Solo Quiero que me Amen

Domingos 19 hs en el Centro Cultural San Martín ( Sarmiento 1551 )

Dramaturgia y Dirección de Juan Alvarez Prado

Marilyn Monroe es una figura que supo trascender su época, diva de Hollywood, mito erótico de los años cincuenta y sin dudas ícono femenino de todos los tiempos, tuvo una vida turbulenta y vertiginosa, en la que los escándalos, los conflictos amorosos y las adicciones, fueron una constante.

Su nombre real era Norma Jeane Beaker, tuvo una infancia muy dura, vivió muchos años en un orfanato, sintiendo la falta de una familia que la contuviera, algo que indudablemente tuvo influencia negativa en su adultez.

Yendo a la obra, que fue idea de Daniela Pantano, muestra en forma cruda, la disociación entre Norma y Marilyn, entre la mujer y la diva. Valiente y arrolladora para el exterior, detrás de la estrella, habita una mujer frágil, inestable emocionalmente y muy necesitada de amor verdadero y no solo de amantes que se le acercaban por su fulgurante belleza.

Creemos es un gran mérito de la pieza, presentar en escena a esta Marilyn humana, dependiente de las pastillas y al alcohol, que sufre enormemente la presión de se runa estrella y tener que demostrar en cada momento su valía como actriz y demostrar que no es rubia tonta, que llegó a Hollywood, sólo por compartir la cama con actores, directores y productores. Derribar esos perjuicios, fue una cuestión que siempre atormentó a Marilyn y la persiguió permanentemente.

Sin dudas que el gran sostén de la pieza, es la magnífica actuación de Daniela Pantano, quien indudablemente asumió un importante desafío, ya que representar a una diva de la estatura de Marilyn Monroe, no es algo sencillo. Y sin dudas, que Daniela supero el reto en gran forma, ya que con una presencia imponente y un histrionismo sorprendente, logra una Marilyn plena de belleza y sensualidad.

Con mucho aplomo y una entrega absoluta, Pantano brilla en el escenario, luciéndose mucho en la actuación y con un hermoso registro vocal, que nos sorprendió gratamente.
En nuestra opinión, una actuación consagratoria, la de Daniela, esta joven y bella actriz, que además de tener mucha determinación, es muy talentosa, combinación que le augura un futuro muy promisorio, en nuestro espectáculo.

Si bien la protagonista, es quien se lleva las mayores  miradas de la noche, tenemos que destacar el muy buen trabajo de su coequiper, Pedro Velázquez, como Arthur Miller, el dramaturgo y escritor, que estuvo casado con la diva y según muchos, fue su gran amor, además de representar a Laurence Olivier, actor y compañero de Marilyn, en el famoso film, El Príncipe y La Corista.
Nos gustó mucho su interpretación, destacándose mucho en las partes cantadas y formando muy buena pareja con Pantano.

Muy interesante la puesta que propone el director, creando una atmósfera íntima y acogedora, con el piso cubierto de pétalos de flores, que marca los limites escénicos, un diseño lumínico destacadísimo de Matías Sendon, al igual que el  distinguido vestuario de Jam Monti que le dá mucho glamour a los protagonistas.

Otro acierto, es la pantalla donde se proyectan imágenes de figuras de la época relacionadas con la actriz, que hablan sobre su vida y acercan testimonios interesantes y esclarecedores, que complementan lo visto en el escenario.

Párrafo aparte, para la música original que tiene la pieza, creación de Fernando Albinarrate, que junto a Alejandro Bidegian, con piano y saxo, acompañan en vivo con sus melodías, a los protagonistas, agregando mucho valor a la puesta.

Por todo lo mencionado, no sorprende que Solo quiero que me Amen, venga agotando localidades en cada función, desde su estreno. La figura de Marilyn, sigue despertando interés en el público y exponer su lado menos conocido y más íntimo , es una idea muy atractiva.

Iniciativa que se plasma en gran forma, gracias a la entrega y al magnetismo de Daniela Pantano, que como ya mencionamos, nos regala una interpretación superlativa, que marca un hito en su ascendente carrera.

El aplauso con que los espectadores, que colmaron la sala, premian a los protagonistas, al término de la función, son un justo reconocimiento por la velada vivida y por ofrecernos una mirada humana de la gran Marilyn Monroe.



Pensador Teatral.

La Ira de Narciso

Jueves 21 hs y Viernes 20 30 hs.

Dramaturgia de Sergio Blanco y Dirección de Corina Fiorillo.

Luego del gran suceso que tuvo el año pasado el estreno de Tebas Land, gran parte del equipo que formó parte de ese proyecto, se vuelve a reunir para La Ira de Narciso.
Sin dudas la dupla del uruguayo Sergio Blanco como autor y de Corina, como directora, dejó muy buenas sensaciones y por eso se reedita.

En este caso, decidieron incluir en el proyecto, para el protagónico a un actor que también formó parte de Tebas Land y nos encanta como Gerardo Otero, al que siempre vimos lucirse y que en este caso iba a tener un desafío particular, ya que la obra tiene formato de unipersonal y era la primera vez que Gerardo, encararía uno.

La pieza tiene otros puntos en común, con Tebas Land, ficción y realidad se confunden nuevamente y el espectador deberá estar atento, porque enseguida descubre que no presenciará una obra diferentes a las que estamos acostumbrados a ver.

El género elegido el el de la autoficción, donde el autor, indudable se siente muy cómodo. De arranque y nos gustó esto, Gerardo Otero, aparecerá en escena, aclarando algunas de las reglas que tendrá la obra que fueron a ver, los límites del teatro de agrandan y Gerardo oficia de maestro de ceremonias, de lo que está por venir. Será el presentador, quien actúe, quien maneje las luces, los dispositivos tecnólogicos, pareciera que todo pasará por él. Será el amo y señor de lo que ocurrirá en la sala principal del Timbre 4.

El actor nos aclara, representará en la trama, a Sergio Blanco, el autor de la pieza y nos contará las vivencias del mismo, en ocasión de su visita a Liubliana, la capital de Eslovenia, ya que fue invitado para dictar una conferencia magistral, sobre el mito de Narciso.

No queremos contar demasiado, para conservar el suspenso, solo decir que al llegar el hotel en el que estará hospedado, curioseará con su celular, por una aplicación de citas, buscando algún ocasional compañero sexual y allí se interesará por Igor, un joven esloveno con muy buen físico.

En la primer noche en la habitación, descubrirá unas misteriosas manches de sangre en la alfombra, algo que inquietará a nuestro huésped, que repartirá su tiempo en Eslovenia, entre Igor, la preparación para disertar en la conferencia a la que fue invitado y tratar de descubrir el  origen de esas misteriosas manchas de sangre.

Hasta allí contaremos, el espectador cuando vea la obra, ayudará al protagonista a tratar de descubrir que misterio y que historia esconde aquella habitación de hotel en la lejana Eslovenia.

La obra tiene mucha fluidez y es atrapante, el mérito de ello, recae en Gerardo Otero, que sin dudas resuelve con creces el desafío de su primer unipersonal, donde además de actuar, como mencionamos anteriormente oficia de presentador y juega en escena con las luces y dispositivos tecnológicos.

Gerardo se maneja con mucho aplomo,  concentrado, se lo nota muy cómodo, disfrutando en escena y conduciendo a la perfección los tiempos que pide la obra, sabiendo como cambiar los registros cuando varía de personaje. Un papel que entendemos significa el crecimiento de Gerardo como actor y la confirmación, por si hiciera falta a esta altura, de su gran versatilidad, porque sus talento, ya es conocido por todos. Un gusto poder disfrutarlo aquí.

Agregar que además de la autoficción, Sergio Blanco introduce nuevamente un elemento mitológico en el guión. En Tebas Land era Edipo quien aparecía, aquí es Narciso y su mirada, que en nuestra opinión, quiere reflejar esa mirada del artista sobre su obra, que pese a que los años pasan, perdurará, como símbolo de resistencia.

Destacar una vez más, la puesta que propone Corina Fiorillo, la única mujer ganadora del Premio ACE de oro en el 2016, confirmando que es la directora del momento, con presencia en el off, en el circuito oficial y en el comercial, creemos que está en un momento dorado de su carrera y por eso hay que seguirla, ya que sus espectáculos, garantizan puestas que de disfrutan mucho. Aquí además de cambiar la disposición de algunas butacas, vuelve a  aprovechar las posibilidades que brinda esta sala y además introduce la tecnología en la puesta, con uso de celulares, pantallas donde se proyectan imágenes, música grabada, videos grabados, etc, Nuevamente una puesta al servicio del espectáculo, con muchos elementos que agregan valor y la aggiornan a estos tiempos modernos, donde la tecnología y las redes sociales, cada día crecen más.

Con todo lo mencionado, no sorprende entonces, la gran respuesta de público, que tuvo la obra desde su estreno. La Ira de Narciso, es sin dudas una de las piezas del off del momento, reuniendo talento y creatividad, en la dramaturgia, en la dirección y en lo actoral. Todos estos elementos confluyen, en un Timbre 4, que en los últimos años, se sigue consolidando como el mejor ejemplo, del gran momento que está pasando el teatro off en Buenos Aires.


Pensador Teatral.

Icho Cruz

Jueves 21 hs en Espacio Sísimico ( Lavalleja 960 )

Dramaturgia y Dirección de Candelaria Sesín.

Entrañable propuesta, que llega de la mano de Candelaria Sesín, la joven autora, nacida en Córdoba, que tenía la certeza que alguna vez escribiría una obra, que hable de su provincia y pudo concretar ello, ya que Icho Cruz, es un retrato de la vida pueblerina, en esta localidad serrana que la autora conoce muy bien, ya que allí, pasó muchos momentos felices de su infancia.

La pieza nos habla del encuentro de dos primos, que se vuelven a ver luego de algunos años y el lugar donde se encuentran, es la casa de sus abuelos, donde pasaron juntos veranos inolvidables. junto a sus familias, cuando eran chicos.

Pero lo particular del encuentro es que se reúnen en el exterior de la casa, en el parque de la misma, donde hay una parrilla y unos asientos de troncos. Ven la casa desde afuera, la añoran, les gustaría entrar en ella, disfrutarla, pero no pueden, ya que la abuela, tiene la llave y no la presta, no quiere que nadie vaya a esa casa, que hace años permanece cerrada.

La historia es sencilla y tiene varias aristas, habla en primer lugar de la familia, de los cambios en las jerarquías conforme pasan los años, de peleas del pasado que dejan cicatrices y de las nuevas generaciones, que muchas veces están distanciados, por discusiones que tuvieron sus padres y que fueron transmitidas a ellos que mantienen las diferencias sin saber muy bien porque.

Por otro lado, la trama nos muestra las historias de esos pueblos donde todos se conocen, donde nada pasa desapercibido y las personas se conocen por su ápodo y sus oficios.

Y para el final, dejamos lo que para nosotros, es el foco principal de la obra, la amistad de esos primos, que parecen viejos amigos, muy unidos en la infancia y que ahora tomaron caminos diferentes, uno de ellos se quedó en el pueblo, se casó con una chica del pueblo y ahora espera con mucho miedo su primer hijo. El otro, dejó el pueblo, se fue a la ciudad, en busca del progreso, pero regresa al pueblo de visita y confiesa que está enamorada de la Reina de los Carnavales locales.

Los diálogos entre los primos son el motor de la obra, sus recuerdos, sus travesuras de la infancia, las diferencias de pensamiento de ahora y de siempre y las confidencias que se hacen en su mundo varonil, con una mirada particular sobre las mujeres.

La dramaturgia está muy cuidada, es rica en detalles y está construida respetando fielmente los códigos de convivencia de los pueblos chicos del interior  logrando un relato cercano y reconocible, que consigue mantener la atención del espectador en todo momento, debido a las estupendas actuaciones que presenta la obra.

La dupla protagónica está conformada por Nicolás Balcone, como Agustín. Colaboró con Candelaria para escribir la obra y es el primo que se quedó en Icho Cruz. Encendido y sentimental, contrario al progreso del pueblo, con miedos acumulados por el nacimiento de su hijo y con muchas ganas de entrar en esa casa cerrada que tantos recuerdos atesora. Es muy buena la interpretación de Nicolás.

Facundo Aquinos, se sumó al equipo de Icho,  este año, esta fue su segunda función y la verdad nos sorprendimos cuando nos enteramos de este dato, ya que su interpretación tiene una fluidez, que pareciera haber tenido meses en la obra. A Facundo, lo vimos el año pasado en Descenso, ahí hacía de maleante y aquí en un papel muy diferente, vuelve a destacarse, con una gestualidad y una expresividad, que resaltamos, siendo el más racional de los primos. Un actor al que esperamos ver pronto en otra obra, ya que siempre nos sorprende gratamente.

 Nicolás y Facundo están superlativos  en lo individual, pero principalmente en el conjunto, mostrando mucho entendimiento y sabiendo transmitir los códigos de amistad y complicidad que pide el texto, para estos primos que parecen viejos amigos. El espectador compra la idea y el mérito de que esto, suceda, es de los protagonistas.

Hablemos un poco de la puesta, muy rica que nos propone Candelaria Sesín, en su opera prima como directora, sabiendo como transportarnos a ese ambiente natural y al aire libre, en la que se desarrolla la trama. Ese piso totalmente cubierto de hojas secas y ramas, la parrilla encendida,, la carne que entra por los ojos, el sonido del corcho al abrir el vino, etc, todo colabora   La obra nos propone un viaje y suma elementos para ello, logrando que nuestra imaginación nos lleve a ese paraje rural.

Una historia sencilla, que nos habla de la familia, de los recuerdos y de como muchas veces cuesta romper candados, que otros pusieron en el pasado y que nos impiden disfrutar en el presente, de cosas y situaciones, que nos harían felices.

Realmente disfrutamos mucho de la obra, un texto bien elaborado y deliciosas actuaciones de la dupla protagónica. No queda más por agregar, solo invitar al espectador para que en pleno barrio de Almagro, viaje con su imaginación hasta Icho Cruz, para ser parte de este asadito entre primos, la magia del teatro una vez mas, lo hará posible.



Pensador Teatral.

Anatomía del Destino

Domingos 20 hs en Teatro El Ópalo ( Junín 380 )

Dramaturgia y Dirección de Gabriel Fernández Chapo.

Una propuesta original y atractiva, nos trae Anatomía del Destino, de la mano de Gabriel Fernández Chapo, dramaturgo, docente universitario e investigador, que trabajó dos años, para poder plasmar este texto, que con cierta inspiración, en aquellos libros de Elige tu Propia Aventura ( quien escribe estas lineas los coleccionaba ), nos contará la historia de Clara, que variará según elija uno u otro camino, como ocurría en los libros de aquella recordada colección.

Clara es una joven psicóloga española, que trabaja en una multinacional de su país, en el área de Recursos Humanos. Su vida transcurre en calma, entre el trabajo, sus clases de alemán, sus amigos y su familia, pero todo cambia un día que parecía como cualquier otro, cuando su jefe le comunica que debe viajar a una empresa recientemente adquirida en Buenos Aires, para liderar un proceso de racionalización de recursos, que en buen romance sería ir a la nueva empresa para despedir gente.

Clara no tiene mucho interés de dejar su vida en España y mucho menos para una tarea tan poco grata, su jefe, le concede un solo día para que decida, pero en verdad no le dán muchas alternativas, si no acepta, la espera el seguro de desempleo a ella y también a su hermana, que trabaja en la misma empresa, por lo tanto termina aceptando la propuesta.

Al llegar a Ezeiza, luego de un viaje agotador, Clara está agobiada y con dudas, no sabe si la decisión de viajar para cumplir la misión encomendada era la correcta. Debería seguir ese destino, pese a no quererlo ?? Y que sucedería si tomará otro camino ? Si en vez de cumplir lo pedido se hiciera pasar por otra persona y dejara que el azar, decida su destino ? Sería posible esto o solo pensarlo es una locura ?

Allí está el disparador,para esta muy buena historia escrita por Fernández Chapo, en la que veremos a dos Claras, una cumpliendo su misión encomendada de despedir gente y otra Clara, que será cooptada con un grupo revolucionario, que tiene un plan bastante alocado.

No vamos a contar más, para conservar el suspenso del relato, ya que la historia, tiene muchas sorpresas preparadas para el espectador.

La obra pone hincapié en como el destino, de cada de uno de nosotros, puede cambiar de acuerdo a las decisiones, que tomamos y como el azar, puede jugar un papel fundamental en nuestra vida. Además la pieza tiene una mirada social, sobre las condiciones actuales de trabajo, en las que predomina lo económico, sobre lo humano y queda en evidencia como los empleados, son tomados simplemente como números, sin reparar, que detrás de cada persona, hay una vida y una familia atrás, que sufre con las decisiones, que se toman en una reunión de directorio..

La trama es muy entretenida y tiene muchos recursos jugados al servicios puesta, enriqueciéndola mucho, pero sobre todo tiene dos excelentes intérpretes en el escenario, que conducen muy bien el relato.

Por un lado, la protagonista, Clara Díaz, actriz española, que trabajo anteriormente con este mismo director, en La Mujer del Anatomista, que cumple una magnífica actuación.

Muy carismática y con una gran presencia escénica, resuelve de manera solvente, los distintos desafíos que le propone la pieza. Con su exquisito acento y una fluidez sorprendente, lleva el ritmo de la obra y transitando en gran forma los distintos estadíos de la trama.
Es la primera vez que vemos a Clara en escena y la verdad nos encantó su trabajo.

A Clara la acompaña en gran forma, Federico Justo, que desdobla a casi diez personajes diferentes, con una versatilidad y una repentización, que solo puede lograrse con mucho ensayo y  mucho talento. Además de lo actoral, aporta mucho desde lo musical, con su guitarra eléctrica. El autor buscaba un actor músico para este papel y sin dudas fue un gran hallazgo encontrar a Federico para este papel.

Dos actuaciones excelentes, Clara por su papel es la que más se luce, pero Federico, con sus múltiples roles, es quien facilita mucho ese lucimiento. Una gran pareja protagónica reunida, que permite que un texto ambicioso y exigente, llegue a buen puerto.

El autor logra introducir en el libro, referencias modernas, sobre la influencia de las redes sociales en este mundo moderno, mencionando el wasap, skype y facebook entre otras redes, incorporando formas de comunicación actuales,que enriquecen la puesta.

Hablando de la puesta, consideramos que es muy destacada, arrancando por el logrado dispositivo escénico elaborado por Emilia Perez Quinteros, de tono futurista y en forma de jaula que merece verse. Tiene mucha importancia, también el diseño de iluminación de Carolina Roldán, marcando los climas de la puesta con mucha potencia. Interesante también, que los protagonistas, cambien su vestuario, sin salir de escena, creando los distintos personajes, a la vista del público, dando mucha dinámica a la pieza y logrando la complicidad del espectador.

No sorprende que Anatomía del Destino, lleve ya dos temporadas en cartel, ya que tiene una dramaturgia bien estructurada, que nos habla sobre el destino y como alguna de nuestras decisiones y en parte el azar, pueden cambiar nuestro futuro.

Si a está temática siempre atrapante, le sumamos dos estupendas actuaciones como las que ofrece la obra y una puesta  potente, poco queda para agregar, solo invitar al espectador, a que tome la decisión correcta, que en este caso sería ver Anatomía de un Destino.



Pensador Teatral.

Ella en mi Cabeza

Sábados 20 hs en Teatro Espacio Gadí. ( Av. San Juan 3852 )

Dramaturgia de Oscar Martínez y Dirección de José Manuel Espeche.

Cuando mencionamos a Oscar Martínez, pensamos en el gran actor que es y seguramente recordamos alguno de sus trabajos, ya sea en la televisión, en el teatro o en el cine. Oscar recibió el Premio Konex de Platino en 2011 por su trayectoria como actor de teatro en la última década y sin dudas es unos de los referentes en materia de actuación en nuestro país.

Pero no todos saben, que además de actuar, Oscar Martínez, escribió algunas obras teatrales y Ella en mi cabeza, es una de las más destacadas. Fue estrenada en el 2005, en el Paseo La Plaza y el elenco en esa ocasión, estaba constituido nada menos que por Julio Chavez, Soledad Villamil y Juan Leyrado, bajo su dirección.

En este caso la obra vuelve al teatro independiente en el Espacio Gadí y con tan buena respuesta de público, que se encuentra transitando su segunda temporada.

Ella en mi Cabeza, es una comedia dramática, que nos habla de amor, de las relaciones de pareja, de esos vínculos amorosos que nunca son sencillos, desde la mirada de Adrián ( Diego Fenández Ribas ) que se encuentra en una encrucijada, ya que por un lado siente que no soporta más a su esposa Laura ( Eva Matarazzo ), llevando diez años de casado y con un hijo en común, pensando que lo mejor sería separarse, pero por otro lado siente que no podría vivir sin ella, vaya contradicción.

Adrian esta obsesionado con Laura, según su opinión, ella es la culpable de todos sus males, su inteligencia le permite estar siempre está un paso adelante, lo controla, lo manipula y seguramente también lo engaña. No sabe como resolver la situación y es allí donde aparece en escena, un psicólogo muy particular, Klimovsky ( Eugenio Colusi ) que en las sesiones de terapia que tienen,  tratará de hacerlo mirar a su interior, intentando que comprenda muchas veces proyectamos en el otro, pensamientos y comportamientos,  que solo están en nuestra cabeza, generándose un muy rico intercambio entre paciente y psicólogo.

La trama es muy entretenida, tiene mucha dinámica y siempre está presente el humor, generalmente ácido, ya que la pareja se tira dardos venenosos, en la mayoría de los diálogos.

El espectador se engancha en la historia, porque claramente los personajes y los diálogos son  reconocibles, ya que todos sabemos los que son las peleas en la pareja y vivimos algunas en mayor o menor medida, por lo que se logra un alto grado de identificación.

Si la obra funciona y ya está en su segunda temporada, además de hacerlo por el libro interesante que tiene, se explica por las ricas interpretaciones que presenta la pieza, ya que los tres protagonistas se destacan mucho en sus personajes.

El eje de la historia es Diego Fernández Ribas, como un Adrián agobiado, obsesionado y paranóico con su esposa. Parece que todos sus males, son culpa de ella y aunque no esté con él, su voz retumba permanentemente en su mente. Muy buen trabajo de Diego, que está siempre en escena y lleva muy bien el ritmo de la historia.

Su esposa Laura es Eva Matarazzo, ella es la mala de la película, la manipuladora, la victimaria según el pensamiento de Adrián, es la culpable de que las cosas anden mal en esa pareja. Será realmente así  o será la construcción que el se hace de ella ?? No vamos a contar más, el espectador descubrirá esto cuando vea la obra. Volviendo a la actuación de Eva, nos gustó mucho su interpretación, componiendo una esposa atractiva y despiadada.

El triángulo se cierra con Eugenio Colusi, como Klimovsky, el terapeuta de Adrián, es quien trata de hacerlo entrar en razón y orientarlo para que descubra como salir del laberinto, que es actualmente su relación con Laura. Eugenio es quien genera los momentos más divertidos de la noche, algunos francamente desopilantes, dando vida a un psicólogo muy divertido. Nos encantó su interpretación.

El director logró reunir un muy buen elenco y se nota que hay muy buen entendimiento entre los tres protagonistas, ya que la historia con muchos diálogos,  fluye en muy buena forma.

Debemos destacar especialmente la muy buena escenografía de Mariela Solari, con el cálido mobiliario, que muy funcional permite tener al mismo tiempo la casa de la pareja y el consultorio del psicólogo, jugando además mucho con los placards, desde donde aparecen y desaparecen algunos protagonistas, lo que permite darle esa dinámica que comentamos tiene la pieza.

En definitiva, estamos ante una muy buena versión de la obra de Oscar Martínez, una dramaturgia elaborada y que requiere atención de parte de espectador para no perder detalle, un guión que nos invita a reflexionar acerca de los vínculos de pareja y como muchas veces, es más sencillo, culpar al otro de todos los males, en vez de mirar un poco a nuestro interior y también apreciar como muchas veces, nosotros adjudicamos al otro pensamientos o comportamientos, que solo está en nuestra imaginación, pero que a nuestros intereses nos resulta más conveniente dar por ciertos.

Por todo lo dicho, recomendamos Ella en mi Cabeza, además de las excelentes actuaciones que presenta la pieza, nos vamos a reír y seguramente nos vamos a sentir identificados con muchas de las situaciones que ocurren en la obra. El prolongado aplauso con que el público despide a los protagonistas, al término de la función, es fiel demostración, que la historia gustó y llegó al espectador.


Pensador Teatral.

Hidalgo

Viernes 20 hs y 22 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Dramaturgia y Dirección de María Marull.

La obra surge en el marco de la convocatoria del Teatro Cervantes, que en ocasión del Ciclo Bicentenario convocó a destacados directores de nuestro teatro, para que escriban una obra sobre figuras históricas muchas veces relegadas por nuestra historia.
A María Marull, te tocó Bartolomé Hidalgo, poeta rioplatense, nacido en 1778, artista revolucionario y padre de la poesía gauchesca, plasmando en sus cielitos, la gesta por una patria en nacimiento.

Poco se conoce de la vida de Hidalgo, no hay retratos suyos, ni si quiera se sabe donde fueron enterrados sus restos, es más, hasta algunos se atreven en poner en duda su existencia y se atreven a teorizar, que fue un personaje imaginario.

Interesante reto para María, escribir una obra sobre una figura, de la que es más lo que se ignora, que lo que se conoce con certeza. Por eso, la salida inteligente de la autora, es tomar a Hidalgo, como consecuencia de la pieza y no como centro de la misma.

La autora, consigue superar el reto, escribiendo una historia simple, con seres cotidianos que el espectador reconoce y una trama sensible, que tiene el sello característico de las Marull, aquel que les ha otorgado a las gemelas rosarinas, un sitio de privilegio en el circuito off, con un público fiel, que sigue sus obras, sabiendo de antemano, que verán un producto de calidad, donde sin golpes bajos, la emoción y la sensibilidad dirán siempre presente.

Hidalgo, nos cuenta la historia de Susana ( Paula Marull ), empleada de inmobiliaria, que tiene como misión mostrar un lujoso departamento a una familia interesada en comprarlo. En el departamento vacío, se encuentra Victor ( Agustín Daulte ), un adolescente, que por razones no muy claras, vive allí con su padre, en condiciones precarias, mientras el departamento siga desocupado.

El encuentro entre esas dos personas, en apariencia sin puntos en común, se convierte en el disparador de la trama. Ella con un trabajo formal, bien vestida, verborrágica y muy segura de si misma, se encuentra con ese chico frágil, callado, apenas vestido con un pantalón corto, que no parece vencido, porque cuando Susana, le pregunta porque no está en la escuela a esa hora, Victor no sabe bien que responder, a los tirones balbucea que tiene que hacer un trabajo práctico para presentar mañana y que si no lo hace volverá a repetir el año.

La empleada apenas escucha al chico, está más preocupada, por limpiar el departamento y tirar un poco de desodorante de ambiente, para que quede presentable y que el chico se vaya dar un vuelta,  para que no esté, cuando lleguen los posibles compradores. Pero un llamado de los mismos, diciendo que estaban demorados, cambiará todo, la llegada ya no será inminente y entonces Susana, que ahora tiene algún tiempo tiempo, se interesará un poco más por la situación de ese chico que lo intriga.

Se enterará que el trabajo práctico que debe presentar para no repetir el año, es sobre Hidalgo, un olvidado por la historia, una de esas figuras que no aparecen en los billetes, porque a los billetes siempre llegan los mismos próceres y con una mezcla de solidaridad y lástima por el chico, tomará la decisión de ayudarlo con el trabajo práctico.

Sin revelar demasiado, para no develar la trama, diremos que esas dos personas que parecían pertenecer a mundos diferentes, encontrarán muchos puntos en común, más que nada, porque la vida de esa empleada inmobiliaria que no conoce el mar y que no tiene mascotas, ni hijos, para no esclavizarse, es más sufrida, de lo aparenta. Y entonces descubriremos que el desamparo y la soledad, son características, muy arraigadas, en estos dos seres. En el caso del chico esto, es algo evidente, que surge a simple vista y en el caso de la empleada, detrás de esa apariencia segura, esconde una existencia triste.

Como mencionamos antes, las Marull saben mirar la realidad y construir personajes con lo que nos identificamos, historias normales y cotidianas, que nos resultan entrañables y cercanas.

La historia es muy entretenida y en esto tiene mucho que ver, Paula Marull, que se destaca muchísimo en este protagónico, componiendo una mujer muy sensible y divertida. Nos encantó la interpretación de Paula, con mucha presencia escénica, marcando el ritmo de la trama y con una frescura que se irradia en el escenario y llega al espectador, que se encariña mucho con su personaje.

Agustin Daulte, compone muy bien a ese chico retraído y temeroso, que parece casi abandonado.
Una vez más, destacamos, la gestualidad de Agustín, en un papel con algunas similitudes, con el que cumplía en Los Ojos de Ana ( allí era un adolescente que sufría bullying ). Es un actor que promete mucho y esperamos verlo pronto, en otra obra, ojalá que sea con las Marull, en un rol distinto, a la del adolescente introvertido, donde ya demostró, sentirse muy cómodo.

Un punto importante y que agrega valor a la puesta, es el entendimiento que muestran Paula y Agustín, como dijimos trabajaron juntos antes y se nota que se entienden a la perfección, hay muy buena química entre ellos.
Y si a ello le sumamos, la dirección de María Marull, el círculo cierra y queda claro, porque todo fluye de manera tan natural.

Debemos resaltar de la puesta, el diseño escenográfico de carácter minimalista que propone José Escobar, con unos pocos objetos, sobre ese destacado rectángulo de parquet, que marca en forma precisa los límites escénicos, simulando el departamento donde transcurren las acciones.
Y como ocurre habitualmente, en las obras de las Marull, aquí también, aparece algún toque musical, que suma, en este caso es el ringtone de Susana, que no vamos a revelar, pero que aseguramos los espectadores celebran cada vez, que suena el celular de la empleada inmobiliaria.

Queda poco por agregar, sólo mencionar que Hidalgo fue la obra ganadora del Premio Artei 2017 a la producción de teatro independiente, entre otros reconocimientos recibidos. Indudablemente las mellizas Marull, tienen un estilo propio, saben como contar historias sencillas, cercanas al espectador, con personajes reconocibles, con lo que todos nos identificamos y si a esas historias, saben adosarle siempre la cuota justa de sensibilidad y poesía que el espectador quiere, podemos encontrar allí, una de las explicaciones, del éxito de sus espectáculos,  tanto de crítica, como de público ( el cartelito de localidades agotadas es una constante en sus obras )

No queda más por agregar, sólo invitar a los espectadores que aún no lo hicieron, para que descubran el bello universo de las Marull y en este caso además, se enteren como nosotros, quien fue Bartolomé Hidalgo.



Pensador Teatral.

Madre Amadísima

Miércoles 20 30 hs en Teatro Buenos Aires ( Rodríguez Peña 411 )

Dramaturgia de Santiago Escalante y Dirección de Daniel Cinelli.

Segunda temporada de Madre Amadísima, obra escrita por el autor andaluz Santiago Escalante, la pieza se estrenó en Sevilla en el 2007, con enorme éxito de taquilla y de crítica. Tanto es el suceso, que la directora Pilar Távora, tiempo después, decide llevarla al cine, donde tuvo un rally impresionante, obteniendo múltiples premios y reconocimientos, destacándose especialmente en los Premiso Goya 2011, donde se llevó numerosas nominaciones.

La película triunfa en España y llega a la Argentina, allí es donde aparece en escena, nuestro Oscar Giménez, que vé la película y en ese instante se enamora de ella. Tanto, que decide ponerse en contacto con el autor de la misma, algo impensado décadas atrás, pero posible en la actualidad, gracias a la inmediatez de las redes sociales y consigue llegar a un acuerdo para traerla a nuestro país, en una adaptación que conservando íntegramente la esencia y el espíritu, del texto original, presenta algunas diferencias, en su adaptación local,

Contemos ya que Madre Amadísima, narra la historia de Alfredito, encarnado de manera brillante por Oscar Gíménez, un costurero homosexual, ya en edad madura, que aparece en escena, vistiendo con devoción a una Virgen Negra, preparándola para una procesión, en Sevilla, donde se desarrolla la historia y la Virgen desata incontrolables pasiones.

La conexión de Alfredito con la figura de la Virgen es asombrosa, encuentra en ella la paz necesaria, para desandar su vida entera, desde el momento de su nacimiento, pasando por su difícil infancia, su despertar sexual con Javi, el hijo del alcalde, con quien descubre su atracción por los chavales y contando también su desopilante pasada por la mili.

En su relato, siempre hace referencia a su entorno familiar, manifestando su amor incondicional por su madre querida y el profundo desamor y desprecio de su padre, para con él, como un reflejo de esa sociedad que discrimina y no acepta al diferente.

Con mucho humor, Alfredito se asume asimismo como la loca del pueblo, aquella a la que todos miraban, por la que murmuraban a sus espaldas y obviamente no aceptaban- Recordemos que la historia, transcurre en la década del 50 en el interior andaluz, en época en que el generalísimo Franco, tenía el poder total en España y la tolerancia, precisamente no era una de las características de su gobierno, trayendo recuerdos olvidados, pero de gravedad, como por ejemplo que existía un de campo de concentración, al que enviaban a los homosexuales.

Si bien el relato es profundo, confesional y tiene mucho de dramático, la historia se cuenta en clave de humor, el protagonista, toma con una mirada graciosa, sus recuerdos, aún los más duros y presenta su vida, que no fue sencilla, en forma esperanzada, siempre buscando el lado positivo y esto sin dudas es mérito del autor, que logra que el relato siempre sea ameno y no se haga denso, teniendo vital influencia, en este caso, también de la estupenda actuación de Oscar Giménez, que entiende a la perfección, por donde debe transitar su actuación

Realmente es todo un desafío, encarar este unipersonal, donde el protagonista, debe sostener el acento andaluz, por casi una hora y media, llevando el relato a través de los diferentes estados de ánimo, que presenta su propia vida, con alegrías, tristezas, momentos muy graciosos y otros de profundo drama. Es una obra que exige mucho y realmente Oscar, supera con creces la exigencia, mostrando un dominio absoluto del escenario y de los tiempos y mostrando una identificación y un amor por el personaje, que emociona y conmueve.

La escenografía es despojada, solo hay una mesita y esa virgen morena, que acompañan al protagonista, la preponderancia aquí es del texto, la palabra es la que se impone, algo que entendió muy bien, Daniel Cinelli, el director, que presenta una puesta intima y minimalista, creando la atmósfera ideal, para que el protagonista, gracias a su talento, haga de las suyas.

Debemos destacar la moderna iluminación del Teatro Buenos Aires, que acompaña y recrea los diferentes momentos, que atraviesa la trama.

Estamos en presencia, de una propuesta más que interesante, un texto potente de un Santiago Escalante, que nos trae a Buenos Aires, una historia de raíces andaluzas, que nos habla de la discriminación brutal, que sufrían personas como Alfredo, en una época de España,  en que se veía al homosexual como un enfermo, al que debía tenerse lo más lejos posible.

Si bien con el correr de los años, las ideas evolucionaron, la pieza sirve para reflexionar y darnos cuenta, que pese al paso de los años, la discriminación aún sigue, por diversos motivos y muchas instituciones, contrariamente a lo que marca sus esencia, en vez de abrir sus puertas al diferente, se las cierra.

Una propuesta de enorme valor, nos trae Madre Amadísima, junto con la posibilidad de disfrutar la interpretación brillante de Oscar Giménez, que con un amor y una entrega absoluta, regala a los espectadores, una estupenda noche de teatro.

Recomendamos mucho la obra, sin dudas, un toque de distinción en nuestra rica cartelera porteña, que aquellos amantes del bueno teatro, no deberían dejar de ver.



Pensador Teatral.