo está cuidadosamente administrado y cada revelación aparece en el momento justo, permitiendo que la historia avance con naturalidad hacia un desenlace de enorme intensidad.

Tiempo de hablar de las estupendas actuaciones del elenco, uno de los pilares fundamentales de la obra. Los intérpretes construyen personajes de una enorme complejidad emocional, algunos de ellos rotos y alejados de cualquier estereotipo, transitando con absoluta credibilidad un universo marcado por la angustia, la soledad y los conflictos familiares.

Arranquemos con María Inés Marzot, como Marta, una madre manipuladora y bastante despiadada, que no tendrá complejos en mostrar su cara más cruel y las diferencias de trato con sus hijos. La rompe María Inés, con un personaje muy fuerte. Y en el mismo nivel de crueldad podríamos colocar a Gabriel Cillis, como Manuel, el hijo que vive con Marta, con una gran carga de violencia y que esconde un oscuro secreto. Muy bueno lo de Gabriel, conformando junto a María Inés una dupla temible, que le hará las cosas muy difíciles a Arturo.

Arturo es Franco Cassano, el abogado dueño de casa, que atravesando una crisis de pareja no tendrá mejor idea que dar cobijo a un primo desamparado, debiendo soportar los embates de la familia. Franco, además de ser el autor y director de la obra, es el protagonista de la historia y se luce en gran forma en escena, con un personaje que muestra su vulnerabilidad y genera empatía con el público. Otra magnífica composición es la de Nicolás Bruzzese como Lorenzo, el primo desamparado del que les hablamos, un chico que estudió periodismo en la escuela de Fernando Niembro y tiene al fútbol como único interés. Y por último mencionar a Melina Avramides, que se luce por partida doble, como Estela, la esposa de Arturo, y como Natasha, una encantadora y enigmática escort rusa, que ingresará con mucha fuerza a la trama.

La propuesta se apoya en una puesta con muchos puntos altos. La escenografía crea un ámbito tan realista como opresivo, mientras que el diseño lumínico, dominado por penumbras, contribuye decisivamente a potenciar el clima inquietante que atraviesa toda la obra. A ello se suma la presencia de Walter Díaz, músico en vivo, que desde la parte superior del escenario y con su violín se convierte en la banda sonora de la obra, aportando belleza estética e incrementando la tensión dramática de la trama.

Uno de los mayores méritos de El Filo de las Hojas de Afeitar, es su capacidad para incomodar al espectador. Es una obra perturbadora, valiente y políticamente incorrecta, que evita los lugares comunes y obliga a enfrentarse con aspectos incómodos de la condición humana. No busca ofrecer consuelo ni finales complacientes; por el contrario, interpela constantemente al público y lo invita a cuestionar sus propias certezas.

Y hasta aquí vamos a contar para no spoilear más de la cuenta. El Filo de las Hojas de Afeitar, es una propuesta intensa, inquietante y profundamente movilizadora. Un thriller psicológico construido con inteligencia y una dirección que sabe administrar el suspenso sin perder nunca de vista la profundidad de sus personajes. La soledad, la imposibilidad de sanar ciertas heridas y la dificultad para construir vínculos saludables atraviesan toda la historia. Más que hablar únicamente de una familia en conflicto, la obra retrata personas emocionalmente devastadas que intentan seguir adelante cargando con un pasado que nunca deja de hacerse presente.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar esta propuesta, que se anima a salir de la zona de confort, con una obra que incomoda, perturba y emociona en partes iguales. Lo consigue con una dramaturgia inteligente, una puesta con muy buenos recursos escénicos y magníficas actuaciones, redondeando una propuesta valiente, que rompe moldes y retrata, con crudeza y honestidad, aspectos de la condición humana que muchas veces preferimos no mirar, logrando que el espectador abandone la sala profundamente movilizado.

Pensador Teatral.

Restorán

Dramaturgia de Manuela Amosa. Dirección de Verónica Mc Loughlin. 

Viernes 20 30 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Una original propuesta llega de la mano de Restorán. Partiendo de una situación tan cotidiana como reconocible, la dramaturgia de Manuela Amosa nos invita a ingresar al depósito de un establecimiento gastronómico para mostrarnos aquello que los comensales nunca ven. Sin embargo, ese espacio oculto es apenas el punto de partida de una historia profundamente humana que trasciende el ámbito laboral para hablar de los vínculos, la amistad y de esa necesidad tan propia de las personas de encontrar en el otro un lugar de contención.

El gran mérito de la obra es que convierte ese pequeño universo en un espejo donde resulta muy fácil reconocerse. Porque más allá de que la acción transcurra en un restaurante, Restorán habla de esos lugares de trabajo donde pasamos gran parte de nuestras vidas, compartiendo alegrías, frustraciones, complicidades y preocupaciones con personas que, muchas veces, terminan ocupando un lugar fundamental en nuestra vida. La obra también refleja con enorme sensibilidad cómo los problemas personales inevitablemente atraviesan la jornada laboral y cómo, en muchas ocasiones, los propios compañeros terminan convirtiéndose en confidentes, psicólogos improvisados y una verdadera red de contención.

La dramaturgia de Amosa evita los golpes de efecto y apuesta por la autenticidad de los personajes. Desde situaciones aparentemente simples va construyendo un relato lleno de humanidad, donde cada conversación, cada silencio y cada gesto ayudan a profundizar el universo emocional de sus protagonistas. Esa cercanía hace que el espectador no solo observe la historia, sino que la sienta propia, recordando inevitablemente experiencias vividas en sus propios ámbitos de trabajo.

El motor central de la propuesta son sus actuaciones. El elenco reunido funciona como un verdadero equipo, algo indispensable para una obra donde los vínculos son el eje central del relato. Arranquemos por José Escobar, como Claudio, el cocinero que deberá esforzarse de manera especial,  ya que el restaurante próximamente presentará sus nuevos platos. Nos gustó mucho el trabajo de José, un actor muy versátil, al que elogiamos muchas veces ya en este sitio, porque aporta mucha autenticidad a sus personajes. Y si hablamos de autenticidad, es realmente muy lograda la composición de Matías Corradino como el Pepo, uno de los mozos del establecimiento. 

Manuela Amosa, la autora de la obra, se destaca mucho como Rosa, que también atiende las mesas y deberá esforzarse mucho para dejar de lado los problemas personales que la atraviesan. Por último, mencionar a Romero Priorello, como Martín, el más joven y el más nuevo en el restaurant, que llega como ayudante de cocina, recomendado por un amigo del dueño, lo que hará que le cueste el doble ganarse la confianza de sus compañeros. Cada intérprete aporta naturalidad y una enorme humanidad a su personaje, logrando que las relaciones se perciban auténticas y que el espectador empatice rápidamente con ellos, ya que además nos abren las puertas a guiños del universos gastronómico, que habitualmente permanecen ocultos para el público.

La dirección de Verónica Mc Loughlin acompaña de manera inteligente la propuesta dramatúrgica, privilegiando siempre el trabajo actoral y la construcción de los vínculos. A ello se suma una atractiva puesta en escena y una escenografía que recrea con gran realismo el depósito del restaurante, transformando ese espacio de descanso en un verdadero refugio donde los personajes pueden bajar la guardia y mostrarse tal como son. Párrafo especial acá, para José Escobar, a cargo del diseño escenográfico y del vestuario, dos rubros que agregan mucho valor a la historia. Todo contribuye a generar una atmósfera de gran intimidad que potencia la cercanía con el público.

Y hasta acá vamos a contar. Restorán, es una obra entrañable que demuestra que las historias más profundas muchas veces nacen de los pequeños momentos de la vida cotidiana. Una propuesta que invita a reflexionar sobre el valor de los vínculos humanos, sobre esas personas que el trabajo pone en nuestro camino y que además de compartir largas jornadas laborales, en muchos casos terminan acompañándonos en algunos de los momentos más importantes de nuestras vidas.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar esta original y atractiva propuesta. Una dramaturgia sensible, estupendas actuaciones y una puesta cercana y de gran calidez se combinan para dar vida a una obra profundamente humana. Seguramente, después de ver la obra, la próxima vez que entremos a un restaurante miremos con otros ojos a quienes, cada día, nos atienden con una sonrisa.. 

Pensador Teatral

Las Traciones

Dramaturgia y Dirección de Juan Andrés Romanazzi.

Martes 20 30 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1034 )

Había sobrados motivos para llegar al Portón de Sánchez con grandes expectativas. El nuevo trabajo de Juan Andrés Romanazzi, sumado a un elenco de intérpretes cuya calidad ya conocíamos, hacía presagiar una muy buena noche de teatro. Sin embargo, la realidad terminó superando cualquier pronóstico y Las Traiciones, no solo cumplió con esas expectativas, sino que las sobrepasó ampliamente, convirtiéndose en una de las mejores propuestas que vimos en lo que va del año.

La creatividad y la originalidad de la dramaturgia de Romanazzi vuelven a hacerse presentes desde el punto de partida de la obra. Tomando como inspiración la mitología griega y personajes emblemáticos como Ulises, Penélope y Helena, el autor construye una historia tan cercana, como contemporánea, donde las grandes epopeyas dejan lugar a las interminables rutas, los vínculos desgastados y personajes que cargan sus propias batallas cotidianas. El resultado es un texto de enorme creatividad, que encuentra poesía en lo más simple y demuestra, una vez más, la capacidad del autor para convertir lo cotidiano en un hecho teatral cargado de sensibilidad.

Pero detrás de las referencias mitológicas, Las Traiciones habla de temas profundamente humanos y actuales: la soledad, los vínculos, los deseos postergados, las adicciones y el trabajo como una rutina que muchas veces nos impide detenernos a pensar en aquello que verdaderamente queremos. Todo ello se apoya en una dramaturgia brillante, llena de imágenes, hallazgos y reflexiones que permanecen resonando en el espectador mucho después del aplauso final.

Pero si hay algo, que queremos destacar  de manera especial, son las fenomenales actuaciones que presenta la obra y constituyen otro de los grandes pilares del espectáculo. Los tres intérpretes realizan trabajos superlstivos, construyendo personajes fascinantes y cargados de matices. Y con esta vara bien alta, queremos resaltar el trabajo de Ivan Moschner, como La Tora o Penélope, como ustedes prefieran. Su composición es sencillamente brillante, creando un personaje hipnótico, de enorme humanidad, muy querible y lleno de matices, que transita momentos desopilantes que harán reír 

mucho a la platea y otros de gran carga emotiva. No es nuestro estilo hacer este tipo de afirmaciones, pero creemos que este gran trabajo de Iván, está llamado a convertirse en una de las actuaciones más reconocidas de la temporada y su composición encontrará un lugar destacado entre los premios y el reconocimiento de la crítica especializada. 

Pero no seamos injustos con los otros dos intérpretes. Paula Fernández Mbarak, interpreta a Ulises, el chofer de larga distancia que con su nave recorre las rutas, nos regala un personaje que lucha por superar sus adicciones, inseguridades y la profunda soledad que lo envuelve. Y la Tora justamente aparecerá como una luz en el camino que puede sacarlo de la oscuridad en la que transita. Paula es una actriz que nos encanta y a la que ya elogiamos en varias oportunidades en este sitio, por su versatilidad y presencia escénica. Aquí su caracterización es tan lograda, que estuvimos un largo rato, hasta descubrir que erra ella quien daba vida a Ulises y si piensan que exagero, les pido que vean la obra y seguramente van a coincidir.

Y para completar el triángulo virtuoso,  cuando la obra ingresa en su tramo final, aparece Laura Silva, como Helena,  en un rol clave para el desenlace. Lejos de pasar desapercibida, logra hacer pie inmediatamente frente a dos personajes que pisan fuerte, con personalidad y carácter y dejando claro su odio por todo lo relacionado con el trabajo. Su interpretación tiene una impronta propia que completa la historia y a un trío actoral de altísimo nivel.

La puesta del propio Romanazzi, acompaña con inteligencia semejante material. El excelente diseño de luces contribuye de manera clara a la creación de los distintos climas, mientras que el cuidado vestuario aporta identidad y suma a la personificación de cada uno de los personajes. A esto se suma un notable aprovechamiento integral del largo espacio escénico que ofrece El Portón de Sánchez, mostrando como con creatividad e imaginación, se pueden construir universos ricos en recursos y plenamente funcionales a la historia.

Y hasta acá vamos a contar, Las Traiciones confirma el gran momento creativo de Juan Andrés Romanazzi y nos regala una de esas obras que entretienen, emocionan y dejan espacio para la reflexión. Una historia profundamente humana que nos enfrenta a la soledad, a los vínculos que elegimos construir y al trabajo como refugio, pero también como una rutina capaz de adormecer nuestros sueños y postergar las preguntas más importantes de la vida.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar enfáticamente esta extraordinaria propuesta, donde una dramaturgia brillante, tres actuaciones fenomenales y una puesta de gran creatividad se combinan para dar vida a un espectáculo de enorme calidad.  El prolongado y cálido aplauso del público al finalizar la función fue el mejor cierre, para una noche donde el teatro independiente brilló con intensidad.

Pensador Teatral.

Olivia

Dramaturgia colectiva. Dirección de José Luis Arias.

Jueves 20 hs en San Abasto Subterráneo Cultural ( Sánchez de Bustamante 632 )

Una propuesta sensible, inteligente y profundamente humana, es la mejor carta de presentación de Olivia, una obra que busca dar visibilidad y crear conciencia, sobre los trastornos cognitivos que pueden sufrir las personas de edad avanzada y lo hace  desde una perspectiva poco frecuente: la de quien atraviesa la enfermedad en primera persona.

Uno de los mayores aciertos de la propuesta es su capacidad para generar comprensión. Lejos de limitarse a mostrar síntomas o consecuencias, la obra invita al espectador a ingresar en la percepción alterada de Olivia y experimentar, aunque sea por un momento, cómo se modifica la relación con la realidad. De esta manera, se transforma en una experiencia profundamente didáctica y esclarecedora, ayudando a comprender una problemática que afecta a miles de familias.

La dramaturgia expone con claridad que se trata de un proceso progresivo, donde los cambios aparecen de manera gradual y van impactando tanto en quien padece la enfermedad como en su entorno más cercano. La obra también pone el foco en la familia, mostrando la incertidumbre, la angustia y la sensación de desconcierto que muchas veces acompañan a quienes deben afrontar una situación para la cual nadie está verdaderamente preparado y deja numerosos interrogantes ¿Cómo reaccionar? ¿Cómo acompañar? ¿Cómo comprender conductas que parecen inexplicables? Son preguntas que sobrevuelan permanentemente la escena.

Tiempo de hablar de las actuaciones que presenta la obra y corresponde arrancar por María Celina Tellería, que es Olivia, la gran protagonista de la historia. Su composición es superlativa y profundamente humana, logrando transmitir con autenticidad, las múltiples emociones que atraviesa su personaje, que atraviesa momentos de lucidez y otros de gran vulnerabilidad. Gran trabajo el de María Celina, lleno de matices, que permite que el público empatice con ella y la acompañe en su recorrido, comprendiendo desde adentro las dificultades y desafíos que impone la enfermedad.

Pero que la hermosa interpretación de la protagonista, no eclipse al resto. La obra reúne un elenco numeroso y comprometido, donde cada integrante aporta su cuota de sensibilidad y energía a la construcción de este universo tan particular, tanto al mundo real, como al universo subjetivo que habita Olivia. Acá queremos resaltar los trabajos de Dani Macri, como su hijo Diego, que batallará de manera incansable, buscando acompañar de la mejor manera a su madre. Muy bueno también el trabajo de Lucas Krutnik como el enfermero y otros personajes imaginarios y también nos gustó mucho el trabajo de Ile Jaciw, como una de sus cuidadoras, que consigue mostrar la humanidad, que tienen las personas que en la vida real, tienen esa difícil tarea.

La puesta de José Luis Arias, es muy rica. Con una enorme creatividad visual, construye un universo propio que permite representar aquello que sucede en la mente de Olivia. El colorido diseño escenográfico, los cuidados vestuarios y los múltiples recursos escénicos colaboran para materializar ese mundo paralelo que la protagonista percibe como real. 

Y hasta acá vamos a contar. Consideramos realmente valiosa la propuesta de Olivia, una obra tan accesible como profunda, que encuentra un delicado equilibrio entre el entretenimiento, la emoción y la reflexión, sin caer en golpes bajos, mostrando cómo el teatro puede cumplir una importante función social al visibilizar una problemática que impacta tanto en quienes padecen estas enfermedades, como en sus seres queridos, que muchas veces se sienten abrumados por la situación, sin saber como actuar.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar enfáticamente esta original y movilizante propuesta, que de la mano de una dramaturgia sensible y humana, una puesta creativa y actuaciones comprometidas, sabe llegar al corazón del espectador y logra que salga de la sala con una mirada más empática sobre una problemática que muchas veces permanece invisibilizada y está más extendida de lo que pensamos.

Pensador Teatral.

Expediente 1492, La Última Confesión de Colón.

Dramaturgia Mariano Cossa y Santiago Ferrigno.

Sábados 21 hs en Centro Cultural de Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Una inteligente y atractiva propuesta, llega de la mano de Mariano Cossa y Santiago Ferrigno, que a partir de la novela del escritor cubano Alejandro Carpentier sobre Cristóbal Colón, crearon una ficción histórica que cuenta la historia de un intento de canonización que el Vaticano impulsó a fines del siglo XIX, del célebre navegante genovés, que sin dudas fue una de las figuras más controvertidas de la historia universal.

La obra plantea un ingenioso juicio teatral en el que la posible santificación de Colón es sometida a examen. A medida que avanzan los testimonios, las acusaciones y las defensas, el espectáculo pone en tensión los relatos históricos tradicionales, abriendo espacio para la reflexión sobre la conquista, el poder, la religión y la forma en que se construyen las verdades que atraviesan generaciones. Uno de los mayores aciertos de la propuesta es hacerlo desde una mirada ágil y descontracturada. combinando información, humor, ironía y entretenimiento sin perder profundidad.

Un acierto importante de la puesta es la participación activa del público, que deja de ocupar un lugar pasivo para transformarse en jurado y emitir su propio veredicto. Este recurso no solo aporta dinamismo sino que convierte cada función en una experiencia singular, reforzando la idea de que la historia sigue siendo un territorio abierto a la discusión y a las distintas interpretaciones. 

Pero si hay un punto que sobresale especialmente es el magnífico trabajo del trío protagónico conformado por Norberto Gonzalo, Alfredo Noberasco y Sandra Antman Los tres intérpretes ponen al servicio de la obra toda su experiencia, oficio y presencia escénica, construyendo personajes sólidos y sosteniendo con enorme solvencia un relato que exige precisión, ritmo y capacidad para dialogar permanentemente con el público.

Arranquemos por Norberto Gónzalo, la figura central de la historia, ya que representa a Cristóbal Colón y lo hace en gran forma, mostrando estar a la altura de un protagónico exigente. Estupendo lo de Norberto. Sigamos con Alfredo Noberasco, que representará a la figura del defensor de Colón en el juicio y también será Rodrigo de Triana, que fue el marinero de la expedición que desde la carabela La Pinta, avistó por primera vez la tierra americana. Soberbio trabajo de Alfredo, con gran carisma y presencia esçénica, será además quien establecerá el vínculo con los espectadores, durante la función.

Resta destacar la labor de Sandra Antman, que desdoblará varios personajes en la trama, entre ellos el de la fiscal acusadora en el proceso de canonización de Colón y el de la Reina Isabel, por mencionar solo dos de sus personajes. Sandra despliega una notable versatilidad interpretativa, asumiendo los distintos personajes a lo largo de la representación, aportando firmeza y humor de acuerdo a cada personaje. Nos gustaron mucho los tres trabajos y en lo personal celebramos especialmente que el teatro siga generando espacios para artistas de amplia trayectoria, permitiéndonos disfrutar en escena de todo el oficio y la experiencia interpretativa que solo brindan años de dedicación al arte teatral.

Y hasta allí vamos a contar, para no spoilear más de la cuenta, así ustedes descubren el resto cuando vean la obra. Uno de los mayores aciertos que presenta la propuesta, es abordar una figura histórica tan influyente como polémica desde una mirada abierta y con una buena dosis de humor, apareciendo temas sensibles como el sometimiento de los pueblos originarios, la violencia ejercida durante el proceso colonizador y las denuncias vinculadas al comercio de esclavos, pero dejando espacio también para hablar del hombre detrás del mito, explorando aspectos de su vida privada, sus vínculos sentimentales, sus contradicciones y sus ambiciones. De este modo, el espectáculo construye un retrato más humano de Colón, alejándose de las visiones simplificadoras y enriqueciendo el debate sobre su legado.

Por todo lo que comentamos, solo nos queda recomendarles Expediente 1492, La Última Confesión de Colón, una original propuesta, que presenta una dramaturgia inteligente, una puesta dinámica y magníficas actuaciones, que se unen para redondear una obra que aborda la historia desde una mirada crítica y profundamente humana, dejando al espectador el espacio adecuado para la reflexión y la certeza de que algunos personajes del pasado siguen interpelándonos en el presente.

Pensador Teatral.

Reversible

Dramaturgia de Mercedes Torre. Dirección de Juan Andrés Romanazzi.

Sábados 20 hs en Nun Teatro Bar ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

La propuesta escrita e interpretada por Mercedes Torre nos invita a emprender un viaje poético y profundamente humano, es la carta de presentación de Reversible, la obra escrita e interpretada por Mercedes Torre, que nos invita a acompañar a Rosita, que decide iniciar una travesía hacia territorios desconocidos, tratando de rescatar a su madre, que fue llevada por la Muerte, iniciando un recorrido donde los recuerdos, los afectos y la imaginación se entrelazan para construir una experiencia teatral de enorme sensibilidad.

Desde una dramaturgia delicada y original, atravesada por una permanente musicalidad, la obra desarrolla un relato que combina humor, emoción y fantasía. El texto posee una belleza particular, con pasajes escritos en verso y una poesía que fluye naturalmente a lo largo de toda la propuesta. A ello se suma un universo onírico repleto de imágenes y referencias campestres que aportan un encanto especial a la narración. 

El gran motor de la obra es Mercedes Torre. Su trabajo escénico resulta sencillamente extraordinario. La actriz sostiene el espectáculo con una entrega absoluta, desplegando una composición llena de matices, sensibilidad y verdad. Su conexión con el público es inmediata y permanente. Rompe la cuarta pared con una naturalidad admirable, dialoga con los espectadores, recorre la platea y los hace partícipes del viaje que emprende.

Pero además de esa notable capacidad para comunicar emociones, la protagonista construye un trabajo físico impactante. Baila, canta, trepa por la escenografía, se arrastra, corre, juega y ocupa cada rincón del escenario con una energía contagiosa. Su composición es magnífica, de esas que tenemos que poner en un cuadrito. Mercedes por este trabajo, ganó el Premio Trinidad Guevara, en la categoría Revelación Femenina y luego de verla en acción, queda claro la justicia del premio.

La dirección de Juan Andrés Romanazzi es otro punto alto. El diseño escenográfico de Micaela Sleigh,  es original y sumamente funcional al universo que propone la obra. Con creatividad e inteligencia construye distintos espacios y situaciones, potenciando permanentemente la imaginación del espectador. El diseño lumínico acompaña ese recorrido con gran sensibilidad, aportando climas, atmósferas y texturas visuales que enriquecen cada escena y potencian el carácter poético de la propuesta.

Y merece un párrafo especial la música en vivo, elemento fundamental dentro de Reversible. En la función que presenciamos, la música en vivo estuvo a cargo de Agustín Cañas ( habitualmente ese papel lo comple Pablo Viotti )  y realmente cumplió con creces, siendo la banda sonora del espectáculo, algo clave en una propuesta como esta donde la música tiene tanto valor. El resto de lo musical, lo completa Mercedes con lo lindo que canta.

Nos gustó mucho la propuesta de Reversible, obra que transita su segunda temporada en cartel y ya ha recibido numerosos premios. La obra encuentra un equilibrio admirable entre la ternura, la poesía y la emoción genuina, permitiendo que cada espectador complete el viaje con sus propios recuerdos y experiencias, estableciendo además momentos de humor y de complicidad con un público que desde el arranque abraza la propuesta.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar la obra. Se encontrarán con un texto sensible y profundamente humano, una puesta muy creativa y en especial una actuación magnífica de Mercedes Torre, que se entrega por completo en esta obra que sin dudas resulta sanadora para ella y para los espectadores, que gustosos se prenderán en este viaje, que los invitará a reír, soñar y emocionarse. Y cuando todo esto sucede, el teatro ha cumplido su misión.

Pensador Teatral.

La Era del Olvido

Dramaturgia y Dirección de Francisco Estrada.

Sábados 21 hs en El Camarin de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Una propuesta actual y provocadora, resulta esta obra escrita por Francisco Estrada, que a través de un atrapante unipersonal, nos invita a adentrarnos en los rincones más oscuros de la política, en ese universo donde las apariencias suelen valer más que las convicciones, donde el poder se transforma en una obsesión y donde las humillaciones muchas veces aparecen como peajes inevitables para quienes desean ascender.

La propuesta nos introduce en la intimidad de un hombre atravesado por sus ambiciones, sus recuerdos,  y sus contradicciones. Pero lejos de construir un discurso político tradicional, el autor elige explorar aquello que sucede detrás de escena. La cocina de la política. Los acuerdos silenciosos, las estrategias de comunicación, la construcción permanente de una imagen pública, la importancia de las redes sociales y los mecanismos de manipulación que terminan moldeando los relatos que consumimos diariamente. En ese sentido, la obra logra algo muy valioso, como abordar temas profundamente políticos y de coyuntura, sin perder nunca su dimensión humana.

A medida que avanza la función, también se despliega una reflexión sobre la memoria y el olvido, sobre aquello que decidimos conservar y aquello que preferimos enterrar. El protagonista transita un recorrido tan íntimo como inquietante, donde el pasado, los vínculos familiares y las marcas emocionales  se vuelven tan importantes como las disputas de poder que atraviesan su presente. Y es justamente allí donde la obra encuentra buena parte de su potencia, al mostrarnos que detrás de cada figura pública existe una persona cargada de miedos, heridas y zonas oscuras.

Pero si hay un aspecto que merece ser destacado especialmente es el trabajo de Germán Rodríguez. Su actuación es sencillamente magistral. Sostener un unipersonal de estas características requiere presencia escénica, talento y una enorme capacidad para capturar la atención del público de principio a fin. Rodríguez lo consigue con una solvencia admirable. Su composición está llena de matices, transitando con absoluta naturalidad diferentes estados emocionales, pasando de la seguridad al derrumbe, de la ironía a la angustia y de la ambición desmedida a los momentos de mayor vulnerabilidad.

La sala de El Camarín ofrece una cercanía entre actor y público que se disfruta muchísimo, ya que permite apreciar en primer plano cada gesto, cada silencio y cada movimiento, cuidadosamente construidos para acompañar el viaje emocional del personaje. Nos encantó el trabajo de Germán, que directamente la rompe en escena, manejando con maestría las riendas del unipersonal. de un exigente unipersonal, donde está solo en escena, pero dialoga con varios personajes creados por el mismo.

La dirección del propio Francisco Estrada. es muy acertada, apostando por una puesta que pone el foco en la palabra, en el cuerpo del actor y en la construcción de una atmósfera de intimidad, a la que el público tiene la suerte de ingresar. Párrafo especial, para el diseño lumínico de Paula Fraga, que agrega valor a la puesta y contribuye a marcar los diferentes momentos emocionales por los que atraviesa el protagonista.

Y hasta allí vamos a contar, La Era del Olvido atraviesa su segunda temporada en cartel, con una propuesta muy actual, que desnuda las peores prácticas de los políticos, que apoyan sus carreras en la mentira, las apariencias y la búsqueda de un cargo, que les asegure su futuro económico. Lo triste es descubrir que la obra nos ofrece un relato tan preciso y tan crudo, que duele y ayudar comprender porque el país nunca logra superar las crisis cíclicas que atraviesa.

Recomendamos la obra, que nos ofrece un texto inteligente, provocador y profundamente actual. Un espectáculo que invita a la reflexión sobre el poder, las apariencias y las miserias de la política. Lo logra, gracias a una puesta íntima y una actuación magistral del protagonista. Todo esto confluye para que vivamos una noche que entretiene, interpela y nos deja un sabor agridulce en la boca, ya que es un reflejo muy claro de la mediocre clase política que dice representarnos.

Pensador Teatral.