Captura de Aves Silvestres

Dramaturgia de Grupo Basamenta y Dirección de Ignacio Torres.

 

 

Sábados 21 30 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Un viaje pleno de poesía y hacia las alturas, es la original propuesta que nos presenta Captura de Aves Silvestres, creación colectiva del Grupo Basamenta, que decidió celebrar sus diez años de existencia, con este hermoso proyecto, que nos introducirá al fascinante mundo de las aves, con una mirada sensible y multifocal, que nos permitirá realizar diversas lecturas.

La propuesta es realmente atractiva y moviliza al espectador, que no tiene demasiado claro que es lo que verá en escena, intuye que se sorprenderá, sin saber como, pero a medida que la trama avanza le irá encontrando el hilo al relato y se entusiasmará con el mismo. La obra tiene un espíritu lúdico, que resulta su sello distintivo, lo que le otorga frescura y vuelo a una trama, que de la mano de una puesta creativa y con mucha poética, consigue atrapar al espectador y hacerlo cómplice de la idea que este grupo de jóvenes actores despliega.

Una de las características del Grupo Basamenta, es arriesgar con sus propuestas, explorando límites y no teniendo miedo a lo experimental, al contrario, es la motivación de sus proyectos, poder experimentar . En sus propuestas, el teatro físico suele tener preponderancia, más allá de la línea narrativa, siendo los cuerpos los que se expresan. Esto es lo que ocurre precisamente en el escenario del Moscú, con actores que por momentos juegan a ser aves, trepando estructuras, bailando e imitando cantos de pájaros.

 

 

 

La obra no tiene una dramaturgia cerrada, cada espectador podrá interpretar lo que ocurre según su mirada. En nuestro caso, el relato deja en evidencia, la fascinación que tienen los seres humanos respecto del reino animal y como muchas veces en nombre de proteger e investigar las especies, los capturan y alejan de los espacio naturales que habitan. Es válido hacer esto en nombre de la ciencia ?? Los animales, si podrían manifestarse, estarían de acuerdo con este accionar ?? Hay un aire de superioridad que el hombre siempre quiere dejar claro ??? Los interrogantes que propone el relato son numerosos y creemos que lograr sembrar esas dudas en los espectadores, es absoluto mérito del texto.

 El corazón de la obra, son las actuaciones que presenta. Son cinco los actores en escena y se los nota absolutamente comprometidos con la idea, compartiendo códigos y poniendo énfasis en lo grupal, en la poética del conjunto, jugando sobre el escenario, con alegría y sin miedo al ridículo, siendo por momentos observadores de aves, en otros momentos interactuando con los pájaros, llegando a mimetizarse con ellos y pudiendo ver el mundo desde otro ángulo.

La figura convocante de la obra es Pilar Boyle, una excelente actriz, referente del teatro independiente, a quien elogiamos por sus hermosos trabajos en diferentes obras del off. Aquí. se integra en gran forma al equipo, teniendo clara que la grupalidad, es la que manda. Dicho esto, el magnetismo de Pilar con el público es innegable y por eso resulta un verdadero placer verla en escena, aleteando como un ave y cantando como tal. Talentosa y carismática, disfrutamos mucho, verla aquí, en un papel tan diferente, en el que se vuelve a destacar.

Pero Pilar, no está sola, ni mucho menos, no seamos injustos. El elenco que presenta la obra, se muestra homogéneo y pese a que como mencionamos, la clave es la grupalidad, la trama les permite a cada uno tener su momento individual de lucimiento en la trama.  Queremos destacar entonces las exquisitas actuaciones de Natalí Cabovianco, Matías Corradino, Florencia González y Fernando Morales. Todos ellos se entregan por completo al texto, disfrutan en escena jugando como si fueran niños, sin miedos. Se los nota felices actuando, dejan que fluya la actuación y eso es el algo que el espectador agradece.

 

 

 

 

Es muy importante el trabajo de Ignacio Torres, quien dirige la obra y apuesta por la libertad de este grupo actoral, acertando además con una puesta muy bella, con varios ítems para destacar como ser, el diseño escenográfico de Leandro Sartoretti, la iluminación de Leandro Crocco y el vestuario de Maricel Aguirre, caracterizando en gran forma a los distintos personajes. Todos ítems que otorgan belleza a la puesta y le agregan valor al relato.

La obra tiene muchas sorpresas, pero no queremos adelantarlas, para mantener el suspenso. Lo que si podemos decir, es que celebramos propuestas como Captura de Aves Salvajes, que apuestan por salir de lo convencional y arriesgan-  Aquí invitan al espectador a jugar con su imaginación, a viajar con ella, recorriendo un relato, que resulta divertido por momentos,  delirante en otros, educativo en algunos pasajes y también logra emocionar en algunas escenas.

 

 

 

 

Una gran idea de los amigos de Basamenta, la de celebrar su décimo aniversario, con esta obra, que indaga en el mundo de las aves, analizando como el hombre puede modificarlo y ayudando a darnos cuenta, como estamos cada vez más alejados, de las cosas simples y bellas que la naturaleza, tiene para ofrecernos.-

 Recomendamos Captura de Aves Silvestres, los invitamos a que emprendan este viaje poético y no tengan miedo de volar, muchas veces el teatro con su magia, nos permite olvidarnos de nuestros problemas y nos deja soñar, aprovechemos entonces la ocasión y juguemos a ser pájaros, volemos y respiremos las bocanadas de aire puro, que el teatro independiente nos regala.

Pensador Teatral.

 

Del Color de los Cerros

Dramaturgia y Dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

Jueves 20 30 en Teatro Multiescena CPM ( Av. Corrientes 1764 )

Una propuesta fuerte y perturbadora llega de la mano de Del Color de los Cerros, una obra que con crudeza nos invita a reflexionar acerca de los vínculos y las elaciones de pareja donde las apariencias y los engaños son moneda corriente, quedando abierta la puerta para las tentaciones y los peligros están al acecho.

La historia arrancará en el living de la pareja formada por Sofía ( Sabrina Prieto ) y Diego ( Mario Campodónico ). Ella es una actriz, que se encuentra en el mejor momento de su carrera, con un exposición creciente y comenzando las mieles de la fama. Su esposo, es un productor del mundo del espectáculo, que la descubrió en un casting varios años antes, cuando se inició la carrera de Sofía y al mismo tiempo, comenzó la relación entre ellos.

 

 

 

La pareja atraviesa un buen momento económico, ya no viven en el departamentito de los primeros años, ahora está en una casa grande y necesitan una empleada doméstica que se encargue de las tareas de limpieza. Luego de algunas dudas, ambos coinciden en la necesidad de traer a la casa, a alguien que los ayude y así es como llegará a la casa, Estefanía ( Derling Delboy ), una chica joven, originaria de Yacuiba y dueña de una belleza exótica.

Sin saberlo aquella decisión de traer a Estefania a la casa, cambiará de manera dramática la realidad de aquella pareja. Al poco tiempo, la actitud de Estefanía será otra y poco quedará de aquella chica tímida y sumisa que se presentó a la pareja y añoraba a los duendes del cerro de su Bolivia natal, comenzando un doble juego de seducción y encanto, con Diego y también con Sofía. El peligro se huele en el ambiente, las pasiones y los amores prohibidos, se presentarán pronto en aquella casa.

 

 

 

 

La obra tiene un componente de suspenso muy alto, por lo que no queremos contar demasiado, solo vamos a anticipar que se conformará un triángulo amoroso inquietante, donde los juegos sexuales y las traiciones, estarán a la orden del día. Y no diremos mucho más, solo decir que a medida que la trama avanza, aquello que se inició como un juego de pasiones, se irá tornando en algo más violento y perturbador, por lo que los espectadores deberán estar muy atentos, ya que el relato tiene reservados secretos que no tardarán salir a la luz.

 La historia además de resultar muy atractiva, consigue atrapar al público desde el comienzo, esto se logra en parte por mérito de una dramaturgia muy bien elaborada por Rubén Mosquera y en parte por las estupendas interpretaciones que presenta la obra, de parte del trío protagónico reunido, que muestra destacados desempeños individuales y una buena química entre ellos, que resulta fundamental para el texto.

 

 

 

Arranquemos con Sabrina Prieto, que representa en gran forma a Sofía, esa actriz que arrancó bien de abajo, a la sombra de su marido y que hoy ya tiene vuelo propio, superando incluso la altura de quién la descubrió. Destacamos la presencia escénica de Sabrina, su belleza y una voz imponente, que encaja perfecto con la importancia de su personaje. Es la primera vez que vemos a Sabrina en escena y nos encantó su composición. 

Mario Campodónico, es el hombre de la historia, que deberá debatirse en una lucha interna, contra su ego por ver que la figura de su esposa se agiganta cada vez más, tratando al mismo tiempo de no sucumbir ante los encantos de la joven recién llegada a la casa, que le resulta perturbadoramente atractiva. Su personaje además analiza de manera inteligente el rol actual del hombre en la pareja . Mario, es un actor de trayectoria en el teatro independiente, a quien ya elogiamos en este sitio, por sus actuaciones en obras del off y aquí volvemos a hacerlo, ya que aporta su experiencia al servicio de la obra, con una estupenda interpretación.

 

 

 

 

Para el final dejamos a Darling Delboy, otra joven actriz, que tiene a su cargo dos personajes, el primero como maestra de ceremonias de la historia ( no vamos a ahondar en este punto para mantener el suspenso ) y como Estefania, esa chica que en el arranque, luce inocente, extrañando a los cerros y tratando de agradar a los dueños de casa. Pero a medida que pasan los minutos, los espectadores descubrirán que esa fragilidad resulta aparente y detrás de la misma, se esconde una mujer hábil y manipuladora, que está dispuesta a ir por todo. Cumplimos con nuestra palabra y no contamos más. Gran interpretación la de Darling, una verdadera revelación, con una belleza inquietante, un acento de voz hermoso y seductor, dando vida al personaje disruptivo de esta historia de amor, sexo, traición y venganza.

 Además de las actuaciones tan destacadas, queremos mencionar las virtudes de una puesta minimalista, que logra crear un clima íntimo y algo sórdido, gracias al  diseño lumínico de Daniel Zappietro acorde con esa atmósfera oscura que pide el texto. Destacamos también el vestuario de Vanesa Abramovich caracterizando muy bien a los personajes, todo esto bajo la efectiva dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

 

Nos llevamos una muy grata sorpresa con Del Color de los Cerros, un thriller psicológico que seduce e incomoda al espectador desde al arranque. El silencio absoluto con el que el público acompaña las acciones, deja en claro el aire de tensión que se respira en la trama y habrá que estar muy atento, porque la historia a medida que los minutos avanzan, irá subiendo en voltaje y pasiones.

Recomendamos la obra, una historia fuerte y cercana que moviliza al espectador, poniendo el foco en aquellas relaciones, donde bajo una apariencia de felicidad y armonía, se esconden engaños y tempestades, que tarde o temprano saldrán a la luz, dejando al descubierto las peores miserias del ser humano.

 

Pensador Teatral.

 

La Terquedad de las Cucarachas

Dramaturgia de Rubén Mosquera. Dirección de Daniela Ferrando.

 

 

 

Domingos 18 hs en El Métido Kairos ( El Salvador 4530 )

Una propuesta muy divertida llega de la mano de La Terquedad de las Cucarachas, un título que puede desconcertar, pero que hace referencia a la resistencia que tienen estos insectos, que son un ejemplo de supervivencia, tanto que se dice que hasta serían capaces de sobrevivir a una bomba atómica, debido a su composición celular.

 

 

 

Pero la obra que nos convoca, no nos hablará de cucarachas y arrancará con una discusión entre un delegado metalúrgico y uno de los patrones de la empresa. La metalúrgica quiere aumentar el ritmo de producción y para que ello ocurra, los trabajadores piden una mejora salarial. Esa petición, es la que lleva al delegado al despacho del jefe, que pocas ganas tiene de acceder al reclamo y prefiere explicar a su interlocutor, como funciona el mundo del capitalismo en general y como se aplica aquella teoría en la metalúrgica.

Pero en medio del fragor del diálogo, el delegado parece trabarse con alguna palabra y se corta el diálogo en seco. Su compañero de escena, nervioso parece querer ayudarlo, para salir del bache y permitir que el diálogo teatral continúe. Pero no tendrá éxito y allí los espectadores, notarán que comienza otra obra, la verdadera tal vez, la del mundo de los actores.

Sin contar demasiado para mantener el suspenso, si vamos a decir que la obra precisamente, se referirá al universo del teatro independiente, a lo que sucede detrás de escena, en camarines, a las internas  con el director o al autor , los celos entre los propios actores, críticas por las condiciones precarias de trabajo, el reparto de puntos al trabajar en modo cooperativa, la biblia que es para todo los actores el método Stanislavski y muchos otros temas, referidos a la actividad teatral.

 

 

De manera muy divertida, la dramaturgia nos abrirá la puerta, para que los espectadores podamos bucear en la intimidad de los actores y en ese ámbito no dudarán en criticar a ese director que es famoso por incluir en sus obras a chicas bonitas, a la vestuarista que nunca tiene la ropa a tiempo, al dueño del teatro que no es capaz de poner papel higiénico en el baño y , etc. El espectador además de reírse con las situaciones que irán ocurriendo, se sentirá muy a gusto al conocer algunos secretos que los actores no suelen revelar.

La obra reúne un elenco numeroso, 3 actores y 4 actrices, siendo este es uno de los fuerte de la pieza, ya que en la diversidad se generan momentos muy logrados, ya que los actores al entrar en confianza, van a querer mostrar sus virtudes a sus colegas, para demostrarles que ellos no están acomodados y que si llegaron allí, ha sido por sus méritos. Es por ello que a lo largo de la trama, veremos algunos números musicales, ejercicios de relajación e improvisación, monólogos de Hamlet y más destrezas actorales.

 Tratando de nos ser injustos, queremos resaltar algunas actuaciones que a nuestro entender se destacan mucho. Nos gustó especialmente el trabajo de Paula Rozenwurcel, que con su bella voz y un histrionismo a flor de piel, regalará momentos muy festejados por el público y de buen gusto teatral. Nos encantó la interpretación de Paula. Víctor Frisardi, el patrón de la metalúrgica, cumple también un trabajo muy destacado. A Víctor, ya lo hemos elogiado anteriormente en este sitio, por sus participaciones en otras piezas del off y aquí vuelca todo su experiencia y carisma al servicio de la obra, siendo un personaje central de la historia. Y en el mismo plano destacado, resaltamos la interpretación de Rocío López Ferreira, que mostrando mucha presencia escénica, representa a una asistente de dirección, que busca protagonismo en la obra que se está montando. Muy buen trabajo de Rocío.

 

 

 

Destacamos esas actuaciones,  tal vez de manera algo arbitraria, ya que como dijimos, una de las fortalezas de la obra, es el aporte que hacen todos los protagonistas, que más allá de la representación en conjunto, tendrán todos su momento individual de destaque. Por eso nuestro reconocimiento para Gastón Chamorro, como Fraguli, un combativo delegado sindical, Víctor Oviedo que realiza una muy buena composición del director y es clave en la parte final de la trama, Julieta Teruel aporta frescura e ingenuidad con su papel de inspectora del Ministerio de Trabajo y China Labaig, hermana de la asistente de dirección, que también aprovecha sus minutos en escena. Como ya dijimos, cada integrante del elenco hace su aporte y es importante para el conjunto.

La obra, si bien está dirigida al público en general, sin dudas será especialmente disfrutada por aquel espectador que es asiduo concurrente del teatro independiente, de la misma manera que lo harán actores e integrantes en general de compañías teatrales, que sin dudas, se sentirán muy identificados con las confesiones, que surgirán en escena.

 

 

En lo personal, disfrutamos la obra y nos reímos mucho, con este original formato, que tiene mucho de teatro dentro del teatro y que además resulta muy importante por el mensaje que nos deja. Volviendo al título de la pieza y haciendo un paralelismo, podemos sostener que el teatro, al igual que las cucarachas, también se ha mostrado capaz de sobrevivir a las peores tragedias a lo largo de los años, quedando en pie luego de superar fuertes crisis económicas, guerras y pandemias.

Esta permanencia, sin dudas ocurre, porque la gente,  pese al paso del tiempo, sigue eligiendo ver teatro y para que el hecho teatral perdure, deben seguir surgiendo actores, que pese a todas las dificultades, guiados por su vocación y amor por la profesión, son los principales responsables, de mantener viva la llama del teatro independiente. Por ello, nada mejor que celebrar la vigencia del teatro y su recuperación ante este nuevo obstáculo, que fue la última pandemia, llegándose hasta al Kairos, para ver La Terquedad de las Cucarachas y comprobar en persona, que el teatro tiene cuerda para rato.

Pensador Teatral.

La Conducta de los Pájaros

Dramaturgia de Norman Briski y Vicente Muleiro. Dirección de Norman Briski.

 

 

 

Viernes 19 hs en Teatro Calibán ( México 1428 )

Antes de llegar al Calibán, intuíamos que no sería una noche más de teatro, teníamos excelentes referencias de la obra y muchas ganas de verla, además era nuestra primera vez en este teatro, un combo que lucía muy tentador, para arrancar el fin de semana. Y ya de entrada, para quitar algo de suspenso a esta crónica, vamos a anticipar que todas nuestras expectativas quedaron modestas, ya que disfrutamos de una noche exquisita de teatro, sin dudas que La Conducta de los Pájaros, es una de esas obras, que dejan huella y vamos a recordar por mucho tiempo.

 

 

 

El texto que nos proponen Briski y Muleiro, tiene un alto componente político, está cargado de ideología, se genera un rico debate de ideas, apareciendo temas como la lucha de clases, el valor de las revoluciones, la autodeterminación de los pueblos, las ideas del marxismo, nacional socialismo y hasta el peronismo, por dar solo unos ejemplos de los temas que los protagonistas tratarán a lo largo de una pieza, que tiene al discurso, al pensamiento y a la exposición de ideas, unos de sus puntos centrales.

Resulta muy interesante, que para dar marco a esta discusión, la dramaturgia se vale de traer a escena a dos figuras de la historia, ambos pensadores de izquierda de principios del Siglo XX, nos referimos a Rosa de Luxemburgo, toda una referente de la social democracia alemana, teórica marxista, profundamente revolucionaria y una de las primeras cultoras del pensamiento crítico. Por el otro lado, una figura vernácula menos conocida, como Manuel Ugarte, escritor y político argentino, un socialista que con el correr de los años viró al peronismo, dueño de una visión latinoamericanista y tal vez el primero que acuñó el terminó de Patria Grande, tan seguido luego. 

 

 

 

Para quien lo pregunta, estos dos personajes fueron contemporáneos y coincidieron dos veces en la vida, en sendos Congresos de la Internacional Socialista. Seguramente coincidieron en algún debate y poco más sabemos, pero las dramaturgia sabiamente tomó estos encuentros reales, para traerlos al escenario del Calibán. Y cómo es que llegan del pasado a este presente ??? 

Allí aparece el tercer personaje de la obra, nos referimos a Lítero, un joven argentino de hoy, interesado en la política, adicto a la tecnología e hiper informado: Pero sin saber que hacer con tanta información, seguramente desilusionado, por un presente carente de figuras con un pensamiento genuino relevante y sincero. Seguramente esa carencia y desesperación a la vez, lo lleva a buscar a dos pensadores históricos de relevancia, que le pueden hablar del pasado, de la historia, para de esa manera tratar de entender un presente que desilusiona y mucho.

 Además gracias a recursos muy ingeniosos, que no vamos a adelantar, por el escenario desfilarán figuras como Marx, Jean Jaures, Foucault, Hitler y hasta Juan Domingo Perón, la pieza tiene una diversidad para destacar y realiza una revisión muy interesante de diferentes períodos y hechos históricos que fueran marcando épocas.

La obra tiene textos largos y complejos, la exigencia para los actores es inmensa, se nota que hay mucho estudio previo y meses de ensayo, para poder llevar adelante la composición de los personajes y resulta admirable poder ver este resultado final que es la obra que arriesga con una temática poco tratada en nuestro teatro independiente, con actuaciones estupendas del trío protagónico.

Corriendo el riesgo de ser injustos, tal vez de manera lógica por el peso histórico del personaje involucrado, la actuación que más nos conmovió fue la de Eliana Wasserman, que interpreta a Rosa de Luxemburgo. Un reto supremo, llevar adelante este protagónico y Eliana lo resuelve de manera brillante, dándole a su Rosa de Luxemburgo, cierto aire de fragilidad, de humanidad, interesada por el comportamiento de las aves, que contrasta con una potencia discursiva y de ideas que asombra. Memorable la escena de su monólogo, con un parlamento largo y encendido, para aplaudir de pie, siendo un momento teatral para el recuerdo. Para lograr semejante composición, hay meses de trabajo, para meterse en el personaje y esto se nota en la composición brillante que nos regala. Nuestras felicitaciones a Eliana por este trabajo.

 

 

 

 

Pero como dijimos antes, no seamos injustos con el resto, ya que el elenco todo, la rompe. Juan Washington Felice Astorga, a cargo Manuel Ugarte, para nada se achica con la grandeza de su compañera de ideas. La interpretación de Juan es soberbia, exponiendo sus ideas con pasión y convicción, con momentos muy lucidos, como la llegada a Cuba, sus diálogos con el General y por supuesto sus floridos intercambios de ideas con Rosa. Impresiona por su presencia y por su seguridad, ya que es otro personaje que tiene una gran exigencia y requiere mucha preparación. Es excelente la prestación de Juan, que se muestra cómodo con el papel y resuelve en gran forma el protagónico.

Y para el final dejamos a Federico Rodríguez Moreno como Lítero, el maestro de ceremonias de la obra el conductor del relato, con su tablet a cuestas, es quien marcará el ritmo de la trama. Es un personaje que genera mucha empatía, ya que tiene inquietudes que a la mayoría, nos resultan cercanas y actuales. Estupendo trabajo de Federico, con mucho carisma y la chispa necesaria, para darle dinamismo a la trama, algo que es necesario y redondea una interpretación estupenda. 

 

 

 

 

El lector puede preguntarse si tanto texto y dialéctica, no hacen muy densa a la obra y esto es sin dudas algo que Norman Briski, el director también se preguntó y supo como resolver, ya que la pieza presenta una puesta que deslumbra por su creatividad y despliegue escénico. Arrancando por los dispositivos móviles en los que se desplazan los protagonistas, especies de triciclos gigantes con pedales o algo por el estilo, cuesta explicarlos con palabras y merecen verse, ya que son creaciones muy originales. Párrafo especial para Guillermo Bechthold, con influencia en este ítem y en otros importantes de la puesta. El trabajo que tiene la pieza, no es solo de los actores, hay un gran equipo que soporta lo que vemos en el escenario, arrancando por el trabajo de investigación de los autores, la dirección y todos los rubros técnicos que agregan mucho valor.

Sigamos con el diseño lumínico, que es impactante, aquí sin dudas Briski aprovecha todo el potencial que tiene el Calibán en materia de luces, para darle a la trama una belleza y una potencia que hay que destacar, ya que tampoco es algo que se ve habitualmente. El diseño de sonido es otro rubro que destaca a mucho y por último mencionar que la obra tiene música original, nada menos que de Fito Páez. La verdad quedamos impactados por la puesta, de lo mejor que vimos en años en el teatro independiente.

 

 

 

 No queda mucho para agregar y preferimos que los espectadores se sorprendan cuando vean la obra. La Conducta de los Pájaros es una pieza potente, que expone ideas y pensamientos, de la historia y también del presente. Tal vez alguna referencia del presente, pueda llegar al espectador de diferente manera, según del lado de la grieta que se ubique, porque si amigos, la pieza al tener peso político, toma posición, de manera totalmente válida y llevará al espectador a la reflexión y sentar su propia posición de acuerdo a su pensamiento y esta gimnasia, creemos tiene mucho valor en estos tiempos.

 Recomendamos fervientemente la obra, una verdadera joyita del teatro independiente, una pieza que nos invita a pensar en la historia, para intentar resolver los problemas del presente y lo hace con un texto agudo e inteligente, actuaciones conmovedoras y una puesta fantástica. Nada más para pacer, La Conducta de los Pájaros, que transita su tercera temporada en cartel, resulta una pieza indispensable, un obrón, que nos hace sentir profundamente orgullos de nuestro teatro independiente.

Pensador Teatral.

Luz Testigo.

Dirección de Javier Daulte. Dramaturgia de Tomás Afán Muñoz, Marina Artigas, Rubén de la Torre, Jualian Marcove y Agustín Meneses.

 

 

 

Míércoles 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Durante la pandemia, se vivieron tiempos muy complicados para la actividad teatral, salas vacías, obras listas para el estreno que no podían salir a la luz, actores viviendo situaciones económicas complejas y envolviendo todo, una atmósfera de incertidumbre y desesperanza que provocó un efecto paralizante en la mayoría de las personas 

Pero mientras eso ocurría, otros apostaban al futuro, pensando en lo que sucedería cuando esta pesadilla pandémica llegara a su fin y en ese sentido, desde Espacio Callejón, se organizó un Concurso de Dramaturgia de Obras Breves, que debían abordar de manera tangencial el tema del confinamiento y las consecuencias que trajo el encierro a nuestras vidas. Las cinco obras ganadores de aquel concurso, son las que ahora forman parte de Luz Testigo, teniendo todas ellas como hilo conductor, la impecable dirección de Javier Daulte, que reunió para el proyecto a un grupo de actores de gran trayectoria en el teatro independiente,  diseñando una puesta capaz de enlazar las historias individuales, de manera que quede un conjunto armónico.

 

 

 

Nos habían recomendado mucho la obra y antes de verla, pensábamos como resultaría ver cinco historias, en poco más de ochenta minutos, si se haría muy denso o no, si los actores lograrían entrar en los diferentes personajes, si los pasajes entre historias, sería dinámico, en fin teníamos dudas. Luego de haber visto Luz Testigo, podemos afirmar que las dudas se desvanecieron y el formato nos encantó. Imaginemos que muchas veces, nos vamos contentos luego de ver una buena obra, con buenos personajes, relatos intensos, etc. Y si tuviéramos la chance de ver,  no una, sino cinco obras a la vez, que resultan verdaderamente atrapantes por sus textos y sus personajes, que nos dirían. Bueno háganse la idea, porque es lo que ocurre aquí, seremos invitados a un festín de buen teatro independiente.

Como mencionamos en un comienzo, el punto en común de los relatos, es hacer alguna referencia a la pandemia, pero sin centrarse en ella, apuntando principalmente al tema de los vínculos, como se modificaron las relaciones con el encierro, los cambios de hábito, la soledad como moneda corriente, parejas que entran en conflicto y la dificultad para el nacimiento de nuevos amores. Todas temáticas cercanas y que en mayor o menor medida todos hemos experimentado,  en estos últimos dos largos años.

 

 

 

Una de las particularidades del formato, es que el espectador al salir de la sala, podrá elegir su historia favorita y comparar su elección con el acompañante o el amigo que ya había visto la obra antes. Indudablemente la pandemia, le pegó diferente a cada persona y analizar cada reacción ya sería parte de un estudio sociológico, pero creemos que cada espectador tendrá más empatía con la historia, que más lo representa y con la que mayor identificación encuentra.

Entrando en ese juego, a quien es escribe estas líneas, la historia que más le llegó fue Delta, escrita por Agustín Meneses. Allí se muestra el vínculo entre un padre y una hija, en este momento especial, pero también en otros tiempos de sus vidas, apreciando diferencias sustanciales y viendo como el paso de los años se torna implacable. Una historia fuerte que nos emocionó mucho, por su texto y por la enorme interpretación de Marcelo Pozzi, un actorazo, al que elogiamos ya en anteriores obras en este mismo Callejón, que con una sensibilidad a flor del piel, sabe llegar al corazón del espectador. Y tiene el acompañamiento preciso de Paula Manzone, otra gran actriz, que realiza un gran trabajo, dando también mucha sensibilidad a su personaje.

 

 

 

Con el relato anterior nos emocionamos, en cambio, con Mientras Miro La Heladera Te Extraño de Julián Marcove, nos divertimos mucho. Magnífico trabajo de Ramiro Delgado, a quien descubrimos aquí, con un histrionismo y una gracia contagiosa, llevando adelante un monólogo que sin contar demasiado, podríamos adelantar que quedará trunco, por la sorpresiva irrupción de Lu Grasso, una actriz que nos encanta, dueña de un estilo angelical y un carisma particular, que encaja perfecto aquí. Bueno sin contar mucho, les decimos que la rompen Ramiro y Lu, regalando un momento teatral divino, que disfrutamos muchísimo.

Pero no seamos injustos con el resto de las historias, como por ejemplo Nélida de Marina Artigas, la costurera que escucha la radio y parece temerle al amor, con una deliciosa interpretación de Silvina Katz, una actriz que siempre nos ofrece hermosas interpretaciones, también acompañada de la ya mencionada Paula Manzone, que será una envolvente locutora. Y que decir de Cambios, de Agustín Meneses, con esos vecinos que en la rutina de colgar la ropa en la terraza, parecen si querer darle una oportunidad a un nuevo amor, con magníficos trabajos de María Villar que lucha contra sus tocs y William Prociuk, con su filosofía de bolsillo a cuestas. O Un Cuento de Tomás Afán Muñoz, donde se investiga una desaparición ocurrida en un paraje bastante alejado de la civilización, donde volveremos a ver a Prociuk y a Lu Grasso, en un intercambio muy rico.

 

 

 

 

Se hizo algo larga la descripción, pero queríamos significar la variedad de textos y temáticas que se tratarán en las diferentes historias, todas ellas tienen un toque de humor, algunas más y otras menos, pero todas tienen ese condimento humorístico valioso. Con algunas nos vamos a emocionar más, en otras nos vamos a ilusionar con relaciones incipientes. Todos los relatos tienen un texto que atrae y se les suma, el aporte fundamental de un grupo de actores talentosos, a los que vimos en obras anteriores en el Callejón y que se muestran muy entusiasmados e identificados con este proyecto, con una alegría por estar en el escenario, que el espectador nota y agradece.

Más allá de las buenas dramaturgias y de las actuaciones que acompañan en gran forma, debemos destacar la efectiva dirección de Javier Daulte, que logra enlazar historias individuales, para que funcionen en el conjunto, con una puesta muy atractiva. Para ello se vale de un diseño lumínico de Sebastián Francia realmente original y bello, que no queremos adelantar, pero que tendrá como protagonistas a los propios actores. Hay un efectivo diseño escenográfico de José Escobar que con pocos elementos, logra que los relatos fluyan y por último mencionar la musicalización de aire italiano que le da cohesión y belleza a la puesta.

 

 

 

 

No queda mucho para agregar, como dijimos ante, mientras los escenarios estaban vacíos, el equipo creativo del Callejón puso manos a la obra y en vez de lamentar la pandemia, pensó en como hablar de ella, de sus efectos, retratando como se modificaron nuestros vínculos, hábitos y nuestra vida en general. Haberlo hecho con el formato de obras breves, es realmente un acierto que debemos marcar y tomarlo en cuenta en el futuro, ya que debido a la gran respuesta que está teniendo la obra, queda claro que es una propuesta original que resulta muy atractiva para el público

Recomendamos Luz Testigo, van a disfrutar una bellísima noche de teatro, con magníficas interpretaciones dadas en breves historias, que emocionan, divierten y nos invitarán a reflexionar sobre lo difícil que fue para todos, poder adaptarnos a un escenario tan inesperado, donde los vínculos se modificaron por completo y debimos poner lo mejor de nosotros, para superar esta verdadera pesadilla, de tener que quedarnos encerrados en casa.

Pensador Teatral.

Los Soviets de San Antonio

Dramaturgia de Victor Winer y Dirección de Mariano Dossena.

 

 

 

Sábados 22 hs y Domingos 18 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 ) 

Una tragicomedia con acento ruso llega a El Tinglado, en esta historia delirante y desopilante, que jugando muy bien entre lo onírico y lo real, se permitirá navegar con total desparpajo entre las ensaimadas de una ciudad del interior bonaerense, la dinastía de los Romanov y las relaciones geopolíticas generadas en los últimos tiempos entre Argentina y Rusia.

 

 

 

Los Soviets nos hablará de Guillermo, que se escapó de San Antonio su ciudad natal, dejando atrás a su familia y un pasado no muy limpio. Se fue con lo puesto y su colección de " Todo es Historia ", ese es su único tesoro, que guarda en el placard de la pieza de la pensión de mala muerte donde vive. No parece tener demasiado de que ocuparse, su vida parece apagada, se lo nota desaliñado y con cero ganas de recibir visitas.

A punto de ponerse a dormir la siesta, recibirá una visita inesperada, como la de su prima que viajó desde San Antonio, para verlo. Las noticias que trae no son gratas y mucho menos lo será el pedido de volver a su ciudad natal, para atender asuntos familiares urgentes. Pero la prima no llegó sola a la pensión, la acompaña Román, un excéntrico oficial del ejercito ruso, ataviado con uniforme,  que además es su novio y que por supuesto,  no habla una palabra de español.

 

 

 

 

Pero la cosa no queda allí, ya que desde San Antonio también emprendió ese viaje, nada menos que Anastasia Romanov. Si leyeron bien, nos referimos a la hija menor de Nicolás II, el último de los zares rusos. Para quienes no conocen la historia, les contamos que en Julio de 1918 la familia de los Romanov fue asesinada a manos de los revolucionarios bolcheviques. Aquella trágica noche, murieron todos los miembros de la familia real, pero según cuenta la leyenda, la joven Anastasia, habría sobrevivido a la masacre. Como nunca se encontró su cuerpo, con el correr de los años, los rumores se agigantaron y son muchas las voces que juraron ver a la Duquesa Anastasia, viviendo bien lejos de su Rusia amada.

Ahora repasando las fechas, podemos deducir que en la actualidad Anastasia debería estar cumpliendo 120 años, por eso las chances que fuera ella, la que está cuerpo presente en aquella pensión. son casi nulas. Pero como les contamos antes, el texto discurre con habilidad entre realidad y fantasía, lo que permite disfrutar de momentos tan divertidos, como delirantes, como el mencionado.

 La obra presenta muy buenas interpretaciones, mencionando en primer lugar a Ana María Cores, reconocida actriz, referente del teatro musical argentino y con una trayectoria tan amplia como exitosa en el teatro y la televisión, que realiza una composición deliciosa nada menos que de Anastasia Romanov. Es notable la presencia escénica de Ana María, con un magnetismo muy particular y mostrando sus dotes para la comedia, construyendo un personaje muy divertido, que deleita a los espectadores. Una alegría poder ver en escena a Ana María Cores, con una vitalidad y una alegría que resulta contagiosa, para un púbico que disfruta su presencia.

La Cores, sin dudas es la figura convocante de la obra, pero no está sola en escena, ni mucho menos. Destacamos especialmente el trabajo de Cristian Thorsen, como Guillermo, el gran protagonista de la pieza, ya que su mente, es la que transita entre la realidad y los sueños, en aquella habitación de mala muerte. Personaje muy querible el de Cristian, a quien es la primera vez que vemos en escena y nos impresionó muy gratamente. Maria Viau, es la prima que llega de San Antonio a rescatarlo y a ponerlo al tanto de las noticias de su ciudad. Con su habitual histrionismo, se maneja como pez en el agua en la comedia y es una pieza fundamental en la trama. Muy buen trabajo de la Colo Viau.

Párrafo aparte para David Midanson, con un porte que parece sacado de una película soviética de la época de la guerra fría. Muy divertido su personaje, uno de los más festejados por el público, sin dudas una excelente la elección para este personaje tan pintoresco. Carolina Ferrer, con una participación secundaria, consigue aportar frescura a la trama, como la dueña de la pensión y otro personaje que no vamos a mencionar acá para mantener el suspenso.

 

 

 

La puesta tiene varios elementos para destacar, arrancando por el diseño de vestuario de Nicolás Nanni, con vestidos glamorosos de la época de los zares y el uniforme marcial de Román. Destacamos también el diseño lumínico, que resulta importante para diferenciar los momentos del relato, así como el diseño sonoro y musical de Rony Keselman. Todos estos ítems, coordinados por la eficiente dirección de Mariano Dossena, le aportan el marco adecuado a esta historia con tanto vuelo fantástico-

En definitiva nos divertimos mucho con Los Soviets de San Antonio, una relato que nos acerca el recuerdo de los Romanov, la última dinastía de los zares rusos ( se nota que el autor de la obra se enganchó con la serie documental de Netflix sobre este tema, ya que nosotros que la vimos hace poco, descubrimos muchos guiños de aquella apasionante historia),  una pintura de una pequeña ciudad que obtiene fama mundial a causa de las ensaimadas ( cualquier semejanza entre San Pedro y San Antonio es mera coincidencia ) y para coronar la pieza, tiene una inteligente dosis de actualidad política, donde la influencia de los intereses rusos en nuestro país, está creciendo mucho en los últimos años. Es más aquel espectador atento, hasta podrá escuchar la palabra Sputnik en un momento de la trama.

 

 

 

 

 

La obra es una excelente excusa para indagar en el tema de la dinastía de los zares y obvio para pasar un momento teatral muy divertido, algo que en tiempos de pandemia se valora mucho. Y sugerimos a los espectadores que sigan muy atentos las acciones, porque cuando la trama parece irremediablemente destinada al delirio, la dramaturgia nos tendrá reservado para el final, un giro tan inesperado, como dramático, que nos dejará con la boca abierta y atando cabos sueltos.

No queda nada más para agregar, solo recomendarles que vayan al Tinglado, para disfrutar de una historia con mucho vuelo creativo y magníficas interpretaciones. Además entendemos, que la chance de ver en persona a la Duquesa Anastasia Romanov, en pleno Barrio de Almagro, es un lujo que solo nos permite el teatro independiente y que no deberíamos dejar pasar.

Pensador Teatral.

Ricardo III

Autoría de William Shakespeare. Adaptación, Traducción y Dirección de Mario Moscoso.

 

 

Sábados 20 hs en Teatro del Artefacto ( Sarandí 760 )

El teatro clásico nos propone una cita de honor, con esta excelente versión de Ricardo III que nos presenta Mario Moscoso, logrando traer a estos tiempos, una puesta muy atractiva de la obra escrita por Shakespeare en 1591, acerca  del último rey de la casa de York y unos de los tiranos más repudiados de la historia, que no dudó en matar a quien se cruzó en su camino (incluidos su hermano y sus sobrinos )  para llegar a ser coronado como Rey de Inglaterra.

 

 

 

Ricardo, el duque de Gloucester, es el protagonista de este drama histórico que tiene muchos condimentos. Jorobado y con problemas para caminar por su pie torcido, pareciera justificar en su deformidad física, un accionar violento y sanguinario, que no encuentra ningún tipo de límites para alcanzar el poder. Un verdadero villano de la historia, con el que tal vez Shakespeare se ensañó algo más de la cuenta, ya que lo retrató como un verdadero monstruo.

Un personaje muy fuerte, que encuentra a un actor de enorme trayectoria como Mario Moscoso, un intérprete formidable para representarlo. Ya desde al arranque de la obra, con un monólogo estremecedor, este verdadero anti-héroe, dejará en claro ante los espectadores, sus maléficas intenciones de llegar al poder, sin importar la manera. El camino hacia la corona, requerirá recurrir a la mentira sistemática, a la manipulación, a la violencia y a todo lo que sea necesario. Toda bajeza está permitida en su mirada para llegar a ser Rey de Inglaterra.

 

 

 

 

La interpretación de Mario es fantástica, impresiona su presencia escénica, su energía y la maestría con la que se mete en la piel de este villano repudiado. Es admirable, su pericia para manejar los tiempos del relato y para darle recorrido a un personaje que pasa de ser un violento temible a un mentiroso adulador, de una escena a otra. Ya habíamos elogiado en gran forma a Moscoso, hace unos años, cuando en este mismo teatro, compuso nada menos que a Domingo Faustino Sarmiento, en Un Hombre Civilizado y Bárbaro, obra escrita por Raúl Serrano. Aquí nuevamente, vuelve a brillar, en este caso dando vida a un tirano abyecto, con una interpretación magistral, que realmente emociona.

Si bien Mario es quien se lleva las miradas y los mayores elogios, lejos se encuentra de estar solo en escena. Son ocho los actores que lo acompañan y lo hacen realmente muy bien. No podemos dejar de mencionar el esfuerzo que significa montar en tiempos de pandemia, una puesta con tantos artistas en escena, algo que esta obra requiere y se cumple en gran forma.

 

 

 

Hay trabajos muy destacados que no queremos dejar de mencionar. Entre ellos, Ernesto Falcke, como el Duque de Buckingham, primo de Ricardo y uno de sus laderos más influyentes, para su llegada al poder. Muy buena su interpretación, protagonizando una gran escena, dando un encendido discurso en la coronación del nuevo monarca. Destacamos el trabajo de Cristian Ottonello como su hermano Clarence y Hastings, imprimiendo mucha pasión a su personaje. Se luce también Adrián Herrera , como Rivers y Richmond, figura clave en el desenlace del relato.

De lado femenino, nos impresionó, la composición llena de energía de Cora Barengo, como Margarita, la reina desterrada, que logra transmitir su sufrimiento y su dolor, maldiciendo de todas las maneras posibles a los York. Mariángeles Alfonso con Lady Ana y la Duquesa de York, protagoniza momentos de hondo dramatismo, con mucho realismo. Y Carolina Ghio, como la Reina Isabel, completa las actuaciones femeninas, todas ellas muy destacadas.

 

 

 

No seamos injustos con Carlos Gabriel López y Gustavo López, que desde papeles secundarios, aportan lo que que requieren sus personajes. Como dijimos antes, si bien Mario Moscoso, es el gran protagonista de la obra, tiene el acompañamiento fundamental de un elenco que cumpliendo muy buenas interpretaciones, permiten que una pieza compleja y con tantos personajes, lleguen al espectador de muy buena forma.

 La puesta es realmente atractiva, aprovechando todas las posibilidades que ofrece este bello teatro, que siempre predispone bien al público. Nos gustó mucho el diseño lumínico en manos del antes mencionado Raúl Serrano, con un ambiente de penumbra y oscuridad acorde con la trama. Otros ítems a destacar, son el particular diseño de vestuario con algún toque moderno de Julieta Iribe y la música de Fernando Giusiano. Todo coordinado por Mario Moscoso, que además es el director de la obra y el máximo responsable de una puesta, que resulta atrayente para los espectadores, algo fundamental en piezas clásicas que pueden muchas veces resultar complejas y algo densas, algo que aquí no ocurre nunca y eso sin dudas, tiene que ver con aciertos de la puesta.

 

 

 

 

Impacta la actualidad que tiene este texto escrito hace más de quinientos años y que nos habla de la corrupción del poder, la falta de escrúpulos, la traición como herramienta política y deja en primer plano, el cinismo, la mentira y la manipulación a la que recurren los gobernantes de manera habitual  para ejercer el poder. El relato resulta crudo y atrapa al espectador, que encuentra muchas coincidencias entre un maquiavélico Ricardo III y figuras reconocidas de nuestra política de las últimas décadas, algo que sin dudas, además de llevarnos a la reflexión, nos provoca mucho dolor.

No queda mucho más para decir, solo nos queda recomendar la obra. Vale mucho la pena acercarse a este teatro alejado del circuito habitual del teatro independiente, pero que siempre nos acerca propuestas de enorme calidad y esta estupenda versión de Ricardo III, es una muestra de ello. Los prolongados aplausos, con que los espectadores, despiden a los protagonistas, al final de la función, además de ser merecidos, son el mejor cierre para la gran noche de teatro independiente que vivimos, con este clásico de Shakespeare, que tiene una vigencia absoluta.

Pensador Teatral.