Migrantes

Miércoles 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Dramaturgia de Gabriel Fernández Chapo y Dirección de Greta Risa.

Migrantes es un espectáculo con sello latinoamericano, co-producción entre ocho países e interpretada por seis actores de diferentes países, que abrirán su corazón y pondrán el cuerpo para relatar la manera en que dejaron su patria, familias y costumbres, para irse a Europa en búsqueda de un futuro y oportunidades, que la tierra que los vió nacer, no les brinda.

La dramaturgia de Gabriel Fernández Chapo, indaga en el tema de la identidad y deja varias preguntas. La identidad dependerá de la cultura del país en el que nos criamos ? Las costumbres, el idioma, la religión,  las comidas,  etc, del lugar en que nacimos, seguramente moldearán nuestra  idiosincrasia. Pero que ocurriría, si decidiéramos ir a vivir a otro país ?? Nuestra identidad se mantendría o por el contrario, se transformaría ?? El disparador para el autor fue ese, pero a partir del mismo, surgen varios caminos.

Cuáles son las motivaciones, para que una persona deje su familia, amigos y costumbres, para probar suerte en otro país ??  Muchas son las personas, que no la pasan bien en su tierra, pero solo unos pocos, tienen la decisión y la valentía, para irse a vivir a otro país. Hay un único motivo o dependiendo de la historia de cada persona, diferentes serán las razones que pueden tomar semejante decisión ??

El autor para escribir esta obra realizó numerosas entrevistas a inmigrantes latinoamericanos en España, para tener historias en primera persona, apareciendo claramente temas como el dolor de la partida, lo difícil que es adaptarse a un sitio que no se siente como propio y la nostalgia, que en mayor o menor grado siempre aparece. Otro aspecto que surgió en muchos casos, es el tema de la discriminación y como muchas veces, las sociedades más desarrolladas, sienten al inmigrante como un invasor, que llega para quitarle sus trabajos, apareciendo además los prejuicios con el distinto.

El texto entonces estaba escrito y en este momento es que llega Greta Risa, la directora, con su compañia Mirando al Sur, para generar este espectáculo potente y creativo, que reúne a seis actores de nacionalidades diferentes, verdaderos migrantes en Argentina hoy, elegidos para representar los personajes modelados por el autor. Este crisol de nacionalidades, le otorga a la pieza, una riqueza y la hace diferente a otras, que antes indagaron en el tema.

Es de utilidad, saber que cuando Greta, se encontró con el texto, se enamoró del mismo de inmediato y lo abrazó con enorme pasión, ya que se sintió atraída y totalmente identificada con la temática, ya que ella misma a los 18 años, abandonó Argentina, su tierra natal, para irse a Francia, país en el cual,  vivió todo tipo de experiencias, estuvo sin papeles varios años, con miedo, trabajos temporales y hasta pasando hambre, pero siempre decidida e intentando hacer pie en un lugar que le resultaba diferente y fascinante a la vez. Lo bueno es que su historia personal fue exitosa y  años después, pudo capitalizar, todo lo vivido, hallando en este bello texto, el lugar justo, para manifestar sus experiencias, dando color a una puesta, que habla por ella. Creemos que en este dato, encontramos una de las razones, que explican el excelente resultado final del proyecto y la pasión que se respira en el equipo de Migrantes.

No vamos a contar mucho de las historias que surgirán en la trama, para conservar el suspenso, solo diremos, que se combina de manera muy inteligente, un tema complejo y en cierto punto triste, como el de la migración, con el humor, el grotesco y el clown, quitando dramatismo a una cuestión, que envuelve tantas emociones y sensaciones encontradas.

Vayamos ya a hablar de los protagonistas de la obra. que son quienes le dan verdadero sentido al texto. Realmente las actuaciones son parejas por lo buenas y todos encuentran espacio para su lucimiento, además por la estructura dinámica que tiene la puesta, cada uno además de llevar adelante su personaje, desdobla otros, ya que todos participan en las diferentes historias que se irán contando.

Corriendo el riesgo de ser injustos, ya que todas las interpretaciones son realmente buenas, nos gustó  en especial el trabajo de Mariana Maciel, la actriz argentina, con un tono tanguero / arrabalero muy logrado y con un histrionismo a flor de piel, nos hará recordar las crisis que desde hace tantos años sobrevuelan a nuestro país, la corrupción de los políticos, entre otros temas. Magnífica trabajo de una carismática Mariana, aportando belleza y encanto a la noche.

La otra presencia femenina y también muy destacada, es la de Olivia Torrez, la actriz boliviana, a quien recordábamos haber elogiado el año pasado, por su participación en Los Deseos, Muerte y Redención Cumbiera ( flor de título ), donde desde un personaje bien diferente, también se hacía referencia a la discriminación. En este caso, su personaje tendrá una paradoja para resolver. Ya que en La Paz, dejó a su hijita chiquita y llegó a España, para cuidar a la hija de una madre española, algo que suena contradictorio en su interior. Una actuación muy sentida la de Olivia.

Por el lado masculino, nos encantó la tonada y el estilo del colombiano Juan Prada, por su lado el chileno Cesar Riveros, muestra su carisma y presencia escénica en cada intervención. Muy buenos trabajos de ambos. Resta mencionar, al ecuatoriano Paul Criollo, con su sufrida historia, que lo obligó dejar Quito y a su rebelde hijo, cerrando con el juvenil Vladimir Chrony, que representa muy bien a su México querido.

Todos los protagonistas, encuentran el espacio adecuado para el lucimiento individual y al mismo tiempo siempre aportan para el conjunto, siendo una obra que les exige estar siempre atentos y en movimiento, ya que en todo momento están en escena, al mismo tiempo.

La puesta que nos propone Greta, es vertiginosa, loca por momentos, con una buena dosis de teatro físico y coqueteando a cada momento con el grotesco y siempre invitando a volar con la imaginación. La escenografía es despojada, apareciendo algunos objetos, para acompañar el relato, como esas valijas de todo tipo y tamaño, que desfilan por el escenario y tanto nos remontan a viajeros, que tienen la imposible misión de tener que condensar en solo 23 kilos, gran parte de su vida, para llevarlos consigo. Rubros a destacar, son el vestuario de Magda Banach, fundamental para las muy buenas caracterizaciones, al igual que el maquillaje de Gabriela Palazzo, que también luce mucho, en los rostros de los protagonistas.

Párrafo especial para la música en vivo de Laura dos Santos, una verdadera banda de sonido, tocando gran cantidad de instrumentos y musicalizando la puesta, con una entrega absoluta, ya que no para desde que arranca la obra. Como puede apreciar el lector, si bien la puesta, tiene un vértigo y un ritmo loco, que por momentos abruma, detrás de ese supuesto caos, podemos observar como se cuidan todos los detalles.

Es una experiencia muy gratificante la que nos regala Migrantes, ya que nos permitirá reflexionar sobre un tema del que poco se habla en teatro, pero siempre apostando al humor y a lo lúdico, que no hay dudas, es una excelente manera de entrar a los temas profundos que toca la obra. La dualidad del tema, es evidente, de un lado podemos colocar al desarraigo, la nostalgia, la discriminación y lo difícil que resulta muchas veces adaptarse a un cambio tan radical. Pero del otro lado, tenemos la noble búsqueda de nuevos horizontes, la chance de conocer nuevos mundos y culturas, vivir las experiencias que solo nos producen los viajes y experimentar esa sensación de libertad y trascendencia, que provoca abrirse nuevos caminos, dejando atrás al fijado de antemano.

Migrantes, es una obra que por su composición, recorre los escenarios de diferentes países, habiendo recibido ya varios premios y reconocimientos. El año pasado tuvo un breve paso por el Teatro del Pueblo y ahora retorna con fuerza renovada a Buenos Aires, a una sala como Espacio Callejón, que es vanguardia en el teatro independiente. Por eso no sorprende, que desde su estreno, viene agotando las localidades con varios días de anticipación, lo que le augura una temporada muy exitosa.

Ya dijimos mucho, solo nos queda recomendar Migrantes, sin dudas se van a sorprender con esta creativa propuesta con acento latinoamericano, que toca un tema de gran actualidad en nuestra sociedad y también nos invita a repensar nuestra postura ante el inmigrante, alentándonos a tener la mente abierta y dejar de lado nuestros prejuicios.




Pensador Teatral.

Lorca

Dramatizado y musicalizado por Joel Minguet.

Lunes y Viernes 21 hs en Teatro Pan y Arte ( Boedo 876 ) 

Llega desde España, este entrañable espectáculo, de la mano del actor y músico catalán Joel Minguet, que nos ofrece un hermosa semblanza del célebre poeta y dramaturgo granadino Federico García Lorca, miembro de la mítica Generación del 27'. Considerado el mayor referente de la literatura española, es autor de obras de teatro de enorme trascendencia, como Bodas de Sangre, Yerma y La Casa de Bernarda Alba, por mencionar solo algunas de ellas.

García Lorca, marcó toda una época y en la actualidad es reconocido como el poeta español más leído de todos los tiempos. Minguet pone el foco en los años de juventud de Federico, etapa en la que vivió en la Residencia de Estudiantes en Madrid y conoció a figuras de la talla de Salvador Dalí, Luis Buñuel, Miguel de Unamuno y Manuel de Falla. El autor reconoce, que su interés no era presentar un trabajo biográfico del poeta, su idea era dar a conocer a Lorca, desde lo emocional, poniendo el acento en sus pasiones, en los dictados de su corazón y ya lo afirmamos, logró con creces aquel objetivo trazado.

El proceso creativo de Joel, llevó más de un año y medio de trabajo e investigación. Tenía en la mente, hacer algo sobre Lorca y fue así entonces como comenzó a conseguir información de su trabajo y su persona, leyó libros, poemas, dibujos, correspondencias y otros materiales que lo fueron adentrando en la persona del poeta. Con una buena base conocimiento, arrancó un viaje en moto, con su guitarra a cuestas, recorriendo lugares donde había estado Federico en su juventud . Hizo campamento base en Cadaqués, un pueblito de Catalunya, la tierra de Salvador Dalí, el fantástico pintor, con el que Federico, conociendo detalles muy interesantes, de esta fuerte amistad, que unió a estos dos verdaderos genios del arte.

Empapándose de la  intimidad de Lorca, fue llegando a su corazón y fue allí, donde nació este hermoso y sensible proyecto, que tiene música, poesía y teatro, en las dosis adecuadas, desfilando a lo largo del espectáculo, algunos de sus poemas más reconocidos, a los que Minguet con enorme talento les puso música. A lo largo de la noche, aparecerán anécdotas, cartas y monólogos del gran Federico, presentado todo ello, con una sensibilidad y una poesía, que el espectador agradece.

La puesta que nos propone Joel, es íntima, minimalista, casi en penumbras, con algunas velas que iluminan escasamente el escenario, creando el ambiente ideal, para narrar una historia llena de magia y hecha con mucho corazón, donde ejerce el rol de narrador, sin caer en la tentación de ser Lorca el mismo, su misión es prestarle la voz al autor granadino y lo hace de manera magistral.

La prestación de Minguet es fantástica, creando como de manera artesanal, la atmósfera apropiada, para que el público ingrese al mundo de Federico. Atrapa su cadencia en el relato, sus diferentes tonos de voz y esa manera en que transmite las alegrías y los momentos tristes que vivió Lorca, pasando por el trágico momento de su muerte temprana.

La musicalización de los textos fluye con armonía. Volcado a la actuación en los últimos años, Joel se reencuentra con la música en este espectáculo y puede mostrar aquí todo su talento, con la guitarra, instrumento que toca desde los ocho años y lo hace de manera soberbia. Los conocedores de la materia, reconocen la influencia de Paco Ibañez aquí, algo que emociona a nuestro protagonista, ya que su padre fue su representante.

El público disfruta enormemente del espectáculo y logra una conexión total con Joel, algo que sin dudas emociona, ya que se logra un clima de intimidad y complicidad, que muy pocas veces se consigue. Es la primera vez que Minguet, que tiene abuela mendocina, está en Argentina, traído en este caso por Guillermo Ghio, productor del espectáculo y su amigo, pero estamos seguros que no será la última, ya que además de la química que logró con los espectadores, agotó localidades en cada una de las presentaciones y tuvo que agregar funciones debido a la gran respuesta del público.

Hemos vivido una noche mágica y plena de poesía en el Pan y Arte, gracias al talento y la entrega de este fantástico artista catalán llamado Joel Minguet, que nos regaló una bellísima semblanza del mítico poeta granadino. Quedan pocas funciones programadas en Buenos Aires, ya que la obra sale de gira por el mundo, por eso para quien tienga la posibilidad les recomendamos no se pierdan este hermoso viaje hacia el corazón del gran Fedérico Garcia Lorca, que llegó desde España, para enaltecer a nuestro teatro independiente.

Pensador Teatral.

Todo lo Posible

Dramaturgia y Dirección de Lorena Romanin.

Viernes 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

La sensible pluma de Lorena Romanin, nos presenta esta propuesta, que pone el foco en vínculos familiares, no del todo funcional,es, según la mirada tradicional, pero bien cercanos a la realidad que estamos viviendo, donde los mandatos familiares se ponen en duda y temas como la diversidad sexual y la rotura de paradigmas, están bien presentes.

El texto, al que podemos definir como una comedia dramática, tiene como una de sus mayores virtudes  tocar temas bien profundos, llegando a ellos con el humor como estandarte, jugando mucho con la ironía,  tratando siempre de descontracturar y distender situaciones de fuerte contenido dramático.

Contemos brevemente, algo del argumento, de Todo lo Posible, que ofrece varias aristas, pero siempre apuntando a los vínculos entra las personas. Uno de los ejes de la historia, es Daniel ( Marco Gianoli ) que es maestro en un jardín de infantes. Vive con su hermana Magui ( Salomé Boustani )  y el novio de ella, Alvaro ( Claudio Mattos ) . Completa el cuarteto de protagonistas, Eliseo ( Guido Botto Fiora ) que trabaja en el jardín con Claudio.

El amor, los prejuicios, las dudas, los deseos y también el desamor, serán parte de esos vínculos, en los que Daniel está enamorado de su amigo Eliseo, aunque no se anima a decirlo y tampoco a reconocer su elección sexual con su hermana, que a la vez no está atravesando un buen momento, en su relación con Alvaro, sintiendo internamente que la relación no dá para más, pero sin decidirse a ponerle fin, ya que nota que Alvaro la quiere mucho. Eliseo, a su vez, está en una encrucijada, por un lado, siente cosas por su amigo Daniel, pero no está seguro de avanzar con la relación, porque siente que también la gustan las mujeres.

La trama está muy bien presentada y cuando parece que lo anunciado bastará, para desatar el nudo de la historia, sucederá un hecho que cambiará todo. Alvaro luego de discutir con Magui, sale a la calle y tiene un accidente de tránsito, que le provoca lesiones serias, quedando postrado en una silla de ruedas y hasta allí vamos a contar, el resto lo descubrirá el espectador cuando vea la obra. Solo decir, que ese hecho modificará la lógica del hogar, que a partir de aquel suceso desgraciado, verá modificada su rutina y los pensamientos de quienes la habitan.

La dramaturgia se apoya en un elenco joven y muy sólido, que le dá ritmo a una puesta bastante particular, donde los actores por momentos dialogan entre ellos, para entrar o salir de cuadro, interactuando con la platea y coqueteando con el recursos del teatro dentro del teatro. En actuaciones muy destacadas, Marco Gianoli como Daniel, es quien a nuestro entender, se lleva los mayores elogios. Componiendo un personaje divertido, ansioso y con mucha chispa, será centro de atracción de la historia. Es la primera vez que vemos a Marco en escena y nos encantó su interpretación.

La otra gran protagonista de la historia es Salomé Boustani, como Magui, la única dama de la obra, que en un papel complejo, desarrolla una excelente composición. Algo más racional que su hermano, ácida por momentos, será en parte la mala de la película y se sentirá culpable por el accidente de su novio. A partir de aquel suceso intentará remendar una situación muy complicada. Muy bueno lo de Salomé. Y muy logradas las peleas entre los hermanos, contrapuntos que suenan muy reales y cercanos.

A la pareja de hermanos, los acompañan Guido Botto Fiora, como Eliseo. Aquí aparecerá como el invitado a la familia y a la casa. Invitado por Daniel, también mirará con cariño a la hermana. Guido es un excelente actor del off y desde este sitio, lo elogiamos muchas veces ya. Para quien no lo tiene presente, es uno de los protagonistas de Como si Pasara un Tren, exitosa obra de Lorena Romanin, que lleva cuatro años en cartel y sigue sumando reconocimientos. Aquí desde un personaje más secundario, vuelve a mostrar su enorme versatilidad.

Completa el elenco, Claudio Mattos, como Alvaro. Es el más serio de los personajes, el que sufre el desamor de su novia y quien deberá afrontar una vida de dependencia después del accidente. Es muy buena su composición. A Claudio, lo recordamos de su interpretación en Clara, otra entrañable obra del off, donde cumplía un papel bien diferente.

Sin dudas la historia escrita por Lorena, una dramaturga sensible a las realidades sociales, es muy interesante, siendo fundamental a nuestro entender, el muy buen elenco reunido para la ocasión, jóvenes actores con muy buena trayectoria en el off, que se notan comprometidos con la obra y la realzan, con muy buen trabajo en lo individual, potenciado en lo grupal.

La puesta tiene un dispositivo escenográfico original, ya la mayor parte de las acciones se desarrollan en una especie de calesita de madera, donde están subidos los que participan de la escena, mientras que los que no están involucrados, quedan en plano y serán los que hacen girar la rueda de manera manual. Cada espectador le dará su propia interpretación a aquella calesita, a nosotros nos recuerda a las vueltas que tiene la vida y a los diferentes ángulos, desde donde podemos ver las cosas que suceden, quedando al descubierto, como muchas veces, el vértigo de alguna situación nos puede terminar mareando.

Además, el mencionado dispositivo, permite que la disposición de las butacas, sea diferente en el Callejón, ya que además de la platea habitual, se colocan sillas a los costados del escenario, lo que permite cercanía con los protagonistas, reforzando además esa mirada diferente que podemos tener un mismo hecho.

En definitiva, una propuesta sensible y actual, la que nos acerca Todo lo Posible, que mediante el humor y la ironía, nos llevará a reflexionar sobre temas de la vida cotidiana, poniendo el acento principalmente en la complejidad de los vínculos humanos. Miedos, ansiedades, egos, culpas, secretos y amores se harán presentes. La obra nos hablará de la vida misma, de la mano de un texto muy lúcido y actuaciones superlativas, que confluyen para redondear una noche de muy buen teatro independiente.



Pensador Teatral.

Coreomania

Idea y Dirección de Josefina Gorostiza.

Miércoles 20 30 hs en Teatro Metropolitan Sura ( Av. Corrientes 1343 )

Una propuesta explosiva llega al Metropolitan Sura, de la mano de Coreomanía, No Puedo Parar, original creación de la coréografa y bailarina Josefina Gorostiza, que en su cuarta temporada en cartel, se dá el gusto de llegar a la Corrientes, ya que fue seleccionada como una de las doce mejores obras del teatro independiente, ganando el derecho a participar en el Ciclo Verano Off en el Met.

La obra de Josefina, fue estrenada en el 2017 en el Centro Cultural Ricardo Rojas y en esos momento, pocos imaginaban que Coreomanía, que era una propuesta experimental, tuviera semejante recorrido, pasando por diferentes espacios teatrales, siempre dando que hablar, para llegar a este presente, en el que encuentra el reconocimiento, de ser valorada, como una de las mejores del off y mostrando que tiene un recorrido muy grande.

Coreomanía, tendrá un derroche de energía increíble y será diferente al menú teatral habitual, ya aquí la oralidad, estará ausente y serán los cuerpos los que hablen, a través de un baile frenético, que no se detendrá nunca, impactando al espectador por su potencia y por la entrega física descomunal de los protagonistas.

El arranque es impactante, en un costado del escenario, aparecerá Nicolás Goldshmidt, cantando de manera tímida Bailar Pegados, el conocido tema de Sergio Dalma, de a poco irá subiendo la intensidad de su voz y el volumen de la música de fondo. En la parte posterior del escenario, se dibujan las siluetas de seis bailarines con ropa deportiva, que apenas se mueven en su lugar, como si estuvieran precalentando, mientras un DJ con casco de moto, maneja en el escenario, con dedos expertos una consola.

La expectativa en el público aumenta, se percibe en el aire, un estallido inminente y el mismo ocurre . Esas siluetas, se convertirán en cuerpos bien presentes, que comenzarán a bailar de manera desenfrenada, parece que estuvieran en trance, hipnotizados en un mundo propio, seducidos por una música frenética, que invade al ambiente. Cuerpos en movimiento, entregados a la música, música electrónica y acordes que suenan, para un baile que ya no va a parar más.

Antes de continuar, contemos que el nombre de la obra, tiene una historia interesante atrás, ya que coreomanía, se denominó a un fenómeno social, ocurrido en Europa entre los Siglos XIV y XVII, por el que algunas personas, de manera repentina y sin motivo aparente, bailaban en trance, durante días, semanas e incluso meses, hasta desplomarse de cansancio y morir en muchos casos. Conocida también como epidemia de baile o Baile de San Vito, tuvo muchas teorías, pero ninguna certera, lo único certero, era que grupos de personas comenzaban a bailar y ya no podrían parar.

Dejando atrás la historia y volviendo a la obra que nos convoca, hay que destacar el enorme trabajo de los protagonistas de Coreomanía, que realizan un trabajo extraordinario, dibujando coreografías muy bien coordinadas y con un derroche de energía increíble. Vamos a mencionarlos a todos, porque lo merecen, Mauro Appugliese, Victoria Delfino, Nicolás Goldshmidt, Juan Manuel Iglesias, Antonela Pereyra, Mauro Podestá y Carla Rímola. La belleza y audacia de los cuerpos y las imágenes que la puesta nos regala, quedarán en la retina del espectador.

Debemos destacar el impresionante desgaste físico y la entrega absoluta, con que todos se consagran al baile, la gestualidad de todos, sus miradas, parecen como idos del mundo y respondiendo solo a la música que se apoderó de sus cuerpos.  Imaginamos que perderán un par de kilos en cada función, ya que la obra, además de exigir aptitudes para el baile, requiere un estado físico privilegiado, imaginamos además de horas de ensayo, horas de gimnasio en todos los integrantes del elenco.-.

La puesta es un punto altísimo del espectáculo, además de las coreografías, ideadas por Josefina, que son el pilar del show, hay que destacar el impactante diseño de luces de Sebastián Francia, que colabora en varios cuadros, para dar espectacularidad a los mismos. En el mismo nivel de excelencia, mencionar el diseño sonoro de Facu Kchihomeless, con una potencia y una calidad que sorprende, transformando prácticamente al escenario del Metroplitan Sura , en un boliche bailable. Además Facu, en un momento, no se resistirá al entorno, se sacará el casco, dejará sin dueño la consola, uniéndose a ese baile que a todos hipnotiza.

No queda mucho más para agregar, Coreomania es un espectáculo original y potente que impacta por varios motivos, por su ritmo, por la adrenalina que despliega, por la belleza de los cuerpos y por una puesta estupenda, que brinda a los protagonistas, el espacio adecuado, para el lucimiento individual y grupal, pudiendo desplegar su talento y su pasión por el baile.

Celebramos la idea de incorporar a Coreomania, No Puedo Parar, al Ciclo Verano Off en el Met, ya que es una experiencia teatral diferente y merece ser vivida. Los espectadores vibran con el espectáculo desde que arranca y lo viven de manera intensa desde su butaca, moviendo los pies, marcando ritmo con las manos y siguiendo los movimientos de los protagonistas.

El ambiente contagia y se nota en la mayoría del público, las ganas de seguir el llamado de la música y bailar. Por eso a prepararse, porque en una noche con muchas sorpresas, tendremos un final a toda orquesta, donde los espectadores que quieran podrán sumarse a esta epidemia musical y ponerse a bailar, aún sabiendo, que una vez que arranquen, ya no podrán parar.



Pensador Teatral.

La Savia

Dramaturgia y Dirección de Ignacio Sánchez Mestre.

Sábados 20 30 hs en Teatro Metropolitan Sura ( Av. Corrientes 1343 )

La Savia, esta bella y poética creación de Ignacio Sánchez Mestre, sigue creciendo y ahora en su cuarta temporada, se la nota revitalizada, trás haber recorrido con enorme suceso, el circuito oficial, que la vió nacer en el Cervantes y su exitoso paso por el off en el Dumont 4040, llenando salas y obteniendo numerosos reconocimientos, llegando ahora a la Corrientes, siendo una de las máximas atracciones del Ciclo Verano Off en el Met, que reúne a las once mejores obras del teatro independiente.

Esta llegada a la sala mayor del Metropolitan, debe destacarse, ya que lo hace con una propuesta tan simple, como bella, llena de poesía y de magia, donde la imaginación y lo onírico nos invitarán a viajar, de la mano de una extraordinaria Mirtha Busnelli, una actriz enorme, que con más de 40 años de trayectoria, parece haber encontrado aquí, la obra adecuada, para hacer gala de todo su talento y experiencia, recibiendo el cariño y la admiración, de un público, que disfruta cada una de sus intervenciones.

En La Savia, Mirtha dará vida a Elsa, la gran protagonista de esta historia, mujer controladora y de carácter fuerte, que en su etapa ya madura, busca la manera de enfrentar a la soledad de una casa grande. Separada de Quique, su ex esposo y con sus hijos, lejos, transita esa soledad rodeada de plantas y de libros, que son su compañía de todos los días. Elsa está en una edad, donde los recuerdos de toda una vida, comienzan a esfumarse y entonces que mejor que escribir para no olvidar, para tener atesorados los momentos felices y también los otros.

El texto plantea un lindo interrogante, al preguntarnos, si cuando recordamos, llegan con fidelidad esos recuerdos de los hechos vividos o en cambio, elaboramos una versión propia de los hechos del pasado, acomodando un poco las cosas, según nuestros sentimientos y conveniencia, para que quede una versión mejorada del pasado.

La trama tiene una estructura flexible, donde Mirtha Busnelli manejará los tiempos con mucha sapiencia, jugando con el pasado, pero también con un presente, que le permite sentirse viva. Además por momentos, se fundirá lo onírico con lo real, pudiendo el espectador espiar en la imaginación de una Elsa, que confiesa prefiere estar con personas jóvenes y no con gente de su edad.

Mirtha es el alma de la obra, la figura convocante, a quien el público vá a ver, pero no estará sola en escena, ya que la acompañan dos jóvenes, que prácticamente debutaron con esta obra, nos referimos a Agustín García Moreno como el Chino y Constanza Herrera como Mariel . Nos gustaron mucho las actuaciones de ambos, aportando frescura a la obra y entrando muy bien, en el mundo que rodea a Elsa. Como dato de color, mencionar que Agustín es el sobrino de Charly García.

La puesta presenta un estupendo diseño escenográfico de Laura Copertino, predominando en el escenario,  el color verde, con tantas plantas que parece estuviéramos en un vivero, resaltando entre todas, La Loca, la planta preferida de la dueña de casa. Además de plantas, en este espacio de Elsa, vemos bibliotecas llenas de libros.

Es realmente un lujo, poder disfrutar de la fantástica composición de Mirtha Busnelli, una luchadora de la vida y del escenario, que muestra aquí toda su vigencia. Recordemos que por este trabajo, recibió el Premio Trinidad Guevara a la mejor Actuación Protagónica Femenina y al ver la obra, queda claro, la justicia de aquel reconocimiento.

Solo queda recomendar La Savia, una propuesta teatral que no para de crecer y lo hace de la mano de un texto pleno de poesía, que transmite un mensaje esperanzador, ya que nos muestra que la vida debe vivirse con pasión y que pese a las dificultades y sinsabores que pueden aparecer, siempre estamos a tiempo, de mirar para adelante y reinventarnos.

Una alegría grande, ver la sala mayor del Metropolitan Sura repleta por un público que se divierte y emociona con la historia de Elsa y que despide con una prolongada ovación a una actriz de los kilates de Mirtha Busnelli, que en un momento importante de su vida, recibe esta merecida caricia al alma.




Pensador Teatral.

Mortajas

Dramaturgia y Dirección de Agustín Soler.

Viernes 20 30 hs en La Carpintería ( Jean Jaurés 858 )

El teatro muchas veces nos sorprende gratamente, con propuestas que nos invitan a viajar por lugares llenos de magia y poesía y esto precisamente es lo que ocurre con Mortajas, una obra mínima en apariencia, pero bella y profunda al mismo tiempo, sabiendo el camino a seguir, para llegar al corazón del espectador.

El argumento es simple, en un muelle de un pueblito perdido, se encuentran dos desconocidos, por un lado Ranco ( Pablo Algañaraz ) un hombre de mediana edad y de aspecto descuidado, conocedor de esos lugares, ya que vivió toda su vida allí. Su compañero fortuito es Beto ( Carmen Tagle ), un adolescente muy formal, que vive en la ciudad y por primera vez se encuentra allí, en ese muelle solitario, en una ciudad en la que nunca había estado, sin que por el momento conozcamos los motivos.

El encuentro será una experiencia muy rica, Ranco es un hombre misterioso, solitario, una especie de filósofo, coleccionista de lágrimas, al que le gusta jugar con el lenguaje. Beto, es un muchacho tímido y formal, que al principio, lo mira con desconfianza, con cierto recelo, pero que poco a poco se empezará a sentir atraído por los relatos de aquel lugareño, que parece tener muchas historias, para compartir.

A medida que los minutos pasan, la comunicación entre estos dos extraños, que a primera impresión, parecen no tener nada en común, empieza a ser fluida. Ambos reconocen en el otro, un aire de tristeza y desolación que comparten. Se nota que están atravesados por el dolor y el mismo los conecta, la pena parece atenuarse con la compañía del otro. Y hasta allí vamos a contar, el resto deberá ser descubierto por el espectador, ya que el texto de manera inteligente, empieza dando pocas pistas al comienzo y de a poco, irá desanudando una historia que atrapa y que tendrá un desenlace, cargado de emotividad.

Mortajas, es la opera prima de Agustín Soler como dramaturgo y su debut es realmente auspicioso, ya que logra plasmar una trama bien elaborada, donde el humor y el clown estarán siempre presentes, abriendo el camino para la llegada de las emociones. Y como siempre decimos, muchas veces un autor puede imaginar mucho, pero para poder transmitir su mensaje, es necesario encontrar a los intérpretes justos, algo que aquí sin dudas, consiguió con Pablo Algañaraz y Carmen Tagle.

Las composiciones de la dupla protagónica, son superlativas. Es muy logrado, el contrapunto entre ambos personajes, jugando con las diferencias generacionales. Pablo Algañaraz aporta misterio a la trama, meláncolico, mañoso y dueño de muchos secretos, será quien irá rompiendo el hielo en aquel encuentro. Muy buena su actuación. Por su lado Carmen Tagle, realiza un trabajo formidable, componiendo a Beto o Daniel ( ya descubrirá el espectador porque los dos nombres ), dando vida a un personaje muy divertido, al que le saca mucho jugo, al incorporarle su faceta clownesca. Haciendo reir ya con su manera de hablar, Carmen nos regala una actuación encantadora.

La puesta es íntima, minimalista, con un bello diseño escenográfico de Pía Drugueri, con un muelle de madera y esos juncos que nos llevan al ambiente natural que pide la obra. En la misma sintonía, está el destacado diseño lumínico de Lucas Orchesi y mención especial para la música original de Santiago Blomberg, que nos regala momentos de gran goce. Esta puesta, es una excelente demostración, de como muchas veces, con creatividad y buenas ideas, pueden suplirse la falta de recursos económicos, una constante en el teatro independiente.

No queda mucho más para contar, disfrutamos mucho de Mortajas y por eso la recomendamos, ya que estamos en presencia de una entrañable obra del off, que con un texto bello y con mucha poesía, nos hablará del amor, de la soledad y de la muerte, en definitiva de la vida misma, haciéndolo con humor y usando muchos recursos del clown.

Mortajas, se estrenó a fines del año pasado y este año volvió agotando localidades en cada función, en la que se presentó en La Carpintería. Esperando que este año, la obra tenga el recorrido que merece, ya que es una hermosa y fresca propuesta del teatro independiente, con un texto que conmueve, actuaciones magníficas y una puesta poética, todos ingredientes que se unirán, para regalarnos una emocionante noche de teatro.




Pensador Teatral.

Yira Yira

Dramaturgia y Dirección de Bruno Isakovic y Natasa Rajkovic.

Martes 21 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Nuestro prolífico teatro independiente, nunca pierde la capacidad de sorprendernos y en este caso más que nunca, podemos respaldar esta afirmación, ya que estamos en presencia de una propuesta muy original, que se presentó por primera vez en Argentina el año pasado como parte del Festival Perforaciones, que se realizó en diferentes teatros porteños.

Este festival artístico, uno de los más innovadores de Europa, nació en Croacia en el 2009 y desde ese momento se presenta una vez al año en diferentes grandes ciudades culturales del mundo. El creador de este festival, es el croata Zvonimir Dobrovic, apareciendo luegos sus compatriotas Bruno Isakovic y  Natasa Rajkovic, los creadores y directores de Yira Yira, pieza que luego de su presentación en Buenos Aires, iniciará extensa una gira por diferentes capitales europeas.

La pieza aborda el tema de la prostitución desde un ángulo muy particular, ya que los cuatro protagonistas que presenta la obra, son trabajadores sexuales verdaderos, que aceptan subir al escenario, para contar algunas de sus experiencias personales, la relación que tienen con su cuerpo, su contacto con la calle, la infancia, el amor, la relación con los clientes y muchas otras cuestiones, que contadas en primera persona, tienen una mayor llegada al público.

Uno de los grandes desafíos de los directores, fue superar la barrera del idioma y hacer el casting, para encontrar en nuestro país, cuatro trabajadores sexuales, que por un lado tuvieran una historia de vida para contar que fuera interesante desde lo teatral y tal vez más importante que ello, que tuvieran la valentía de exponerse en público, mostrando su verdadero rostro y desnudando alguna de sus intimidades, ante un público, que bien podría juzgarlos.

Los elegidos fueron Juan Ejemplo, Leandra Atenea, Pichón Reyna y Sofía Tramaszaygues y podemos decir que la elección fue muy acertada, ya que todos se muestran muy desenvueltos en escena, absolutamente entregados a la propuesta y si no hubiéramos tenido el dato de antemano, hubiéramos pensando que eran actores y nunca verdaderos trabajadores y trabajadoras sexuales.

Cada uno de ellos, tendrá su monólogo donde contarán algún aspecto de su vida o de su personalidad, en otro momentos interactuarán, para contar anécdotas y hay otras sorpresas, que preferimos no adelantar. Todos tienen su momento de lucimiento y saben como desplegar un aire seductor y sensual que inquieta al espectador. Una de las características que tiene el espectáculo, es el manejo de los silencios, en algún momento creemos se exagera en la duración de los mismos, pero la intención de los autores, es clara, incomodar al espectador, perturbarlo, hacer que sienta la mirada penetrante de los protagonistas, que parecen decirles, nosotros nos podemos dedicar a esto, porque existen los clientes y es más, tal vez alguno de ustedes haya recurrido a nuestros servicios aunque ahora lo niegue, eso explica algunas risas nerviosas entre los presentes.

La puesta es íntima y por momentos perturbadora, como dijimos antes, la sociedad en general se horroriza con la prostitución y demoniza a quienes se dedican a la actividad, hay un doble moral indudable y claramente en algunas casos, personas que se jactan de tener una conducta familiar intachable, tienen una verdad paralela e inconfesable.

Yira Yira, sin dudas es una pieza diferente, cruda y valiente, que se anima a exponer un submundo más grande de lo que se quiere reconocer y lo hace de la mano de cuatro protagonistas, que cuentan la historia en primera persona, algo para nada habitual, ni fácil de conseguir. Por eso, si además de ser testigo de esta interesante propuesta, está dispuesto a ser interpelado y a soportar alguna mirada inquisidora, le aconsejamos se apure a ir a El Extranjero, antes que la obra siga yirando y yirando por el mundo.



Pensador Teatral.