La Alimaña.

Jueves 20 hs en Multiescena CPM ( Av.Corrientes 1764 )

Dramaturgia de Patricia Suárez y Dirección de Ulises Puiggrós.

Medea la tragedia griega escrita por Eurípides, regresa al teatro independiente, en esta renovada versión de Patricia Suarez, que pone la lupa sobre la mirada de tres mujeres, que darán cuenta de su relación con el poder, el amor y acerca de lo implacable y devastador, que puede resultar el simple paso del tiempo.

La obra se estructura en los monólogos de tres mujeres, Medea, la esposa degradada de Jasón, la joven y bella princesa Creuza, hija del Rey Creón y la nodriza de Medea. Tres mujeres, de distintas generaciones, que si bien no interactúan en forma directa en la trama, en verdad, si lo hacen con sus textos, ya que sus monólogos, que inteligentemente se irán intercalando, se relacionan y siguiendo el hilo de los mismos, se irá configurando esta historia dramática y desgarradora.

No vamos a contar demasiado, solo diremos que Medea, la vieja hechicera, no soportará perder a su esposo en manos de esa joven insulsa e ingenua, que desde su punta de vista tan poca cosa resulta comparada con ella. Ciega de odio y con una inmensa sed de venganza, tendrá serias dificultades para controlar sus impulsos. Quien recuerda la tragedia griega de Eurípides, sabe que no exageramos cuando decimos que Medea, está enferma de saña y quien no lo recuerda, al ver la obra, entenderá cabalmente, porque la llaman la Alimaña,

El texto de Patricia, si bien toma como base los lineamientos de la leyenda griega, le imprime una impronta propia y femenina, que realza la historia, permitiendo hasta algún momento de humor, lo que la hace sumamente atractiva, creciendo mucho además, debido a las estupendasactuaciones que presenta la pieza, por parte de las tres mujeres que la protagonizan.

Eliana Migliarini, como Medea, es la protagonista central de la historia y nos regala una actuacíón soberbia, con una entrega física y actoral, que supera lo habitual. Logra transmitir en gran forma, el dolor y el odio que su personaje,  lleva en las entrañas. La atormentan, los recuerdos de esa  mujer irresistible que fue, sin aceptar el paso de del tiempo y mucho menos conformarse, con un presente gris, que la muestra postergada y olvidada, lejos de sus años de esplendor.. Excelente labor la de Eliana, con una presencia escénica imponente, que abruma por su realismo.

Silvia Petri, es la nodriza, también añora mejores momentos, aquellos en los que  vivía su ama original, esa que le regalaba tantos pares de zapatos, que le quedaban tan bien. Con la señora actual, las cosas no son como eran entonces, en la casa no se respira un aire pacífico, por el contrario son tempestades las que recorren esos pasillos y ella con su valija repleta de zapatos a cuestas, tratará de aliviar el sufrimiento que se vive. Entrañable interpretación de Silvia.

Para el final, dejamos a Débora Longobardi, que encarna la joven y bella Creuza. No es sencilla su tarea, ya que debe actuar como contrapeso, de una Medea arrolladora, que se lleva todo por delante. Y realmente supera el desafío, siendo una princesa dulce y tierna, que pese a saber que fue llevada con Jason, para contraer un matrimonio por conveniencia, se permite ilusionarse, con la posibilidad de encontrar el amor verdadero y derrotar la envidia que genera. Nos encantó la composición de Débora, una de nuestras actrices preferidas del off, por su frescura, gestualidad y ese tono de voz particular, que la distingue. Nos alegra comprobar una vez más, su superación y ese crecimiento continuo, que la proyecta como una actriz, con un enorme futuro.

Sin dudas se reunió un trío de actrices muy talentosas y comprometidas con la historia, que gracias al respaldo de un director joven y sensible como Ulises Puiggrós, encuentran espacio fértil para el lucimiento individual, en monólogos muy bien estructurados y acertadamente intercalados.

La puesta que se propone es íntima y minimalista, con una escenografía despojada, siendo las mujeres y sus palabras, las que ocuparán el centro de las escena. Destacamos el diseño lumínico de Gonzalo Calcagno,  colaborando a crear el clima intimista que pide el texto.

La Alimaña, se encuentra transitando su segunda temporada, algo muy meritorio y que debemos resaltar, ya que luego de una primera temporada de suceso en La Comedia, llega ahora a la Calle Corrientes, al renovado Multiescena, algo que demuestra, el crecimiento y recorrido de la obra, en gran medida, gracias al boca a boca, .

No hay mucho más para agregar, solo nos queda recomendar La Alimaña, una versión potente y rejuvenecida de Medea, donde la tragedia, se recrea desde los ojos y el sentir femenino. Confluyendo un texto intenso, una dirección sensible y en especial tres actuaciones magníficas, para redondear, esta notable y movilizadora propuesta, que el teatro independiente, tiene para ofrecernos.





Pensador Teatral.

Rezar de Noche

Dramaturgia de Dario Bonheur y Dirección de Adriana Garibladi.

Lunes 21 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

La pluma sensible de Dario Bonheur, nuevamente nos ofrece un texto de su autoría, que se compromete con problemáticas que muchas veces la sociedad prefiere esconder bajo la alfombra y no exponer, como al abuso infantil y la violencia física / psicológica que se ejerce sobre los niños, entre otros temas, que merecen tener visibilidad.

En esta oportunidad, Rezar de Noche, se centrará en un pueblo no precisado del interior, donde un grupo de tres amigos ya adultos, se reúnen para rememorar algunas situaciones de la infancia, cuando eran chicos e iban juntos a la escuela. Aparece el recuerdo del Gordo Lelé, que era el blanco de las burlas de todo el curso, se ríen recordando aquellas travesuras y como se divertían a costa de el, pero también recuerdan, aunque desearían no hacerlo, aquel fatídico día, en que un juego de niños, terminó en una tragedia, que modificó por siempre la vida del Gordo.

Aunque quieren quitarle dramatismo al tema, la culpa parece invadirlos, ya que ninguno de los tres pueden quitarse de la cabeza, las imágenes de ese desgraciado día. El pasado ya es historia, pero este  presente que los tiene ya adultos, parece no lucir muy diferente, en cuanto a sus mentalidades.

Aparece en escena Margarita, ella también iba a la escuela con ellos y recuerdan se sentaba con el Gordo Lelé. No habrá sido ella la culpable de lo que pasó ?? La crueldad de la infancia, se transporta a la adultez y ahora es Margarita, el blanco de las burlas, del destrato y del bullyng.

Hasta allí contaremos, cuando vean la obra, descubrirán, hasta donde podrá llegar la maldad de estos adultos, que sin perder de vista, lo mal que se portaron cuando eran niños, no muestran intenciones de modificar su macabro comportamiento.

La puesta de Ana Garibaldi, es cruda y realista, ya que sin rodeos deja al descubierto una forma de actuar, que no debe naturalizarse. En este realismo que mencionamos, mucho tienen que ver las buenas actuaciones, que presenta la obra, de parte de un elenco joven y entusiasta.

El trío conformado por Víctor Salvatore, José Arrué y Alejandro Hener, encarna a los malos de la película, son los que ejercen el acoso y la violencia, siempre uniendo fuerzas, contra el más débil. Muy bueno el trabajo de los tres, mostrando gran compromiso actoral y físico, ya que la pieza, tiene mucho contacto corporal. En especial destacamos el trabajo de Victor Salvatore, el galán del grupo. Con gran presencia escénica, recordamos haber elogiado su trabajo hace poco tiempo en El Casamiento, una entrañable obra del off y aquí volvemos a verlo en una muy buena composición.

La víctima es Margarita, interpretada por Victoria Paez,  con muy baja autoestima, y culposa, parece acostumbrada al maltrato que recibe. Una composición muy destacada la de Victoria, que se muestra  frágil y vulnerable tal como pide su rol.
Elena Acuña, también se luce en su composición,simulando una amistad con Margarita, pero siendo en verdad egoísta y despiadada, con su supuesta amiga.

La puesta por momentos es asfixiante y perturbadora, la violencia que se ejerce sobra el más débil, resulta inquietante para el espectador, que reconoce como cercanas las situaciones que se recrean en escena.

La obra expone con mucho realismo, situaciones como el acoso escolar, la crueldad que pueden llegar a tener los niños, graficando como muchas veces, travesuras de la infancia pueden tener consecuencias graves y generar traumas que se mantienen fuertemente en la adultez.

Rezar de Noche nos ayuda a reflexionar, sobre situaciones de nuestra propia infancia y seguramente recordaremos algún hecho cercano de crueldad infantil, que tal vez en su momento elegimos minimizar. Como siempre ocurre en estos casos, celebramos cuando que el teatro,  permite dar visibilidad a una prácticas lamentablemente extendidas, logrando crear conciencia e invitando a luchar por una sociedad mejor.




Pensador Teatral.

Entrañables.

Dramaturgia y Dirección de Gabriel Devoto.

Sábados 21 hs en La Tertulia ( Gallo 826 )

Stanley Oliver y Laurel Hardy, más conocidos como El Gordo y El Flaco, conformaron un famoso dúo cómico, que quedó grabado en la historia del cine primero y la televisión después , haciendo reír a chicos y grandes de distintas generaciones, que disfrutaron de sus torpezas y su payasesco humor.

Rodaron juntos entre 1921 y 1951, más de un centenar de filmes cómicos, entre cortos mudos, sonoros y largometrajes. Eran amigos en la ficción y también en la vida real, conformando una fuerza creativa, que vivían para hacer reír a los demás.
Stan y Olie, trascendieron su época, formando una pareja que cuenta con millones de admiradores en todo el planeta y ya forman parte de la historia del cine.

Celebramos entonces, la decisión de Gabriel Devoto, en traer a esta célebre dupla a nuestro querido teatro independiente. Este no es casualidad, ya que el año pasado, gentileza del mismo disfrutamos de Quimera de un Artista, que retrataba la vida de Charles Chaplin, un trabajo que recomendamos sobradamente.

Y el nuevo proyecto, le resultó muy bien, ya que creó un espectáculo para toda la familia, donde los adultos recordarán las andanzas de esta inefable pareja y los niños los descubrirán y se reirán de las torpezas de estos personajes, que divirtieron a sus padres.

La composición de personajes que hacen tanto Daniel Di Rubba como Oli y el mismo Gabriel Devoto como Stan, es fantástica. Sus gestos, los movimientos, sus voces y el magnífico vestuario, nos transportan con la imaginación a las épocas del blanco y negro, para que no tengamos dudas que esos que vemos en el escenario, son nada menos que El Gordo y El Flaco.

Debemos destacar la presencia escénica de ambos protagonistas, compenetrados en sus personajes y dando a los mismos, una gracia y una ternura, que además de recordarnos al famoso dúo cómico, reconfortan, ya que saben como llegar al corazón de los espectadores. Estupenda interpretación de ambos.

Sus actuaciones son muy bien apoyadas, por Leila Forte y Basia Fiedorowicz, que aportan elegancia y frescura en sus diferentes apariciones, al igual que Oscar Trussi, que pone su experiencia al servicio de la obra. Los tres son generosos, para contribuir al lucimiento de los grandes protagonistas de la noche y hacen un aporte importante, para enriquecer la puesta.

Hablando de la puesta, realmente es muy ingeniosa, ya que el director juega con la proyección de imágenes de viejas películas de los cómicos, en una pantalla gigante en el fondo, creando diferentes ambientes  y sirviendo de introducción a escenas, que luego los protagonistas jugarán en el escenario, destacando un par de actos, como uno en que andan en auto y otro en que aparece una criatura que no vamos a relevar.

Es para resaltar, como con ingenio, se optimizan los limitados recursos con lo que cuenta el teatro independiente y se puede lograr una puesta tan atractiva como esta. Destacamos el sobresaliente vestuario de Nélida Bellomo, la buena iluminación Florencia Carbone y el destacado diseño multimedia de María Eugenia González Choque, con mucha importancia en esta obra.

Disfrutamos mucho de Entrañables, en un refugio como La Tertulia, que acostumbra siempre a ofrecer espectáculos de mucha calidad. Viajamos en el tiempo hacia nuestra infancia y nos reímos mucho, con el humor sano e ingenuo de esta célebre pareja cómica. El combo incluye, magníficas actuaciones y emociones al por mayor, en una noche entrañable de teatro, en sintonia con el título de la obra.

El aplauso emocionado y la alegría con la que los espectadores despiden a los protagonistas al término de la función, premian la magia del teatro, mediante, que nos permite darnos el gran lujo de disfrutar nada menos que de El Gordo y el Flaco, en pleno corazón del Abasto.




Pensador Teatral.

Maldita Nada de Nada

Dramaturgia y Dirección de Claudio Gotbeter.

Viernes 20 30 hs en Teatro Payro ( San Martín 766 )

Teníamos muchas expectativas, por ver la nueva obra de la Compañia Teatral Comedias Negras, cuyo director es el reconocido dramaturgo Claudio Gotbeter, cuyas obras fueron representadas en más de veinte países, de distintos continentes,algo que muy pocos autores consiguen.

Sus textos fueron traducidos al inglés, francés, portugués, italiano, alemán y hasta el árabe, siendo su material, objeto de estudios, en universidades y escuelas de artes dramáticos de todo el mundo, ya que sus obras, tienen una estética extremadamente  cuidada y un sello que las distingue.

Por lo general, Gotbeter no acostumbra a estrenar sus piezas, antes de cumplir dos años de ensayo, algo que queda demostrado en la calidad y precisión de sus espectáculos, que por lo general recurren al humor, para abordar temas complejos, como la conciencia humana, los miedos y las dudas existenciales, que todos tenemos.

Hecha ya la introducción respecto del autor, que entendemos puede ser útil, para lo que contaremos a continuación, digamos ya de entrada y sin prolongar el suspenso, que con Maldita Nada de Nada, nuestras expectativas previas, fueron ampliamente superadas, al término de la obra, ya que disfrutamos de una hermosa noche de teatro, de la mano de un texto disparatado y actuaciones superlativas, del numero elenco reunido. Y nos quedamos con ganas que la obra siguiera, siendo este un claro indicador, de lo bien que lo pasamos.

Es bueno mencionar para el espectador desprevenido, que Maldita ... es una pieza absolutamente original, diferente a las obras que acostumbran a verse en la cartelera porteña, con una personalidad y una estética propia, que debemos valorar, notando el trabajo previo que hay atrás.

Solo comentaremos el comienzo de la obra, para que vean que no exageramos, cuando decimos que veremos algo distinto. En ese inicio, tendremos frente a nosotros, a mujeres vestidas integrantes de negro, que nos observarán fijamente, sin decir palabra y sosteniendo un silencio que se prolongará por algunos largos segundos, inquietando a un espectador, que tratará de descubrir que sucederá a partir de allí.

Ese será solo el inicio, a partir de ahí la trama arrancar'a y ya no se detendrá, creciendo de manera rítmica, sincronizada y con coreografías que se ejecutarán,  con una precisión y una coordinación que asombra. No vamos a contar mucho del argumento, para que lo descubran cuando vean la obra, solo diremos que esta particular orquesta, que se dedica a tocar en funerales, recibirá de parte de su directora, una noticia tan sorprendente, como demoledora, ya que les comunica que sus instrumentos olvidados en el cementerio, fueron robados algunos de ellos y destruidos otros.

La novedad causa un efecto devastador sobre el grupo, que de a poco y en forma catártica comenzarán a relatar sus penas, miedos, dudas y desgracias, ante la atención del resto, generándose infinidad de escenas disparatadas y absurdas,  provocando muchas risas en la platea y hasta allí contaremos. Cuando vean la obra, verán que acciones toman los integrantes del coro y si finalmente pueden recuperar sus instrumentos.

Este texto tan loco y disparatado, tiene muy buena repercusión, debido a la gran respuesta del elenco reunido para la ocasión, que se muestra absolutamente comprometido con la estética y la filosofía que caracteriza al autor. El desafío no es sencillo, la exigencia es grande, pero el elenco demuestra estar a la altura del reto.

El despliegue escénico es muy importante, ya que hay trece actores en escena, en realidad son doce actrices y un actor los que estarán en el escenario, interactuando la mayoría del tiempo de manera simultánea, algo que requiere mucha coordinación y una perfecta sincronización de las acciones, dos cuestiones que se cumplen a la perfección.

Lo que destaca aquí es el conjunto el bloque de actores, pero el director tiene la habilidad, de dejar espacio además para el lucimiento individual, de la mayoría de las protagonistas, que aprovechan muy bien la oportunidad, para dejar su impronta.

Corriendo el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar a algunas de las protagonistas, ya que la buena factura de sus interpretaciones, merecen el destaque. Arranquemos por Haydee Arevalo, como Agripa, la directora del coro, que deberán luchar contra viento y marea, parta tratar de ordenar a un grupo, bastante disperso. En un elenco muy joven, Haydee es la excepción y queremos destacar especialmente su labor.

Yendo ya al coro, nos encantaron las composiciones de Anamar Wright, como Paloma y sus dudas existenciales que la acompañan desde siempre, las preguntas.. El histriónismo de María Otilia Plastine como Arsenia, la ternura y el sentimentalismo de Lourdes Isola ( Olimpia ), a la que conociamos ya de trabajos anteriores y aquí volvemos a verla en una gran nivel, el vozarrón y la personalidad de Erica Spósito ( Orlanda ), las preguntas y esos pelos al viento de Patricia Vasile ( Odina ), las interrupciones y opiniones no aceptadas de Julia Fiks ( Ailuj ).

Mencionemos en párrafo aparte, al único hombre del elenco, Ariel Osiris, un actor de mucha experiencia, otro viejo conocido nuestro, por haber visto trabajos anteriores, que se destaca mucho componiendo a un Petronino, quejoso, con voz chillona y con gran presencia escénica, que tiene muchos pasajes de lucimiento.

Mencionemos también a Ivanna Centanni ( Arcilla ), Ana Belén Capistrano (  Praga ),  Micaela Veltani ( Praga ), Esmeralda Lerena ( Omega )  y Anabel Vartanian ( Atila ), todas ellas hacen un aporte fundamental, para el conjunto, que es el que resalta en la obra.

Este elenco comprometido, es el corazón de la obra, sus gestos, sus miradas, la expresividad a flor de piel y un compromiso constante, para mantener bien alto la dinámica de una obra que no decae en ningún momento y siempre está bien arriba, algo que más allá del texto, es mérito del elenco, que le pone mucha pasión y alegría a sus trabajos.

La puesta tiene una musicalidad y un ritmo que distinguen la trama. La escenografía es despojada y casi sin artilugios escénicos, serán las protagonistas con sus voces y su corporalidad la que llevarán adelante la historia. Un ítem a destacar es el diseño lumínico de Julio Clara Rodríguez, jugando mucho con la oscuridad y un color negro que marca tendencia aquí,

Bien, no queda mucho más para agregar, nos sorprendimos muy gratamente con Maldita Nada de Nata, una comedia negra, que mediante el absurdo y el humor, se anima a explorar en temas existenciales, como los miedos, la fragilidad, las dudas y principalmente de como nos sentimos antes los hechos que nos suceden y muchos veces nos desbordan.

Recomendamos especialmente la obra, se encontrarán con un texto muy rico de Claudio Gotbeter, con una puesta muy musical, rítimica y bellisima desde lo estético, disfrutando además de actuaciones muy destacadas y excelentes composiciones de los distintos personajes.

Como frutilla del postres, hacía mucho tiempo, que no veiamos al Payró repleto, con un público entusiasta, que se enganchó desde el arranque con la historia y que al final de la función despidió con una hermosa ovación a las protagonistas. Desde nuestro humilde sitio, siempre celebramos las propuestas originales, que arriesgan con algo diferente. Maldita Nada de Nada, además de ser original, es un espectáculo que merece verse, teatro independiente de calidad que recomendamos.




Pensador Teatral.

Cuando Llueve

Martes 20 30 hs en Multiescena Teatro ( Av.Corrientes 1764 )

Dramaturgia y Dirección de Anthony Black. Traducción de Rafael Spregelburd.

Segunda temporada de Cuando Llueve, en nuestro país.Versión adaptada de " When It Rains ", éxito de la compañia teatral canadiense 2b Theatre, muy reconocida en su país, que presentó esta obra en New York, Edimburgo y hasta en la India. Llega a Buenos Aires, de la mano de su autor y director Anthony Black, que se instaló en Argentina, para montarla por primera vez en español, con un elenco argentino.

El responsable de que esta obra llegue a Argentina, es Rafael Spregleburd, que además de ser un excelente dramaturgo, director y actor, es traductor. Precisamente cuando le ofrecieron traducir esta obra escrita en francés ( como dato de color, señalamos que Rafael es un verdadero políglota, que habla más de ocho idiomas ), intuyó que la obra podía interesar en Buenos Aires, pese a que nuestro público preferentemente prefiera autores locales, pero había un componente innovador en la pieza, que la tornaba irresistible.

Y así fue como nació este proyecto teatral, coproducción entre Canadá y Argentina, con su autor viajando a nuestro país, para conocer como trabaja aquí el teatro independiente, siempre guiado por Spregelburd, que a pedido de Anthony, sería uno de los integrantes del elenco, algo inusual para Rafael, que poca veces actuó, en obras que no fueron escritas por él.

Luego de esta extensa, pero entendemos colorida presentación, digamos que argumentalmente Cuando Llueve, nos acercará la historia de dos parejas vinculadas entre sí, que atraviesan presentes opuestos. Una de ellas, pasa un momento delicado y por iniciativa de la mujer, decidirán cortar la relación, la otra en cambio vive un presente feliz, con buen presente laboral y esperando con muchas ansias, el nacimiento del primer hijo luego de cuatro años de buscarlo.

No vamos a contar más, pero el azar que tuvo mucho que ver, para que los integrantes de esta pareja se conocieron, parece que empezará a jugarles en contra y las desgracias comenzarán a cruzarse en el camino. Hasta allí contaremos, dejaremos que el espectador cuando vea la obra descubra el resto y reflexione acerca de cuestiones siempre trascendentes, como la existencia del destino, tratar de explicar porque nos suceden las cosas e intentar comprender si es posible que el universo en algunas ocasiones, se ensaña con algunas personas en particular. Hay un Dios Todopoderoso que decidió un camino para cada persona o la fortuna es la que manda ??

El texto es profundo y muy interesante, pero lo que distingue claramente  a esta obra es su puesta, absolutamente innovadora, donde la tecnología tiene fundamental participación. Ya que la obra surge de una software y una aplicación de video, que proyecta sobre los actores imágenes planas en 2D. La pieza no utiliza luces, la única fuente de luz es un proyector, que hace aparecer en el escenario, de manera ficticia claro, muebles, objetos y fenómenos meteorológicos, con una precisión y un realismo que nos impresionó, ya que es algo muy novedoso, por eso hay que verlo.

Además, la puesta se plantea en forma de historieta, con escenas contadas como viñetas, apareciendo por momentos textos en la pared, que nos señalarán algunos hechos fundamentales de la historia que estamos viendo y en otros una voz en off que nos acercará datos relevantes.

El diseño sonoro, es otro aspecto fundamental en esta puesta, ya que además la voz del relator, oíremos el cantar de los pájaros, el ruido de la calle y por supuesto el sonido de la lluvia, con el estruendo de los truenos, cuando la tormenta arrecia.

La riqueza visual y sonora que tiene la obra impacta a un espectador que se vé sorprendido, por semejante despliegue original e irreal, que cerrará por completo con la incorporación del muy buen elenco reunido, que tiene un desafío muy grande, para representar esta obra y lo supera con creces.

Las actuaciones son muy destacadas, algo que no sorprende, por la calidad de los nombres sumados al proyecto. La actuación más destacada de la noche, para nosotros fue precisamente la de Rafael Spregelburd, interpretando a un Alan racional, que intenta aplicar todo lo que sucede, apoyándose en la lógica de las estadísticas y las probabilidades, con un histrionismo y una destreza actoral, que se disfruta a lo largo de toda la trama.

Su esposa en la obra es Moro Anghilieri, como Ines, una actriz que siempre aporta frescura y glamour en sus presentaciones, logrando empatía con el público. Lucido trabajo el de Moro, que tiene a su cargo un personaje que atraviesa diferentes estados de ánimo y los recorre con solvencia . Gloria Carrá, otra actriz de gran recorrido en televisión y teatro, resuelve como solvencia el papel de una Ana, medio perdida en la vida, que intentará recomponerla, yendo por el lado espiritual.

Para el final dejamos a Matthieu Perpoint, que es el actor indicado para representar a Loius un profesor que llego de Francia por amor.  Deliciosa su interpretación, con el plus de que el francés es su lengua nativa y con algunos momentos para el recuerdo, como cuando canta bajo la lluvia, en un fragmento muy bello y emotivo.

Sin dudas, esta no es una obra sencilla para los actores, ya que al desafío habitual que requiere el texto, agrega la dificultad, de insertarse de manera muy precisa una pieza, donde las proyecciones y la tecnología, tienen gran relevancia.

En definitiva, una propuesta original e innovadora, que llega desde Canadá, en esta atractiva adaptación con algunos guiños locales, para dar forma a una historia profunda que nos hará reflexionar, acerca del azar y como su incidencia, puede ser decisiva, para nuestras vidas y para un destino, que muchas veces, parece estar escrito de antemano, sin que sepamos, si fue benevolente con nosotros.

Recomendamos sin dudar, Cuando Llueve, una obra que seduce por su temática trascendental, con actuaciones muy destacadas y nos permitirá disfrutar su tecnológica puesta, que nos sorprenderá, por su increíble riqueza audiovisual, siendo una propuesta que llegando desde el Canadá, que sin dudas, le aporta un toque de distinción a nuestra prolífica cartelera porteña.




Pensador Teatral.

De Ilusiones se Vive.

Domingos 20 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Dramaturgia y Dirección de Paula Marrón.

Es una satisfacción personal, confirmar que aunque veamos mucho teatro cada semana, cuando encontramos una pieza dotada de la sensibilidad, con la que cuenta, De Ilusiones se Vive, nos vamos a emocionar y lagrimear largo rato con una obra tan bella, que sin dudas sabe como llegar al corazón del espectador.

La historia que nos acerca Paula Marrón, es simple, cercana y profundamente emotiva, ya que nos hablará de la vida, de como percibimos al mundo, cuando la salud ya no nos responde como antes y pensar en el futuro resulta quimérico. Además nos hablará de vínculos, de la soledad y de como muchas veces, nos cuesta exponer nuestros pensamientos más profundos. Una coraza nos envuelve y parece que los sentimientos, solo pueden salir a la luz, cuando notamos que el tiempo nos juega en contra.

Al entrar a la sala, no tenemos dudas que estamos en un cuarto de hospital, vemos que en una cama hay una señora mayor en camisón, se la nota inquieta, escuchando la radio y tratando de que el tiempo transcurra lo más rápido posible, en esa fría e impersonal habitación. En breve se incorporará a la escena, un hombre joven, que la visitará asiduamente, aprovechando para traerles algunos objetos,  que pueden hacer más llevadera la estadía de la mujer allí, suponiendo que esto fuera posible.

De entrada no tenemos pistas, de la enfermedad que aqueja a aquella mujer, ni tampoco el vínculo que lo une con aquel joven. Queda claro que la mujer no está a gusto allí, se la nota fastidiosa e irritable, quiere irse cuanto antes a su casa, pero sabe que de momento no podrá hacerlo. El joven es tierno y muy comprensivo, le trae libros, bizcochos de grasa y es extremadamente amable. Pese a todos estos estos, la señora no logra salir de ese grado de crispación que la invade y por momentos parece tratarlo con desdén.

La rutina de visitas, parece no tener  grandes cambios, hasta que un día el joven la traerá una carta, que cambiará por completo el ánimo de ambos y el horizonte de aquellos encuentros. Un viaje a la ciudad de 9 de Julio, asoma para las próximas semanas y entonces todo parece cambiar en ese frío cuarto, de pronto hay mucho para hacer, la ilusión se renueva y ambos planificarán acerca de ese futuro cercano, que les permite soñar.

Y hasta allí contaremos, es importante mantener la intriga, por ello vamos a dejar que cuando vean la obra descubran, que sucederá en los días venideros y si finalmente ese planeado viaje a 9 de Julio, será tan feliz, como imaginan.

La trama fluye de manera cálida y amena, esto se explica por la fina dramaturgia y también por las fantásticas  actuaciones que ofrece la obra, de la mano de la dupla protagónica formada por María de Cousandier y Fausto Guerra.

Las virtudes de María ya las habíamos elogiado, el año pasado en Un Puma todo Dorado, una entrañable obra del off . Aquí nos vuelve a mostrar todo su oficio y versatilidad, en una actuación deliciosa. Una actriz de gran experiencia y muy talentosa, que aquí se adueña del papel, con una sensibilidad y una presencia escénica que se disfruta enormemente. Extraordinaria la labor de María de Cousandier, cuando vean la obra, les aseguramos, que van a coincidir con nosotros en los elogios.

A Fausto Guerra, es la primera vez que lo vemos y resultó una gran revelación. Histriónico,  melancólico y con una gestualidad muy lograda, compone un personaje que emana ternura y bondad a cada paso, generando mucha empatía con el público.

Dos estupendas actuaciones, que gracias a la generosidad de la autora,  tienen  reservados momentos para el lucimiento individual y se potencian en el conjunto, mostrando una química y una conexión, entre ellos que agrega mucho valor a la trama.

La puesta que ofrece la directora es íntima, la cercanía de los espectadores con los actores, es algo que se disfruta enormemente, ya que no se pierde detalle de cada mirada y cada gesto de los protagonistas, algo que cuando las interpretaciones son tan destacadas, como en este caso, se valora muchísimo.

Es la primera vez que estamos en la sala del segundo piso de El Camarín de las Musas y aquí debemos señalar, algo positivo y algo negativo,  por su tamaño y el ventanal de fondo, contribuye, mucho a la atmósfera de intimidad que la trama pide, lo negativo, es ruido de las conversaciones que provienen del bar del teatro, y que en algunos momentos se torna molesto. En este caso la enorme solvencia de los actores y lo atrapante del texto, hacen que este detalle se deje en un segundo plano, pero queremos mencionarlo, ya que es un tema que la sala debería corregir, por respeto al público y a la actores.

La puesta tiene algunos ítems a destacar, como por ejemplo el siempre acertado diseño escenográfico de José Escobar, recreando esa fría habitación de hospital, con algunos detalles personalizados ( como la biblioteca ) y hay un destacado diseño lumínico de Ricardo Sica, jugando con la luz tenue y la oscuridad, para separar las distintas escenas.

En definitiva, nos llevamos una gratísima sorpresa con De Ilusiones de Vive, una obra sensible, que nos hablará de la vida y también de la muerte, explorando la delgada la línea que muchas veces separa ambos estadíos.. Además la pieza, tiene una profundidad, que nos invita a reflexionar, acerca de los vínculos, de la soledad y de como muchas veces nos quedamos sin decir lo que pensamos  y postergamos sueños, hasta que llegamos a situaciones límite, donde ya puede ser tarde, para modificar la realidad.

En nuestra opinión, De Ilusiones se Vive, es una de esas joyitas escondidas que el teatro independiente siempre tiene reservadas, esto se debe a una dramaturgia delicada, que sin recurrir a golpes bajos, llega al corazón del espectador, de la mano de dos actuaciones magníficas. Los aplausos prolongados y cargados de emoción, que el público les regala a los protagonistas al final de la función, resultan un merecido corolario, a la hermosa noche teatral vivida.



Pensador Teatral.

Un Ojo en la Cara

Dramaturgia de Laura Mosquera y Dirección de Sandro Mlynkiewicz.

Sábados 20 hs en Paraje Artesón ( Palestina 919 )

Emotivo y sensible texto escrito por Laura Mosquera, que nos acerca una historia de amor y de militancia, de una joven pareja, que en plena dictadura a fines de los setenta, planifican una vida juntos, proyección que se verá interrumpida brutalmente por el horror de un régimen, que los separará y abrirá heridas, que pasados muchos años, aún no cicatrizan.

"El problema que tuvimos las parejas de los 70, fue que necesitábamos tanto cuidarnos las espaldas, que nos olvidamos de mirarnos a los ojos " . Esta elocuente frase escuchada por Laura, fue la que sirvió de disparador, para escribir esta fuerte historia de amor, de compromiso, de dolor, pero también de búsqueda sanación en el presente.

La obra, que transita su segunda temporada, con muy buen suceso, se inicia con una escena fuerte y perturbadora. Una pareja mayor, sentada espalda contra espalda, llevando cada uno un espejo, con el que se observan a través del reflejo del mismo. No logran mirarse a los ojos, hay algo que los distancia, el ambiente es tenso, el pasado no fue fácil y dejó sus secuelas. La mujer se nota enojada y marca la distancia, tanto es el rencor, que no puede soportar mirar a los ojos, a su compañero. El espectador desconoce los motivos, aunque algo intuye,

Para salir de esta frío presente, deberán evocar el pasado, recordar aquellos años, cuando eran jóvenes luchadores, militantes e idealistas, compartían ideas y los unía el amor. El destino prometía mucho, hasta que llegó el horror y las ilusiones de felicidad eterna, se derrumbaron como un castillo de naipes.

El texto juega de manera  inteligente y atractiva, con la pareja mayor del presente y ellos mismos de jóvenes, pero muchos años antes. Dialogarán entre ellos, se darán consejos y tratarán de reflexionar sobre ese pasado amargo, para reescribir un mejor presente. Podrán lograrlo ?? Es posible entender la situación del otro, ponerse en su lugar y poder perdonar de corazón ?? O el rencor será tan fuerte, que el amor pudo quebrarse para siempre ??  No vamos a responder esas preguntas, dejaremos que cuando vean la obra, descubran que sucedió finalmente con esta pareja.

Debemos destacar especialmente,las actuaciones que tiene la obra, todas ellas muy comprometidas con la historia. La pareja del presente, la conforman Laura Mosquera, la propia autora y Rubén Cohen, ambos aportan su experiencia al servicio de la obra, componiendo personajes sensibles, que reflejan dolor y a la vez un amor profundo, que perdura a través de los años. Nos gustaron muchos sus actuaciones.

Mariano Madrazo es el muchacho del pasado, el que tuvo miedo, hizo lo que pudo, aunque sabe que debió hacer más. Muy bueno lo de Mariano.
Para el final dejamos a Natalia Pascale, la chica del pasado, la militante que sufrió en carne propia la violencia de la dictadura y que ahora debe convivir con el dolor. Natalia es una joven y talentosa, actriz, a quien ya elogiamos por trabajos anteriores. Comprometida y habituada a papeles que requieren mucha entrega física y emocional, siempre disfrutamos mucho viéndola en escena y aquí,  nos vuelve a regalar una magnífica interpretación,

La dirección de Sandro Mlynkiewicz, colabora al lucimiento del elenco, con una puesta despojada desde lo escenográfíco y muy rica desde lo visual, bella desde lo estético, con un destacado diseño lumínico de Víctor Olivera, que es importante para generar los diferentes climas y el original recurso de esa pantalla como fondo, donde se proyectan imágenes, que no son testimoniales, sino que incorporan a los actores, a las mismas.

La obra es fuerte y emotiva, movilizando al espectador sin recurrir nunca al golpe bajo, con un enfoque original, ya que si bien existieron, varias obras que nos hablan de los horrores de la dictadura, en Un Ojo de la Cara, la autora pone la lupa en lo humano, en el amor en esos tiempos difíciles, resultando muy valioso, el mensaje que transmite la autora, eligiendo no quedarse solo en el dolor y recuerdo de los protagonistas, por un pasado ingrato, sino plantear una mirada esperanzadora, de cara a lo que viene, logrando tomar fuerzas de los lánguidos momentos vividos, para reinventarse, en un presente y un futuro, que debe encontrar a estos seres, juntos y unidos, ganando la batalla, contra esos victimarios, que desearían verlos abatidos.

El emocionado aplauso, con que los espectadores, despiden a los actores al término de la función, es una clara demostración, que la obra llegó al corazón de los presentes, colaborando a no perder la  memoria, acerca de un pasado, que no debe volver, pero sin dejar de pensar, en un futuro esperanzador.



Pensador Teatral.