Con el Alma Aferrada

Libro de Ariadna Asturzzi y Dirección de Tatiana Santana.

Viernes 20 30 hs y Sábado 17 hs en Teatro Andamio 90 ( Paraná 662 )

Una propuesta con acento tanguero, llega al escenario del Andamio 90, con un texto nostálgico y con una muy buena cuota de fantasía, escrito por Ariadna Asturzzi.

Historia situada en la actualidad, pero con muchos recuerdos de la década del 20 y del 30, años en que Gardel, daba sus primeros pasos como cantor y empezaba su camino a convertirse en mito.

En su coqueta casa, Delia ( Marta Bianchi ) vive sola y está a la espera de visitas, su parlanchina e inquieta mucama Francisca ( Anabella Degásperi ) no hace caso a la advertencia de la dueña de casa, que la reta por haber llevado al living, ese viejo fonógrafo, que estaba guardado hace años.

La tentación de Francisca, por saber, si aquel aparato que luce impecable, todavía funciona, es muy grande y decide comprobarlo, sabiendo que estaba desobedeciendo, las instrucciones de la señora. Al prender el fonógrafo, salen los primeros acordes y confirma que funciona, pero al mismo tiempo, nota que algo extraño sucede y sin entrar en muchos detalles, contamos que descubrirá que a sus espaldas y como venido del más allá, aparecerá un apuesto joven, vestido y peinado, con un estilo algo anticuado, como de otra época..

La desesperación de la mucama, irá en aumento, cuando ese extraño hombre, le dice que se llama Aldo y es el hermano de Delia, la dueña de casa. El  pequeño detalle es que Aldo, había fallecido hace más de 50 años, en un desgraciado enfrentamiento callejero, época donde los duelos a cuchillos, eran la forma de resolver las diferencias.

No vamos a contar mucho más, para no quitar sorpresa al espectador, solo diremos que si el encuentro con la mucama fue fuerte, pueden imaginar, la reacción de Delia cuando se reencuentre con su hermano fallecido hace tantos años, igual que para Juan ( Pepe Novoa ) su amigo de la infancia, ambos se mostrarán incrédulos con la situación.

Como frutilla del postre, comentar que Aldo, tiene una obsesión, en su vuelta al mundo de los vivos, la misma es arreglar las diferencias, con un hombre que lo traicionó y al que se la tiene jurada, ese hombre es nada menos que Carlos Gardel, con lo que la obra tendrá ese condimento especial, que es la presencia en la temática y en la música del Morocho del Abasto.

La pieza que tiene mucho de nostalgia y de ternura, nos hablará de amor, de familia, de recuerdos y también dejará espacio, para hablar de los misterios de la muerte, planteando la pregunta de que sucede en el más allá, aprovechando que tienen información de primera, al recibir en la casa, la visita de un personaje, que llega del más allá.

Las actuaciones que tiene la pieza son muy destacadas. Es un lujo ver en escena a Marta Bianchi y Pepe Novoa, con el oficio que le brindan tantos años de actuación, conservando el porte y la frescura, que siempre tuvieron. Para destacar el profesionalismo de ambos y el cariño, con que el espectador reconoce sus interpretaciones.

Hay un gran trabajo de Fernando Sayago, como Aldo, con mucha presencia escénica y una voz privilegiada, que se destaca a lo largo de la noche, en varios temas musicales. Nos gustó mucho, la labor de Fernando.

Y para el final, dejamos a Anabella Degáspari, como Francisca, la gran revelación de la noche para quien escribe estas líneas, componiendo a una mucama paraguaya, con mucho encanto. Es la llave de la historia y muestra un carisma y una simpatía, que el público celebra. Estupenda su actuación.

Destacamos la dirección de la jóven Tatiana Santana, que propone una puesta dinámica y divertida , que permite el lucimiento del elenco y le brinda un sitio de privilegio a la música.

Precisamente la dirección musical está en manos de Santiago Otero Ramos, la obra respira tango y lunfardo, con la excelente voz de Tabaré Leyton, que nos regala melodías tangueras muy reconocibles y disfrutables, acompañado en sus intervenciones por la guitarra de Hernán Reinaudo.

En definitiva, Con el Alma Aferrada, es una entrañable obra que nos presenta el teatro independiente, tierna y nostálgica, que nos hablará del espacio que tienen los recuerdos, de la importancia de la familia, de como procesamos las pérdidas y de la esperanza que nunca se pierde, ya que pese a las adversidades, que muchas veces nos coloca  la vida, hay que saber reponerse y seguir adelante.

Un guión creativo y con mucha fantasía, que se apoya en los acordes tangueros y en las muy buenas actuaciones, para ofrecernos una historia arrabalera, que nos traerá el recuerdo del querido Carlos Gardel.

Obra ganadora del Premio Artei, que se presenta en el Andamio 90 y que recomendamos, para pasar una velada de muy buen teatro, condimentada con fantasía tanguera.




Pensador Teatral.

Ocho cartas para Julio

Dramaturgia de Gabriel Lerman y Dirección de Daniel Berbedés.

Miércoles 21 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Una magnífica idea de Gabriel Lerman, de traer a escena, a Julio Cortázar, notable escritor argentino que fue uno de los más innovadores en su tiempo. Vivió su infancia y su adolescencia en Argentina y en la década del 1950, viajó hacía Europa, donde se radicó, optando por la nacionalidad francesa en 1981, en protesta contra el régimen militar que gobernaba en Argentina.

Entre sus principales obras, podemos mencionar Rayuela, Casa Tomada y Bestiario, por mencionar solo los títulos más relevantes. Cortázar fue un intelectual, que marcó tendencias, con su pensamiento y su obra. En 2014, surge este proyecto, en ocasión de cumplirse el centenario del nacimiento del escritor.

Lerman, crea un personaje imaginario, Nito Basavilbazo, nombre tomado de unos de los cuentos de Cortázar y lo convierte en una especie de antagonista, maestro en una escuela de Mataderos, amigo de la infancia, servirá como conductor, para trazar un perfil del escritor, a partir del viaje de Julio a París, ciudad que eligió para afincarse.

Nito en Argentina, escribirá cartas a Cortázar, en la que hablarán de literatura, música, política y de la vida en general, apareciendo en este intercambio epistolar, menciones de Gardel, de Perón y del Che Guevara, por mencionar sólo alguno interesantes tópicos que tratan sus cartas.

Quien tomará el papel del amigo de Cortázar, es Juan Palomino, que nos entrega una fantástica interpretación, dominando la escena con maestría  y enorme oficio. Se lo nota muy cómodo y disfrutando del protagónico, leyendo las cartas con pasión y poniendo el alma a su actuación.

La forma en que Palomino camina el escenario, sus pausas, sus silencios y su comunión, con esa máquina de escribir que parece tener vida propia, creando una atmósfera íntima, que el espectador disfruta muchísimo.

La puesta de Daneil Berdebés, nos gustó mucho, con una escenografía, despojada, solo una mesita y una silla, en la que Basavilbazo, escribe las cartas. Las palabras son las que mandan en esta historia y por eso se les brinda el protagonismo.

Pero Ocho Cartas para Julio, no es solo palabras, la música juega un rol fundamental en la obra y enriquece enormemente la puesta. Música original de Fernando Lerman, el hermano del autor,que además tiene a su cargo los instrumentos de viento ( hermosas sonidos provienen del saxo ) y Leandro Kalén en piano, nos ofrecen bellas melodías, que serán el acompañamiento ideal, para las locuciones de Palomino. Excelente el aporte de ambos.

En conclusión, una propuesta muy original, que los espectadores disfrutan de punta a punta, conmueve el silencio que reina en la bella sala del Hasta Trilce y la concentración con la que el público escucha los textos del protagonista.

La pieza consigue una muy buena semblanza de Cortázar. El autor hizo un muy buen trabajo de investigación, leyendo la correspondencia del escritor y a partir de allí, configuró su perfil, poniendo el foco en las cartas, que eran el medio de comunicarse en aquellos años, donde el correo jugaba un rol fundamental y pensar en la comunicación por wasap, chat o Skype, era pura ciencia ficción.

Quedamos muy satisfechos, al vivir una entrañable velada teatral, en la que se revelaron aspectos desconocidos de la vida de Cortázar y pudimos disfrutar de un Juan Palomino superlativo, que brilla dentro de una puesta estupenda.

Recomendamos mucho la obra, que transita su tercera temporada de suceso y celebramos la la respuesta del público, que colmó la sala y despidió a los protagonistas, con un prolongado y emocionante aplauso.



Pensador Teatral.

Nenamala

Dramaturgia y Dirección de Juan Seré.

Lunes 21 hs en Ladran Sancho ( Guardia Vieja 3811 )

Propuesta original nos trae Nenamala, que transita su segunda temporada en cartel, escrita y dirigida por el talentoso Juan Seré, un autor que siempre se anima a crear, sin miedos y alejándose de la comodidad del teatro convencional.

Seré, dirige Rojo Accidente, un grupo de jóvenes actores muy entusiastas y talentosos, con los que  interpretó Himalaya, una estupenda obra del off, que el año pasado vivimos en este mismo espacio teatral. Rojo Accidente, se caracteriza, por trabajar en forma libre y a pulmón, sin recibir subsidios de ningún tipo, ellos afrontan los gastos de producción y confían en recuperar el dinero con las entradas que venden.

Esta postura es realmente valiente y para resaltar, el grupo trabaja con total libertad, algo que se refleja en forma positiva en sus espectáculos, donde la creatividad y lo artesanal son sellos distintivos, sin dudas confían en la calidad de sus trabajos, ya que logran llenar la sala en cada función, gracias al poder del boca a boca, que tanta importancia tiene en el teatro off.

Yendo a lo argumental de Nenamala, la obra comienza en un faro, donde vive un viejo con su nieto, aislados del mundo. El abuelo está enfermo y la muerte lo acecha, su nieto debe correr el riesgo de ir a la ciudad, donde la peste está haciendo estragos, en búsqueda del medicamento que lo salve.

El viaje es muy peligroso, ese niño inocente emprende un viaje hacia el mundo de los adultos, donde habitan criaturas oscuras, que sienten cómodas, en la oscuridad de la noche, donde reinan los vicios y donde un niño inocente e ingenuo, es una presa muy apetecible.

La obra está escrita en verso y emana poesía en todo momento. En su cubierta de comicidad, esconde una pieza profunda e irreverente, que habla de la vida y la muerte, con los miedos que todos tenemos.

Gordon, es ese niño inocente y valiente, que se adentra en ese mundo hostil para salvar a su abuelo, crecerá a la fuerza, para tratar de comprender el universo adulto, donde las traiciones y los vicios son moneda corriente.

En ese viaje el niño, se encontrará con el deseo en un lupanar, donde varias señoritas, ejercen el oficio más antiguo de la humanidad, luego con los atorrantes que concurren allí con sus vicios a cuestas y también se encontrará con la muerte, que deambula por la ciudad, en la búsqueda de sus próximas víctimas.

No vamos a contar más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra el mágico mundo que el autor y este grupo de actores crearon para los espectadores. Un mundo onírico y fantástico, terreno fértil, para que vuele nuestra imaginación.

Una de las características más elogiables de la obra, es la magnífica construcción de personajes que presenta. Son nada menos que once actores en escena, que aprovechan al máximo las reducidas dimensiones del escenario del Ladran Sancho.

Se destaca el entusiasmo y la entrega de cada uno de los actores, algunos tienen un mayor destaque que otros, simplemente por estar más tiempo en escena. Tratando de no ser injustos, vas a mencionar a alguno de ellos y dar algunas líneas de sus trabajos.

Marcos Krivocapich es el valiente niño, que deja atrás su miedos y madura para hacer pie en un mundo que no conoce. Estupendo su trabajo.
Su abuelo es Luis Mancini, pura ternura y sabiduría, es la voz de la experiencia en un elenco donde el resto son jóvenes.
En el lupanar, conoceremos a Nereida compuesto por el histriónico Andrés Granier, a quien vimos este año en A la Buena de Dios, un personaje gracioso y con mucho salero. Junto a Nereida, está Cristal ( Gastón Filguera Oria ) con su acento gitano y hombría en cuerpo de mujer, es un personaje que también divierte mucho.

Quien regentea la casa de citas, es Lady Path, interpretada con solvencia por Jimena Civelli, Pablo Bronstein, es Golo, un vicioso cliente, que a cambio de las monedas que lleva el chico, se convertirá en su fiel escudero, en una gran composición, al igual que Nicolás Levìn, como el indescifrable Hide.

Mención especial para Belèn Ribelli, la nena mala, que dá el nombre a la pieza, mezcla de criatura adorable y terrorífica, fantástica su composición, que regala momentos deliciosos en la obra.

No queremos ser injustos y por eso mencionamos también a Mariano Saavedra, como el Dr. Interventor y a las chicas, que están bajo el cuidado de Lady Path y quieren usar sus encantos para seducir al niño, nos referimos a Agustina Trimarco, Carolina Stegmayer, Rosa Ortìz Pereyra y Eugenia Mercante, aportando todas una cuota de belleza a los cuadros.

Cada uno de los personajes hace su aporte importante, en ese conjunto que resulta Nenamala, con una entrega y un compromiso, que desde este lugar, disfrutamos y queremos destacar.

La puesta de la obra, es estupenda, maximizando los pocos recursos económicos con los que cuentan, pero agudizando el ingenio y la creatividad, logrando estupendos resultados, con mucho de artesanal.
Se crea una atmósfera lúgubre en la sala, donde la oscuridad domina la mayoría del tiempo. Hay escenas para el recuerdo y cinematográficas, como aquella en cámara lenta que nos gustó mucho, pero sin dudas cada espectador elegirá su preferida.

Se destaca el vestuario y el maquillaje de los protagonistas, las máscaras y esos sonidos, que provienen de las entrañas de la sala y que le ponen mucha clima a la función.

En definitiva, original y muy elaborada propuesta la de Nenamala,  nosotros que vemos mucho teatro, siempre celebramos la aparición de obras que rompen el molde y salen  de lo convencional, tomando riesgos y con el agregado de muy buenas actuaciones y una puesta elaborada de manera artesanal, en la que se cuidan todos los detalles.

Con todo lo mencionado, no sorprende que Nenamala, transite su segunda temporada y lo haga a sala llena. Una pieza creativa e irreverente,  que invita al espectador a abrir su mente, para viajar hacia ese mundo imaginario que propone al autor.

Nuestra felicitación a todo el grupo de Rojo Accidente, por la pasión puesta al servicio del espectáculo y por ofrecernos teatro off en estado puro, algo que desde nuestro lugar, valoramos mucho.



Pensador Teatral.

De Tiburones y otras Remoras

Dramaturgia de Sergio Villanueva y Dirección de Marina Wainer.

Viernes 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

La obra se estrena en Buenos Aires, luego de su exitosa gira por España e Italia, donde tuvo muy buena respuesta del público y de la crítica. Sergio Villanueva, autor nacido en Valencia, sitúa la pieza en España, tomando como base, la estafa ocurrida con las Participaciones Preferentes, acciones que los bancos ofrecían a sus clientes, prometiendo una renta fija y segura, sin informar los riesgos y las complejidades del producto ofrecido. El final es el imaginado, una estafa de gigantescas proporciones, que dejó a miles de pequeños inversores, lamentando la pérdida de los ahorros de toda su vida.

Las similitudes de las acciones preferentes, con los ocurrido en nuestro país con el Corralito en el 2001 o con el estallido de la burbuja financiera de los Estados Unidos, son claras y la idea central es la misma, instituciones financieras que con la complicidad de la justicia y del poder político, estafan a pequeños ahorristas. Tiburones que se comen a pequeños peces, con voracidad e impunidad.

En la obra, tendremos a un inescrupuloso gerente comercial de un banco ( Iván Steinhardt ), que convoca a su despacho a una de sus empleadas y con métodos cuasi extorsivos, le dejará en claro, que la única manera de conservar su empleo, es vender el nuevo producto del Banco, las Participaciones Preferentes, a los clientes,  sin informarles el alto riesgo que corren con la inversión. Hay que vender a cualquiera, amigos, ancianos y hasta familiares, son potenciales compradores.

La empleada, está en la disyuntiva, sabe que vender el producto, es necesario para conservar su empleo, en una época donde la falta de trabajo es un problema que crece día a día, pero es consciente que quien compra esas participaciones, muy probablemente, en un futuro cercano, perderá todos sus ahorros.

La supervivencia frente a la conciencia moral, actuar como una persona de bien o obedecer a su gerente y al mercado, que le pide que cumpla su tarea. La decisión no es sencilla y en la trama, se jugará con esta disyuntiva, que aparecerá en la mente de la empleada, en los diálogos con su familia y en su trabajo diario, como cuando tiene que recibir a un abuelo, a quien debe convencer de las bondades de un producto, a sabiendas que son falsas.

No vamos a contar más, dejaremos que el espectador, cuando vea la obra, descubra cual es la elección de la empleada, si realmente podemos hablar de elección. Una propuesta muy interesante, en forma de tragicomedia, la que nos trae la obra, que en forma cruda y ácida, expone una realidad, que vivimos en nuestro país, en forma cíclica, con gente común engañada por instituciones financieras.

Es hora que destaquemos ya, las magníficas actuaciones de la dupla protagónica, arranquemos por Romina Pinto, una actriz que nos gusta mucho, el año pasado la vimos brillar en Jamás me levantó la Mano, una entrañable obra del off, aquí vuelve a mostrar su histrionismo, su energía y una expresividad que hay que destacar, con sus ojos que parecen hablar. Enorme trabajo de Romina, dando vida a una sufrida mujer, que debe soportar el acoso de su jefe, las presiones de su esposo y la lucha moral con ella misma.

Su compañero es Ivan Steinhardt, quien compone con maestría a un siniestro gerente, que no tiene ningún escrúpulo, para presionar y acosar a sus empleados. Además compondrá al esposo de la empleada y a un incauto abuelito. Nos gustó mucho el trabajo de Iván, con mucha presencia escénica.

Pinto y Steinhardt, junto con la directora de la la obra Marina Wainer, formaron la compañía El Vacío Fértil, cuyo objetivo es la realización de propuestas teatrales y audiovisuales, que se comprometan con problemáticas sociales de estos tiempos, siendo este su primer espectáculo.

La puesta de la obra, presenta una escenografía despojada, con muy pocos elementos en escena, los mínimos e indispensables, siendo los actores quienes tienen todo el protagonismo, haciendo hasta los cambios de vestuario, en el mismo escenario a la vista del público. La iluminación juega un papel importante, predominando lo oscuro, logrando el ambiente sórdido y asfixiante, que concuerda con lo que pide el texto.

En conclusión, una propuesta muy interesante, llega con De Tiburones y otras Rémoras, una obra que nos permitirá reflexionar, sobre como siempre los poderosos, logran estafar al hombre común, son esos tiburones, que hábilmente, logran su cometido, a través de subordinados,  a los que someten bajo presiones varias, convirtiéndolos en sus rehenes y en instrumentos para llevar a cabos las maniobras, con las que captan a los incautos. Esos engaños, pueden recibir nombres distintos, en los diferentes países, cambia la modalidad, pero con una misma metodología, el poderoso logra estafar al incauto, con la complicidad de los gobiernos y una justicia corrupta, que siempre se inclina en favor del que detenta el poder.

Además la pieza, indagará sobre la degradación de los valores éticos, el acoso laboral llevado hasta límites insospechados, donde  la dignidad de las personas corre serio  peligro. De la mano de la ironía y del humor ácido, se tocarán temas profundos y poco explorados en el teatro.

Por todo lo mencionado, recomendamos mucho la obra, ya que además de una lucida puesta y de disfrutar de las excelentes actuaciones que presenta, la pieza, nos mantendrá alerta, para que estamos prevenidos, ante las apariciones de esos tiburones, que siempre están rondando, esperando el momento justo para atacar.


Pensador Teatral.

Sin Filtro

Dramaturgia de Florian Zeller y Direcciòn de Marcos Carnevale.

Mièrcoles a Domingos en Paseo La Plaza. ( Av. Corrientes 1660 )

Obra escrita por el novelista francés Florian Zeller, autor de El Padre, es el dramaturgo galo vivo, más representado fuera de su país y considerado entre los mejores dentro de Francia.

En esta ocasión, la pieza llega con una muy acertada adaptación de Fernando Masllorens y Federico González del Pino. La calificamos de esta forma ya que manteniendo el espíritu del autor, nos trae un texto bien aggiornado, con un lenguaje bien nuestro lo que otorga fluidez a la trama y hace que la historia que nos cuentan,  nos resulte cercana, algo que, lamentablemente no siempre se consigue en las adaptaciones.

La obra es una comedia, que funciona con un disparador simple y contundente. Que sucedería si dijéramos todo lo que pensamos ?? Lo que decimos tiene que ver con lo que pensamos o muchas veces mentimos o reprimimos nuestros sentimientos, por miedos o simplemente por quedar bien con el otro ?

La premisa está lanzada y aquí los espectadores, podrán " escuchar " lo que piensan los protagonistas de esta historia y entonces comprobarán las diferencias entre lo que piensan y lo que realmente manifiestan, imaginando de inmediato, que sucedería, si el otro pudiera descubrir realmente el pensamiento del otro, algo que en ocasiones, causaría peleas, discusiones y hasta separaciones.

En la obra, tendremos al matrimonio conformado por Daniel ( Gabriel Goty ) y Valeria ( Carola Reyna ), llevan juntos más de 20 años, ya sus hijos son grandes y viven en una peligrosa rutina, tan común en muchas parejas. La calma será amenazada, cuando Martín ( Carlos Santamaría ) amigo de toda la vida de Daniel y recientemente divorciado, de la mejor amiga de Valeria, quiere presentarles a su nueva novia y joven novia.

La situación ya suena incomoda, porque ambos matrimonios habían compartido muchos momentos juntos y para colmo, Carlos, dejó a su esposa, por Eva (Muni Seligmann ), encandilado por una pendeja, como le dice Valeria, que le voló la cabeza.

El encuentro pintaba complicado y lo será, se darán diálogos ácidos, situaciones muy graciosas y los pensamientos de los protagonistas serán muy filosos y estarán alejados de esa falsa cordialidad, que todos quieren imprimirle a una cena que no dará tregua. No vamos a contar más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra lo que que sucederá.

Se ha reunido un muy buen elenco, para la obra y la figura convocante, es el Puma Goity, sin dudas, el gran protagonista de la historia, ya que en su interior, reflexionará sobre la vida aburrida que tiene con su mujer, en comparación con su amigo, que se animó a romper con su matrimonio y descubrir emociones fuertes, con una chica, que por su edad, podría ser su hija. Y si el se animara a seguir sus pasos ? Esa duda lo perseguirá toda la noche.

La actuación del Puma, es fantástica, es un actor con una chispa especial, ya con sus caras solamente, logra risas de la platea y aquí encaja en un personaje que le queda justo, para que pueda mostrar todo su histrionismo y divierta mucho a la platea. La actuación del Puma, ya paga la entrada, lo aseguramos.

Pero no está solo en escena, sorprende la muy buena dupla, que forma con Carola Reyna, su esposa en la obra, que es una actriz de gran trayectoria y juega muy bien su papel, como contrapunto del Puma y logrando acompañarlo muy bien, generándose momentos muy divertidos entre ambos.

Completan el elenco, Carlos Santamaría, ese viejo amigo que luce rejuvenecido, que parece disfrutar su conquista y más que nada exhibirla. Muy sólido Carlos en su papel, algo que no sorprende ya que es un actor con mucho recorrido.

Y dejamos para el final a Muni Seligmann, asociada con el teatro infantil, por haber trabajado muchos años con Topa y en Disney, debuta en el teatro comercial y sale airosa del desafío. Explota muy bien su belleza y simpatía, algo que requiere su personaje, aportando mucha frescura a la obra. Nos sorprendió gratamente Muni, acoplándose muy bien, a actores con muchos años en las tablas.

La dirección está a cargo de Marcos Carnevale, muy asociado al cine, siendo guionista y director de muchas películas de éxito, incursiona en el teatro, ofreciendo una puesta ágil y dinámica, que mantiene la atención del espectador y crea los climas adecuados, para el espectador se ría seguido, que es el objetivo de toda comedia,  que se precie de tal.

La puesta tiene muchos puntos a destacar, nos encantó el diseño escenográfico de Alicia Leloutre, que nos presenta un departamento amplio, con un mobiliario de diseño, destacado diseño lumínico de Matías Sendón y un vestuario distinguido de Ana Markarian. Todos rubros que acompañan a los actores en gran forma y están a la altura de la importante producción que tiene la obra.

En resumen, Sin Filto resulta una comedia muy efectiva, que además de hacer reír y mucho al espectador, nos hará reflexionar, sobre cuanto hay de verdad, entro lo que se dice y lo que se piensa. Y como muchas veces, tenemos que ocultar nuestros verdaderos pensamientos, para poder vivir en armonía, algo que nos resulta de lo más normal y que en realidad demuestra, como la mentira ( piadosa muchas veces ) y la hipocresía, son las que dominan las relaciones humanas.

Nos encontramos con una muy buena propuesta, para divertirse y reflexionar de la mano, de un Puma Goity superlativo y de un guión que resulta muy atractivo. Por todo lo dicho, no sorprende el prolongado aplauso, que reciben los protagonistas al final de la función y que Sin Filtro, sea una de las obras, que lidera las recaudaciones del teatro comercial, ya que tiene argumentos de peso para que ello suceda.



Pensador Teatral.

Forjadores de una Nación Pujante

Domingos 20 hs en El Ópalo Espacio Teatral ( Junín 380 )

Dramaturgia de Carlos Sanzol y Dirección de Pierre Marquille.

Una original propuesta, llega de la mano de Forjadores de una Nación Pujante, autoría de Carlos Sanzol, escritor y dramaturgo argentino, que presenta una lograda sátira de los tradicionales programas televisivos de la tarde, los llamados talk shows, en donde se exponen las miserias humanas sin escrúpulos y lo único importante es el rating, en su nombre, todo está permitido.

En la historia, que nos cuentan, tenemos a la conductora del programa, una vedette famosa, con botox y siliconas, nos referimos a Maricruz Vallini ( María Sol Spadaro ), ella es la reina de la televisión y se debe a su público fiel que la adora. Además es el instrumento que el régimen político, que gobierna el país, elige para animar las tardes y transmitir los mensajes que son útiles para engrandecer la Nación.

La puesta de Pierre Marquille, es muy ingeniosa, ya que los espectadores, forman son la tribuna de un estudio de televisión, están presenciando el programa de la  diva devenida en conductora y van a responder a los pedidos de aplausos, que les hará una particular asistente, siendo de esta forma partícipes del show televisivo, que nos propone al autor.

En el programa de ese día, Maricruz recibirá a Yezabel ( Mariela Aracena ), una famosa actor porno, que participó en gran número de películas y es la cara del cinéfila  del regímen. Compite en popularidad con Maricruz, que además es su hermana. Ambas están dispuestas, a dar una lucha sin cuartel, para quedarse con los favoritismos de la gente.

El encuentro televiso, promete ser épico, son dos celebridades en edad madura, que pase a sus lazos de sangre, se odian, tiene muchas cuentas pendientes en la vida, conocen los secretos de la otra y el programa  parece ser el escenario ideal, para ventilar esas diferencias. El público que quiere ver escándalos, logicamente agradecido, con la lucha en el barro que se propone.

El grotesco y la exageración se hacen presentes dejando muy en evidencia, los puntos en conexión, que muestra la obra, con el mundo real de la televisión donde al aire, todos son amigos y en los cortes se matan. Además de retratar a divas y figuras de la farándula, que se creen Diosas del Olimpo y que le hacen un culto a sus cuerpos esculturales, repletos de cirugías. Lo que importa son las apariencias, la verdad es algo secundario.

Nos gustaron muchos las actuaciones, arranquemos por María Sol Spadaro, como Maricruz, la conductora del programa de TV, muy buena composición de un personaje despiadado y temperamental, que siente un profundo desprecio por la gente común y que no duda en hacer lo necesario,para mantenerse en lo alto de la popularidad. Muy buen trabajo de María Sol Spadaro, con sus aires de diva a cuestas.

La otra protagonista, es Mariela Arcena, ella es Jezabel, con su tapado de piel y una dentadura blanca que resalta. Con un acento muy particular, vicios a cuesta y un andar muy gracioso, divierte mucho, en un personaje desopilante y muy bien construido,..

Completan el elenco, Laura Altamira, como Tatiana, la asistente de Maricruz, representando a la gente común,  una simple trabajadora, que debe soportar estoicamente los maltratos y la mala educación de la estrella. Cumple muy bien su papel.

Y por último, Celio Cangossu, como Indalecio, un personaje entrañable y misterioso, que será el invitado sorpresa al programa. Dejaremos que el espectador, descubra cuando vea la obra, porque su presencia, sembrará discordia entre las hermanas. Muy bueno el aporte de Celio.

Se logran actuaciones muy parejas, con personajes muy bien construidos y que por momentos rozan lo bizarro, con mucho espacio para el lucimiento.

Hay muy buen diseño de vestuario y maquillaje, en manos de la misma Mariela Aracena y un destacado diseño lumínico de Mariano San Martín, por nombrar solo algunos de los ítems, que enriquecen una puesta colorida y alegre.

En definitiva, una obra divertida, que mediante la sátira y el grotesco, nos dá una pintura adrede exagerada, pero con muchos puntos reales, sobre el mundo televisivo poblado de personajes con aires de grandeza y donde todo está permitido,  para mantener el poder y los privilegios, que les dá ser mediáticos, dejando en evidencia, también como muchas veces, los políticos, se valen de los medios y las figuras populares, para transmitir sus consignas.

Por lo tanto, se unen, un guión atractivo, con una puesta en escena dinámica, que se combina con muy buenas actuaciones, para esta desopilante propuesta del off, que divierte mucho y se atreve a tomarle el pelo, al mundo televisivo y a ciertos personajes que allí pululan.



Pensador Teatral.

Moscú

Viernes y Sábados 20 hs en El Tinglado Teatro ( Mario Bravo 948 )

Dramaturgia de Mario Diament y Dirección de Daniel Marcove

Basada en Las Tres Hermanas de Chejov, llega esta versión de Mario Diament, escritor y dramaturgo argentino de gran prestigio y de prolífica obra en los últimos años, entre las que podemos mencionar El Libro de Ruth, Cita a Ciegas, Franz Albert y Tierra del Fuego, todos textos de indudable calidad y de gran suceso, ya que fueron representadas en todo el mundo.

Con Moscú, al autor, le dá una vuelta de rosca a la original pieza de Chejov, que constaba de catorce personajes, algo que en  su opinión oscurecía el peso de las tres hermanas, que quedaban algo diluídas.
Por eso el autor, decide dejar en esta adaptación, solo a las tres actrices, el resto de personajes no aparecerán en escena y serán recreados a partir del discurso de las actrices.

Colocar en un primer plano a las tres mujeres, en momentos donde el movimiento femenino está en auge en nuestro país y en el mundo, puede ser una mera coincidencia o bien considerarse como muchas veces se dice, que en el teatro, ficción y realidad suelen confundirse.

En términos de época, Diament mueve la obra, solo dos años, hasta 1904, en los albores de la Revolución Rusa, trayendo referencias muy interesantes de aquellos años y logrando llevar al espectador a la atmósfera con pensamientos reformistas de la época.

Moscú nos contará las historia de tres hermanas, que al ser trasladado su padre, un importante militar, debieron mudarse a un pequeño pueblo del interior ruso, dejando atrás su vida en Moscú, ciudad con muchos atractivos, en la que podían asistir al ballet, participaban en fiestas y podían recorrer los atractivos de esa gran ciudad. Tenían una vida social que quedó en el olvido.

Para aquellas mujeres, Moscú era la felicidad, ese mundo añorado, en contraposición con esa vida triste y amargada, que tienen en la actualidad. Moscú, es una metáfora de los sueños que todos tenemos y que muchas veces no alcanzamos.
O como dice Olga, la mayor de las hermanas, a veces lo peor de la felicidad, es que cuando la tenemos, no nos damos cuenta de ello y solo lo notamos, en aquellos momentos, en que la añoramos, haciendo referencia, a aquellos momentos en Moscú, donde fueron felices, sin darse cuenta.

La pieza hablara sobre los miedos de esas mujeres, que piensan mucho, pero que poco pueden decidir, en una época donde la mujer estaba subordinadas a los designios de los hombres, por eso desfilarán sus frustraciones, sus miedos, los amores soñados ( tan alejados de los reales ) y esos anhelos, que parecen una quimera que nunca podrán alcanzar.

Para desarrollar la historia, se debían encontrar tres actrices que estuvieran a la altura del desafio, la exigencia era mucha, porque como mencionamos la obra original de Chejov, estaba planteada para más de diez personajes y en esta puesta todo pasaría por las tres mujeres.

Y entendemos la elección realizada fue acertada, en primer lugar mencionemos a Alejandra Darín, una estupenda actriz, quien escribe estas lineas, recuerda aún su magnífico trabajo en Tierra del Fuego,. Aquí es Olga, la hermana mayor, resignada a vivir su rutinaria vida como maestra y desde la muerte de sus padres, siendo el sostén de sus hermanas, siendo casi una madre sustituta, que las contiene y las controla. Triste y frustrada, su única ilusión radica en volver a Moscú y escapar de esa casa  que las ha atrapado. Magnífica interpretación de Alejandra, la figura convocante de la obra, demostrando todo su oficio.

Maia Francia, talentosa actriz uruguaya, es Masha, la hermana del medio, sufriendo un matrimonio con un hombre que la aburre, tiene también una vida triste y monótona. Es elegante y atractiva y tal vez su único divertimiento en aquel pueblo perdido, es el cortejo del teniente Vereshinin, que también es un hombre casado. Imaginar esa relación clandestina, es todo un reto para aquellos años rígidos y esto es visto de muy mala manera Olga.
Un papel complejo el de Maia, que resuelve en gran forma, con mucha presencia escénica.

Nos queda para el final, Antonia Bengoechea, ella es Irina, la menor de las hermanas.Sus referencias de Moscú y sus ganas de ir a esa gran ciudad, llegan por la nostalgia transmitida por sus hermanas mayores. Para nosotros Antonia, es la gran revelación de la obra, dotando a su personaje de vitalidad y frescura, con mucho ángel. Una gran interpretación de la joven actriz.  Como dato adicional, para quien no lo sabe, Antonia es la hija de Alejandra Darín, evidentemente los genes de la actuación, están muy presentes en ella..

Sin dudas, en el lucimiento de las actrices, que es evidente, tiene mucho que ver la dirección de Daniel Marcove, que ya trabajo con Diament en varias obras, aquí les brinda una puesta muy lograda, donde hay varios elementos para destacar.

Se recurre en varios momentos a la música y a las coreoegrafías, para que las hermanas, aunque sea por unos instantes, logren escapar de esa triste realidad que las envuelve. Hay un diseño escenográfico de Paula Molina, muy atractivo, con valijas por doquier en el escenario, como clara metáfora, de tenerlas a mano, para el momento que puedan llenarlas con sus pertenencias y volver a Moscú.

En definitiva, una versión muy interesante de la obra de Chejov, donde el autor y el director, consiguen, que sean las tres mujeres, las que con mucha sensibilidad, lleven adelante la historia y puedan hablarnos del amor, de deseos frustrados, de ilusiones postergadas y de como Moscú, parece ser ese lugar, donde todas nuestras angustias y aflicciones se resolverán, casi por arte de magia.

Resulta un gusto, ver colmada la sala de El Tinglado, por un público que sigue con enorme atención la historia de estas tres mujeres y hace fuerza junto a ellas, para que tomen el coraje suficiente y aborden el tren que parte todas las tardes del pueblo donde viven y las puede llevar a la Moscú que tanto añoran.



Pensador Teatral.