The Old Man and the Old Moon.

 Dirección General de Susana Golletti . Dirección Musical de Nacho Pelaezz y Sebastián Aldea Dávila.

Miércoles 20 hs en Paseo La Plaza ( Av, Corrientes 1660 ) 

Hermosa noche de teatro vivimos con The Old Man and the Old Moon , un bello musical que llega a Buenos Aires desde el Off-Broadway neoyorquino para invitarnos a disfrutar de una fábula cargada de fantasía, ternura y aventura. Creada por la compañía estadounidense Pig Pen Theatre Co., la propuesta nos sumerge en un universo poético en el que la música, lo lúdico y la imaginación se combinan para contar una historia con tintes fantásticos.

Los protagonistas son un hombre y una mujer. Él tiene una particular misión vinculada con la luna, a la que debe mantener iluminada todas las noches. Pero la rutina se verá alterada, cuando una noche y manera imprevista su esposa dejará la casa y se verá obligado a emprender una travesía inimaginable para encontrarla, dejando atrás su mundo conocido y lanzándose a una aventura que lo llevará por caminos inesperados. Una búsqueda impulsada por el amor, pero también por el deseo de descubrir qué hay más allá de los límites de su propia existencia.

A partir de allí, comienza una travesía por los mares, con encuentros con célebres marineros. tripulantes díscolos y la búsqueda de ciudades fantásticas. La luna permanece siempre como telón de fondo de este recorrido, una presencia que acompaña al protagonista mientras se enfrenta a situaciones insólitas y descubre nuevos mundos. La historia avanza como una fábula que nos invita a dejarnos llevar por la aventura, la poesía y la ternura de sus personajes.

El elenco de doce actores es uno de los grandes atractivos del espectáculo. Además de actuar, los intérpretes cantan, bailan y tocan diferentes instrumentos, desplegando una gran variedad de recursos y poniendo el cuerpo al servicio de la historia. Nos encantó el trabajo de este joven elenco, que se entrega por completo a la propuesta y sostiene con energía y entusiasmo cada momento de la función.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar algunos trabajos que entendemos merecen destacarse, arrancando por Pato Witis, como el hombre, el protagonista de la historia, el que deberá dejar su vida conocida, para adentrarse en aguas y terrenos muy peligrosos, debiendo tener que adoptar una identidad falsa, para poder ser parte de la travesía y hasta ahí contamos. Gran trabajo el de Pato, a la altura de un protagónico exigente.

Otro gran trabajo, es el de Julián Rubino, como Callahan. Con gran presencia escénica y un histrionismo a flor de piel, regala momentos muy festejados por el público. Juan Alvarez Prado como Matheson es un personaje muy importante en la trama y además hace las veces de presentador de la historia, por lo que queremos mencionarlo. Y una de las grandes revelación de la obra, a nuestro entender es Guadalupe Devoto, como Mabelu, que compone un personaje muy divertido y super gestual. Nos gustó mucho su trabajo y su entrega.

Pero, como dijimos más arriba, esperamos que estas menciones no resulten injustas para el resto del elenco, ya que los intérpretes forman un bloque compacto y necesario para el desarrollo de la obra. La entrega es colectiva y eso se percibe en la dinámica de las escenas y en la capacidad de los artistas para construir situaciones y espacios con sus propios cuerpos. A esto se suma la música, uno de los puntos fuertes de la obra, que aporta belleza y acompaña de manera permanente el desarrollo de esta aventura.

La puesta en escena merece un párrafo aparte por su creatividad y su carácter artesanal. El uso de las sombras es uno de sus recursos más interesantes: a partir de ellas se construyen imágenes y situaciones que estimulan la imaginación del público  La escenografía es austera, el protagonismo lo tendrán los actores.  No hace falta mostrarlo todo para transportarnos a otros lugares. La propuesta apuesta por un lenguaje artesanal, apoyado en el teatro físico y en la capacidad de sugerir, que encuentra en la imaginación una de sus mayores virtudes, llegando a los espectadores, gracias a la buena factura de las actuaciones.

The Old Man and the Old Moon nos propone un viaje fantástico en busca de aventuras, surcando mares y cielos, con la luna siempre presente y acompañando cada paso de esta hermosa fábula. La música, las sombras y el trabajo físico de los actores se combinan para dar vida a una historia muy bien contada que nos invita a dejarnos llevar por la imaginación. Además, es un gusto que una propuesta que llega del Off-Broadway pueda disfrutarse en Buenos Aires, acercándonos una experiencia teatral original de gran creatividad.

Recomendamos descubrir esta creativa y tierna obra, Una de esas propuestas que nos recuerdan que el teatro puede sorprendernos sin necesidad de grandes despliegues, apelando a la inventiva, al talento de los actores y a las ganas de contar una buena historia. Una invitación a viajar por mundos fantásticos y a recuperar por un rato la ilusión de aquellos cuentos que nos contaban cuando éramos chicos y que nos hacían soñar con aventuras extraordinarias.

Pensador Teatral.

The Old Man and the Old Moon. . Reseña teatral- Paseo La Plaza. 

La Mesa

Dramaturgia de Andrea Ojeda. Dirección de Diego Cazabat.

Jueves 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Estamos en presencia de una propuesta fuerte e intensa de Andrea Ojeda que expone, con una crudeza que por momentos duele, situaciones que pueden atravesar a muchas familias. La muerte de un ser querido puede quebrar definitivamente aquello que parecía unido, dejando a quienes quedan sin saber muy bien cómo continuar. En La Mesa o las formas que toma el amor, una familia se reúne alrededor de una mesa después de la muerte del padre y, a partir de ese momento, comienzan a aparecer las miserias que permanecían ocultas. La codicia, la envidia, la avaricia, la falta de empatía, el desprecio por lo que piensa el otro y viejos resentimientos salen a la superficie hasta provocar una verdadera implosión familiar.

La obra transita ese territorio con una crudeza que no busca suavizar lo que muestra. Hay algo reconocible en esas discusiones, en los reproches y en la imposibilidad de escucharse, aunque aquí muchas de esas situaciones aparecen llevadas al extremo. Y justamente allí está una de sus mayores fortalezas: exagerando determinadas conductas, La Mesa consigue poner frente al espectador sentimientos y miserias que existen y que muchas veces permanecen escondidos hasta que un hecho límite los hace estallar. El amor familiar, entonces, aparece dominado por las experiencias negativas, atravesado por el poder, el resentimiento, la necesidad y la imposibilidad de perdonar., quedando esto muy expuesto en el trato que le dan a la madre, a la que destratan de una manera despiadada.

Con dirección de Diego Cazabat, la obra construye alrededor de esa mesa un laberinto familiar, del que resulta imposible escapar indemne. Son siete los actores en escena, cada uno tiene su propio conflicto y su propia manera de enfrentarse con los demás, con un conjunto que  funciona con una intensidad que sostiene el despliegue escénico. Queremos destacar especialmente la composición de Alejandra Tabach, como Marianella, la madre, que ocupa un lugar fundamental dentro de esa familia desmembrada,  Sin casi tener que hablar, su presencia desde el silencio y las miradas, es notable. Gran trabajo de Alejandra.

Pero hay que dejar en claro, que la destacable actuación de la madre, no opaque el gran trabajo del resto del elenco. Las tres hijas, interpretadas por Luz Miraldi, Carolina Del Valle y Ana Rodríguez, y los tres hijos, a cargo de Mario Gutiérrez, Marco Álvarez y Juan Bampini, construyen personajes complejos y muy diferentes entre sí, que protagonizan una verdadera guerra de todos contra todos. En ese enfrentamiento permanente aparecen numerosas facturas pendientes que se pasan de unos a otros, viejos rencores, reproches y.heridas que parecían guardadas y que ahora encuentran el momento para salir a la luz, muchas veces con una violencia extrema.

Diego Cazabat consigue así una puesta despiadada y perturbadora, donde el clima acompaña permanentemente la tensión de la historia. Se destaca especialmente el magnífico diseño de vestuario de Julia Fassone , caracterizando muy bien a los personajes. La penumbra, la oscuridad y el espacio cerrado generan una atmósfera asfixiante, casi de pesadilla. Hay momentos en los que La Mesa se acerca al terror, no necesariamente por lo que sucede en escena sino por aquello que puede reconocerse detrás de esa violencia: la crueldad con la que personas unidas por la sangre pueden llegar a tratarse.

Y hasta aqui vamos a contar, La Mesa es una propuesta fuerte, valiente y políticamente incorrecta. No intenta quedar bien con nadie ni presentar una imagen amable de los vínculos familiares. Por el contrario, se anima a llevar algunas situaciones al límite para mostrar, sin medias tintas, los peores sentimientos de la condición humana.

Es una obra que incomoda y por momentos duele, con actuaciones de gran nivel y una puesta perturbadora que potencia la crudeza de lo que se cuenta. Lo que más me queda es esa sensación de estar frente a una familia que, una vez desaparecida la figura que la sostenía, deja caer todas sus máscaras. Aparecen entonces los resentimientos, las rivalidades y las miserias que permanecían escondidas, dejando al descubierto una realidad tan dolorosa como reconocible: muchas veces, el interés económico termina imponiéndose sobre los afectos.

Pensador Teatral.

La Mesa. Reseña teatral de la obra de Andrea Ojeda, dirigida por Diego Cazabat, en el Centro Cultural de la Cooperación.

Nido de Lagarto.

 Dramaturgia y Dirección: Franco Verdoia.

Lunes 20.30 hs en El Extranjero (Valentín Gómez 3378)

Estamos en presencia de una sensible y jugada propuesta de Franco Verdoia, dramaturgo cordobés,  que se atreve a bucear en un tema poco explorado en el teatro: el amor y el deseo en la tercera edad. Nido de Lagarto es, además, la tercera y última obra de Teatro Animal, la trilogía que Verdoia  que arrancó con Late el Corazón de un Perro y continuó con Matar a un elefante. Tres historias diferentes, pero atravesadas por el mundo animal y por personajes que transitan vínculos conflictivos y secretos guardados bajo siete llaves.

En esta oportunidad, Gloria ( Silvina Sabater ) y el Vasco ( Horacio Acosta ) son dos amantes que se conocen desde jóvenes y llevan cuatro décadas manteniendo una relación clandestina. Cada uno hizo su vida, tuvo su pareja y siguió su camino, pero nunca pudieron dejar atrás las ganas de volver a verse. Por eso, de manera regular, se encuentran a escondidas en un albergue de ruta  regenteado por el Panza, que terminó convirtiéndose en el refugio de ese amor que debe permanecer a resguardo de la mirada de los otros.

Nido de Lagarto habla del amor, del deseo, de los recuerdos y del paso del tiempo. Verdoia se anima a mostrar a estos dos amantes sin ocultar las marcas que dejaron los años. Los cuerpos cambiaron, aparecen algunas dificultades propias de la edad y la memoria también puede jugarles alguna mala pasada, pero el deseo sigue estando. Y esto es quizás uno de los aspectos que más nos marcó de la propuesta: entender que el paso del tiempo no significa dejar de sentir, de desear o de enamorarse.

La historia tiene momentos de humor que aparecen naturalmente, en medio de situaciones que también tienen algo de melancolía. Nos reímos con ellos, pero también entendemos que detrás de algunas palabras, de ciertos silencios y de esas pequeñas discusiones hay muchos años compartidos. Porque Gloria y el Vasco se conocen demasiado, saben cómo lastimarse, pero también saben perfectamente cómo volver a acercarse. Y después de cuarenta años, ese vínculo sigue teniendo una fuerza enorme.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones de la dupla protagónica, conformada por Silvina Sabater y Horacio Acosta, que simplemente están fenomenales.  Hay mucha química entre los dos y eso se nota desde el comienzo. No necesitamos que nos expliquen demasiado sobre la relación entre Gloria y el Vasco: aparece en las miradas, en los gestos, en la manera en que se hablan, como se miran y hasta en sus silencios.

Nos gustó especialmente cómo construyen personajes que no son solamente dos amantes mayores. Son dos personas con una larga historia de vida, con hijos que criaron y matrimonios que pese a todo, siguen en pie. Silvina y Horacio consiguen que nos olvidemos de que estamos viendo una obra y por momentos sentimos que estamos espiando sus encuentros reales. Resaltar la entrega de ambos y en lo personal, siempre disfrutamos de ver en escena, a actores de gran trayectoria, mostrando su vigencia. Felicitamos a ambos.

La puesta es íntima, algo que nos parece fundamental para esta propuesta. El espacio del albergue nos acerca mucho a los protagonistas y hace que seamos casi testigos de esos encuentros clandestinos. Para destacar el diseño de luces de Matías López Stordeur, que contribuye al clima íntimo que la historia pide, al igual que el diseño escenográfico de Cecilia Zuvialde, con los elementos justos, para darle el marco de calidez, que mejor pega con la propuesta.

Y hasta acá vamos a contar. Porque hay situaciones y momentos de la obra que es mejor descubrir en la sala, acompañando a Gloria y al Vasco en cada encuentro. por lo que no queremos spoilear. Nido de Lagarto es una valiosa y sensible propuesta, que llena la sala desde su estreno y que obtuvo nada menos que 5 Nominaciones a los Premios Ace y luego de ver la obra, nos queda claro el porqué.

Por todo lo mencionado, recomendamos Nido de Lagarto, una sensible historia de amor y pasión que se anima a mostrar que el paso del tiempo puede transformar los cuerpos, pero no necesariamente aquello que permanece vivo en el corazón. Con las magníficas actuaciones de Silvina Sabater y Horacio Acosta y una puesta íntima, es una obra que nos recuerda que hay amores que, pese a todo, siguen vivos, desafiando al tiempo y a las decisiones de la vida.

Pensador Teatral.

Nido de Lagarto.  Reseña teatral de Franco Verdoia, en el Teatro El Extranjero.

Siete Estaciones para Hablar de Amor

Dramaturgia y Dirección de Victoria Hladilo.

Lunes 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una propuesta donde la pasión, el deseo y la traición se entrelazan a medida que avanza la historia son el punto de partida de Siete Estaciones para Hablar de Amor, la obra escrita y dirigida por Victoria Hladilo e inspirada en el cuento Del Amor, de Antón Chéjov. Ambientada en el interior campestre de la provincia de Buenos Aires, a comienzos del siglo XX, la historia nos presenta a tres personajes cuyos vínculos irán cambiando cuando aparecen sentimientos que ya no resulta tan sencillo ocultar. Desde el comienzo, la obra consigue atraparnos, construyendo un clima de tensión que irá creciendo a medida que la trama avanza.

La historia nos lleva hasta una estancia, donde conocemos a Gregorio ( Carlos Belloso )  y Ana ( Laura ) , un matrimonio de muy buena posición, y a Pablo ( Manuel Vignau ) , que llega para compartir unos días con ellos. Entre los tres se establece rápidamente un vínculo de amistad y confianza, pero algo empieza a cambiar. Una mirada, una conversación, una cercanía que quizás antes pasaba inadvertida. Lo que parecía una relación sencilla entre amigos empieza a complicarse cuando aparecen sentimientos que cada vez se volverán más fuertes.

Y ahí está uno de los mayores atractivos de la obra. La dramaturgia no necesita apurarse para plantear el conflicto. Lo va construyendo de a poco, dejando que los personajes se vayan metiendo casi sin darse cuenta en una situación cada vez más difícil. Los silencios dicen tanto como las palabras y las miradas empiezan a tener otro significado. La amistad, los celos, el deseo y las diferencias sociales se cruzan en una historia donde cada decisión y cada renunciamiento, pueden traer consecuencias.

Además, hay algo que funciona muy bien: nunca sabemos del todo hasta dónde pueden llegar los personajes. La tensión se mantiene y, cuando aparecen momentos de humor, sirven para aflojar un poco ese clima, pero enseguida la historia vuelve a ponerse seria. Es una obra que habla de amor, claro, pero también de esas situaciones en las que sabemos perfectamente qué deberíamos hacer y, sin embargo, terminamos haciendo otra cosa.

Las actuaciones son uno de los puntos más fuertes de la propuesta. Carlos Belloso, como Gregorio, tiene una presencia enorme y construye un personaje intenso, con momentos de humor pero también con una personalidad que se vuelve cada vez más fuerte a medida que avanza la historia. Resulta un verdadero privilegio ver a un actor de los quilates de Carlos, protagonizando en el teatro independiente. Laura Nevole está magnífica como Anna, transmitiendo muy bien sus deseos, sus dudas y todo aquello que muchas veces su personaje no puede decir. Laura es una actriz que nos encanta y aún recordamos su gran trabajo en Trópico del Plata, estupenda obra del off, que vimos hace varios años en Espacio Callejón. Tiene una enorme sensibilidad, que transmite de gran forma a sus personajes. Y Manuel Vignau aporta mucha frescura como Pablo, además de sorprender con sus habilidades con la guitarra. Es el tercero en discordia y se luce mucho en un personaje que genera mucha empatía. Los tres funcionan muy bien juntos y forman un triángulo que resulta fundamental para sostener el clima de la obra.

La puesta nos gustó mucho. La escenografía, con mucho verde, genera desde el primer momento ese ambiente campestre en el que transcurre la historia y tiene una presencia muy importante dentro del escenario. El vestuario acompaña muy bien la época y ayuda a darle identidad a cada personaje, mérito de Gabriella Gerdelics, a cargo del vestuario. Y la música aparece en los momentos justos, especialmente cuando Vignau toma la guitarra, aportando algo diferente y sumando mucho a la propuesta. Son detalles que agregan mucho valor a un puesta que atrapa al espectador.

Y hasta acá vamos a contar, solo nos queda recomendar Siete Estaciones para Hablar de Amor plantea algo que todos conocemos, aunque probablemente ninguno pueda explicar del todo: los sentimientos no siempre responden a la lógica. Podemos intentar controlarlos, podemos pensar qué está bien y qué está mal, pero no siempre alcanza. La obra también habla de la amistad, de las traiciones y de lo difícil que puede ser seguir aquello que nos dicta el corazón cuando sabemos que hacerlo puede lastimar a otras personas.

Nos gustó mucho la propuesta de Victoria Hladilo. Una historia que atrapa, que tiene buenos momentos de humor y otros de mucha tensión, que se potencia con un elenco de lujo para el teatro independiente. La obra invita a disfrutar y también a reflexionar sobre los misterios del amor, que tiene sus propios laberintos y no siempre sabemos hacia dónde nos llevan. A veces creemos conocer el final de una historia, pero nuestras decisiones se encargan de desmentirnos.

Pensador Teatral.

Siete Estaciones para Hablar de Amor | Victoria Hladilo | Carlos Belloso | Laura Nevole | Manuel Vignau | Teatro del Pueblo | crítica teatral

Salvajada

 Dramaturgia de Mauricio Kartun. Dirección de Luis Rivera López.

Martes 20 hs en Teatro Astros ( Av. Corrientes 746 ) 

 Un bello y creativo texto de Mauricio Kartun inspirado en el cuento “Juan Darién”, de Horacio Quiroga, nos presenta la historia de un tigre que, para sobrevivir, adopta forma humana y crece dentro de una sociedad que inicialmente lo recibe con afecto. Pero cuando su verdadera naturaleza sale a la luz, aquello que parecía aceptación se transforma en rechazo y persecución. A partir de esta hermosa fábula, Kartun construye un relato que, detrás de la fantasía, nos habla de una problemática profundamente humana: la dificultad para aceptar a quien es diferente y la crueldad que puede despertar aquello que escapa de lo que consideramos normal.

Juan Darién ( Pablo Mariuzzi ) es un niño diferente que intenta encontrar su lugar entre los demás.. Quiere integrarse, formar parte de una comunidad y vivir como uno más, pero alcanza con que los demás descubran aquello que lo distingue para que todo cambie. La obra muestra cómo el hombre puede pasar rápidamente de la aceptación al rechazo y cómo, frente a lo diferente, muchas veces resulta más sencillo señalar, perseguir y maltratar que intentar comprender. Una historia que adquiere una enorme potencia porque, aunque está contada como una fábula, refleja comportamientos que lamentablemente siguen formando parte de nuestra realidad.

Kartun toma el cuento de Quiroga y lo lleva al escenario construyendo una propuesta que transita por diferentes estados. Salvajada tiene momentos muy divertidos, otros de enorme ternura y también escenas que conmueven profundamente. La risa aparece y nos permite disfrutar de la historia, pero poco a poco el relato revela su costado más oscuro. Esa combinación entre humor y tristeza funciona especialmente bien porque el espectador queda involucrado emocionalmente con Juan Darién y termina sufriendo con él cuando aquello que parecía un mundo de aceptación comienza a convertirse en un espacio de violencia y exclusión.

La puesta de Luis Rivera López es magnífica. Los títeres son asombrosos y tienen una presencia fundamental dentro de la historia, conviviendo permanentemente con los actores y formando parte de la narración. A esto se suma un vestuario realmente destacado y una propuesta visual de enorme belleza, que incorpora diferentes recursos escénicos para construir este particular universo, incluyendo a la música. Todo está al servicio de la fábula y permite que la historia adquiera una belleza visual que sorprende.

Las actuaciones son estupendas y hay que detenerse especialmente en la fenomenal composición de Pablo Mariuzzi como Juan Darién. Su trabajo fue reconocido con el ACE de Oro, además del premio a Actor Protagónico en Comedia Dramática. Mariuzzi a quien elogiamos ya en muchas oportunidades en este blog, es un actor de enorme versatilidad y aquí construye un personaje entrañable, atravesando con enorme sensibilidad las distintas etapas de su historia. Hay inocencia, ternura, dolor y desesperación en su interpretación, Un trabajo de enorme entrega  el de Pablo, para un protónico muy complejo, que justifica plenamente los reconocimientos recibidos.

Valentina Bassi, como la Madre, aporta también una enorme sensibilidad y se convierte en una figura fundamental en la primer parte del relato. Mención especial para Monica Filippa, que oficia como una especia de presentadora de la historia, cumpliendo esa función en gran forma. También hay que resaltar la tarea de Gustavo Masó, como el Inspector y el Domador, con un histrionismo a flor de piel, que no pasad desapercibido. No seamos injustos con el resto del elenco, que acompaña en gran forma, una propuesta que exige múltiples recursos, ya que los intérpretes deben transitar diferentes personajes y, al mismo tiempo, interactuar con los títeres que son parte esencial de la puesta.

Salvajada emociona y conmueve porque detrás de la belleza de la fábula aparece una mirada muy dura sobre la condición humana. La historia de Juan Darien nos habla de la intolerancia, del rechazo a quien es diferente y de cómo una comunidad puede unirse para señalar y perseguir a quien no encaja. Una obra que nos hace reír y disfrutar de sus títeres y de su puesta, pero que también nos obliga a mirarnos y preguntarnos qué hacemos frente a aquello que consideramos distinto.

Por todo lo comentado, solo nos queda recomendar esta entrañable propuesta. Salvajada es una obra hermosa y potente, con una historia que conserva la esencia del cuento de Quiroga y una puesta de enorme riqueza visual. Una fábula que entretiene, emociona y nos deja pensando. El largo y merecido aplauso del público al finalizar la función fue el mejor cierre para una noche a puro teatro.

Pensador Teatral.

Por Amor a Mara.

Dramaturgia de Diego Carreño. Dirección de Carlos Belloso.

Sábados 20 hs en La Carpintería ( Jean Jaures 858 )

Una propuesta muy divertida, que nos habla de una pareja en crisis, es la carta de presentación de Por Amor a Mara, la nueva obra escrita por Diego Carreño y dirigida por Carlos Belloso. Una pareja que lleva muchos años juntos, una terapia poco convencional y una serie de situaciones disparatadas son los ingredientes de esta comedia que combina el absurdo con los vínculos heridos, apoyándose en un constante e inteligente juego con las palabras y el vocabulario.

Mara ( Cecilia Roche ) y Darío ( Diego Carreño ) atraviesan una crisis de apariencia terminal y recurren a una particular terapia para intentar encontrar una salida. Pero lejos de ordenar las cosas, el encuentro con Constelación ( Sol Canesa ) y Astro ( Miguel Vigna ) irá llevando la situación hacia lugares cada vez más insólitos. En ese recorrido aparece uno de los aspectos más interesantes de la propuesta: cómo los recuerdos pueden transformarse con el paso del tiempo y terminar acomodándose a aquello que pensamos, sentimos o necesitamos creer, alejándose de la realidad.

El texto de Carreño tiene en el juego con el vocabulario uno de sus puntos fuertes. Las palabras adquieren diferentes sentidos, aparecen equívocos y las conversaciones se convierten en verdaderos duelos verbales. Hay inteligencia en la manera de construir esos intercambios, pero también mucha diversión. La obra no necesita recurrir permanentemente a un humor convencional: muchas veces alcanza con una palabra, una mueca de alguno de los actores o una respuesta inesperada para provocar la risa.

La puesta de Carlos Belloso acompaña ese espíritu y apuesta decididamente por el absurdo. Todo está llevado un poco más allá de lo razonable, desde las discusiones de la pareja hasta las intervenciones de los profesionales de la terapia. El histrionismo de los personajes y la exageración de determinadas situaciones generan un ritmo muy entretenido y hacen que la función transcurra con mucha agilidad.

Tiempo de hablar de las actuaciones del cuarteto protagónico, Diego Carreño la rompe como Darío. Ya lo habíamos visto y elogiado en La Lengua es un Músculo, pero el Lenguaje es un Virus, un gran éxito del off, con varios años en cartel. Allí mostraba su veta humorística en un unipersonal. Aquí siendo parte de un elenco más grande, muestra una enorme capacidad para manejar los tiempos de la comedia y construye un personaje entrañable. Sus gestos, sus reacciones y la forma en que defiende su propia versión de los acontecimientos generan varios de los momentos más divertidos de la obra. Gran trabajo de Diego. 

Cecilia Roche, como Mara, está muy bien como contrapunto de Darío. Su personaje tiene su propia memoria de la relación y una propia versión de lo sucedido. Roche navega entre la sensibilidad y el absurdo, con momentos en los que aparece algo más reconocible detrás de la mujer que intenta entender qué pasó con su pareja, luchando por conservar el vínculo.

Sol Canesa como Constelación y Miguel Ángel Vigna como Astro completan el elenco con dos personajes que aportan una cuota adicional de absurdo. Los profesionales encargados de esta particular terapia son parte fundamental de la dinámica de la obra y ambos actores aprovechan muy bien las posibilidades que les brinda el texto para .construir personajes exagerados y desopilantes. Los espectadores deberán estar muy atentos porque, cerca del final, sus personajes tendrán una vuelta de rosca muy interesante y hasta allí contamos.

 Por Amor a Mara, hace reír mucho. Pero también tiene un pequeño efecto incómodo, porque detrás de las situaciones disparatadas podemos reconocer algunas cosas bastante reales. Las discusiones de pareja, los reproches, las diferentes maneras de recordar una misma situación y esa tendencia a acomodar el pasado según nuestra propia mirada forman parte de un universo que resulta inquietantemente cercano.

Y ahí está uno de los aciertos de la obra: utilizar el absurdo y la exageración para hablar de algo tan cotidiano como una pareja que intenta sostenerse después de muchos años. Nos reímos de Mara y Darío, de sus discusiones y de esa terapia tan particular, pero también podemos terminar preguntándonos cuánto de esas situaciones disparatadas existe, en menor medida, en nuestras propias relaciones.

Por todo lo comentado, solo nos queda recomendar esta propuesta. Una comedia ágil, inteligente y muy entretenida, donde el lenguaje, el absurdo y las actuaciones se combinan para regalarnos una noche de mucho humor. Y en tiempos de tanta crispación, encontrar en el teatro un espacio para olvidarnos por un rato de los problemas, relajarnos y reírnos con ganas, es una terapia que recomendamos.

Pensador Teatral.

Por Amor a Mara. Reseña teatral de la obra de Diego Carreño dirigida por Carlos Belloso en Teatro La Carpinteria.

Telefonistas

Dramaturgia y Dirección de Martín Ortíz. 

Viernes 20 30 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Hay hechos de nuestra historia que, pese a su enorme gravedad, con el paso del tiempo parecen quedar relegados a un segundo plano. Telefonistas, de Martín Ortiz, recupera uno de ellos y lo hace desde un lugar sumamente original: la cotidianeidad de tres mujeres que trabajan en la Casa Rosada el 16 de junio de 1955, mientras afuera se prepara uno de los episodios más trágicos de nuestra historia reciente.

Aquel día, aviones de la Marina y la Fuerza Aérea bombardearon Plaza de Mayo en un intento de derrocar al gobierno de Juan Domingo Perón, dejando al menos 300 muertos civiles. Sin embargo, la obra no se propone reconstruir el hecho histórico desde una mirada documental, sino utilizarlo como punto de partida para una ficción que nos permite acercarnos a ese momento a través de personas comunes, que cumplen con su rutina laboral sin imaginar que la violencia está a punto de irrumpir en sus vidas.

Y allí aparece uno de los grandes aciertos de Martín Ortiz, quien no es la primera vez que genera ficciones históricas muy valiosas. En este caso, mientras la tragedia se aproxima en silencio, la vida cotidiana continúa. Rosa ( Carla Haffar ) , Margarita ( Celeste Gerez ) y Mabel ( Luciana Procaccini )  , las telefonistas de la Casa Rosada, conversan, se cuentan sus cosas, discuten, intercambian chismes, hablan de sus relaciones y un poco de política, bajo la atenta miraada del Coronel Navarro (Cristian Sabaz), su superior, que visita asiduamente su lugar de trabajo.

La dramaturgia expone hábilmente las diferencias ideológicas entre ellas, sus distintas maneras de mirar la realidad y cómo se manejan frente a los rumores e intrigas que circulan por los pasillos de la Casa Rosada. El trabajo de las telefonistas, además, nos introduce en un universo que hoy resulta casi prehistórico: recibir llamadas, conectar comunicaciones y derivarlas manualmente, en una época en la que un teléfono celular y un mensaje de WhatsApp eran algo inimaginable.

De esta manera, Telefonistas consigue que la historia grande se filtre dentro de la vida pequeña. Porque mientras las protagonistas siguen con sus tareas habituales, el contexto político va ganando espacio y aquello que parecía lejano comienza a sentirse cada vez más cerca. La obra nos recuerda que muchas veces la rutina puede cambiar en cuestión de segundos y que la violencia, cuando aparece, no siempre avisa.

La dramaturgia encuentra un interesante equilibrio entre la comedia y la tragedia. Hay momentos de humor, situaciones que generan risas y diálogos ágiles, pero a medida que la trama avanza se va instalando una tensión creciente. Sabemos que algo terrible se aproxima y esa certeza modifica nuestra manera de mirar cada conversación, cada gesto y cada llamado. Además, la trama también deja espacio para el realismo mágico, un elemento que encuentra una curiosa resonancia en la historia política argentina.

También resulta interesante la construcción de los personajes. Las tres telefonistas representan distintas maneras de posicionarse frente a la realidad política, pero Ortiz evita convertirlas en simples portadoras de discursos. Antes que nada son mujeres con sus propias historias, sus vínculos, sus celos, sus diferencias y sus preocupaciones. Esa decisión permite que el espectador pueda reconocer en ellas algo cotidiano y cercano, incluso cuando el contexto histórico que las rodea es extraordinario.

Tiempo de hablar de las actuaciones, porque el elenco reunido es uno de los grandes puntos fuertes de la propuesta. Carla Haffar como Rosa logra construir un personaje con una personalidad muy fuerte, contestaria y con un pensamiento conservador. Gran presencia escénica la de Carla, nos encantó su composición. Celeste Gerez compone a Margarita, una mujer de fuertes convicciones, directa y con un pensamiento opuesto al de Rosa. Nos gustó mucho la actuación de Celeste, destacando mucho su gestualidad. Luciana Procaccini completa el trío de mujeres como Mabel, aportando una personalidad más conciliadora, buscando mantenerse al margen de los conflictos que aparecen a su alrededor y siendo una especie de árbitro que debe intervenir permanentemente para evitar que sus compañeras terminen enfrentándose.. A Luciana la elogiamos muchas veces en este blog y aquí vuelve a mostrar sus recursos y versatilidad, redondeando una estupenda actuación.

Las tres actrices muestran una muy buena química y consiguen que las relaciones entre sus personajes resulten naturales. Hay mucho trabajo en las pequeñas reacciones, en las miradas y en esos intercambios cotidianos que permiten que las protagonistas se sientan como verdaderas compañeras de trabajo. El elenco se completa con Cristian Sabaz como el Coronel Navarro, un personaje que introduce otra dimensión en la historia y que, desde su posición de poder, altera el equilibrio existente entre las mujeres. Su presencia va adquiriendo cada vez mayor importancia a medida que el contexto político se vuelve más amenazante. La rompe Cristian con este personaje que, desde su uniforme y su actitud, transmite algo siniestro y se muestra como un verdadero experto en el arte de la manipulación.

La reconstrucción de época es otro de los grandes atractivos de Telefonistas. El vestuario de Jorgelina Herrero Pons contribuye de manera decisiva a trasladarnos a 1955, mientras que la escenografía recrea con precisión ese espacio de trabajo donde transcurre prácticamente toda la acción. La iluminación de Eduardo Safigueroa y la música original de Rony Keselman completan una puesta muy cuidada, que acompaña los diferentes climas que atraviesa la obra.

Hay además un detalle que nos parece especialmente valioso: la recreación de la manera en que funcionaba el servicio telefónico en aquellos años. Ver a las protagonistas recibir los llamados, identificar a quién buscan y derivar las comunicaciones nos conecta con una forma de comunicarnos que hoy prácticamente desapareció. Y justamente ese elemento cotidiano termina funcionando como una herramienta teatral muy efectiva para introducirnos en aquel mundo.

La dirección de Martín Ortiz consigue mantener un buen ritmo y administrar con inteligencia el pasaje de la comedia hacia el drama. La obra comienza en un clima cotidiano, incluso divertido, pero lentamente va dejando entrar la tensión política hasta desembocar en un momento donde todo aquello que parecía lejano se vuelve inevitable. El espectador percibe que se acerca la tragedia y esa espera genera una tensión que crece escena tras escena.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar esta atrapante ficción histórica de Martín Ortiz. Una dramaturgia inteligente, una puesta atrapante, estupendas actuaciones y una cuidada reconstrucción de época se combinan para recuperar un episodio doloroso de nuestra historia y, fundamentalmente para recordarnos la importancia de mantener viva la memoria.

Telefonistas nos propone mirar hacia atrás, pero también nos invita a observar nuestro presente. Porque las intrigas, las diferencias políticas, los rumores y, sobre todo, esa violencia que puede permanecer agazapada detrás de la vida cotidiana, siguen siendo temas que lamentablemente conservan una enorme vigencia. Una obra que además de conservar la memoria, nos recuerda que aunque no lo imaginemos, en apenas unos minutos, el destino de nuestras vidas, puede cambiar para siempre.

Pensador Teatral.

Telefonistas. Reseña teatral de la obra de Martín Ortíz, en el Centro Cultural de la Cooperación.

CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACIÓN