Babel Cocina

Dramaturgia de Patricia Suarez y Rita Terranova. Dirección de Rita Terranova.

Sábados 20 30 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una original y festiva propuesta nos regala Babel Cocina, obra escrita por Patricia Suarez y Rita Terranova, que nos proponen un viaje divertido y colorido hacia la Buenos Aires de 1888, para rescatar un hecho histórico muy pintoresco, al recordar una de las primeras huelgas ocurridas en nuestro país, iniciada por el personal gastronómico ( mozos y cocineras ), al que se le sumaron luego otros trabajadores domésticos, como las criadas, los cocheros, las niñeras, los lecheros y demás oficios similares.

El motivo de la huelga, era pedir que se dejaran de utilizar las libretas de conchabos, instrumento donde los patrones calificaban de manera arbitraria los desempeños laborales y las conductas de sus empleados. Este es el marco que las autoras construyen, para presentar las historias de dieciocho personajes de la época, si leyeron bien la cantidad. La mayoría de ellos trabajadores humildes y seres desprotegidos, que tenían que luchar a diario para ganarse el pan, en una Buenos Aires que abría sus brazos para recibir corrientes inmigratorias que poblaran un suelo que tenía mayoría de analfabetos y pestes como la fiebre amarilla al acecho.

Por si algún lector, tuviera alguna duda, rápidamente aclaramos que una de las características principales de la Babel Cocina es su optimismo, su fuerza esperanzadora y la solidaridad entre los entrañables personajes que se presentan, buscando retratar sus alegrías por encima de las tristezas. Es por ello que la obra tiene muy buenos momentos musicales, bailes alegres y una épica popular que resulta contagiosa.

En el escenario se vive una fiesta de colores, personajes que entran y salen de escena, situaciones divertidas y una dinámica que no para nunca. Las historias mínimas de estos personajes son queribles y entrañables. Personajes variopintos y de una riqueza creativa particular ya que tienen diferentes orígenes, algunos surgen del universo poético de Evaristo Carriego, otros de Chejov, algunos tienen aires circenses y así podemos seguir, hasta hay algunos que nos remontan a nuestras leyendas populares, como el caso del Gauchito Gil, que se dará el lujo de ser partícipe de esta obra.

Cuando dijimos que la obra era original y muy rica en personajes e historias no les exageremos en nada y sin dudas esta es una de las principales razones de su suceso.Algunos de los personajes por momentos rompen la cuarta pared, generando complicidad con los espectadores, que se enganchan desde el arranque con la idea. Y hasta allí vamos a contar, para no quitar sorpresa, deberán ver la obra para saber si finalmente los trabajadores tendrán éxito con el reclamo y la huelga tendrá un final feliz. Ganarán los buenos estas vez ??

Momento de hablar un poco de las actuaciones que presenta Babel Cocina, son nada menos que catorce los actores, de los cuales once son mujeres, algo que no es casualidad, ya que la dramaturgia y la dirección también está en mano de mujeres. Sin lugar a dudas la obra rescata la fuerza y la unión del género femenino, en momentos donde sus derechos eran escasos, en comparación con los hombres.

Siguiendo con el elenco, es realmente una fiesta para los ojos y los sentidos, ver un escenario poblado con tantos actores, que en algún momento van a coincidir en escena al mismo tiempo. Todos sabemos el sacrificio que acompaña al teatro independiente, todo se hace a pulmón y por ello lo habitual es ver una cartelera con mayoría de unipersonales, por eso cuando aparece una propuesta como esta, con tantos actores de buena trayectoria en el off, que además son talentosos, conforman un cuadro que no pasa desapercibido y debemos celebrar.

Vamos a hacer algunas menciones, porque los trabajos así lo ameritan. En nuestra opinión, entre las actuaciones más destacadas, sin dudas hay que resaltar la de Hernán Cuevas, divertido y carismático, dará vida a un ayudante de lechero sensible y enamoradizo y a un desopilante Gauchito Gil. Sus intervenciones son muy festejadas por el público y saca risas al por mayor. Estupendo lo de Hernán.

Otro trabajo que nos encantó es el de Jazmín Rios, en su doble papel de una fina niñera con acento francés y de gitana que en varios pasajes juega un papel de presentadora de la historia. Con muy buena presencia escénica, es a nuestro entender una verdadera revelación. Resalta también el personaje de Gaby Barrios, una actriz a la que elogiamos muchas veces en este de sitio y que aquí muestra su versatilidad componiendo a una monja desopilante y desfachatada.

Siguendo con los personajes femeninos destacados, hay que mencionar a Renata Morrone como Narcisa Garay, una florista fresca y también con mucho carisma. Thelma Demarchi, otro actriz a la que elogiamos mucho aquí, se destaca como la encantadora Maboretá y el diarero. Ana Clara D´Albenzio es la mendiga, un personaje que genera mucha empatía. Karina Iazurlo, otra figura destacada de la noche, con su personaje de Chiarita, que apuesta por el amor y es un ejemplo de la fuerza femenina.

Encantadora Claudia Carpena, como Gina la italiana, que forma muy buena dupla con Helvecia, interpretada por Silvia Bek. Gabriela Blanco es la loca que busca a su hijo, del que solo sabe que llegó hace unos años a Buenos Aires en barco y Julieta Fernández es la mudita, que pone toda su expresividad al servicio del personaje y se hace notar en la parte final, mostrando que todos los papeles tienen un momento para destacarse.

Queda mencionar del lado masculino, el muy trabajo de Leonardo Coccaro como Pedrito el cochero, uno de los líderes de la huelga, Cali Mallo es un elegante periodista que busca ocultar un secreto y para el final dejamos a Gabriel Schapiro, que la rompe como el oligarca, un personaje disruptivo en la historia, contrario a la huelga y muy despectivo con los trabajadores. Muy logrado y divertido su papel. 

Al ser tantos personajes se hizo algo extensa la descripción, pero entendemos es un acto de justicia poder al menos mencionar y dar una linea de cada protagonista, que con tanto amor y entusiasmo dió vida a su personaje, en una obra donde lo que se destaca es el bloque y el conjunto, por eso es tan importante el trabajo de cada uno de ellos. Y como siempre ocurre en estos casos, cada espectador cuando vea la obra, elegirá cuales son sus personajes favoritos, algo que no es tarea sencilla, por lo parejo y bueno de las composiciones.

Hay que dedicar algún párrafo a la estupenda puesta de Rita Terranova, que en primer lugar tiene el gran mérito de poder coordinar a tantos actores en escena tarea que no es nada sencilla. Rita logra una puesta con mucho colorido, música, bailes, gags divertidos y un optimismo que se respira en el aire. Impresionante el vestuario de los personajes, gran felicitación aquí para Vanesa Abramovich a cargo de este ítem y fundamental para las bellisimas caracterízaciones, al igual que Analia Arcas en el maquillaje. El diseño sonoro de Guillermo Pintos y de luces de Manuel Mazza, aportan lo suyo para una puesta tan rica.

No queda mucho más para agregar, entendemos que ya contamos mucho sobre Babel Cocina, esta entrañable propuesta, que luego de una primera temporada de suceso donde agotó localidades en cada función y cosechó varios premios, se consolida en esta segunda temporada llenando todos los Sábados El Tinglado y ratificando el poder del boca a boca, tan importante en el teatro independiente.

Solo queda invitarlos a esta fiesta teatral, llena de colores y matices, que apoyada en una dramaturgia que elige un hecho histórico y una lucha popular con épica, resultando la excusa perfecta, para conocer a estos encantadores personajes de época, que llegan junto con sus relatos de amores y sueños. Si a esta bella historia, le sumamos una puesta estupenda y actuaciones muy logradas del muy buen elenco reunido, se entiende porque Babel Cocina es una fiesta teatral que nadie se quiere perder.

Pensador Teatral.

Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile

Dramaturgia de Ramón Mazuela Falchetti y Eduardo Meza Villanueva. Dirección de Ramón Mazuela Falchetti

Jueves 21 hs en Beckett Teatro ( Guardia Vieja 3556 )

Una propuesta muy fuerte y con muy buena elaboración, llega con Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile, un título que pueda sonar desconcertante y que se refiere a la frase usaba el joven Daniel Zamudio cuando le hablaba a su familia acerca de su futuro, algo que penosamente tuvo visos de realidad,  pero por circunstancias trágicas, que el joven nunca hubiera imaginado cuando lanzó aquella profecía, donde tenía como sueño ser un artista reconocido que triunfaría en la televisión y en los medios, no ser recordado por un asesinato tan abobinable.

La obra retrata unos de los peores crímenes homofóbicos que sufrió nuestro vecino país, cometido hace poco más de una década por un grupo neonazi, que atacó a un joven de manera salvaje en un parque de Santiago. La brutal golpiza, que incluyó torturas, provocaron heridas gravísimas en Daniel Zamudio, de apenas 24 años, que murió hospitalizado tras una prolongada agonía que duró casi un mes. El crimen conmocionó a la sociedad chilena y trás el mismo se dictó una Ley Antidiscriminación que lleva su nombre.

Luego de esta necesaria introducción, vayamos a la obra que la Compañia teatral chilena La Matrera presenta en el Beckett, este texto escrito por Ramón Mazuela Falchetti y Eduardo Meza Villanueva, inspirado en el libro Solos en la Noche y tras un año de investigación, presentan en Argentina, luego de tener gran repercusión en Chile,  este pieza cruda y realista, que busca crear conciencia sobre los crímenes de odio, que surgen de la intolerancia y el prejuicio hacia personas, debido a su raza, religión u orientación sexual.

La trama es dinámica y atrapa desde el arranque, dividiendo las acciones en tres planos e intercalando imágenes simultáneas por un lado veremos a Daniel interactuando con su familia, por otro lado veremos a Daniel saliendo con sus amigos en la noche y con sus primeros amoríos, dejando para el final el cuadro más inquietante y a nuestro entender más potente, que encontramos con los asesinos de Daniel en la cárcel y haciendo sus alegatos, hablando de sus historias personales y de su percepción sobre el cruento asesinato, siendo muy interesante intentar meterse al menos por unos minutos, en la cabeza de una persona que haya sido capaz de cometer una atrocidad semejante.

A medida que avanza el relato, iremos viendo la conflictiva relación de Daniel con su familia y como los vínculos rotos en la misma irán influyendo negativamente en su vida. El clímax de la obra llegará en el final cuando los integrantes del grupo neonazi, se encuentran aquella trágica noche con Daniel y sucede lo peor, pero hasta allí vamos a contar nosotros, porque la escena es realmente fuerte y tiene muchas aristas para analizar.

Algo que nos impresionó muy positivamente de la obra, es el gran despliegue escénico con el que cuenta, ya que son once los actores y seis los bailarines los que tendremos en escena, algo totalmente inusual para una obra del teatro independiente, siendo un hecho que debemos valorar, ya que es un esfuerzo muy grande, que sin dudas se ve reflejado en el producto final, ya que se consigue una pieza potente, que transmite un mensaje contundente.

Vamos a ser injustos seguramente, porque sería imposible mencionar a todos, pero queremos resaltar especialmente algunos trabajos. Arrancando por Johan Mutarello en el papel de Daniel, el gran protagonista de la historia, logrando darle sensibilidad a su personaje y generando una muy buena corriente de empatía con el público. En un protagónico que no resultaba sencillo, es muy bueno el trabajo de Johan.

Sigamos con los trabajos de quien interpretan a los integrantes del grupo neonazi, que nos conmovieron por la emocionalidad de sus composiciones, viscerales y a fondo, destacando en especial Alexander Macflecher como Jarcore, el temperamental líder del grupo y Elian San Miguel como Andrade. Los actuaciones de Nahuel Fayterna como Lazo y Nicolás Viguera Moya también se destacan, completando un cuarteto de muy buenas actuaciones, con fuertes y sufridas historias personales los cuatro personajes, que encontraron el peor grupo de pertenencia posible.

La puesta de Ramón Mazuela Falchetti tiene muchos elementos para destacar, partiendo de la muy buena coordinación entre tantos actores en escena, con muy buena distribución de los tiempos y de las historias intercaladas. Muy buenas las coreografías de Hernán Martínez, en los momentos bailables del relato, donde hay que mencionar la potencia del sonido y las luces, que transformaban el escenario en una discoteca, en un efecto muy logrado. Y otro ítem a destacar es el vestuario, que caracterizó muy bien a todos los personajes, predominando el color negro en todos, salvo en el el protagonista de la historia, en un guiño que no pasa desapercibido.

No queremos seguir adelantando nada, realmente una muy grata sorpresa la gran presentación de la Compañia La Matrera, trayendo a Buenos Aires esta historia tan cruenta que conmovió a la sociedad chilena y que tranquilamente pudo haber ocurrido en nuestro país, ya que estos crímenes que son cometidos por la intolerancia con aquel que piensa diferente a nosotros, es algo que conocemos muy bien en nuestro país y en otro países del mundo,  teniendo infinidad de casos como ejemplo.

Gran mérito además de dar visibilidad a esta temática, es hacerlo con una obra tan bien elaborada y una puesta en escena que volvemos a reiterar impresiona por su despliegue escénico, mostrando a un elenco muy joven que se nota plenamente identificado con el mensaje que transmite la propuesta, que es buscar crear conciencia en la sociedad y en nosotros mismos, de lo importante que es respetar y tolerar al otro, no siendo nunca una opción aceptable, imponer nuestro pensamiento mediante la violencia.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar Daniel : Voy a ser el gay más famoso de Chile, una propuesta que llegó en silencio desde nuestro vecino país, con un mensaje claro y contundente contra la violencia homfóbica, generando gran empatía en los espectadores, que emocionados despedirán a los protagonistas al final de la función, sintiendo que han sido testigos de un necesario homenaje a Daniel y a tantas víctimas que padecieron este tipo de violencia.

Pensador Teatral.

Chongos

Dramaturgia y Dirección de Hernán Cuevas.

Martes 20 30 hs en Picadilly Teatro ( Av.Corrientes 1524 )

Una divertida propuesta llega con Chongos, obra escrita y dirigida por Hernán Cuevas, que a partir de la siguiente pregunta: Que harías para alcanzar tus sueños ??, propone una sátira muy entretenida de muchos reality shows vienen conquistando las audiencias televisivas en los últimos años, siendo un fenómeno que puede generar múltiples debates en la sociedad, pero que nadie puede discutir que han sido exitosos.

Las acciones en Chongos se sitúan en el año 2003, con un país que se quería recuperar de la gran crisis del 2001 y con muchas personas que quedaron patas para arriba y buscaban la manera de salvarse. Y en ese marco, aparece esta obra, que nos invita a ser participes de un exitoso concurso televisivo de belleza y talentos, en el que cinco hombres deberán exponer sus virtudes, sueños e intimidades, con el gran objetivo de ser coronados como Mr.Chongo del año.

La platea del Picadilly se transformará en un set de televisión y los presentes en la sala, además de presenciar en vivo el concurso, deberán votar al final de la función para elegir al ganador. El condimento adicional, es que los espectadores además de ver las acciones que se transmiten por televisión, serán testigos de lo que ocurre puertas adentro en el estudio, ya que podrán ver y oír a los participantes en el vestuario del canal, mientras no están en el aire y se desatan algunas internas.

Todos los participantes se destacan por su físico portentoso y tienen como sueño ganar aquel concurso que puede abrirle muchas puertas. La mayoría son chicos del interior, que llegan ilusionados con ser los elegidos, apoyados por su familia y por sus pueblos. Tiene un trabajo, pero darían lo que no tienen para cambiar su vida y alcanzar la fama. En ese vestuario, se develarán intimidades y sus historias personales, que pueden ser las de cualquier joven del interior.

La trama mostrará diversas apariciones de los participantes, donde deberán mostrar sus talentos, responder las preguntas de Mike ( Hernán Cuevas ) el conductor del evento y estar listos para algún momento emotivo que la producción les tiene preparado. En muchas de estas actividades, el público tendrá una participación activa, subiendo algunos espectadores al escenario, generándose mucha interacción con el público y en función de las elecciones de la platea, cambiará lo que se verá en el escenario, por lo que ninguna función es igual a la otra.

Se vive un clima festivo en la sala y eso sin dudas disimula algún bache que puede tener la dramaturgia, que además es tapado por el entusiasmo de los jóvenes protagonistas y por el oficio de Hernán que oficia como conductor del show televisivo teatral. Como punto negativo, creemos que hay una escena fuerte dentro del vestuario que nosotros entendemos es de mal gusto y podrá evitarse, ya que no aporta nada al texto, decimos esto porque la obra no necesita caer en la grosería, para cumplir su principal objetivo que es divertir y realizar una inteligente parodia y sacando la careta a los los reality shows que todos conocemos, Aclaramos que lo mencionado es una opinión personal y por lo tanto no todos pueden coincidir, aclaramos que lo mencionado, no empaña para nada todo lo positivo que tiene la propuesta.

Vayamos a las actuaciones que presenta la obra y al gran protagonista de la noche, Hernán Cuevas, que además de ser el autor y el director, es el protagonista principal de la historia, ya que es quien conduce y organiza el concurso, mostrando una doble cara, siendo amable cuando está al aire y bastante perverso cuando la luz está apagada, fustigando a los participantes, en un personaje que nos suena muy creíble teniendo en cuenta la hipocresía que se maneja en los medios puertas adentro,

Hernán el impulsor del proyecto, que fue descubierto por muchas personas en Netflix tras su participación en la exitosa serie División Palermo, es la figura convocante de la noche y cumple en gran forma este rol, siendo un conductor  villano y manipulador , que no conducirá con solvencia el evento y no dudará en sacar ventaja de su situación de poder y hasta allí vamos a contar para no spoilear nada. Nos gustó mucho el trabajo de Hernán.

Momento de hablar de los cinco participantes del concurso, todos ellos jóvenes que además de lucir sus cuerpos, tienen el carisma necesario para componer muy bien sus personajes y levantar suspiros varios en la platea. Una buena idea de la autor es que los protagonistas sean hombres, cuando por lo general cualquier concurso de belleza, se asocia con las mujeres y dejando en claro que el culto al cuerpo también puede tener como centro al género masculino.

Mauro Angemi, Ángel Baez, Santiago Castellano, Maximiliano Nolasco y Agustín Sola, son los que deben mostrar su talento y habilidad para ganar el concurso. Además cada uno de ellos, tendrá una historia personal diferente para compartir. Pese a que puede haber alguna diferencia en los registros actorales, todos muestran compromiso y pese al clima que se genera en la sala, se toman con seriedad sus papeles. Claro está que cada espectador tendrá un favorito y aquí tendrá chance de manifestarlo.

No queda mucho para agregar, Chongos es una propuesta con una dramaturgia simple, que busca entretener al público y hacerlo partícipe de un show teatral / televisivo que se ríe de los reality shows y los cuestiona, mostrando la falta de transparencia de la que todos hablar, pero que pocos se atreven a denunciar en detalle, demostrando que muchas veces los medios son más poderosos de lo que la gente piensa.

La obra divierte y hace reír, ese es su objetivo primordial, pero también busca dejar un mensaje para que reflexionemos, acerca de lo cruel que puede ser el medio y como muchas veces jóvenes inocentes que buscan cumplir sus sueños, pueden caer en las redes de gente inescrupulosa que se aprovecha de ellos. Por ello, recomendamos vean la obra atentos a todo lo que sucede en el escenario, así al final de la función, elijan como Mr. Chongo al participante que más lo merezca.

Pensador Teatral.

Hermanos Siralmik

Dramaturgia y Dirección de Ricardo Larrama.

Domingos 20 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 ) 

Una propuesta entrañable y humana nos acerca Ricardo Larrama, con Hermanos Siralmik, somos los que recordamos, obra que nos habla de la vejez y como llegamos a esta etapa de la vida, poniendo el foco en el vinculo filial, entre dos hermanos que ya pasaron los setenta años, tomaron caminos diferentes y ahora por circunstancias de la vida, están viviendo juntos en la casa que fuera de sus padres.

La historia que resulta cercana y reconocible, nos presenta a Daniel ( Enrique Amido ) el hermano mayor, con 75 años cumplidos, que luego de separarse, tuvo que volver a la casa de los padres, allí donde vivió siempre Emilio ( Isaac Jorge Lisorki ) el hermano menor, soltero empedernido e idealista por naturaleza, que tuvo que aceptar la llegada de su hermano y con la misma el pase de facturas permanentes que sufrirá,

El vínculo entre los hermanos es conflictivo, en especial por la le belicosidad de Daniel, que es quien dirige la batuta y no se cansa de lanzar dardos a Emilio, con agresiones verbales de amplio espectro, quejas de todo tipo, algunas triviales,  como el reclamo porque no se encarga de hacer las compras o porque pasa mucho tiempo en la casa, pero también trayendo sucesos pesados del pasado que son fáciles de digerir.  Emilio trata de hacer caso omiso a los reclamos y a las acusaciones que recibe, prefiere ignorar lo que escucha, pero los ataques son constantes y casi es obligado a defenderse.

Sus vidas fueron muy diferentes, Daniel se casó y tuvo 2 hijos, viviendo un tiempo largo lejos de los padres, en cambio Emilio, tuvo una vida más bohemia, dedicada cuando era joven a la militancia política y más tarde al cuidado de los padres. Con personalidades opuestas y pensamientos disímiles, podrían tener una vejez en paz, pero Daniel no puede con su genio y siempre tendrá un reclamo que hacer, ya sea por algo del presente o algún asunto del pasado.

La trama por momentos es muy divertida, los hermanos se llevan la contra y discuten por cualquier cosa, porque se usan la ropa del otro, por que no se ponen de acuerdo en el año del casamiento de los padres o por cualquier otra cosa. Así pasan su tiempo y sus dias.  Pero esa tarde algo cambiará, porque Emilio anuncia con evasivas que tiene que salir a hacer un trámite, Daniel para variar se burla del hermano, pero cuando vá descubriendo que Emilio se viste de manera demasiado elegante, se empieza a poner nervioso.  Y mucho más cuando tras varios minutos de querer conocer cual es ese importante trámite, Emilio por cansancio le confesará que tiene una cita con una mujer.

Y hasta allí vamos a contar, solo diremos que la ofensiva de Daniel a partir de ese momento se incrementará notablemente y recurrirá a todos los recursos posibles para arruinarle la salida a su hermano. La trama tiene un par de sorpresas reservadas que no queremos revelar, por ello van a tener que ver la obra para descubrir si finamente Emilio puede concretar su cita y que consecuencias puede tener aquella salida.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra que nos encantaron. Arranquemos por Enrique Amido, como un Daniel implacable, malhumorado y agresivo, con una personalidad muy fuerte, es un experto en ver los errores del otro, pero nunca los propios. Gran trabajo el de Enrique, con un personaje furibundo, que siempre quiere tener la razón y tendrá siempre listo el talonario de facturas para pasarle a su hermano.

Isaac Lisorki como Emilio, es su contracara, calmado y cansado de las peleas con su hermano, trata de evitar el diálogo y estar en estado zen,  porque sabe que aunque la charla luzca inofensiva, siempre llegará un conflicto. Tratará en todo momento de poner paños fríos a la situación, pero su hermano es un verdadero torbellino. Muy buena la composición de Isaac. 

Celebramos mucho que actores de experiencia tengan su lugar en el teatro independiente, aquí el texto lo ameritaba, pero muchas veces se eligen a actores jóvenes que toman los papeles de la gente mayor, algo que aquí no ocurre.  En esta ocasión no hace falta caracterización alguna y los protagonistas desempeñan sus papeles de gran forma y con una credibilidad muy alta. Gran elección de Larrama y gran prestación de Isaac y Enrique.

La puesta de la obra es austera pero muy efectiva. Destacamos el diseño escenográfico de Marcela Rodriguez recreando el hogar paterno y la música original de Fepo Forciniti. La preponderancia en la pieza la tiene la palabra y los filosos diálogos que mantienen los hermanos, pero desde la puesta se crear una atmósfera familiar que colabora con el texto.

Nos sedujo la propuesta de Hermanos Siralmik, más que nada por su humanidad y cercanía, ya que combina en muy buenas dosis, el humor con la tensión dramática  para hablarnos del vínculo fraternal que en este caso particular se caracteriza por el conflicto y la toxicidad, mostrando como muchas veces al llegar a la vejez, en vez de aprovechar el tiempo libre que se tiene, las personas prefieren enfrascarse en discusiones estériles, trayendo los peores recuerdos del pasado y retomando situaciones que no tiene sentido tratar a estas alturas.

Como dijimos en el comienzo, la obra resulta divertida y profunda a la vez, en más de una oportunidad nos vamos a reír de las ocurrencias de Daniel y Emilio, pero en otras oportunidades se vivirán situaciones tensas que nos llevarán a reflexionar y muy seguramente veremos en estos dos entrañables viejitos a algún familiar nuestro. Felicitamos a Ricardo por este bello texto y a los protagonistas por sus sentidas actuaciones, coronadas al final de la función por el merecido y prolongado aplauso de los espectadores, que agradecen el sentido momento teatral que disfrutaron.

Pensador Teatral.

Seríamos una Familia

Dramaturgia y Dirección de Marigela Ginard.

Viernes 21 hs en Teatro Anfitrión ( Venezuela 3340 )

Una muy buena adaptación teatral del cuento Dentelladas de Tigre de la escritora norteamericana Lucia Bertin llega a la cartelera porteña de la mano de Marigela Ginard, que se nutre del universo de esta autora redescubierta en los últimos años y calificada con el secreto mejor guardado de las letras estadounidenses, no alcanzó a vivir el tiempo suficiente para conocer el impacto de sus obras.

La protagonista de esta fuerte historia es Lou, una joven de vida algo desordenada, que decide aceptar la invitación del tío Tyler y viaja junto a su pequeño hijo Ben a Texas, para pasar una Navidad en familia. La idea esa poder reconciliarse con sus padres, que estaban furiosos porque su marido la había dejado y ahora debería lidiar ella sola con la crianza de  su hijo.

Al llegar a la estación de tren, la estaba esperando su prima Bella Lyn, que se alegra mucho de volver a verla y de conocer al pequeño Ben. Se suben al descapotable y allí la prima les advierte que no espere mucho espíritu navideño, porque en una discusión familiar, su madre se había cortado las venas, no fue algo extremadamente grave, pero la internaron en un hospital psiquiátrico cercano y estará allí unos días, porque lo no estará presente en la fiesta navideña y tampoco será de la partida su padre, que sigue furioso por su divorcio. En uno segundos los deseos de reconciliación familiar se esfumaban en el aire.

La prima le cuenta que ella tampoco estaba bien de amores, porque luego de dos meses, también se separó de su marido, debido a que su propia familia le había dado una paliza por revelación sobre un hábito sexual que ella reveló a su madre. Evidentemente tenían en común familias muy explosivas y de armas tomar. En tren de confesiones, Lou reveló que estaba algo preocupada, porque para ir a aquella fiesta navideña, como en el trabajo no le daban franco, decidió renunciar al empleo sin más.

La prima se alarmó por aquella decisión, ya que sin trabajo no tendría dinero para mantener a su hijo. Y allí llegará la revelación que cambiará todo en la obra, ya que Lou confiesa que no es un hijo al que debe mantener, son dos, porque está embarazada de cuatro meses, Y hasta allí vamos a contar, para mantener la sorpresa solo diremos que aquella noticia, cambiará por completo el rumbo de la historia, volviéndose todo más oscuro a partir de allí, apareciendo en primer plano el tema del aborto en toda su dimensión, no solo desde el punto psicológico.

Momento de hablar de las protagonistas de la obra, que tiene una estructura muy particular, ya que las tres actrices interpretarán a Lou de manera intercalada y también a la prima, jugando también en los diálogos entre ellas, en un recurso ingenioso y original que propone Marigela Ginard, que le dá un condimento particular a las actuaciones, ya que las tres actrices siempre están juntas en escena, compartiendo el mismo personaje, mencionando también que hay diferencia de edad entre las actrices, que le aporta un matiz especial a las interpretaciones.

Nos gustaron mucho los trabajos de Evelia Romero, Valeria Franchi y Pilar Pacheco, mostrando muy buenos trabajos individuales y gran coordinación entre ellas, para entrar y salir de los personajes en los momentos justos. Evelia Romano la más experimentada, muestra mucho carisma y transmite paz con su composición. Valeria Franchi la del medio, es quien conduce la mayor parte del relato y destacamos su gestualidad y su bella voz. Por su parte Pilar Pacheco, la más joven de las tres, aporta frescura y se luce en las partes cantadas que tiene la obra. Exquisitos y sensibles composiciones del trío protagónico.

La puesta de Marigela tiene varios puntos para destacar. En primer lugar, la gran cercanía que tiene el público con las actrices, esto se debe a que las sillas se ubican a los dos costados del despojado espacio escénico, que es una estrella franja vertical que las actrices recorren. Esta disposición, permite que el espectador no se pierda detalle de los movimientos y gestos de las protagonistas, algo que se disfruta mucho. El diseño lumínico de Ricardo Sica, contribuye a la atmósfera íntima que tiene la obra y gran destaque el vestuario de Lara Risatti, con jeans y sombreros vaqueros para las mujeres en sintonía con la locación del relato.

No queremos contar más, para que descubran más cuando vean la obra, sin dudas es una gran chance de conocer la pluma esta autora estadounidense, que con este cuento nos traslada al paisaje de frontera entre los Estados Unidos y México, para hablarnos de vínculos familiares rotos que pueden provocar que nos sentimos desamparados, debiendo decidir y actuar en soledad, algo que muchas veces no trae buenas consecuencia, con el plus que no debemos perder de vista los mandatos sociales que siempre están presentes.

Seríamos una Familia nos relata una historia cruda y reconocible, que arrancará de manera relajada y a medida que la trama avanza el camino se irá oscureciendo, para entrar en una temática sensible y controversial,  que se hace eco de la realidad de muchas muchas mujeres en el mundo entero. La original puesta de Marigela Ginard y las muy buenas actuaciones de las tres protagonistas, se abrazan con sensibilidad al texto de Lucia Bertin y el teatro lo agradece.

Pensador Teatral.

Las Descartadas

Dramaturgia de Florencia Farias y Gustavo Roza Pereyra.

Miércoles 21 hs en Nun Teatro Bar ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Título interesante para esta propuesta, que con mucho humor y una trama muy dinámica nos presentará a seis mujeres que están cursando el último año de la carrera de psicología y que por decisión de la facultad,deberán presentar una tesis final grupal para recibirse. Ellas no decidieron esta metodología, ni tampoco quienes integrarían el grupo, pero no les queda alternativa, si quieren recibirse deberán unir fuerzas.

La trama se presentará con la presentación de las seis alumnas y ya en ese momento nos daremos cuenta, lo complicado que será que juntas consigan el objetivo. El grupo a simple vista aparece como muy heterogeneo, por las diferentes edades de las integrantes de aquel grupo, que cuenta con mujeres maduras y otras adolescentes, pero además se ven algunas diferencias de clase, de pensamientos y la coincidencia, es que ninguna tiene muchas ganas de integrar aquel grupo con cinco desconocidas.

Tardarán bastante en acordar el día en que se podrían reunir para trabajar en la tesis, así que pueden imaginarse lo difícil que sería ponerse de acuerdo para hacer el trabajo. Finalmente se encuentran un fin de semana en la casa de una de las chicas y tendrán la difícil misión de ponerse de acuerdo en el tema que va a tratar la tesis. Como buenas estudiantes del último año de psicología, en los diálogos aparecerán muchas citas de Lacan y Freud , como disparadores para que surja algún tema en común, pero el tiempo pasa y no logran ponerse de acuerdo.

La diversidad de las mujeres reunidas, dificulta mucho la armonía del grupo y que se enfoquen en el trabajo que deben hacer. De a poco irá apareciendo el desanimo y los conflictos personales de cada una de ellas. Todas ellas tienen una historia que las angustia, algún vinculo familiar roto, un amor enfermizo, no goce de la sexualidad, trabajos precarios, entre otras problemáticas y de a poco irán contando algo de su realidad. Además irá surgiendo un hilo conductor en cada una de las historias personales,  hay baja autoestima, situaciones de competencia,  rechazo y discriminación, que las hace sentir descartadas por el otro, siendo amplia esa figura del otro.

La trama con mucho humor y situaciones bastantes bizarras, expondrá las problemáticas que sufren a diario estas mujeres, que enseguida el espectador reconocerá y notará como muchas veces somos rechazados por la sociedad, por no cumplir una moda, un mandato o simplemente por no seguir el camino esperado que nos marcan a seguir. Y hasta allí vamos a contar para no adelantar más, cuando vean la obra, podrán descubrir, si entre todas, podrán limar asperezas y cambiar la agresión por la ayuda, para revertir un estado de angustia que aunque quieran ocultar está presente y además sabrán si finalmente encontrarán el tema en común y podrán presentar la tesis.

Vayamos ya a las actuaciones que presenta la obra, que a nuestro entender son el punto más alto de la propuesta, ya que la diversidad y la energía de las protagonistas logran suplir algún bache que la dramaturgia puede presentar en algún pasaje.. Realmente debemos valorar que haya seis actrices en escena, en tiempos donde el teatro independiente, se caracteriza por presentar mayoría de unipersonales, encontrar una obra con tantas actrices, que están todo el tiempo juntas en escena, es algo que valoramos y además representa un gran desafío por la coordinación requerida.

La diversidad de las actrices, también puede mostrar algunas diferencias en los registros actorales, aunque a nuestro entender, las seis superan el desafío. En nuestra opinión, la composición más lograda la consigue Mariel Rueda como Mercedes, con un personaje lleno de tocs, muy religiosa y con una historia de vida sufrida. A Mariel la vimos hace unos años en Quiela, un hermoso unipersonal y nos impactó su trabajo. Aquí llevando adelante un personaje muy diferente, puede mostrar su versatilidad, su veta humorística y una gran presencia escénica. Muy bueno lo de Mariel.

Otra actuación que se destaca mucho es la de Yamila Mayo como Victoria, con un histrionismo a flor de piel y una energía muy arriba que contagia al resto. Tiene un fuerte conflicto con su madre y en la parte final de la obra, sorprenderá con su transformación, pero no adelantaremos más. También con mucha presencia escénica, se lucirá en un lindo momento musical que tiene la obra. Florencia Farías coautora de la obra y licenciada en psicología en la vida real, será Melina una militante por la causa feminista, que aportará la mirada de género que tiene la historia y será un líder natural del grupo.

Nos gustó mucho el trabajo de Erica Ruiz como Agustina, es quien ostenta la mejor posición económica del grupo y no tiene problemas en que las demás se enteren. Lourdes Prenafeta, es una de las actrices más jóvenes del elenco y su personaje Abril, es el más divertido de la historia, parece estar siempre con la cabeza en cualquier cosa y eso enoja mucho al resto. Nos reímos mucho con Lourdes. Para el final dejamos a Helga Marinich como Ana, junto con Lourdes entre las más jóvenes del elenco, el personaje mala onda del grupo, ese que nunca falta, que no soporta nada, ni a nadie y que lleva sobre sus espaldas, una relación amorosa tóxica. Al final de la obra, nos enteramos que Helga estaba haciendo un toro, por la ausencia de la actriz que lleva de manera habitual el papel y nos sorprendimos mucho, ya que su trabajo fue muy bueno y no se notó para nada la situación. Nuestras felicitaciones para Helga.

Se hizo un poco larga la descripción, pero entendemos que el trabajo de las actrices merecían las menciones, ya que no es fácil coordinar esfuerzos siendo tantas en el escenario, como dijimos hay algunas diferencias en lo registros actorales, por las diferencias de edad y de experiencia en los escenarios, pero esa diversidad precisamente es la que enriquece la historia y logra maquillar cualquier desajuste.

Hay un muy buen trabajo de Alejandra Mistral en la dirección, logrando darle rumbo al guión y coordinando esfuerzos, es mucho lo que ocurre en el escenario y habrá que estar atento para no perder detalle. Puntos a destacar el diseño escenográfico de Gisela Budesky, quien además tiene a cargo un vestuario logrado que suma en las caracterizaciones de los personajes, las luces de Miguel Angel Madrid y la música original de Carla Haffar son otros ítems a resaltar. Todo lo mencionado aporta para el colorido y el atractivo que tiene la puesta.

En definitiva, Las Descartadas resulta una propuesta muy divertida, que elige el humor como medio, para presentar la problemática que muchas mujeres y también hombres sufren en el día a día, ya que son descartados por la sociedad en general y por distintos integrantes de la misma, pudiendo caer la figura del descartador en algún familiar, en un empleador, en nuestra pareja o en cualquiera que sienta la forma de imponer su poder sobre nosotros, con el objetivo de hacernos sentirnos personas inútiles y sin capacidad para conseguir logros.

Por eso más allá de cualquier mirada, celebramos el objetivo de Las Descartadas que con una mirada psicológica, alienta a superar los obstáculos que se cruzan en el camino, apareciendo el concepto de resilencia que es la capacidad que tiene una persona de superar acontecimientos adversos de forma constructiva, adaptarse a ellos y buscar salir fortalecido luego de pasar por algún suceso traumático. 

Con Las Descartadas, además de reírse con los personajes tan diversos que presenta la historia, seguramente se identificarán con alguna de las protagonistas y al final de la función se irán reflexionado y luchando por lograr una sociedad que nos trate mejor a todos y que en vez de descartar al otro, lo incluya.

Pensador Teatral.

La Vida sin Ficción

Dramaturgia y Dirección de Francisco Lumerman.

Viernes 20 30 hs y Sábados 21 15 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Un texto profundo, que moviliza y emociona nos presenta La Vida sin Ficción, la última creación de Francisco Lumerman, joven y talentoso dramaturgo, con muchas obras reconocidas en el teatro independiente en su haber como El Amor es un Bien, El Río en Mi, Te Encontraré Ayer, por nombrar solo algunas. En esta ocasión se involucra de manera total en esta obra que escribió en la pandemia, decidiendo estar en escena, porque sentía que la misma era la obra más personal de las que escribió.

Y digamos ya que La Vida sin Ficción, no es una pieza que pase desapercibida, todo lo contrario, es una propuesta inteligente y ambiciosa, que indaga en los vínculos personales y familiares, para mostrar como reacciona el ser humano ante la inminente llegada de la muerte. Es posible aceptar la muerte de alguien a quien queremos ?? Existe ese sentimiento de resignación o hasta último momento luchamos contra lo inevitable ?? Y cuando la muerte llega, es posible transitar el duelo sin sentir el peso de la ausencia casi a diario ??

El tema de la muerte es un gran disparador, pero la obra de ninguna manera se queda anclada en ese lugar, ya que nos hablará de la amistad, del amor, de vínculos familiares rotos, de la mentira y del miedo a quedarnos solos. Y aparece la idea de la ficción, como símbolo de unión entre los vivos, como una tabla a la que nos aferramos en el mar, para mantenernos a flote, creando nuestro propios universos paralelos, para abrazarnos a la vida, aunque sepamos que la muerte está agazapada, esperando el momento preciso para darnos el zarpazo

La obra son tres historias en una, con tres actores que desdoblarán nueve personajes. Las historias y los personajes están entrelazados y tienen como hilo conductor una novela llamada La Vida sin Ficción, que trata sobre un mundo donde no existen la ficción, ni la mentira, con la particularidad de no tener final, porque su autor muere de manera repentina. Su hijo encontró el borrador y la publicó, logrando que el libro se vuelva un récord de ventas.

En una de estas historias un grupo de amigos de la adolescencia se reencuentra y tienen como proyecto de filmar un documental acerca del libro, en otra una actriz que está filmando una película basada en la novela, vuelve a ver su hermano discapacitado luego de varios años y en la última un escritor se recluye en una cabaña frente a mar, para intentar terminar el guión de su nueva obra de teatro. Los tres relatos tienen puntos en común, vemos seres vulnerables que buscan la mejor manera de transitar sus tragedias personales y con la muerte como certeza o amenaza marcando terreno.

Nuestra recomendación es dejarse llevar por lo que sucede en el escenario, disfrutar las actuaciones y las historias de las que seremos testigos. La obra a nuestro entender tiene múltiples interpretaciones y deja mucho espacio para el debate. Por ello, la premisa que sugerimos es subirse a la montaña rusa de emociones que proponen la trama y los personajes. Estamos seguros que cuando salgan del teatro, se van a quedar largo rato debatiendo con todo lo que vieron, tratando de atar cabos sueltos.

Y llega el momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra, como dijimos antes son tres los protagonistas y nueve los personajes que veremos en acción. En cada una de las historias que se irán intercalando, los actores se transformarán según el papel a representar. Todo ello ante la vista del espectador y sin cortes, lo que obliga a los actores a estar con todas las luces, listos para la ocasión.

Y en actuaciones muy parejas por lo buenas, entendemos que quien se lleva los mayores elogios es Rosario Varela, que está genial en sus tres personajes, con gran presencia escénica, enorme sensibilidad y un carisma enorme. Es quien lleva los hilos de las historias y quien más se destaca. A Rosario recordamos haberla elogiado hace unos años por su actuación en Las Cosas de Mabel, pero lo que hace aquí es fenomenal. Por este trabajo Rosario, fue nominada a los Premios María Guerrero, en el rubro de mejor actuación protagónica y luego de ver la obra, coincidimos totalmente con la mención, ya que sin dudas la de Rosario es una de las mejores actuaciones que vimos en todo este año y vemos varias obras por semana.

Sigamos como Francisco Lumerman, que por primera vez protagoniza un texto de su autoria. Y su trabajo es estupendo, nos gustó mucho su personaje del escritor solitario que recibe al fantasma de su padre y la rompe como Marcos, el chico que está en silla de ruedas, que como el mismo dice nació fallado y recibe la visita de su hermana que hace tiempo no lo visitaba. Es un personaje fascinante y el más fuerte de la obra, tremenda la composición de Francisco, que además de escribir esta hermosa, se dá el gusto de actual en ella y lo hace de la mejor manera.

Completa el elenco Ignacio García, que se suma al elenco en esta segunda temporada y lo hace realmente muy bien. Destacando sus trabajos como el cuidador de Marcos y también como el amigo que recibe una mala noticia por una enfermedad que retorna.  Muy bueno su trabajo y el bonus track, la imitación de Sandro que realiza. Muy bueno lo de Ignacio.

Las tres actuaciones son excelentes, dando la talla en una obra que tiene mucha exigencia, todos se muestran muy identificados con el proyecto y con mucha química entre ellos. Y todavía no hablamos de la gran puesta que tiene La Vida sin Ficción, original, creativa y a tono con las nuevas tecnologías. El director quiere dejar claro al espectador que esto es teatro y no esconde el truco, al contrario lo expone en todo momento. Los personajes cambian su vestuario a las vista del público, mueven los paneles móviles que sirven de escenografía y hasta la asistente de dirección entrará en escena, para acomodar algunos elementos y darle continuidad a las acciones.

La puesta tiene una dinámica vertiginosa y los estímulos son múltiples. Hay proyecciones de imágenes grabadas de los protagonistas, filmaciones en vivo, una pantalla gigante que reproduce lo que escribe una computadora, videojuegos y mucho más. Punto a mencionar, el ingenioso diseño escenográfico de Micaela Sleigh, con esas estructuras móviles que separan los ambientes y las cortinas que se abren y se cierran según la necesidad. La iluminación de Ricardo Sica tiene la calidad que acostumbra sus trabajos y mencionar por último la realización vestuario de Florencia Tutusaus, fundamental para la caracterización de los diferentes personajes.

Bueno no queda más para agregar, esperemos no haber adelanto mucho en esta reseña, porque una de las virtudes que tiene la obra es su capacidad de sorprendernos, ocurre mucho en el escenario y a muy buen ritmo, por lo que hay que estar muy atentos para no perder detalle y esperemos sigan nuestro consejo y se dejen llevar por la corriente de emociones que tiene la obra,  no traten de entender todo en el momento, ya a la salida tendrán tiempo de reflexionar y debatir, en la sala disfruten

Solo nos queda recomendar La Vida sin Ficción, que está transitando su segunda temporada con gran suceso de público y de crítica. Una obra fuerte, que entre muchas temas nos habla de la muerte y las diferentes formas de reaccionar ante ella. El texto conmueve y emociona, pero también tiene momentos divertidos y perlitas musicales que enamoran. Vayan al Moscú, disfruten de un texto inteligente, una puesta muy original y de actuaciones geniales, además de reflexionar sobre si es posible que exista la vida sin ficción.

Pensador Teatral.