VOLVER VOLTAR

Dramaturgia y Dirección de Cecilia Gómez.

Domingos 20 hs en Club de Trapecistas Estrella del Centenario ( Ferrari 252 ) 

La cartelera porteña se caracteriza por su riqueza y por no perder nunca, la capacidad de sorprendernos gratamente y esto es precisamente lo que sucedió con Volver Voltar, obra creada y dirigido por Cecilia Gómez, que podemos presentar como un espectáculo perfomático de enorme belleza estética, que combina música, danza y acrobacia, de una manera tan explosiva, que deja sin palabras a los espectadores que llegaron sin demasiadas referencias al Club de Trapecistas.

Los compases del tango, sonarán bien arriba desde el arranque y ante el publico se presentarán dos bailarines que mostrarán su destreza en la altura, ya que la danza será aérea y los protagonistas se suspenderán por las alturas del teatro de manera frenética y valiente. A ellos prontamente se sumará una mujer, con enorme presencia escénica, que será el objeto de deseo, de esos hombres que respiran tango.

Pero la milonga, no será tradicional y no se dará mayormente en el suelo, se dará por los aires, será una milonga vertical, que desafía las alturas y las leyes de gravedad. Las proyecciones sobre la tela del fondo del escenario, funcionarán como la pista de baile, de estos intrépidos danzantes que surcarán las alturas y se entregaran por completo a la música que los los incita, al movimiento permanente y a esa energía que moverá sus recuerdos y emociones.

Como dijimos en el comienzo, el espectáculo tiene una riqueza visual que abruma, los espectadores se sienten atraídos por esa adrenalina que se respira en ambiente y  surge del riesgo que toman los protagonistas, ante cada movimiento acrobático y ante cada destreza que despliegan. Todo esto acompañado por música electrónica y tangos, que irán acompañando los diferentes cuadros de una trama donde la oralidad no es necesaria, ya que en Volver Voltar, los cuerpos de los protagonistas, son lo que hablan.

Y precisamente, ya es tiempo de hablar de los protagonistas. Fenomenales los trabajos de Maximiliano Nastar y Facundo Varela. la dupla masculina que muestra sus habilidades para el baile, las alturas y las acrobacias. Ambos con gran presencia escénica, se lucen muchísimo y son los acompañantes prefectos, para la gran figura de la noche, nos referimos a Cecilia Gómez, que como mencionamos además, es la autora y directora del espectáculo.

La interpretación de Cecilia es hipnótica, combinando destreza, sensualidad y valentía, ya que hay que atreverse a desafiar las alturas y trepar con tacos altos. Admirable lo de Cecilia y con una plasticidad que no se puede creer. Hay que verla en el escenario y en volando en las alturas, junto a aquellos hombres, que no se quedan atrás y volarán para alcanzarla. Realmente un trío protagónico que se entrega por completo y despliega un virtuosismo, que causa admiración.

La puesta como mencionamos ya, tiene una belleza escénica y un vuelo onírico que se disfruta muchísimo. Nos gustó mucho el diseño escenográfico que tiene una obra, donde las alturas mandan. Que decir de las logradas coreografías que dibujan los protagonistas y son el corazón de la obra. Y hay que dedicar un párrafo, al excelente vestuario que presentan los tres protagonistas, que caracterizan muy bien, a esos personajes arrabaleros que presentan la obra.

Realmente quedamos deslumbrados con la potencia escénica de Volver Voltar, obra que surge luego de una gira, dos residencias y festivales en Portugal, llegando aquí como una adaptación a la escena tradicional, donde la danza aérea, el tango y el circo contemporáneo se fusionan de la mejor manera, gracias al talento y a la entrega de sus intérpretes.

Nos gustó mucho y por eso recomendamos Volver Voltar, un espectáculo en el que los cuerpos tienen la palabra, volando por los aires, desafiando a las alturas y a las leyes de gravedad, al ritmo de la música. Es la primera vez que asistimos al Club de Trapecistas y no podía ser mejor la presentación, ya que nos encontramos con un espacio escénico hermoso y muy cómodo para los espectadores, que encuentran el ámbito ideal, para disfrutar de una original propuesta que nos presentará talentosos intérpretes, que se suspenderán en las alturas, para regalarnos su arte.

Pensador Teatral.

Clamor de Ángeles

Dramaturgia de Bill C Davis. Dirección de Ana Padilla.

Sábados 20 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Con una lograda adaptación de Fernando Mallorens y Federico González del Pino, llega a Patio de Actores, la reconocida obra del dramaturgo y actor estadounidense  Bill C Davis, que ha tenido un exitoso recorrido en New York y luego de ello, llegó al cine, en una recordada película que tuvo como protagonista a Jack Lemmon, siendo una comedia dramática que nos habla de la fé, del rol de la Iglesia, sus dogmas y la condición humana de las personas que la integran.

Las acciones arrancarán con el Padre Farley ( Jorge Sánchez Mon ) dando su sermón en la misa dominical, dirigiendo el mismo a los espectadores, que en sus butacas harán las veces de feligreses. El carismático sacerdote, antes de finalizar la misa como es su costumbre, entablará diálogo con los fieles, pero el mismo tomará un impulso inesperado, ya que surgirá un intenso intercambio con Mark ( Franco Mosqueiras ) un joven seminarista, que ese día concurrió a la misa y se apasionó más de la cuenta, intercambiando opiniones, más específicamente sobre la incorporación de la mujer, en la misión eclesiástica de la Iglesia Católica.

El Padre Farley se sintió desafiado en público por aquel joven seminarista y no dudó en convocarlo al día siguiente a la Iglesia, para amonestarlo por aquel suceso. Pero Mark, no dió el brazo a torcer y redobló su posición, mostrando su pasión y vehemencia. Mark estaba en desacuerdo con muchos de los dogmas de la Iglesia, teniendo claro que era necesario una renovación en muchas de las ideas, que habían quedado fijas, a pesar del paso del tiempo y de la llegada de la modernidad, algo que no parece importar a los defensores de los valores tradicionales de la Iglesia.

Y desde ese momento se entablará un interesante vínculo entre el padre y el seminarista, ya que el arzobispado le encargó a Farley, que preparará al impulsivo joven, en su formación como diácono. Para cumplir con esa tarea, el seminarista debía recibir una serie de lecciones, que le permitirían luego escribir sus propios sermones, que debería leer en misa. La tarea no sería sencilla para el padre, que era  querido por su feligresía y sabía que fibras tocar. El problema era que Mark, era rebelde y tenía muy claras sus ideas, por lo que no estaba dispuesto a moderar sus pensamientos. No vamos a contar más para mantener el suspenso, pero el seminarista sabía que estaba jugando su futuro como diácono y en caso de fracasar, su carrera en la Iglesia, podía finalizar, antes de arrancar, ya que las ideas reformistas, no son bien vistas por el conservadurismo eclesiástico y hasta allí vamos a contar.

Tiempo de hablar de las actuaciones que tiene la obra, que son el alma de la misma y arranquemos por Jorge Sánchez Mon, que la rompe como el padre Farley. La composición de Jorge es magnífica y logra darle realismo y una credibilidad a su personaje, que no deja de sorprender. Desde que arranca la obra, sentimos que tenemos un sacerdote frente a nosotros. Con gran presencia escénica, mucho carisma y un excelente manejo de los diferentes registros emocionales, por los que transita su personaje, realiza una interpretación sobresaliente. No era un papel sencillo y Jorge se luce muchísimo, un placer verlo en escena.

Pero no seamos injustos con Franco Mosqueiras, que se complementa en gran forma con Jorge. Muy buena su interpretación, mostrando a un joven idealista y decidido, que no tendrá miedo en enfrentarse a las estructuras arcaícas de la Iglesia, diciendo siempre la verdad y luchando contra las injusticias, aún sabiendo que esto puede traerle problemas. Tampoco era fácil su personaje y Franco lo resuelve en gran forma, para conformar la dupla protagónica que pide el texto y establecer muy buenos contrapuntos e intercambio de ideas con el experimentado padre Farley.

Debemos destacar la dirección de Ana Padilla, que logra darle a la trama la sensibilidad que pide el texto, pero al mismo tiempo consigue que las acciones se desarrollen siempre de manera ágil, para que la atención del espectador no decaiga en ningún momento, consiguiendo que el desarrollo sea dinámico,. La puesta es muy bella y tiene varios puntos a resaltar. Nos gustó mucho el vestuario, con las diferentes sotanas y ornamentos litúrgicos, que los protagonistas irán usando a lo largo de la obra. El diseño escenográfico de Leonardo Altamirano aprovecha muy bien el espacio escénico de Patio de Actores, de manera sobria y con los elementos justos. Hay un buen diseño de luces de Fernando Díaz. Y por ultimo mencionar, la música que acompaña muy bien algunas escenas, creando muy buenos climas. 

Y hasta acá vamos a contar, como habrán podido apreciar, nos gustó mucho la propuesta de Clamor de Ángeles, ya que se anima a adentrarse en un tema profundo, como el de la religión, sus dogmas y la conducta de quienes están en lo más alto de la Iglesia. El mérito es que toca el tema, con profundidad, pero de manera ágil, con momentos divertidos y frescos, que le quitan solemnidad a un texto pesado, atreviéndose a exploradas temáticas, que por lo general no son tenidas en cuenta por el teatro, ya que la Iglesia Católica es una institución que inspira mucho respeto y entrar en polémica con ella, podría no ser una buena idea.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar la obra. Se encontrarán con un texto muy interesante y probado en el mundo entero, que tranquilamente podría haber sido escrito en nuestro país, ya que describe la realidad de las instituciones religiosas en Argentina y nos invita a reflexionar, acerca de su rigidez y como su resistencia a adecuarse a los cambio, es una de las principales causas de su pérdida de fieles en los últimos años, que buscan otras opciones religiosas. Si además a este texto virtuoso, le sumamos una dirección bella y una dupla protagónica que se saca chispas en escena, se entiende porque la obra tuvo tan buena repercusión desde su estreno y siempre presenta localidades agotadas, para que Patio de Actores. uno de los espacios más lindos para ver teatro independiente en Buenos Aires, celebre su 25° aniversario con una obra a la altura de tal acontecimiento.

Pensador Teatral.

Boy, Unipersonal

Dramaturgia y Dirección de Shumi Gauto.  Sobre relatos de Boy Olmi. 

Un biodrama intimo y auténtico es la mejor carta de presentación, para este unipersonal, donde Boy Olmi, realizará un viaje introspectivo, donde expondrá aspectos importantes de su vida, como la complicada relación con su madre, el cumplimiento de los mandatos sociales, la frenética búsqueda de identidad recorriendo su árbol genealógico, tratando de descubrir el origen de sus ataques de pánico y mucho más. Estaremos frente a un ejercicio perfomático y experimental, en el que el carismático actor, abrirá su corazón al público.

El formato del unipersonal propuesto es muy atractivo, Boy aparecerá frente al público descalzo y vestido de negro, desprovisto de todo artificio, asumiendo el compromiso con el público de decir solo verdades a lo largo del espectáculo, reflexionando en voz alta, sobre situaciones de la infancia que lo marcaron y lo acompañaron a lo largo de su vida, relaciones familiares que no fueron lo felices que hubiera esperado, la obsesión por conocer la historia de vida de sus antepasados y mucho más, pero aclarando de entrada que él es una persona, a la que le pasaron y le pasan cosas, como a cualquier de los espectadores, más allá de ser un actor reconocido, antes que eso es una persona con vivencias, anhelos y temores, que son los mismos que experimenta cualquiera de los espectadores que colmaron la sala del Picadero.

Esa relación de igualdad y de cercanía con el público, es una de las razones por las que el relato de Boy resulta apasionante. Con un tono íntimo y confesional, compartirá con el público sus sentimientos y sus miedos. Los celos que se siente por su su esposa, la bronca que le provocó la falta de atención de su madre cuando era un niño, la importancia de ser aceptado y sentirse querido por el público, entre otros tópicos que el actor recorrerá, siempre siguiendo un relato que por momentos resultará crudo, pero que siempre tendrá al humor como estandarte, cumpliendo aquella máxima, que sostiene que contando las cosas con humor, se les logra quitar peso dramático.

Boy no tendrá problemas en develar secretos familiares y situaciones que lo muestran con una persona vulnerable, precisamente porque esa es uno de los objetivos de este unipersonal, mostrar que es una persona común y corriente, que es conocido por ser actor, pero que tiene los problemas que tenemos todo. Para ello, Boy mostrará todo su carisma y acentuará el carácter perfomático de su presentación, rompiendo la cuarta pared e invitando a subir a algunos espectadores al escenario, para que lo acompañen y se conviertan por minutos, en personajes importantes de su vida.

El trabajo de Boy Olmi es magnífico, desprovisto de máscaras y personajes, se aparta del artificio, para exponer su intimidad al público, con una honestidad que genera gran empatía. Con la serenidad y calma que lo caracteriza, logra imprimir al relato su sello personal, que le permite compartir momentos emocionales muy potentes, sin estridencias y con una naturalidad que le permite conectar con el público en gran forma y sin necesidad de impresionar.

Tiempo de elogiar el rol de Shumi Gauto, que desde la dramaturgia y la dirección, consigue organizar el material y las ideas del protagonista, para darle sentido escénico, logrando que un relato personal, se convierta en un hecho teatral, donde la memoria se transforma en acción, generando un gran clima de intimidad, en la que cada palabra, movimiento y silencio de Boy, genera una estructura teatral que sostiene el relato y lo vuelve cautivante.

No queremos contar más, para no quitar sorpresa al espectáculo. Olmi nos compartirá su historia de vida, de manera tierna y serena, manejando con habilidad el humor y la ironía, para revelar situaciones realmente fuertes, creando una fuerte corriente de complicidad con los espectadores, que se sienten privilegiados por ser testigos del ejercicio confesional, de un actor que resulta creíble y humano, además de exponer situaciones que resultan cercanas y reconocibles.

Por todo lo mencionado, recomendamos Boy, Unipersonal, un biodrama profundo, que nos invitará a reflexionar y ser testigos de una búsqueda íntima, sobre nuestra identidad y la importancia de nuestros vínculos familiares, sin perder de vista, que más allá de todos los títulos que la vida pueda darnos, siempre seremos personas sintientes y trataremos de recorrer el intrincado laberinto que la vida muchas  nos presenta, siendo nuestro desafió elegir el camino correcto. El final con ese aplauso prolongado del público que llenó por completo la sala del Picadero, deja bien claro, que el experimento teatral e introspectivo, dejó su huella en la platea.

Pensador Teatral.

Un Picasso

Dramaturgia y Dirección de Javier Margulis.

Viernes y Sábados 21 hs en Mil80 Teatro ( Muñecas 1080 ) 

El teatro independiente entre sus múltiples virtudes, tiene la multiplicidad de temas a tratar y de personajes históricos, que puede traer a escena. Y este es uno de esos casos, ya que Javier Margulis, el autor y director de la obra, dedicó un largo tiempo a estudiar a investigar sobre la vida del célebre pintor español, consiguiendo una biografía escénica notable, que nos hablará de su pasión por la pintura y por las mujeres. Sus genialidades y sus contradicciones aparecerán en un unipersonal atrapante, que nos mostrará el costado humano de una figura monumental del Siglo XX.

Picasso, nació en Málaga, pero pasó su infancia entre La Coruña y Barcelona, antes de instalarse en París, ciudad que fue el centro de su vida creativa. Fue un artista visionario y polifacético, cuya obra transformó los lenguajes del arte moderno, desafinado las formas, las emociones y las miradas de su época. Fundador del cubismo y explorador de múltiples estilos, Picasso supo reflejar en su arte, la pasión, el amor y las contradicciones de su época, dejando un legado que cambió de manera definitiva, la historia del arte.

Luego de esta breve descripción de su figura, vayamos al magnífico texto escrito por Margulis, que antes de dedicarse al teatro estudió la carrera de Bellas Artes e imaginó a un Pablo Picasso, en su último día de vida, con una salud muy deteriorada, que se encuentra en su taller, rodeado de sus pinceles y sus cuadros. Sumergido en los recuerdos de una vida intensa, irá recorriendo diferentes etapas de su obra, recordando a las mujeres que lo acompañaron y que influyeron de manera significativa sobre su pintura.

Picasso emergerá en escena, siendo por momentos un genio creativo y en otros un soberbio malhumorado que despotricará contra alguna de las mujeres que acompañaron a lo largo de su vida, que fueron muchas y a las que fue dejando en casi todas las oportunidades. Hablará de aquellos comienzos, donde conoció de cerca la pobreza y debía intercambiar sus cuadros por comida. Su casamiento con una mujer de la aristocracia rusa y como comenzó a ganar dinero vendiendo sus obras a los amigos de ella. Nos contará como pintó El Guernica, su obra más emblemática, en la que transforma el horror de la guerra, en un símbolo universal de dolor y resistencia, siendo ese cuadro su puerta de entrada al mercado norteamericano y a hacerse rico. Todo ello y mucho más que no queremos seguir adelantado, desfilará por el bello escenario del Mil80.

Pero que inmenso desafío tenia el autor de este texto,  para encontrar al intérprete adecuado para ponerse en la piel de semejante personaje y vaya que la elección de Margulis fue acertada. El gran protagonista de la noche es Fito Yanelli, que se adueña de la figura de Picasso, con maestría y una entrega conmovedora. Es admirable la manera en que Fito, lleva adelante este exigente unipersonal, donde no solo representará al célebre pintor español. sino que también lo hará dialogar con alguna de las mujeres que compartieron su vida y también colegas que influyeron en su producción artística, todo ellos gracias a los recursos actorales de un enorme actor como Yanelli, que multiplicará personajes en el escenario.

Tuvimos el privilegio de estar en la primera fila de la sala y pudimos disfrutar a centímetros cada gesto, cada palabra y movimiento de una composición simplemente fenomenal. Una interpretación minuciosa, gutural y pasional de Fito Yanelli, que se mimetiza de manera admirable con el personaje que representa, para redondear un trabajo soberbio, de esos que no se olvidan y merecen premio al final de la temporada. Nuestra felicitación para Fito, un actor al que elogiamos ya en anteriores oportunidades, pero que acá nos dejó literalmente sin palabras, con un trabajo actoral, que sin dudas ubicamos en el podio de los mejores que vimos este año y les aseguramos que vemos varias obras por semana.

Y si encima a este gran trabajo actoral, le sumamos una puesta magnífica se imaginan los resultados. Expresar admiración para el diseño escenográfico que presenta la obra. El espacio escénico del Mil80, tiene características muy particulares, que posibilitan puestas muy íntimas, donde el espectador quedan inmerso en la escena. Y el entorno será de una belleza absoluta, con un espacio repleto de fotografías y reproducciones de gran cantidad de cuadros que nos hace sentir dentro del taller de Picasso. Un lujo el diseño escenográfico y también entre los más bellos que vimos en en año. Completan esta gran puesta, el diseño de iluminación de Marco Pastorino y el vestuario de María de los Remedios Ruiz. Ambos rubros agregan valor a una puesta sobresaliente.

Hasta acá vamos a contar, se habrán dado cuenta los lectores, que quedamos encantados con Un Picasso, una obra que nos permite tomar real dimensión de la importancia que tuvo este artista, que revolucionó su época. La obra logra humanizar su figura y traerlo a escena, como lo que realmente fue, un artista genial y apasionado, con excesos y miserias, mostrando tanto su genio creativo, como su lado más vulnerable y contradictorio.

Solo nos queda recomendar la obra, una de las mejores que vimos este año en el circuito del teatro independiente, con un texto muy rico de Javier Margulis, responsable también de una puesta fantástica, que construye el terreno ideal, para que Fito Yanelli nos regale una composición brillante, para poner en un cuadrito, recorriendo el legado de un artista visionario como Pablo Picasso, que transformó el arte del Siglo XX, uniendo genialidad, pasión y rebeldía en cada un de sus obras, mostrando el poder que tiene el arte para emocionar y dejar una huella eterna.

Pensador Teatral.

Segunda Vuelta.

Dramaturgia de Marco Calvani.  Dirección de Dana Basso.

Martes 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

Una dramaturgia potente y cercana, llega de la mano del italiano Marco Calvani, que estrenó Segunda Vuelta en la Bienal de Venecia en 2014, llegando ese mismo año a New York, teniendo  la obra, un recorrido muy exitoso por Italia y Estados Unidos, donde recibió numerosos elogios de parte de la crítica especializada y también algunos premios. Marco hace un año decidió actualizar el texto, para ser presentando en los escenarios argentinos y la pieza transita ya su segunda temporada en nuestro país, con muy buena respuesta de un público, que se sorprende por la vigencia de una trama que resulta muy actual.

Y de que trata la obra se preguntarán. La pieza nos presentará las historias de Phillip ( Bautista Duarte ) y Sofía ( Alexia Moyano ). En el arranque de la trama, serán para nosotros un profesor de filosofía y su alumna, que se encuentran en el departamento de Phillip, para una especie de clase particular de la materia. Hablarán de Sócrates, Platón y Hegel, entre otros filósofos. Discutirán sobre algunas de sus teorías y pensamientos. Pero se nota una particular tensión en ese intercambio, miradas filosas y exaltaciones en las palabras. Algo nos dice, que esos dos personajes, son mucho más que lo que aparentan.

Y pronto descubriremos que Phillip y Sofía, se conocen muy bien. Fueron hace muchos años, profesor y alumna. Así se conocieron. Se enamoraron y luego fueron pareja. Vivieron juntos en el hogar donde ahora se encuentran. Pero la vida muchas veces, no ofrece un camino de felicidad y las relaciones se rompen. Eso fue lo que ocurrió con ellos. Pasaron muchos años de aquella amarga despedida. Hoy se vuelven a encontrar y verse las caras nuevamente. No será un encuentro sencillo.  Las pasiones y heridas del pasado, aún están en carne viva y tratar de recuperar momentos que ya no existen, puede ser tan doloroso, como peligroso. Y hasta acá vamos a contar, para no revelar más momentos de una trama que tiene una muy buena cuota de suspenso.

Vamos a hablar de la magnífica dupla protagónica conformada por Bautista Duarte y Alexia Moyano, dos actores estupendos, de muy buen recorrido en el teatro independiente, que muestran toda su valía en una obra que requiere un fuerte compromiso emocional y actoral , ya que la dinámica de la historia es muy exigente y requiere una entrega absoluta de los protagonistas. No es una obra para cualquiera y tanto Bautista como Alexia, demuestran estar a la altura, con composiciones muy destacadas, donde literalmente se sacan chispas en escena.

Bautista Duarte, es quien lleva las riendas del encuentro, jugando muy bien el juego de la manipulación y de la victimización, parece haber estudiado previamente cada una de sus jugadas, pero como ya dijimos,  no debemos perder de vista, que esta es una de esas obras, donde las apariencias engañan y hasta ahí nos extendemos. Bautista, a quien elogiamos el año pasado, por su gran trabajo en Mongo y El Ángel, es un actor de gran trayectoria, no solo en el teatro y se caracteriza por dotar a sus personajes de una sensibilidad particular, algo que vuelve a mostrar aquí, con un Phillip que muestra múltiples caras. Gran composición de Bautista.

Y que decir de Alexia Moyano, actriz de gran recorrido y fuerte presencia esçénica, a quien recordamos haber elogiado hace unos años por su actuación en Mármol, obra que vimos en El Tinglado. Aquí tiene a su cargo a Sofía, que es un torbellino de emociones, no tiene claras las razones por la que asistió a aquel encuentro o más bien no quiere asumirlas, ya que sabe que está cometiendo un error. Su personaje es visceral y debe mostrarse fuerte y no mostrarse vulnerable, , porque sabe que si baja la guardia, Phillip puede envolverla y arrastrarla a arenas peligrosas. Estupenda interpretación de Alexia.

Tiempo de elogiar la atrapante y sensible puesta de Dana Basso, que sabe como generan una atmósfera de tensión creciente, a un texto que precisamente reclama ese clima. Destacar el diseño escenográfico austero de José Escobar, con pocos elementos en el escenario, solo una silla, una lámpara y una pila de libros en el piso, denotando que se trata de una casa fría y en descomposición. José también tiene a su cargo el vestuario, que colabora con las muy buenas caracterizaciones de los personajes.

Y hasta acá vamos a contar para mantener el suspenso. Segunda vuelta es un thriller psicológico crudo y potente, que nos hablará de seres rotos y relaciones tóxicas. El deseo enfermo, el poseer al otro a como dé lugar, mostrando una lucha de poder, que busca someter al otro, recurriendo a la violencia si fuera necesario. La obra nos habla del patriarcado y su lucha, para que la mujer guarde obediencia. La historia deja en evidencia, como muchas veces las relaciones amorosas, entran en un círculo vicioso de violencia y toxicidad, del que se hace muy difícil salir.

Por todo lo mencionado, recomendamos fuertemente la obra, que con una dramaturgia profunda logra llegar al corazón de un espectador, que no puede quedar indiferente ante la virulencia de un texto, que conmueve por su lamentable actualidad. Una dramaturgia muy bien elaborada, una puesta perturbadora y fenomenales composiciones de una dupla protagónica superlativa, son todos factores que se unen, para que vivamos una vibrante noche de teatro, que nos invitará a reflexionar y a estar alertas, cuando nos encontremos con una relación tóxica y nos recuerda que entre el amor y el odio, muchas veces se extiende un abismo tan mínimo, como devastador.

Pensador Teatral.

La Changuita

Dramaturgia y Dirección de Alejandro Lifschtiz.

Viernes 20 30 hs en Fandango Teatro ( Luis Viale 108 )

Una propuesta muy entretenida llega de la mano de La Changuita, obra escrita por Alejandro Lifschtiz, que con una fachada humorística y momentos desopilantes, logra desplegar una dramaturgia de varias capas, en las que poniendo el foco en la supuesta defensa de la cultura popular argentina, desentraña una trama de engaños y simulaciones, que se verán acentuadas por la llegada de un influencer estadounidense, que pondrá al descubierto los límites, que estamos dispuestos a superar y hasta cuando podemos rebajarnos, con tal de obtener una recompensa económica.

El arranque de la obra es sorprendente, ya que el espectador encontrará un espacio escénico inédito, con los personajes de espaldas al público. Están atendiendo La Changuita, el modesto puesto de venta de carne asada y choripanes ubicado en la Costanera Sur, que será el centro de la historia. Allí conoceremos a Gloria ( Graciana de Lamadrid ) y José ( Javier Barceló ), pareja y dueña del modesto negocio familiar, que trata de sobrevivir con lo que venden, algo complicado, porque la merma del público es notable. Cada vez tienen menos clientes, ya que la moda gastronómica, ahora tiene que ver con gustos internacionales, como el sushi, el ceviche o los tacos mexicanos. Cualquier a de esas opciones, parece mejor que la gastronomía autóctona, que muchos aún relacionan con nuestra cultura popular.

No es la mejor de las jornadas, están vendiendo poco y discutiendo mucho entre ellos. Para colmo ese día, también está en el puesto, Antonio ( Anibal Tamburri ), el padre de Gloria. Un hombre mayor. mal llevado y con problemas de salud, autodefinido como poeta y portando un tubo de oxígeno portátil para poder respirar. Pero la rutina de ese día, será modificada totalmente, con la llegada de Andrew, un influencer estadounidense, que está organizando un concurso entre sus seguidores de Instagram, con un premio de veinte mil dólares, para quien sea votado, como el mejor exponente de la cultura popular argentina y justamente La Changuita es uno de los postulantes a llevarse el premio.

El choque cultural entre el yankee  los dueños de local es notorio- Andrew es fan de la argentinidad,  romantizador de la pobreza y muestra una perturbador desequilibrio emocional. El encuentro arrancará cordial y tranquilo, pero a medida que las transmisiones del vivo ganan seguidores, la tensión irá en aumento, así como las exigencias de Andrew. Gloria y José, se muestran dispuestos a todo, incluso a ser humillados, para ganar aquel concurso y harán lo imposible para agradar las exigencias del foráneo, debiendo también luchar para que Antonio, el poeta maldito de José C Paz, calme su lengua filosa y no les haga perder el premio. Y hasta allí vamos a contar, solo les adelantaremos que serán testigos de momentos muy divertidos, bizarros y absurdos por momentos, en los que veremos una lucha de titanes, entre las absurdas exigencias del influencer y una obediencia a toda prueba de los dueños de La Changuita, que muestran una capacidad de aguante sin límite, con tal de ganar.

Tiempo de hablar de las notables actuaciones que presenta la obra. Arranquemos por la estupenda dupla protagónica conformada por Graciana de Lamadrid y Javier Barceló, Gloria y José, son los dueños del negocio que mostrarán sus diversas caras, discutiendo mucho entre ellos, encantadores de serpientes con los posibles clientes, despiadados con el viejo poeta y alevosamente serviles con el influencer foráneo. Nos encantó la dupla de Graciana y Javier, carismáticos y creando personajes muy creíbles, exagerando la gestualidad y siendo fieles exponentes de una artificial defensa de la cultura popular argenta.

Sigamos con Anibal Tamburri, a cargo de Antonio, el poeta maldito de José C Paz. Gran personaje este, dotado de la impunidad, que tienen aquellos que ya hicieron todo el recorrido, puedo vociferar sin filtro sus pensamientos y recitar poemas de dudoso gusto. Excelente lo de Aníbal. Y para el final, dejamos a Alejandro Lifschtiz. el propio autor, que además tendrá a cargo al personaje disruptivo de la historia, a Andrew, el personaje snob, que llegará como un mesías, para expandir sus pensamientos y mostrar sus  contradicciones. Exponente de la importancia actual de las redes sociales y de toda la estupidez que la rodea, Un personaje fascinante el de Andrew, con muchísimos matices para descubrir. Magnífica composición de Alejandro, redondeando de esta manera, un póker de actuaciones virtuosas, siendo todas ellas, importantes para el desarrollo de la historia.

La puesta es realmente un punto muy alto de la propuesta. Sobresaliente y muy original, el dispositivo escénico creado por Walter Maser, que ofrece el interior de un puesto de venta, y sus entrañas, donde se desarrollan las acciones, con el mostrador marcando los límites con el exterior, para un diseño tan vistoso, como efectivo. El vestuario de Mara Soraire, es otro rubro a destacar, ya que colabora con la muy buena caracterización de los personajes. Realmente atractiva y original la puesta.

Y hasta acá vamos a contar para no spoilear más de la cuenta. La obra tiene entre sus mayores virtudes, las múltiples lecturas que permite, siendo el espectador el que le podrá énfasis a la que más le llegue. En primer lugar, debemos mencionar el forzado mantenimiento de una cultura popular, que cada vez menos gente sigue, pero que de todos modos se sostiene, con exageraciones y simulaciones mediante. Otro tema que aparece, es el del poder de las redes sociales y el seguimiento casi ciego de las mismas, pese a que muchas veces proponen caminos sin sentido. Y por último, la trama explora, hasta donde podemos llegar en una situación de crisis, quedando habilitadas las humillaciones y soportar situaciones que en condiciones normales, no soportaríamos y en el caso de la trama, exacerbado esto ya que el que marca las pautas, es un ciudadano del primer mundo, al que miramos desde un piso inferior.

Por todo lo mencionado, recomendamos  La Changuita que resulta fiel exponente del teatro independiente, gracias a su dramaturgia realista y aguda, una puesta sumamente atractiva y actuaciones muy destacadas de un elenco que se mueve con gracia al ritmo de una trama muy entretenida. Por eso nada mejor que llegarse hasta el Fandango, para pedirse una bondiolita completa, mientras suena una canción de Gilda y corre aire fresco en una Costanera Sur que lucha por sobrevivir a las nuevas modas.

Pensador Teatral.

País de Nunca ( Ajedrez Fantástico )

Dramaturgia y Dirección de Guillermo Parodi.

Sábados 17 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una vistosa propuesta que combina teatro musical, magia y una mirada crítica a la realidad del país, es la carta de presentación de País de Nunca ( Ajedrez Fantástico ), esta original y creativa obra escrita por Guillermo Parodi, que se inspiró en  "A través del espejo " de Lewis Carroll, para presentar un cuento fantástico, que navegará entre sueños y pesadillas, con personajes fantásticos que parecen salidos de un cuento, pero sin perder de vista, la historia reciente del país, resultando una combinación tan extraña como fascinante.

La trama de la obra, fluirá entre lo onírico y lo real, siguiendo el recorrido de Irupé ( Lucía Palacios ), una muchacha que según comenta el autor, sería una especie de  Alicia del Litoral, que despertará al otro lado de un muro, en un mar de agua dulce donde las imágenes no reflejan lo que aparentan.  La protagonista recorrerá un campo que parece un gran tablero de ajedrez, que Guillermo Parodi, nacido en Corrientes, relacionó con los Esteros del Iberá, un gran tablero de islas flotantes, que resulta peligroso para quienes no lo conocen.

Irupé parece inmersa en un sueño o una pesadilla, dependiendo los casilleros que irá atravesando y los misteriosos personajes que irán apareciendo en su camino. Los mismos entrarán y saldrán de puertas y espejos, mostrando una aparente amabilidad, cuando la verdadera intención es que la muchacha quede atrapada en el mundo que se le presenta, con lógicas impuestas y sin posibilidad de modificar el status quo vigente, impuesto por los que detentan el poder. En aquel mundo, están prohibidas las preguntas, el pensamiento crítico y sobre todo soñar. Los sueños están prohibidos y eso debe quedar  bien claro. Pero nuestra protagonista, no se va a resignar tan fácilmente y las estructuras de este ajedrez fantástico van a crujir. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, en una obra donde las sorpresas son una constante y los espectadores gustosamente se entregarán al viaje onírico que le proponen.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra. Y aquí nos vamos a tomar nuestro tiempo, porque el relato tiene personajes fascinantes, que se construyen, gracias a las exquisitas composiciones y caracterizaciones de los seis actores reunidos, que se entregan por completo a la magia de un relato de algo vuelo poético y creativo. En nuestra opinión, la gran revelación de la noche es Lucía Palacios, como Irupé, que nos regala una composición deslumbrante cargada de sensibilidad y emocionalidad. Destacar de Lucia, su gran gestualidad y una voz hermosa, que se luce en las partes cantadas de la trama, que la tienen como protagonista. Nos encantó su trabajo.

Y si tenemos que hablar de trabajos destacados, enseguida tenemos que mencionar a Lorena Szekely, como la Reina Roja o Victoria de la Villa Cruel, una mezcla de Reina de Corazones con la frivolidad y el poder, de nuestros gobernantes. Lorena es una estupenda actriz, a la que elogiamos en muchas oportunidades en este sitio y aquí mostrando todo su histrionismo y dueña de una gran presencia escénica, compone a un personaje tan delirante, como reconocible, que merece verse.

Los personajes femeninos se completan con Inda Buh, como el Hada Epuri, el reflejo de Irupé, que con sensibilidad jugará con los muchos espejos que veremos en el escenario, generando escenas muy bellas junto a la protagonista. Sigamos con El Gran Calibán, actor y mago, que aquí será el Pombero, personaje fantástico de la mitología guaraní, con un trabajo soberbio, mostrando sus dotes como actor, incorporando trucos de magia a la trama y siendo también músico en vivo, en varias partes de la obra. Gran trabajo de El Gran Calibán, con su imponente cabellera blanca.

Y nos queda mencionar a dos personajes, que también tienen papeles muy destacados. Uno de ellos es Guillermo Flores, como el Gnomo Cruel, una especie de bufón al servicio del poder, siempre fiel al régimen de turno. Destacar la corporalidad y expresividad de un personaje de doble cara, muy reconocible. Estupendo lo de Guillermo. Y para el final, dejamos a Marcelo Rodríguez, como El Huevo o Dos Onzas, una especie de poeta, que luce como un soplo de aire, entre tantos villanos, luchando en minoría y tratando de acompañar a la muchachita. Buenísimo su trabajo, muy gestual y hablando mucho con su cuerpo. Que bueno lo de Marcelo.

Esta, es una de esas obras, todos los trabajos actorales son importantes para el desarrollo de la trama y la dramaturgia les permite a todos, más allá del protagonismo, con momentos de gran lucimiento, Ya es tiempo de hablar de la fenomenal puesta que presenta la obra, siendo sin dudas uno de sus puntos más altos. Impacta el diseño escenográfico de Fernando Díaz, que presenta el escenario de la sala principal del Teatro del Pueblo, con piezas de ajedrez gigantes, espejos, puertas y mucho más. Un deleite visual y sensorial. Sobresaliente el vestuario de Jorgelina Herrero Pons, caracterizando en gran forma a todos los personajes, de pies a cabeza, no se pierdan por favor el vestuario de la Reina Roja. 

Párrafo especial para la música original de Juan Pablo Martini, a cargo del piano además y a Nicolás Lastra en bandoneón. El diseño lumínico del propio Guillermo Parodi, genera muy buenos climas a lo largo de un relato, que atrapa al espectador desde el comienzo. Y vale acá la felicitación para Guillermo, por esta puesta tan bella y tan creativa, que sumerge al público en un universo poético,  mostrando que con ingenio y mucho trabajo, el teatro independiente, puede presentar puestas que no tienen nada que enviarle al circuito comercial.

Y hasta acá vamos a contar, País de Nunca ( Ajedrez Fantástico ), es una original y valiosa propuesta, que combina teatro musical con magia y un mundo de fantasía. Una propuesta que abreva en los universos de Lewis Carroll, María Elena Walsh, Serú Girán, Teresa Parodi y del gran escapista Houdini, todos ellos estarán presentes, en un relato que juega mucho con las metáforas y el vuelo poético, dejando que el espectador encuentre diferentes interpretaciones, según su mirada.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar esta bella obra, que invita al espectador a emprender un viaje fantástico, donde la magia, la música y lo poético dirán presentes, de la mano de un texto que juega entre lo onírico y la realidad del país, con una puesta que resulta una verdadera joyita y actuaciones exquisitas, que nos recuerdan que pase lo que pase, nadie nos puede quitar nunca la posibilidad de soñar y luchar por un mundo mejor.

Pensador Teatral.