La Película Inconclusa

Dramaturgia y Dirección de Marcos Rosenvzaig.

Jueves 21 hs en El Tinglado Teatro ( Mario Bravo 948 )

Llega a la cartelera porteña, una creación de Marcos Rosenzvaig, inspirado en la obra del autor polaco Tadeusz Kantor, creador del Teatro de la Muerte, un estilo teatral que se enfoca en temas relacionados con los traumas del pasado, los recuerdos, el temor al olvido, el amor y por supuesto la muerte, como tópico central.  Rosenzvaig descubrió a a Kantor, viendo una obra suya en el Teatro San Martin en 1987 y desde ese momento abrazó con pasión al autor. Tanto que viajó a Cracovia y se estableció allí durante seis meses, para entrevistar a integrantes de su compañía y empaparse in situ de su obra y legado.

Pasaron varios años desde aquel viaje y en el marco de las Jornadas Tradeusz Kantor en la Argentina, Marcos estrena La Película Inconclusa, una obra que se caracteriza por salir de lo convencional, con gran riqueza visual y con un formato particular, que establece un universo onírico y surrealista, en el que las imágenes se entrelazan y están en continuo movimiento, con la música siempre acompañando. En el escenario veremos algunos muñecos, máscaras y maniquís acompañando e interactuando con los protagonistas. Todo lo mencionado, ofrece el marco adecuado para disfrutar de un despliegue escénico muy importante, que incluye catorce actores en escena, que se entregan por completo al juego lúdico que pide la dramaturgia.

Las acciones arrancan, con una joven sentada en un bicicleta fija abajo del escenario, que tiene un proyector de películas de 35 milímetros en lugar del manubrio. La joven proyectista pedalea y mueve una manivela, surgiendo una luz que apunta al escenario y el espectador comprende que arrancó una noche de teatro diferente, donde veremos a un grupo de actores, desplegar una danza cinéfila en el escenario, donde se repasarán diferentes momentos de sus vidas.

El movimiento en escena es frenético, los actores bailarán al compás de una música que por momentos resulta desgarradora. El ambiente está cargado de angustia y tensión, aparecen los recuerdos traumáticos de la infancia, aquella maestra de primer grado, los amigos de siempre, el amor y ese miedo a no trascender en el tiempo, y que en unos años nadie nos recuerde. Todo lo mencionado derivará en la llegada de la muerte tan temida, que faltamente nos llegará a todos, aunque intentemos por todos los medios eludirlas.

Los cuadros irán avanzando por momentos y retrocediendo en otros, los protagonistas parecen atrapados en una película sin fin y con una historia ya escrita. Por momentos rige el absurdo, por momentos el humor y la mayor parte del tiempo la angustia existencial invade esos cuerpos. El universo surrealista se completa, con un personaje de capa negra que intuimos es Satanás, que tijera en mano será testigo de las escenas y cuando algo no le cierra, cortará el celuloide, para que las acciones frenen y reinicien luego. La lucha entre el bien y el mal, los demonios y los ángeles, girarán en faltar en el carrusel de la vida, que se despliega en el escenario.

Y hasta allí vamos a contar, lo mejor que es el espectador abra su mente y se entregue a la dramaturgia, sin buscar un desarrollo lineal y disfrute de la belleza estética que nos entrega una puesta estupenda y un elenco al que queremos destacar. Como dijimos antes, son nada menos que catorce los actores en escena y la mayor parte del tiempo, están todos juntos en el escenario, por lo que se requiere una enorme precisión en los movimientos y en las coreografías, algo que sin dudas requirió mucho ensayo previo. Hay mucho que ver en el escenario, las expresiones de los rostros, los movimientos de los cuerpos y esa energía que cada actor transmite.

Las actuaciones funcionan como un bloque, la trama se mueve como conjunto, por eso resulta complicado destacar trabajos individuales, pero a nosotros siempre nos gusta hacerlo, así que con el riesgo de ser injustos vamos a mencionar algunas interpretaciones. Como dijimos la música es parte fundamental de esta historia y en ese rubro tenemos que destacar a Marina Padilla García, la proyectista,  montada en bicicleta y a Juan Salvador Trupia, un ángel en escena. Hermosas sus voces líricas que conmueven a los espectadores, con bellísimos momentos musicales que elevan la puesta. Además en ellos, la música parece funcionar como catalizador entre lo real y lo onírico, pero hasta ahí les contamos, cuando vean la obra entenderán lo que decimos. Muy bueno lo de Mariana y Juan.

Muy destacada también la composición de Alejandro Mazza, que lucha por escapar de la muerte y derrotar sus miedos. A Alejandro lo elogiamos en varias oportunidades en este sitio y aquí volvemos a destacarlo, por un gran composición, dentro de un elenco muy numeroso. Gabriela Ramos como Satanás, es otra actuación que queremos resaltar Laura Pons Vidal sobresale como una prostituta que debe luchar contra la mirada acusatoria de los demás. Horacio Wuille Bille, es el cura / cirujano, Adriana Pragliasco la directora de la escuela y Eugenio López Arriazu, como el profesor de latín. Mencionamos solo a parte del elenco, para que no se extienda tanto la reseña, pero como dijimos antes, todas actuaciones funcionan como un bloque y todos aportan para el lucimiento del conjunto.

Hay que dedicar un párrafo a la puesta, ya que el despliegue escénico es un aspecto muy destacado de esta obra. La coordinación de tantos actores en el escenario al mismo tiempo no es algo sencillo y hay un gran acierto desde la dirección en este aspecto. La música ya lo dijimos es uno de los motores de la historia y también queremos mencionar el vestuario del Teatro Argentino de la Plata, fundamental en la caracterización de los diferentes personajes.

En lo personal, siempre valoramos las propuestas que se animan a salir de la zona de confort y no tienen miedo de arriesgar, este sin dudas es el caso de La Película Inconclusa, creación de Marcos Rosenzvaig, que se toma a pecho el desafío de homenajear a Tradeusz Kantor y su género de Teatro de la Muerte, que desde el humor, la ironía y el absurdo, logra conmover al espectador, tocando temas universales y profundos, como la vida, los miedos y la muerte, tópicos que entre muchos otros, estarán presentes a lo largo de la obra que nos convoca.

Solo nos queda recomendar a los espectadores, que se entreguen a esta experiencia teatral diferente, que propone La Película Inconclusa, que no busquen un argumento lineal y racional, porque no es lo que quiere transmitir esta obra.  En este universo kantoriano y surrealista, las imágenes fluyen a borbotones, con una puesta bella y altamente creativa y de la mano de las magníficas composiciones de un grupo de actores, que con pasión, se sube al escenario, para representar la película más importante de todas, la película de sus vidas.

Pensador Teatral.

Parlamento

Dramaturgia y Dirección de Piel de Lava.

Martes 20 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Santos Discépolo 1857 ) 

Se está convirtiendo en una grata costumbre, esperar con expectativa cada nuevo espectáculo de Piel de Lava, grupo teatral integrados por cuatro talentosas actrices, que ya llevan dos décadas juntas, creando obras que interpelan la condición humana y exponen sus comportamientos, con propuestas divertidas y profundas a la vez, que además de invitarnos a reflexionar, nos hacen reír mucho, siendo una combinación que en estos momentos, el público recibe agradecido.

Seguramente el público recuerda Patroleo, su anterior obra, donde las actrices representaban a cuatro hombres que trabajaban en yacimiento petrolífero de la Patagonia, que fue una gran éxito de  público y crítica. En esta nueva creación colectiva, la 6ta desde la formación del grupo, Piel de Lava pone la lupa en el ,mundo de la política, analizando sus discursos y códigos, con una puesta divertida y desopilante, que nos invita a viajar al futuro para ser testigos del funcionamiento de un parlamento global en órbita.

La Tierra está atravesando momentos complicados, los incendios y el caos en las calle, son la postal que pueden ver desde el espacio, estas diputadas que representan a distintos países del globo terráqueo y deberán responder a las reglas que les recordará una díscola presidenta de la Cámara, una española representada de manera magnífica por Pilar Gamboa. La trama hábilmente juega entre la satirización y lo absurdo, remarcando lo burocrático y reglamentario, que resulta el funcionamiento de estos organismos, que parecen más preocupados por los temas de forma, guardar las apariencias y cuidar sus quintitas, sin importar estar alejadísimos de la realidad y los verdaderos problemas de las personas a las que supuestamente deberían representar.

Las diputadas tendrán momentos de debate y otros en los que podrán presentar sus spots de campaña, en los que expondrán discursos encendidos que navegan entre el populismo y la extrema derecha. La obra a nuestro entender de manera acertada y en línea con el carácter global que tiene la historia, evita hacer alusiones directas a la política local y se privilegia la visión mundial de un universos caótico. Además de las diputadas, veremos en acción a los cromas, unos hombrecitos vestidos de verdes, que cumplen tareas generales en el parlamento, sirviendo café, alcanzando los papeles o limpiando, entre otras funciones, quedando bien marca la diferencia de clases que pese a estar en el espacio, se sigue observando de manera nítida.

La obra es un gran delirio, pero a la vez nos resulta muy cercana a la realidad de la política actual, encerrada en un microclima propio, mirando siempre desde arriba a la gente y preocupados por cuestiones que solo les interesa a ellos, ya sea para satisfacer algún interés personal o beneficiar a algún familiar. El grupo realizó una investigación perfomática sobre los discursos y al accionar de los políticos contemporáneos-Viendo la obra, podemos decir que los resultados de aquella observación fueron satisfactorios, ya que los espectadores, corriendo la cortina del ridículo que envuelve a la historia, puede reconocer a aquellos políticos patéticos y mentirosos de su día a día.  Y hasta allí vamos a contar, para no spoilear más, porque la obra tiene varias sorpresas reservadas.

Momento de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra. De más esta decir, que las cuatro actrices son muy talentosas y además se conocen a la perfección entre ellas, mostrando una química que siempre agrega valor a las interacciones Y en composiciones muy destacadas, a nuestro entender los mayores elogios se los lleva Pilar Gamboa, en el papel de una Presidenta del Parlamento hilarante. Siempre pendiente de sonreír para la cámara de la televisión y enfocada en el cumplimiento estricto del reglamento, compondrá un el personaje más divertido de la historia, siendo un deleite su acento bien castizo.  Muy graciosa Pilar.

Nos gustó mucho el trabajo de Laura Paredes, diputada proveniente de Venezuela, con un delicioso acento caribeño, como una empresaria que resalta sus orígenes humildes. Genial su extraño spot de campaña donde resalta la importancia del deseo. Está muy bien Laura. Elisa Carricajo, es representante por Italia y defensora a ultranza de la propiedad privada. Gran presencia escénica de Elisa, con una gestualidad que se disfruta mucho. Vale aclarar que la lengua oficial del parlamento es el español, entonces su personaje tiene que tener acento italiano, pero no hablar en esa lengua, algo que a nuestro entender le quita algo de fluidez en los diálogos, algo que se disimula por su enorme ductilidad, pero que a otro actriz costaría mucho llevar adelante el personaje . La misma sensación tuvimos con Valeria Correa, representante de Brasil, que tenia que hablar en un castellano forzado, cuando el portugués le hubiera quedado mejor al personaje ( lo demuestra en el momento de la jura )  Igual es solo un detalle el que marcamos, Valeria es una magnífica actriz y realiza una estupenda interpretación, como una efusiva defensora de la portación de armas.

Pero en esta ocasión, las actrices de Piel de Lava no están solas en el escenario. Las acompaña Federico Zypce a cargo del diseño sonoro y la música que tiene la obra. Su aporte es fundamental, siendo la banda sonora en vivo, estando a cargo de todos los sonidos de la historia, protagonizando además algunas escenas actuando y luciendo su estupenda voz en algunas partes cantadas que tiene la obra y él lleva adelante. Ah no lo aclaramos, es la bandera de ceremonia del parlamento galáctico. Que es eso ?? Deberán ver la obra para enterarse. Solo vamos adelantarles que la rompe Zypce. Gran acierto su incorporación y que buena idea sería verlo en nuevos trabajos del grupo.

La puesta es moderna y muy atractiva, con un diseño escenográfico de Rodrigo González Garillo con toques futuristas y un parlamento que bien podría ser un set de televisión. Rodrigo también es responsable del vestuario colorido con elegantes trajecitos de las actrices y el verde de los cromas. Muy destacado el diseño lumínico de Santiago Badillo y la música como ya mencionamos de Zypce, siendo todos recursos que confluyen para una puesta que engancha al público.

Y hasta acá vamos a contar, Parlamento arrancó como una creación experimental durante una residencia el año pasado en el espacio Arthaus, dando este año el salto, llegando al Picadero, llenando la capacidad de la sala en cada una de sus funciones, lo que habla de las ganas del público, por conocer el nuevo trabajo del grupo . Y además en lo interesante de la temática de esta nueva obra, que nos propone una mirada ácida a los discursos políticos, poniendo la lupa en las formas y en la manera de transmitir las ideas, dando voz a mujeres que plantean discursos derechosos, sin perder nunca vista, lo delirante que tiene toda la propuesta.

Recomendamos conozcan la última creación colectiva de Piel de Lava, un grupo que no deja de sorprender por la calidad y originalidad de sus propuestas. Acá nada menos, decidiendo abrir un parlamento global en pleno espacio. Hasta allí viajarán las talentosas actrices, para hacer de las suyas, satirizando mecanismos y comportamientos de los políticos, que suenan exagerados y ridículos, pero que si los miramos con detenimiento, tienen muchísimo que ver con la realidad. Por eso, para reír y reflexionar nada mejor que abordar la nave espacial y sacar boleto con destino al buen teatro independiente.

Pensador Teatral.

Estrujadas

Dramaturgia y Dirección de Nazareno Molina.

Domingos 17 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Un texto valiente y de varias capas nos acerca Nazareno Molina, joven dramaturgo entrerriano, que escribió una historia que nos hablará de relaciones familiares atravesadas por la mentira. La importancia de cumplir los mandatos sociales y el daño que causa la mirada del otro, siempre lista par juzgar aquello que escapa de la supuesta normalidad, estarán presentes en una dramaturgia profunda, que además nos hablará de los prejuicios y la importancia que tiene la búsqueda de la identidad.

Las acciones arrancarán con tres mujeres que acaban de regresar del velorio de Ramón. Lo lloran su esposa Rosario ( Mirta Seijo ) y sus hijas Isabel ( Silvia Dell´Aquila ) y Mateo ( Nazareno Molina ). En la casa los recibirá Aida ( Miriam Schlotthauer ), el ama de llaves de la familia, desde hace muchísimos años. No nos equivocamos en el párrafo anterior, mencionamos que una de las hijas se llamaba Mateo y esto tiene que ver con una elección personal, de alguien que se sintió mujer y decidió cambiar de género, soportando todas las habladurías y la discriminación del entorno.

Las caras en aquella son de tensión y esto ocurre porque antes de morir, Ramón confesó un secreto familiar que estaba guardado bajo siete llaves y que desataría una verdadera tormenta en el seno de aquella familia. La obra tiene una cobertura de comedia y tiene momentos muy divertidos, pero en el fondo esconde una fuerza dramática tan fuerte como inesperada, una realidad paralela y oscura que parecía estar a resguardo y que ahora está a punto de salir a la luz y hasta allí vamos a contar para mantener el suspenso, de una dramaturgia que navega con habilidad entre las risas, las emociones y el llanto.

Pero no queremos contar más para mantener el suspenso, ya que el mismo, es un componente fundamental de la pieza y no queremos adelantar más. Solo les recomendamos que estén muy atentos, porque estamos ante una de esas historias, donde nada es lo que parece. Momento entonces de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra, siendo este uno de esos casos, donde todas las composiciones son todas muy destacadas y además hay un muy buen desarrollo de los personajes, cada uno de logra un buen recorrido en la trama y pueden mostrar características propias que enriquecen las composiciones.

Y arranquemos por Mirta Seijo, que en actuaciones parejas por lo buenas, es a nuestro entender quien más se destaca. Componiendo a una madre manipuladora que maneja con sigilo los hilos de aquella familia, mostrándose estricta dentro del ámbito familiar, pero teniendo una faceta oculta, que muestra eb las redes sociales. Nos encantó el trabajo de Mirta, una actriz exquisita.  No se queda atrás Silvia D´Aquila, como Isabel, que tiene la difícil tarea de ser nexo entre su madre y Mateo, debiendo al mismo tiempo adaptarse a una celiaquía que le diagnosticaron recientemente. Muy bueno lo de Mirta.

Miriam Schlotthauer interpreta a Aída, el ama de llaves que juega un papel clave en la dinámica de aquella casa, mostrándose en apariencia ajena a todos los conflictos, pero apareciendo en momentos claves y yendo al chino cuando el clima se pone espeso Es el personaje más divertido de la historia y presenta varios síntomas de una enfermedad que resulta preocupante para la dueña de casa. Nos gustó mucho Miriam. Y para el final, nos queda mencionar a Nazareno Molina, que además de ser el autor y director de Estrujadas, muestra que es actor dotado de una sensibilidad muy particular, para llevar adelante el personaje femenino de Mateo, que será clave en la historia, con tenacidad para conocer la verdad y su identidad.

La puesta es otro punto bien alto de la obra, gracias a su belleza estética y el cuidado de todos los detalles. Magnífico del diseño escenográfico de Sabrina López Hovhannessian, con ese living familar tan coqueto, como cálido ( nos encantaron la lámparas ). Sabrina también tiene a su cargo del vestuario, otro ítem destacado y que suma para la muy buena caracterización delos personajes de la historia. Y por último mencionar, la iluminación de Rubén Andreatta y el diseño de luces de Vanesa Gumiero, importantes creando los diferentes climas que pide la trama.

En definitiva, nos gustó mucho la propuesta de Estrujadas, que basada en hechos reales que conoció el autor, nos acerca una historia donde la mentira y la hipocresía serán centro de vínculos familiares dominados por el miedo a la mirada de los otros y al dedo acusador de una sociedad, que mira con desprecio a quienes se atreven a salir de los cánones que se consideran normales y es experta en aplicar el peso de la condena social, que resulta un castigo tan injusto, como lacerante.

Recomendamos vean Estrujadas y descubran el secreto que se esconde en el interior de esta familia. Se encontrarán con una dramaturgia valiente y actual, una puesta bellísima y actuaciones sobresalientes de un elenco con muy buen recorrido, que los harán reír y emocionar, siendo parte de una historia de mentiras, miedos y prejuicios, que nos invita a reflexionar sobre que límites estamos dispuestos a romper, en búsqueda de abonar lo políticamente correcta, sin medir las consecuencias y los daños que se provocan por no afrontar la realidad.

Pensador Teatral.

Amarte es un Trabajo Sucio.

Dramaturgia de Iñigo Guardamino. Dirección de Raúl Garavaglia.

Sábados 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Texto que llega desde España, de la mano de Iñigo Guardamino, dramaturgo y director bilbaíno, que escribió esta obra buscando retratar lo problemático que puede resultar para los jóvenes conseguir su primer empleo y como la llegada de las aplicaciones de reparto a domicilio, como Rappi o Pedidos Ya en nuestro país, puede ser una salida momentánea, que les permite a los jóvenes conseguir ingresos, siendo sus propios jefes y manteniendo una independencia en cuanto a los horarios en los que deben trabajar.

Este sería el gancho de las empresas de delivery, para enganchar a los jóvenes, disimulando situaciones de precarización laboral y situaciones riesgosas que viven los repartidores en la calle, con el permiso de una legislación laboral flexible, que permite algunas situaciones cuanto menos polémicas, en pos de que muchos adolescentes, consigan su primer empleo. Cuando quien escribe estas líneas era joven, los primeros trabajos eran como cajeros en algún local de comida rápida o vendiendo servicios de ambulancias a domicilio. Hoy con la llegada de los celulares y la tecnología, ser un repartidor resulta una de las salidas laborales más habitual, para quienes arrancan.

La obra nos contará con una muy buena cuota de humor y satirización, la historia de David  ( Felipe Martínez Villamil ) un joven al que no le está resultando sencillo dar el paso a la adultez. Recibido recientemente de abogado, no consigue insertarse en el mundo laboral, fracasando de manera estrepitosa en sus últimas entrevistas. En el ámbito familiar tampoco se siente muy cómodo, viviendo con una madre sobreprotectora ( Ro Kreimer ) y añorando por la ausencia de un padre que abandonó el hogar en la pandemia. Y por último en el ámbito amoroso, es donde mejor se lo puede ver, porque tiene una bella novia ( Brenda Raso ) que trabaja como comunity manager de varias empresas a la vez. El problema es que su novia es cultora del poliamor y al no darle exclusividad, David no era su único novio.

Lo laboral era lo que más lo atormentaba y por eso se puso muy contento, cuando consiguió empleo en Hermes, la exitosa empresa de repartos. Los comienzos serian complicados, porque ni su madre, ni su novia estaban conformes que con sus estudios sea delivery y además en el arranque por ser nuevo en la aplicación, los pedidos no le llegaban de manera asidua y se pasaba la mayor parte del tiempo pedaleando sin rumbo o parado en una plaza, esperando que le cayera un pedido salvador. que le reporte una buena propina, porque Hermes no pagaba sueldos fijos y los únicos ingresos provenían de las propinas que le daban los clientes. Por eso la cosa era clara, si no repartía no cobraba.

La obra con mucho humor y exagerando algunas situaciones logra exponer una temática actual y reconocible, donde los jóvenes aceptan trabajar sin tener un sueldo fijo, una obra social y ni siquiera cuentan con una ART que los cubra de un posible accidente en la calle o de que algún delincuente les robe la moto. La dramaturgia con la mirada central en el tema de la problemática laboral, además hablará de poliamor, religión gracias a un compañero de trabajo evangelista y de vínculos familiares conflictivos, con una madre que se mete en todo y un padre ausente que aparecerá de manera casual. Y hasta allí contamos, como dijimos con humor y algunas situaciones exageradas, irá transcurriendo una trama muy entretenida, hasta llegar a un final que no vamos a adelantar.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. son siete los actores en escena y si bien hay algunas diferencias de registro que se aprecian, más que nada por la dispar experiencia de los actores, el balance es positivo y todos consiguen llevar a buen puerto sus personajes, destacando algunos más que otros, pero ninguno desentona y hay trabajos que vamos a destacar especialmente. 

Arranquemos por Felipe Martínez Villamil, como David, el protagonista de la historia, que es una verdadera revelación, ya que tiene un desafío importante al estar a cargo de este protagónico y lo resuelve en muy buena forma, dotando a su personaje de frescura y credibilidad. Estando todo el tiempo en escena, Felipe realiza un estupendo trabajo y obtiene muy buen crédito para futuros trabajos. Nos gustó mucho la composición de Brenda Raso, como Marta, la novia de David. Moderna y canchera, es un buen ejemplo de un millenial, hiper conectado. Está muy bien Brenda en su papel.

Sigamos con Ro Kreimer como la madre de David. Muy divertido su personaje, sobreprotectora al máximo con su hijo y disfrutando de su flamante " soltería " disfrutará de sus últimos cartuchos en el amor. Nos reímos mucho con el personaje de Ro. Párrafo especial para Gregory Peck, quien será el representante de Hermes en el escenario, dando cuenta de un personaje tan original como divertido, del que no queremos adelantar demasiado. Pero no seamos injustos con el resto, Roberto Acosta es Samu, repartidor de Hermes y pastor evangélico. Héctor Díaz es el padre de David, que aparecerá de manera casual en la historia y Claudia Seghezzo como una entrevistadora sagaz. Los tres logran aprovechar sus intervenciones.

Y hasta allí vamos a contar, la historia por momentos se hace algo extensa, pero el interés nunca decae y eso se debe a la dinámica de una puesta dirigida por Raúl Garavaglia, que además de ser el director de la obra, fue quien adaptó el texto para introducirle algunas variantes, que lo aggiornen a nuestro país, cambiando algunos modismos y modificando alguna escenas, logrando un muy buen resultado, ya que logra traer un texto escrito en España, a nuestra realidad, mostrando como alguna temas son universales, siendo el del trabajo juvenil y la crisis existencial que se atraviesa en aquella edad, algunos de ellos.

Amarte es un Trabajo Sucio ( Pero Alguien Tiene que Hacerlo ) es el ingenioso título que tiene esta obra, que busca dar visibilidad a ese ejército de ciclistas, que sin importar que haga calor, frío o llueva, irán a toda velocidad por las calles, exponiéndose a diversos riesgos, pero con la idea fija de llegar a tiempo con su pedido, para que el cliente los reciba con una sonrisa, los califique de manera positiva y obviamente les deje una buena propina. Sin dudas una obra que toma una temática muy actual y además de sacarnos una sonrisa, nos hará reflexionar sobre los nuevos trabajos de la sociedad en la que vivimos.

Pensador Teatral. 

Habitar un Pájaro

Dramaturgia: Gustavo Friedenberg y Rubén Pérez Pombo. Dirección General de Gustavo Friedenberg.

v

Jueves 20 30 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Original y delicada propuesta que combina múltiples disciplinas es la carta de presentación de Habitar un Pájaro ( o La Metamorfosis del Sr. López ), creación de Gustavo Friedenberg que inspirado en el cuento del dramaturgo español Rubén Pérez Pombo, presenta esta potente obra donde interactúan la danza, actuación, títeres y teatro de objetos, en una historia que podríamos mencionar como de género, ya que nos hablará de un hombre que se transforma, en una puesta muy atractiva y plena de poesía.

El relato tiene una belleza visual que impacta al espectador y nos invita a viajar a una aldea gallega, allí un hombre luego de la muerte temprana de su padre, ingresa a trabajar a una fábrica de cemento, llevando una vida rutinaria. Tras jubilarse, descubre que está solo, su mujer murió y sus hijos se fueron al exterior ( uno de ellos a Argentina ). Y en esa soledad, es que desarrolla una gran afición por las aves, transformando su casa en un enorme hogar de aves, teniendo todo tipo de especies y empatizando mucho con ellas. Las quejas de los vecinos por aquella acumulación aviar,  no lo iban a detener, López ya había encontrado una nueva familia y había tomado una decisión.

El público se siente atraído por la fuerza creativa que surge del escenario, el mundo de las aves y su representación, se torna fascinante, veremos un pavo real gigante, un niño recién nacido que crece y una comunión entre actores, títeres y objetos, que se funden en escena con una estética propia, donde las reglas establecidas se rompen, siendo la música y la danza invitados principales de una noche especial. Y así, se irá desarrollando una historia fantástica, que irá ganando en potencia y belleza poética, para llegar a un final donde la metamorfosis aflorará con todo.

Hay que destacar mucho la actuación de los tres protagonistas de la historia, ya que son varias las disciplinas involucradas y para lograr el lucimiento de las mismas, es necesario un elenco muy virtuoso y comprometido con la historia. Arranquemos por Eliana Pereira Rejala, que en obra donde la palabra no abunda, es quien más habla, con un bello gallego, nos irá sumergiendo en la historia, con frescura y mucha presencia escénica. Eliana, además de actriz, es artista plástica y expone sus producciones de títeres y objetos en diversas exposiciones. por lo que se encuentra en su salsa aquí.

Egresada de la escuela de titiriteros del Teatro Municipal Gral San Martín.

Daniela Fiorentino, es egresada de la Escuela de Titiriteros del Teatro San Martín y muestra su enorme pericia, con los títeres y objetos de la trama. Que lindo verla en escena, como se funde con esas criaturas que cobran vida gracias a su pericia. Impresiona su trabajo. Y que decir de Gustavo Friedenberg, el creador el proyecto, virtuoso coreógrafo y bailarín, al que conocimos hace unos años, por Gobernar y Poblar, una bella obra que vimos en el viejo Teatro del Abasto. Acá nos regala una gran composición, con bellos pasos de danza y una actuación plena de sensibilidad, con un talento y una entrega que el público agradece y disfruta mucho desde su butaca.

Como dijimos antes, la puesta es realmente exquisita. Es una obra donde lo visual y lo sensorial predominan de manera clara sobre la palabra y para que ello ocurre la puesta debe fluir algo que aquí ocurre de manera nítida, por lo destacado de muchos de sus ítems. Arranquemos por el ingenioso diseño escenográfico y el distinguido vestuario de Gabriella Gerdelics, que aportan belleza a la historia. La música original de David Alonso Garzón y Carlos Britez, son un otro punto alto, potenciado por el muy bueno sonido de la sala. Y tenemos que dedicar un párrafo especial, para Alejandra Farley, Abril Girard y Kati Raggi, en la realización de títeres. Todos estos recursos sumados explican la beldad de una puesta, que resulta de lujo para el teatro independiente.

Y hasta acá vamos a contar, Habitar un Pájaro es una propuesta interdisciplinaria que se anima a arriesgar de la mano de un creativo muy talentoso como Gustavo Friedenberg, que siempre dedica mucho tiempo de preparación, para estrenar sus obras y esto se nota por la calidad, de las piezas que ofrece, donde se cuidan todos los detalles.  La pieza fue Ganadora del Programa Iberescena en la línea de coproducción internacional y esto sin dudas es un estímulo y un justo premio por todo el trabajo que vemos detrás del proyecto

Es una rareza poder disfrutar de una obra, que combina actuación, danza, música, títeres y teatro de objetos, dentro de una puesta tan original, como poética y con una belleza estética que es sello distintivo. Una propuesta, donde las imágenes y los cuerpos en movimiento son los que hablan y la oralidad es solo un apoyo. Es una gran idea disfrutar de una historia muy atractiva, en que las aves y el hombre  se funden, gracias al talento de un elenco que se abraza con pasión a un grito de transformación, donde la creatividad vuelva bien alto.

Pensador Teatral.

Lo Normal

Dramaturgia y Dirección de Malena Ratner y Francisco Ruiz Barlett.

Lunes 20 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Santos Discépolo 1857 )

Una texto sensible y movilizante nos presenta Lo Normal, esta obra escrita por Malena Ratner y Francisco Ruiz Barlett, que luego de presentarse con gran suceso en El Método Kairos, llega este año al Teatro Picadero,  marcando el crecimiento que tiene la pieza. Malena se inspiró para escribir este bello texto, en una experiencia familiar, ya que su hermana tiene una discapacidad motriz y cognitiva. Al ser espectadora asidua de teatro, tomó nota que pocas piezas se animaban a explorar el tema y lo hacían con actores hombres que actuaban la discapacidad.

Entonces Malena, decidió innovar, decidiendo que sean dos actrices mujeres con discapacidad las que protagonizaran la obra y que esta se adapte a sus cuerpos y necesidades. De entrada y sin suspenso, vamos a contarles, que los resultados son excelentes, ya que el trabajo de ambas actrices es magnífico y la obra tiene una profundidad y una belleza que queremos destacar. La dramaturgia consigue que la obra no se centre ´únicamente en el tema de la discapacidad y se presenta una historia que nos habla de las amistad de dos adolescentes, con sus miedos, placeres e inseguridades propias de la edad. La relación con la familia, el sexo y otros temas, con los que el público en general se siente identificado.

La obra nos presenta a Camila ( Marisol Irigoyen ), una joven tímida e introvertida, que no tiene muchas ganas de salir al exterior. Hace poco tiempo que debe usar silla de ruedas y le está costando aceptar la situación Le gusta leer y grabar frases en su celular. Su casa es el refugio, aunque muchas veces choque con una madre sobreprotectora ( Raquel Ameri ) y un padre ( Diego Castro ) que resulta más compinche, siguiendo la lógica del policía bueno y el malo, donde la madre claramente es la villana.

Sin embargo, será la madre la que insistirá para que Cami salga de la casa y vaya a un centro educativo, sin saber que aquel hecho cambiaría la vida de su hija. El motivo de dicho cambio es que allí, conocerá a Florencia ( Maia Etchichury ), otra alumna, que es todo lo contrario a ella, extrovertida, audaz, provocadora y que no concibe que la miren con pena. Usuaria de Tinder, tiene novio y no tiene vergüenza en hablar de sexualidad, algo que horroriza a Cami, que no se permite pensar en aquella posibilidad y mucho menos en que podría tener novio.

De entrada, las personalidades de ls chicas chocan, pero de a poco el desenfado de Flor, comenzará a hacer efecto en Cami, le dará valor y será su fuente de inspiración. Al poco tiempo, notaremos un click y comenzará a tener ganas de salir del letargo y liberarse. Su decisión no será sencilla y además deberá luchar con la resistencia y el miedo de una madre, que no quiere perder el control de la situación. Pero Cami ya se decidió a probar suerte y no la van a poder detener. Y hasta allí vamos a contar. Para ver hasta donde se anima a llegar finalmente, deberán ver la obra, algo que recomendamos fervorosamente.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra, donde sin dudas Marisol Irigoyen y Maia Etchichury, se llevan todos los elogios. Hermosas sus composiciones, mostrando la importancia de la amistad y como es la propia mente la que a veces nos pone límites, por lo que si logramos superar esas barreras, podemos hacer cosas que muchas veces no imaginamos. Y que muchas veces la dificultad para encajar en la sociedad, se origina en que un entorno no inclusivo, que les pone obstáculos de infraestructura y accesibilidad, que les impiden a las personas que tienen alguna discapacidad, hacer una vida que esos mismos responsables de los obstáculos, consideran normales.

Nos encantaron y nos emocionaron, los trabajos de Marisol y Maia, a corazón abierta y mostrando ambas que son estupendas actrices. Acompañan muy bien sus trabajos, Raquel Ameri y Diego Castro, dando vida a unos padres que lucen desconcertados y les cuesta aceptar la realidad que viven. Muy buenas composiciones de ambos. A Raquel, que es una actriz inmensa, últimamente la vimos en papeles border y acá nos gustó verla como una madre tradicional. Y resta mencionar a José Giménez Zapiola, músico en escena, que deleitará al público con su guitarra y su canto, durante gran parte de la obra. Su personaje, en el tramo final de la pieza, tendrá un giro sorprendente y se convertirá en un personaje clave de la historia, pero no vamos a adelantar porque.

Realmente, disfrutamos mucho de Lo Normal, una valiosa propuesta del teatro independiente, que ofrece una mirada diferente del tema de la discapacidad, sin golpes bajos, buscando no victimizar e invitando a que los espectadores reflexionen, acerca de su rol en la sociedad, siendo importante dar pasos para integrar y facilitar la vida de las personas que tienen la problemática, en vez de tener solo una mirada ajena y de pena, que aporta muy poco, comparado con todo lo que podríamos hacer.

Recomendamos no se pierdan esta obra, se van a reír y se van a emocionar mucho con esta historia que nos interpela como sociedad. Los espera un texto sensible, una puesta cálida y magníficas composiciones. Una propuesta que gratifica y resulta una caricia al alma. Además de irnos a casa profundamente conmovidos, nos iremos pensando en la reflexión que nos acerca un personaje de la obra, que aún nos repiquetea en la cabeza, y que se pregunta porque que dentro de un mundo artístico lleno de creatividad, nunca vimos un hada madrina en silla de ruedas.

Pensador Teatral.

Tita y Rhodesia

 Idea y Dirección de Laura Azcurra y Valeria Stilman.

Sábados 21 hs en Caras y Caretas ( Sarmiento 2037 )

Una propuesta lúdica y muy divertida llega de la mano de Tita y Rodhesia, el pegadizo título que Laura Azcurra y Valeria Stilman, le dan a este espectáculo que se gestó en tiempos de pandemia y que tiene la improvisación como columna vertebral de la trama. Las actrices compartes consignas con el público y desde la platea surgirán personajes, temáticas, locaciones y más ideas, locas muchas de ellas, para que las protagonistas las tomen en el aire e improvisen, creando divertidas y delirantes escenas.

Laura y Valeria, se conocieron hace varios años en el Grupo Impronta y allí nació una amistad que se mantuvo hasta la fecha. Con ganas de experimentar juntos en al arte de la improvisación, participaron  juntas en diversas competencias y fue así como decidieron presentar esta obra, que tiene perspectiva de género, ya que la mayoría de los grupos de improvisación estaban liderados por hombres y nunca por mujeres. Es por ello, que ambas tomaron este lindo desafío y los resultados han sido más que satisfactorios, ya que gracias a su talento, entrenamiento  y técnica en la especialidad, consiguen que el público disfrute mucho.

Contemos que Valeria Stilman será Rhodesia, una mujer chapada a la antigua y con aire arrabalero, que lamenta que su novio se haya ido con otra. Esa otra será nada menos que Laura Azcurra, Tita, que irrumpirá en escena, en pleno lamento de su compañera. La lógica tensión por ese encuentro inicial, quedará pronto de lado, cuando Tita le expliqué el significado y el sentido de la palabra sororidad. Allí nacerá entra ambas mujeres, una corriente de amistad y de complicidad de género, que hará que se unan aquella noche,  para olvidar las penas y jugar juntas, creando escenas. fantasías y personajes con la ayuda del público.

Es importante aclarar que las actrices invitan a los espectadores a participar y lanzar consignas desde sus butacas, pero participa el que quiere. Aquel que lo prefiera, se divierte escuchando las ideas alocadas que tiran otros espectadores. Nos gusta hacer esta aclaración, porque la invitación de las actrices es amorosa y para nada invasiva. El convite es para ser partícipes de las escenas que en segundos, experimentando que su aporte creativo formará parte de la trama del espectáculo, gracias al talento y la repentización de dos actrices que se manejan con mucha naturalidad en el género y se divierten jugando en escena, algo que se transmite al público, que ríe con ellas de las ocurrencias y de la dinámica de un espectáculo, que como aclaran las mismas protagonistas, será único e irrepetible.

Es muy buena la performance de la dupla protagónica. Laura Azcurra, es la figura convocante del espectáculo y deja muy contento al público. Dueña de una frescura que es su sello, super expresiva y con una voz hermosa, se luce muchísimo en escena, disfrutando la interacción con la gente. Un placer ver a Laura, una actriz consagrada, en escena, muy divertida y sintiéndose muy cómoda improvisando y dando rienda suelta a su creatividad.

Y sigamos con Valeria Stilman, que para nada se achica y muestra también sus condiciones para la improvisación, sintiéndose muy cómoda junto a Laura, para crear personajes, escenarios y mundos creativos. Nos gustó mucho el trabajo de Valeria, que al Igual que Laura, también tendrán espacio, para mostrar sus aptitudes para el canto. Mucha química muestra la dupla protagónica, algo fundamental para este género y eso es algo que agrega valor al desarrollo de la trama.

Pero las protagonistas, no estarán solas en escena. La música tendrá una participación importante en la obra y es allí donde aparecen los músicos en vivo que tiene la propuesta, nos estamos refiriendo a Juan Pablo Martini en Piano y a Alex Musatov en violín. Ambos son importantes en el apoyo creativo de las historias y aportan belleza a una puesta cuidada y de muy buen gusto, que se despliega en el amplio escenario del Caras y Caretas.

Nos enganchamos con la invitación a juego de Tita y Rodhesia, una espectáculo que muestra la diversidad del universo femenino y la defensa de la diversidad, resaltando la importancia del pensamiento múltiple y no una idea hegemónica que borre con lo diverso.  Laura y Valeria logran presentar el tema y lo hacen jugando, improvisando y logrando que el público se sienta partícipe de un espectáculo único e irrepetible, que nos invita a pensar, con lo lúdico como estandarte y principalmente por el talento de dos actrices que se divierten junto a los espectadores, sublimando el hecho teatral y sin bajar línea, algo que en estos tiempos de crispación debemos valorar.

Pensador Teatral.

La Carrera

Dramaturgia de Jowy Sztryc. Dirección de Federico Nanyo.

Sábados 21 hs en Muy Teatro ( Humahuaca 4310 )

Llega en renovada versión, La Carrera, No es lo mismo respirar que vivir, texto escrito por Jowy Sztryc que resulta muy actual, ya que refleja el vértigo con el que se vive en la sociedad actual, especialmente en las grandes ciudades, donde siempre debemos mostrarnos apurados y corriendo para lograr objetivos que muchas veces son imaginarios o impuestos por otras personas, dándose la paradoja que muchas vivimos corriendo para lograr objetivos que no son nuestros.

La obra con una puesta muy original y super atractiva, marca el peso que tienen los mandatos sociales en nuestras vividas y como la necesidad de agradar a quienes nos rodean, es la que marca nuestro norte. La pregunta clave sería. Corremos en búsqueda de satisfacer nuestros propios deseos ??? O lo hacemos para alcanzar una zanahoria que alguien nos puso adelante ???  Alguna vez hicimos una pausa y nos sentamos a pensar, cuáles son nuestros verdaderos objetivos en la vida y analizamos si estamos siguiendo el camino correcto para llegar a ellos ??? Los interrogantes comienzan a aparecer.

La puesta de manera inteligente deja al descubierto, como muchas veces estamos en medio de una vorágine imparable. Hay que correr para adelante, sin perder tiempo, porque tenemos competidores atrás que buscan lo mismo que nosotros y si paramos nos van a superar. Elegimos correr, seguir la corriente y no pensar demasiado en lo que estamos haciendo. Hacer una pausa y parar a pensar, puede resultar peligroso, ya que no es lo que hace mayoría. Y si frenamos corremos el riesgo, de que sea otro el que alcance la zanahoria y además desde nuestro entorno, nos pueden mirar con preocupación por no seguir a la manada, por eso lo políticamente correcto es entrar en la pista y correr, aunque muchas veces no sabemos los motivos de nuestro apuro.

En el escenario, tendremos un cartel luminoso con una cuenta regresiva que arrancará en el momento que se inicia la obra. Se respira adrenalina en el escenario y la misma se traslada al público. Los actores, como si fueran autómatas, correrán para poder contar sus historias, chocarán entre ellos y deberán luchar entre ellos para poder seguir en competencia. La trama además mostrará como los celulares y las redes sociales, están siempre presentes en estos tiempos y son un factor más de presión. Hay que estar siempre conectados, no hacerlo puede tener graves consecuencias. Y hasta allí vamos a contar, para saber si finalmente los personajes cruzarán la meta deberán ver la obra.

Momento de hablar del elenco, que resulta fundamental para ponerle el sello a un texto potente, con una puesta muy creativa. Es un elenco joven y los cuatro protagonistas, muestran en todos los casos, actuaciones sólidas, que debemos destacar. Y vamos a arrancar con Jowy Sztryc, que además de formar parte del elenco, es la autora de la obra. En actuaciones muy parejas por lo destacadas, Jowy es la más destacada de la noche, super expresiva y con un histrionismo a flor de piel, compone a una Valeria, que se muestra contenta con su trabajo de secretaria, muy activa en redes sociales, está ansiosa por conocer a su media naranja y poder cumplir su sueño de entrar de blanco a la Iglesia. Es el corazón del proyecto y se la nota feliz en escena, con una energía bien arriba.

Continuamos con Eugenia Fernández como Clara. Todo su entorno le pregunta cuando será madre, pero ella no quiere saber nada con esa idea. El entorno no admite que vaya contra ese mandato social y la miran como un bicho raro. Con mucha presencia escénica, redondea una muy buena actuación. A Eugenia la habíamos elogiado hace unos meses, por su trabajo en El Funeral de los Objetos  y aquí vuelve a destacarse. Continuamos con Ezequiel Martínez, como Leo. Todas su fichas están puestas en lograr un ascenso en el estudio de abogacía en el que trabaja. Lo necesita para hacer llevaderos todos los años de sacrificio que vivió allí y para mostrar a su padre, que realmente el esfuerzo valió la pena. Muy bueno lo de Leo. Y cerramos el repaso con Bruno Rondini como Manuel, el más joven del elenco y una verdadera revelación. No quiere trabajar en un lugar donde lo exploten, se muestra rebelde con el sistema y eso la familia no se lo perdona. Nos gustó el personaje y el estilo de Bruno.

Siempre es una satisfacción encontrarnos con elencos jóvenes y talentos, siendo La Carrera un ejemplo de ellos. La puesta de Federico Nanyo es muy atrayente. El espacio escénico, delimitado con unas luces rojas de led, es puro movimiento. Es fundamental mencionar el aporte de Eliana Rosales, a cargo de la música y los efectos sonoros que tiene el relato, tocando el violoncello y ubicada de manera estratégicamente en el fondo del escenario. Otros ítems a mencionar es el diseño de vestuario de Vanesa Abramovich, caracterizando a los personajes, con vestimenta oscura, dando uniformidad al conjunto y el diseño lumínico de Paula Fraga, que embellece la puesta.

Resulta muy atractiva la propuesta de La Carrera, un texto profundo que se nutre de una puesta dinámica y muy divertida para disimular su espesor. Muchas veces se sostiene que el humor, es la mejor receta para tocar temas profundos y aquí tenemos una muy buena pruebo de ello. El peso de los mandatos sociales, las importancia de las apariencias, el vértigo permanente y todo el mecanismo que muchas veces nos creamos nosotros mismos, para estar en permanente movimiento, siempre ocupados y apurados. Sabiendo que parar la pelota y sentarse a pensar si realmente somos felices con la vida que estamos llevando, puede ser algo realmente peligroso, porque respuesta puede ser negativa.

Por todo lo mencionado, les recomendamos se pongan en la meta y se alisten para arrancar la carrera. No queda muy claro el porque, pero hay que avanzar para adelante y hacerlo bien rápido, para que los otros, no nos puedan alcanzar y para dejar contento al entorno que siempre está pendiente de nuestros actos. La obra con mucho humor, nos invita a reflexionar acerca de nuestro propósito en la vida y repasar la manera en que ocupamos nuestro tiempo a diario. El mensaje llega de la mano de un texto actual, una puesta dinámica y actuaciones superlativas de un elenco joven y talentoso, que está en movimiento constante.

Pensador Teatral.

El Mundo en mis Zapatos 2

Dramaturgia de  Eloísa Tarruella y Brenda Fabregat. Dirección de Eloísa Tarruella.

Viernes 21 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

La dupla conformada por Eloísa Tarruella y Brenda Fabregat, vuelve al ruedo con El Mundo en mis Zapatos 2, que aclaramos no es una secuela y funciona de manera independiente, es decir no hace falta haber visto la primera parte, para engancharse con esta entrañable historia, que nos hablará del personaje de Brenda en la vida real, con una buena dosis de ficción, evolucionando en el tiempo. En lo personal recordamos, haber disfrutado mucho de la primera parte, en el Pan y Arte de Boedo, que se inspiraba en la vida de la propia actriz y por ello estábamos muy motivados para esta nueva presentación.

En esta ocasión, el disparador será el cumpleaños cuarenta de pico de la protagonista, que dramaturgia mediante acaba de ocurrir y luego del festejo del mismo, Brenda llegará para la función. Ella misma se presentará ante el público, como actriz y madre, abriendo su corazón para contarnos algunas de sus experiencias recientes y otras de la juventud que la marcaron. Al momento del festejo, es tradicional soplar las y en ese momento, pedir los tres deseos. Alguna vez nos pusimos a pensar los deseos que pedimos en anteriores festejos ?? Se cumplieron en su mayoría o alguno de ellos lo venimos repitiendo,  esperando que finalmente esta sea la oportunidad en que el universo accederá a nuestros anhelos ??

Pensando en algunos de esos pedidos, es que la protagonista evocará como actuó el paso del tiempo en su vida. Recordará sus primeros pasos como actriz y aquellos castings a los que todos aquellos que dan sus primeros pasos en la actuación deben concurrir, con anécdotas muy divertidas, que con mucho humor se encargará de compartir. Pero la columna vertebral de la historia, es el amor y como la aparición de las redes sociales cambió todo, siendo necesario hacer cursos acelerados para no quedarse afuera de la movida actual. En el relato reiremos con Brenda y su amor platónico por Miguel Ángel Buonarotti, su compañerito de la escuela, que siguió a lo largo de los años. Y llegaremos a los tiempos actuales de Tinder, matchs y ghosteos, la cara moderna del levante, que aquellos que continúan en las lides amorosas, deben jugar.

Pero no queremos spoilear más, hasta allí vamos a contar, para que los espectadores se sorprendan cuando vean la obra. Si vamos a destacar la gran composición de Brenda Fabregat, que lleva a la perfección las riendas de este unipersonal. Desde el comienzo, la protagonista, mostrará su histrionismo, rompiendo la cuarta pared, generando una corriente de complicidad con un público, que se siente muy identificado con las historias que escucha.

Brenda maneja muy bien los tiempos del relato, con momentos muy divertidos y otros de profunda emoción. La entrega de la protagonista es total y su composición tiene un gran componente físico. Además de ser super expresiva, tiene un pasado como bailarina clásica, mostrando su plasticidad corporal en varias escenas. En otras desdoblará personajes desopilantes, como el de su tía Hermenegilda, con su inconfundible acento paraguayo ( gran personaje ) . Nos encantó el trabajo de Brenda, apasionada y talentosa en escena, que nos regala una hermosa composición.

Siempre marcamos el desafió que representan los unipersonales y lo complicado que es estar solito en escena frente al público. En este caso, la protagonista, que tiene gran presencia escénica por si sola, tiene una muy buena ayuda, nos referimos a la magnífica puesta que presenta la obra. Eloísa Tarruella, la directora de la obra, además de ser una estupenda autora, es directora cinematográfica y esto sin lugar a dudas se nota en la puesta, que tiene una estética muy bella y muchos guiños cinéfilos.

Hay varios ítems de la puesta que merecen destacarse, arranquemos por el  lucido vestuario a cargo de Gabriella Gerdellics, fundamental en la trama,  ya que la actriz se cambia sus vestidos varias veces en escena, al igual que sus zapatos. El diseño escenográfico también a cargo de Gabriella, reproduce el hogar de la protagonista, con calidez y gran cantidad de detalles que colaboran con la belleza estética que mencionamos antes. Otro ítem a destacar es el diseño lumínico de Ricardo Sica, que crea los diferentes climas del relato y por último mencionar la música original de Federico Pascarella, presente en varios pasajes. Todos estos ítems entrelazados, que configuran una puesta encantadora.

Y hasta allí vamos a contar, disfrutamos mucho la propuesta de El Mundo en mis Zapatos 2, que resulta muy atractiva, tanto para para hombre. como mujeres, ya que sin bien la protagonista abre la puerta del universo femenino, el mismo se conecta con el mundo masculino mediante los vínculos que se establecen entre ellos, identificándose el espectador con las situaciones siendo hombre o mujer. La pieza nos hablará del paso del tiempo, los desengaños amorosos y esos fantasmas que nos hacen marca personal y aparecen en los momentos más inoportunos, aunque busquemos todo tipo de tácticas para ahuyentarlos.

Solo queda a invitarlos a la Sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural la Cooperación, para disfrutar de este unipersonal, que los hará reír y también emocionar, con un relato que les resultará muy cercano, ya que nos habla de amor, deseos, el inexorable paso del tiempo y de como siempre hay que ponerle el pecho  a las dificultades y seguir para adelante, adaptándonos a la vida que nos toca en suerte y siempre que podamos, abriendo aquellas puertas que nos brindan momentos de felicidad. El camino lo recorremos, de la mano de un texto entrañable, una puesta exquisita y una interpretación magnífica de una actriz que con pasión, humor y sensibilidad se adueña del escenario.

Pensador Teatral.-

Federico Pascarella

Brenda Fabregat, Eloísa Tarruella

Juegos de Fábrica

Dramaturgia y Dirección de Nicolás Manasseri.

Martes 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Una propuesta potente y perturbadora llega de la mano de Juegos de Fábrica, creación de Nicolás Manasseri, uno de los autores de la exitosa El Funeral de los Objetos, presenta esta obra que ya se había estrenado hace una década, con muy buena respuesta de público, pero en formato de musical. Ahora se reestrena en Itaca, sin música ya, solo texto, con una dramaturgia cruda e inquietante, ya que cuando uno imagina niños jugando, los asocia con una imagen feliz y una etapa de la vida, donde la inocencia y lo lúdico es la regla, algo que en este texto de Manasseri, no se aplica.

La historia se desarrolla a principios del siglo XX, momentos en que Argentina experimentaba profundas transformaciones políticas y sociales, con alternancia entre gobiernos democráticos e intervenciones militares, en un marco donde la masiva migración europea que llegaba a estas tierras, iba a tener gran influencia en los pensamientos políticos de aquellos años. Esta introducción.  no es ajena a la trama, ya que el autor tiene en cuenta todos los hechos de contexto que mencionamos, para introducirlos en el desarrollo de la historia que nos contará.

Las acciones se desarrollarán en el interior de una fábrica abandonada. Allí todos los días llega un grupo de niños, que en ese lugar encontraron el escondite ideal, sin adultos que los controlen, para crear su mundo y sus juegos, con reglas creadas por ellos mismos, estableciendo relaciones que se basan en estructuras jerárquicas por ellos mismos establecidas. Una mañana ingresará en esa fábrica, Fausto un niño con acento italiano bien marcado, dejando claro que provenía de un hogar inmigrante, de los tantos que había aquellos años. Pero Fausto, no tendrá tiempo de jugar, enseguida será descubierto por los chicos que juegan en el lugar, que lo consideran un intruso y no le dan un buen recibimiento.

La primera reacción del espectador es pensar, que veremos chicos inocentes que inventan juegos y este es tomar como prisionero al  intruso. Y al rato confirman que efectivamente todo es un juego, pero con inquietud notarán que es un poco más violento y real de lo que podían imaginar. Con agresiones físicas y mucho maltrato verbal, propiciados principalmente de parte de Uno, nombre que recibe el líder del grupo, que no por casualidad es el más alto y el más grande edad de todos. Su presencia inspira respeto y miedo en el resto.

Pronto notaremos que es su palabra es casi sagrada y su opinión no admite cuestionamientos. Para poder estar allí hay que obedecerle. Con inquietud notaremos que sus arengas incluyen muchas frases xenófobas y de menoscabo para con las mujeres. En el grupo, son todos varones, menos Juana, su hermana, que debe soportar las ofensas de un líder, que no tiene empacho en dejar en claro, que las mujeres, son seres inferiores, que claramente no deben tener los mismos derechos que los hombres ( como dato interesante, recordar que hasta casi la mitad del siglo XX, las mujeres no votaban en nuestro país )

No queremos dar muchos detalles de lo que sucederá en el interior de aquella fábrica, para mantener la sorpresa, solo vamos a decir que esa inocencia que relacionamos muchas veces con el mundo de los niños, aquí quedará de lado y quedaron al descubierto las crueldades y los abusos que muchas veces ocurren en esta etapa de la vida y se guardan bajo la alfombra. Es una triste realidad, que a menudo, los chicos toman lo peor del mundo de los adultos y tratan de llevarlo a su lógica, con resultados muy negativos y consecuencias nefastas que desembocan en traumas que se arrastran toda la vida. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo descubrirán ustedes al ver la obra.

Momento de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra, con un dato que resulta bien llamativo. La obra tiene seis personajes, de los cuales cuatro son masculinos, pero en el elenco hay mayoría de mujeres, esto se traduce en que hay varios personajes masculinos doblados por actrices. Indudablemente hay una búsqueda de Nicolás Manasseri, que además del autor de la obra, es el director. Los motivos podemos intuirlos pero luego de haber visto la pieza, podemos afirmar que los resultados son muy positivos, ya que las actuaciones de esas actrices son sobresalientes.

Y hablando de trabajos sobresalientes, arrancamos destacando la gran composición de Martina Zapico, como Segundo, provenientemente de una familia humilde, con su boina y una dialéctica que defiende la importancia del trabajo. Es la contracara de Uno y aunque le teme un poco, es el único que puede hacerle frente y finalmente se animará a desafiarlo. Martina, por este personaje, cuando la obra tenía formato musical, fue nominada a los Premios Hugo con el Premio de Revelación Femenina. Y años después, vuelve a lucirse en gran forma con un personaje que le sienta muy bien. La rompe Martina como Segundo.

Pilar Dantín es Raúl, siempre está cerca de su primo Segundo. Es de los benjamines del grupo y aunque quiere imitar a los adultos, queda claro que es un niño. Muy tierno su personaje, con su vocecita aflautada. Pedro Maurizi es Fausto, el chico con acento italiano, que sufre las burlas y la discriminación del grupo, que obedece a su líder. Muy bueno lo de Pedro. Victoria Casserly es Juana, el único personaje femenino de la historia, que con valentía buscará hacerse respetar en un grupo donde las mujeres son consideradas inferiores e introduce el tema del despertar sexual en la adolescencia. Nos gustó el trabajo de Victoria.

Brian Sichel como Uno, es el personaje disruptivo de la historia. El líder del grupo, que aprovechando ser el más grande de edad y de contextura física, no duda en imponer sus ideas. Con aires de dictador y un discurso violento, con referencias militares, es quien establece las reglas en aquella fábrica, siendo el villano de la obra. Está muy bien Brian en el papel. Y para el final dejamos a Fernanda Provenzano, una actriz muy talentosa a la que elogiamos mucho en El Funeral de los Objetos. obra exitosa del off, que además la tiene como una de sus autoras. Aquí lleva adelante el personaje de André, otro de los más pequeños de la historia, hermano de uno, componiendo un personaje entrañable. y muy querible. Y la caracterización es tan lograda, que recién descubrimos que era Fernanda la que llevaba adelante el papel de André, cuando la escuchamos hablar con su voz real en el saludo final. 

Dedicamos algunas líneas a los trabajos actorales, como estricto acto de justicia, porque las composiciones son realmente destacadas. La puesta de la obra como señalamos es perturbadora, hay un aire de tensión permanente en escena y gracias a la utilización de variados recursos, se consigue la atmósfera tenebrosa,  a tono con el clima de la historia. Ítems a destacar, el notable diseño escenográfico de Phepandu, que reproduce una fábrica abandonada, con muchos detalles Y otro rubro muy destacado, es el vestuario de La Costurera, con ropa de época que contribuye en gran forma,  a las caracterizaciones de los personajes.

Y hasta allí vamos a contar, nos sedujo mucho la propuesta de Juegos de Fábrica, ya que ofrece una mirada diferente al mundo de los niños, alejada de los estereotipos y siendo consecuente con muchas de la problemáticas actuales, donde abundan las situaciones de violencia y bullyng entre los chicos. La obra muestra como las relaciones de poder habituales entre los adultos, puede trasladarse al mundo infantil, imitando los peores ejemplos que los chicos tienen en sus casas y poniendo en peligro la inocencia y los juegos recreativos, que deberían prevalecer a esa edad.

Recomendamos Juegos de Fábrica, ya que nos ofrece una mirada diferente y políticamente incorrecta sobre el mundo infantil, pero a la vez los espectadores notan que es un enfoque que luce actual y realista a la luz de los comportamientos violentos y los discursos intolerantes que predominan en nuestra sociedad, no quedando exentos los niños de aquella influencia. Un texto potente, una puesta muy atractiva y estupendas composiciones, se unen para que disfrutemos de una propuesta que saca al espectador de la zona de confort y lo sumerge una historia más oscura de lo que imaginamos.

Pensador Teatral.