Coto de Caza, de dos Cazadores

Dramaturgia y Dirección de Víctor Chacón.

Domingos 19 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Un thriller atrapante y cargado de suspenso, llega de la mano de Coto de Caza, de dos Cazadores, obra escrita por Victor Chacón, un dramaturgo al que ya hemos elogiado en anteriores oportunidades en este sitio y que se caracteriza por explorar con agudeza en los recovecos de la mente humana, en este caso nos presentará la historia de dos amigos, que manejarán muchas horas, hasta llegar a una solitaria cabaña cerca al Lago Traful, en la Patagonia, donde estarán solos en contacto con la naturaleza, para compartir de un fin de semana de caza.

Las condiciones climáticas son adversas, esta nevando mucho afuera y entonces los amigos deberán esperar que mejore el clima para salir a cazar. Cristián ( Miguel Ángel Vigna ) es el dueño de la cabaña y quien hace mucho tiempo le venía insistiendo a su amigo Amado ( José Luis Arias ) para que lo acompañara hasta aquel paraje recóndito de la Patagonia. Llevaron algunas provisiones y tanto viaje parece haberles despertado el apetito y la sed, más que nada a Amado, que reclama con insistencia al dueño de casa, que le llene una y otra vez la copa con absenta, un licor verde de alta graduación alcohólica, que el anfitrión le ofrece.

La velada se torna propicia para compartir algunas anécdotas de sus infancias, relacionadas con sus inicios en la caza y con el uso de armas, algo que todo cazador que se precie de tal, debe conocer. Algunas de las anécdotas suenan crueles y algo truculentas,- El alcohol, parece estar haciendo efecto en Amado que luego de cada copa, suelta cada vez mas se lengua. Cristian no toma y se muestra pensativo, mostrando un carácter muy jocoso. Su especialidad es hacer bromas pesadas y su amigo parece ser el blanco perfecto para las mismas, aún más en ese lugar solitario, que el conoce a la perfección porque visitaba de chico con su familia.

El tiempo transcurre entre risotadas, absenta y planes de caza, pero el espectador avezado intuye, que algo se trae entre manos el dueño de casa. Como comentamos, una de las características principales de la obra es el suspenso que conlleva la trama, por lo que no queremos contar demasiado, para preservar el suspenso, pero si vamos a adelantarles, que en determinado momento la historia tendrá un giro dramático y el ambiente jocoso dejará lugar a una atmósfera cargada de tensión. Las risas quedarán de lado y en aire se respirará un aire de venganza y plan macabro o en realidad, estaremos en presencia de otro montaje de Cristián, que le jugará a su amigo una broma muy pesada, de la que se acordará por años. Solo les decimos que deberán estar muy atentos a todo lo que ocurre en escena y obviamente deberán ver la obra, para descubrir el desenlace.

La dramaturgia es atrapante y la tensión sube a medida que avanzan los minutos, principalmente por el estupendo trabajo de la dupla protagónica. Arranquemos por Jorge Luis Arias, como Amado, que aceptó la invitación de su amigo para ir a cazar al sur. En las anécdotas que cuenta, muestra algunos signos de violencia y cierto sadismo, algo que tal vez sea normal para la mente de un cazador. Se lo nota algo incómodo, por tener que soportar las bromas de su amigo, no pudiendo saber cuando este habla seriamente y cuando no. Muy bueno el trabajo de Jorge.

Y que decir de Miguel Ángel Vigna, que es el organizador de la juntada de cacería. Su composición de personaje es magnífica, con cambios emocionales constantes, que hacen difícil para el espectador poder sacarle la ficha. Tiene momentos donde se muestra bromista, otros donde parece tener una mente calculadora y en otros pasajes se asemeja la locura para invadirlo. Miguel es quien lleva adelante las riendas de este thriller de suspenso y realmente lo hace de maravillas. Nos gustó mucho su composición.

Y más allá de los estupendos trabajos individuales de ambos actores, sus composiciones se potencian por la química que demuestran juntos, con mucho realismo y credibilidad. El espectador en ningún momento duda, que está siendo testigo del encuentro de dos amigos y en esto además de las actuaciones, influye muy positivamente la lograda puesta que presenta la obra y ya vamos a mencionar algunos detalles de la misma.

Las acciones se desarrollan en el piso superior de El Camarín de las Musas, en una sala de dimensiones reducidas, que le permite al público estar bien cerca de los protagonistas, dotando a la puesta de un grado de intimidad que es justo elo que pide el relato. Para destacar el muy buen dispositivo escénico de Alicia Manica, que nos permite visualizar el interior de la cabaña, en cuyas paredes se presentan diversos trofeos de caza. La puesta tiene un muy buen diseño lumínico que acompaña los diferentes momentos del relato. Un ítem a destacar es el diseño de vestuario de Kitty Di Bártolo que colabora en la muy buena caracterización de los personajes y por último mencionar el componente musical que tiene la trama, todos elementos que se conjugan para una puesta que resulta muy atractiva.

Y hasta allí vamos a contar, nos gustó mucho la propuesta de Coto de Caza, de dos Cazadores, no suelen abundar los thrillers de suspenso en la cartelera del teatro independiente, por eso celebramos este texto de Víctor Chacón, que se adaptó de manera muy efectiva al formato teatral. La pieza está transitando su tercera temporada en cartel, con muy buena respuesta del público y luego de haberla visto, entendemos los motivos de dicho suceso. La trama atrapa en todo momento y el espectador sigue en silencio absoluto las acciones, tratando de dilucidar que puede suceder en aquel solitario paraje patagónico. 

Por todo lo mencionado solo nos queda recomendar la obra. Los invitamos a que viajen junto a estos amigos, hasta las orillas del Lago Traful, para intentar descubrir cuales son los verdaderos motivos que llevaron a que el dueño de casa organizara aquella cacería. Van a disfrutar de una dramaturgia plena de suspenso, una puesta íntima y actuaciones magníficas de una dupla protagónica que hará de las suyas, para que los espectadores sean testigos de una velada donde la pieza a cazar puede ser muy especial.

Pensador Teatral.

El Hambre, Crónicas de una Compañia Trágica

Dramaturgia y Dirección de Nicolás Manasseri y María Fernanda Provenzano.

Jueves 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4026 )

La dupla de Nicolás Manasseri y Fernanda Provenzano, que conocimos por ser los creadores de El Funeral de los Objetos, exitosa y creativa obra del off, que este año llegó a la calle Corrientes, nos presenta El Hambre, Crónicas de una Compañía Trágica, una comedia musical muy divertida, que nos invita a seguir los pasos de una compañía teatral itinerante, que visitará diferentes pueblos, tratando de ofrecer su arte y encontrar esa oportunidad dorada que todos los artistas anhelan.

La historia que nos cuentan, es una excelente manera de adentrarnos en las peripecias que viven los actores, más que nada en sus comienzos, cuando como tantos otros, tratarán de mostrar sus virtudes y talentos, soñando que justo algún productor o director reconocido los vea, para poder ofrecerles esa oportunidad con la que todos los actores soñaron, cuando abrazaron la carrera, sabiendo que son muchos los que están en la grilla de partida, pero son muy pocos los que llegarán a la meta y conseguirán aquellos papeles protagónicos, que son los que todos pretenden.

Pero en el fondo, los artistas saben que el camino estará lleno de obstáculos, habrá mucha competencia y seguramente muchos fracasos en el recorrido, siendo importante nunca bajar los brazos. La obra precisamente retrata como los actores perseveran, siguiendo su vocación y la búsqueda de cumplir los sueños, para los que se prepararon con tantos años de estudio, ensayos interminables, castings y sabiendo que la mayoría de las veces todo lo que harán es por amor al arte y el hambre estará siempre dando vueltas en su camino, siendo muy difícil que es vivir de la profesión. 

Al haber visto ya un par de obras escritas por Nicolás y con la participación de Fernanda, ya podemos descubrir en sus trabajos una estética particular propia,  bella y poética, donde la música juega un papel muy importante, hay vestuarios coloridos, elencos numerosos y el espacio escénico se caracteriza por tener mucha dinámica. Las tramas son muy entretenidas y el espectador siempre se sorprende, por la multiplicidad de los recursos que se ponen en juego y por la alta creatividad de las propuestas. Bien, todas esas características que mencionamos estarán muy presentes en El Hambre.

Y la potente dramaturgia, cargada de música y despliegue escénico, se apoyará en esta ocasión en un elenco mayormente joven y en muchos casos con artistas que no tienen tanto recorrido y están haciendo sus primeras armas dentro del teatro independiente,. Esto se nota en la hermosa energía que todos ellos tienen, el entusiasmo que le ponen a sus personajes y en la entrega que tienen. Haciendo una analogía con el texto, saben que están ante una gran oportunidad y por eso dejan todo en escena. Siendo esto algo que se nota y el espectador además de agradecer, disfruta mucho.

El elenco es numeroso y los que leen nuestras reseñas, saben que es algo que valoramos mucho, en épocas donde el teatro independiente, está poblado de unipersonales. Son ocho los artistas en escena, un hombre y siete mujeres. Y estamos en un serio compromiso acá, porque como de costumbre nos gusta destacar las actuaciones que más nos gustaron, siendo esta una de esas obras donde las actuaciones además de ser muy parejas, funcionan como un bloque, ya que los ochos personajes están todo el tiempo en escena e interactuando entre ellos, algo que requiere una gran coordinación y repentización, factor que aquí se consigue con creces, quedando claro que hubo mucho ensayo previo para lograr que las acciones fluyan con naturalidad.

Pero bueno, esperando nos ser injustos vamos a mencionar algunos trabajos que creemos se destacan especialmente. Y vamos a arrancar por Mariano Morelli, como Juan de Santos Lugares, que oficia en muchos momentos como el presentador de la historia y es quien lleva el rumbo de la misma. Siendo el único personaje masculino y rodeado de siete actrices, cumple en gran forma su papel. Muy bueno lo de Mariano. Y vamos a seguir con Malena Luchetti, como Amanda Luwis, que la rompe con su personaje. Menudita, con una expresividad a flor de piel y una energía altísima, resulta un imán para el público. A Malena, recordamos haberla visto hace un par de años en el Korinthio Teatro y ya nos había impresionado por su potencia actoral, siendo un gusto volver a verla en escena, con una soberbia interpretación.

Otro trabajo que nos gustó mucho es el de Cinthia Colasurdo, como María de El Palomar, la menos pendeja del elenco, como su personaje lo mencionará de manera irónica en algún pasaje de la obra, mostrando una presencia escénica muy fuerte. . Leila Assad, es Eterlina,  con su bandana y trenzas largas, ses personaje que no pasa desapercibido .por su frescura Lo mismo Zoe Verbena, como Olivia, con una sonrisa que contagia. Verónica de Bunder, inspira ternura, siendo la benjamina del elenco. Nadia Zajic, marca presencia con su potente vozarrón y cerramos el elenco con Belén Frontera, la Poetiza, que regala frescura y es también super expresiva. La diversidad de ver tantos personajes en escena, genera una riqueza de matices que agrega mucho valor a la puesta.

Se hizo algo larga la mención del elenco, pero creemos que es algo merecido, ya que como dijimos las actuaciones aquí funcionan como un bloque y todas encuentran un momento para destacarse y mostrarse. Como espectador, hay que estar muy atento, para no perderse detalle, ya que sucede mucho en el escenario y al estar los protagonistas en escena todo el tiempo, se disfruta mucho viendo las expresiones, los movimientos y el entusiasmo de cada personaje,

La puesta es muy atractiva y la música como dijimos es un sello distintivo de la obra, las canciones son muy pegadizas, luciendo las actrices sus bellas voces y los movimientos coreográficos, apoyadas por la música en vivo de Facundo Cicciu, que la rompe en el piano. Mencionar el diseño escenográfico logrado, con ese carromato al que trepan los personajes y es superlativo el vestuario de La Costurera, que caracteriza en gran forma cada personaje. Hay que ver esas botas, esos vestidos, sombreros, peinados etc. Se cuidan todos los detalles y eso repercute en una puesta magnífica.

Y hasta acá vamos a contar, la obra nos gustó mucho, ya que nos brinda una semblanza del oficio del actor, a partir de una dramaturgia lúdica, con momentos musicales logrados, parlamentos divertidos y estupendas coreografías. Nicolás y Fernanda además ser muy creativos, le otorgan mucha importancia a la belleza y creatividad de la puesta de sus espectáculos, siendo este un sello que ya distingue sus trabajos y genera expectativa por los nuevas obras que seguro están ideando ya.

Por todo lo que contamos, una vez más nos vamos llenos de teatro de Itaca, contentos por disfrutar de una propuesta divertida y alegre, que nos invita a volar con la imaginación y viajar con esta compañía itinerante, que simplemente se siente feliz, por mostrar su arte y perseguir sus sueños. Nos gustó mucho El Hambre, Crónicas de una Compañía Trágica y celebramos las interpretaciones de un elenco joven entusiasta y talentoso, que emulando a los personajes de la Compañía Trágica, saben que están ante una gran oportunidad y la abrazan con todo el amor y la pasión, que su vocación les dicta.

Pensador Teatral.

La Negación de la Negación

Dramaturgia y Dirección de Marcelo Savignone.

Martes y Sábados 20 hs en Belisario Club de Cultura ( Av. Corrientes 1624 ) 

Una ceremonia lúdica y plena de teatro físico, distingue a esta bella propuesta de Marcelo Savignone, admirador y estudioso de las obras de Anton Chejov, que ofrece esta obra que jugando con el teatro dentro del teatro, desgranará algunas escenas destacadas de tres importantes obras del dramaturgo ruso, como ser Tio Vania, Tres Hermanas y La Gaviota, todos textos que Marcelo presentó en algún momento y que ahora aparecerán juntos y compendiados en un formato muy particular.

Los personajes de las obras Chejovianas, estarán presentes en el escenario del Belisario. Aparecerá el Tío Vania, Elena, Sonia y el Doctor. También veremos Olga, a Masha y a Andrei. Y en el final, estarán ante nosotros Irina y Boris. Todos ellos serán parte de una noche teatral, donde lo onírico y lo real se fundirán más de una vez, provocando que la teatralidad quede expuesta de manera evidente, a lo largo de una noche de emociones, para deleite de la platea. Y quienes han visto algunas de las obras de Chejov, sin dudas tendrán un plus.

No queremos comentar demasiado para mantener la sorpresa, pero si les adelantamos que la obra que tiene un componente muy alto de humor y grotesco, con actores que jugarán de manera hábil con la teatralidad, ya que seremos testigos de los recuerdos de un elenco, que participó en anteriores puestas de Chejov, recordando anécdotas de algunas funciones y como sus vidas transcurrían por aquellos años, observando aquel pasado desde un futuro que los observa como si fuera diferentes personas.

La puesta tiene una belleza poética y una fuerza creativa que queremos destacar. La trama no es sencilla y requiere un compromiso grande del elenco reunido, que es algo que se observa de manera nítida. Los actores juegan en escena y compran el espíritu de una propuesta donde el teatro físico y la música, son lo que marcan el ritmo de una trama muy dinámica.

La trabajos actorales son realmente muy buenos. En nuestra opinión, quien más destaca es Marcelo Savignone, que además de ser el autor y el director, realiza una composición estupenda de diferentes personajes chejovianos. Destacar el histrionismo y el desparpajo que muestra en el escenario. Su cuerpo y sus palabras fluyen de manera natural. Se nota que disfruta de la obra, mostrando una energía que se contagia a la platea y una alegría por poder presentar esta obra, que articula teatro y filosofía. Gran aplauso para Marcelo, que conmueve con su entrega.

Corriendo el riesgo de ser injustos, otro trabajado que queremos destacar especialmente el trabajo de Sofía González Gil, una actriz muy carismática, a la que vimos este año en Escorpio, una entrañable obra del off. Aquí con una gestualidad a flor de piel y una gran presencia escénica logra cautivar a la platea, en especial con su personaje de Elena. Nos gustó mucho lo de Sofía. Otro trabajo que debemos resaltar es del Belén Santos, que muestra muy buenos recursos actorales y resulta una muy grata revelación.

Como mencionamos antes, uno de los aspectos más destacados de La Negación de la Negación es su distinguida y bella puesta. En primer lugar, hay que destacar la potencia del diseño lumínico, que resulta sorprendente y clave para el desarrollo del relato. La música como dijimos es otro componente clave, con actores que tocan instrumentos y cantan muy lindo. Se disfrutan mucho esos momentos. Y por último mencionar el vestuario de Mercedes Colombo, que suma mucho en cada una de las caracterizaciones.

Y hasta aquí vamos a contar. La Negación es una propuesta atrapante y realmente original de Marcelo Savignone, que se zambulle en la obra de Chejov, para regalarnos una pieza que se disfruta con todos los sentidos. Una obra sensible y con una estética bellísima. Veremos cuerpos que habitan el espacio escénico y se entregan con todo a lo lúdico, para hablar de Chejov, del paso del tiempo y del arte de la actuación. Todo esto, llega gracias a la creatividad de Marcelo Savignone y de un elenco talentoso, que nos invita a disfrutar de una noche teatral, donde lo lúdico se impone.

Pensador Teatral.

La Película Inconclusa

Dramaturgia y Dirección de Marcos Rosenvzaig.

Jueves 21 hs en El Tinglado Teatro ( Mario Bravo 948 )

Llega a la cartelera porteña, una creación de Marcos Rosenzvaig, inspirado en la obra del autor polaco Tadeusz Kantor, creador del Teatro de la Muerte, un estilo teatral que se enfoca en temas relacionados con los traumas del pasado, los recuerdos, el temor al olvido, el amor y por supuesto la muerte, como tópico central.  Rosenzvaig descubrió a a Kantor, viendo una obra suya en el Teatro San Martin en 1987 y desde ese momento abrazó con pasión al autor. Tanto que viajó a Cracovia y se estableció allí durante seis meses, para entrevistar a integrantes de su compañía y empaparse in situ de su obra y legado.

Pasaron varios años desde aquel viaje y en el marco de las Jornadas Tradeusz Kantor en la Argentina, Marcos estrena La Película Inconclusa, una obra que se caracteriza por salir de lo convencional, con gran riqueza visual y con un formato particular, que establece un universo onírico y surrealista, en el que las imágenes se entrelazan y están en continuo movimiento, con la música siempre acompañando. En el escenario veremos algunos muñecos, máscaras y maniquís acompañando e interactuando con los protagonistas. Todo lo mencionado, ofrece el marco adecuado para disfrutar de un despliegue escénico muy importante, que incluye catorce actores en escena, que se entregan por completo al juego lúdico que pide la dramaturgia.

Las acciones arrancan, con una joven sentada en un bicicleta fija abajo del escenario, que tiene un proyector de películas de 35 milímetros en lugar del manubrio. La joven proyectista pedalea y mueve una manivela, surgiendo una luz que apunta al escenario y el espectador comprende que arrancó una noche de teatro diferente, donde veremos a un grupo de actores, desplegar una danza cinéfila en el escenario, donde se repasarán diferentes momentos de sus vidas.

El movimiento en escena es frenético, los actores bailarán al compás de una música que por momentos resulta desgarradora. El ambiente está cargado de angustia y tensión, aparecen los recuerdos traumáticos de la infancia, aquella maestra de primer grado, los amigos de siempre, el amor y ese miedo a no trascender en el tiempo, y que en unos años nadie nos recuerde. Todo lo mencionado derivará en la llegada de la muerte tan temida, que faltamente nos llegará a todos, aunque intentemos por todos los medios eludirlas.

Los cuadros irán avanzando por momentos y retrocediendo en otros, los protagonistas parecen atrapados en una película sin fin y con una historia ya escrita. Por momentos rige el absurdo, por momentos el humor y la mayor parte del tiempo la angustia existencial invade esos cuerpos. El universo surrealista se completa, con un personaje de capa negra que intuimos es Satanás, que tijera en mano será testigo de las escenas y cuando algo no le cierra, cortará el celuloide, para que las acciones frenen y reinicien luego. La lucha entre el bien y el mal, los demonios y los ángeles, girarán en faltar en el carrusel de la vida, que se despliega en el escenario.

Y hasta allí vamos a contar, lo mejor que es el espectador abra su mente y se entregue a la dramaturgia, sin buscar un desarrollo lineal y disfrute de la belleza estética que nos entrega una puesta estupenda y un elenco al que queremos destacar. Como dijimos antes, son nada menos que catorce los actores en escena y la mayor parte del tiempo, están todos juntos en el escenario, por lo que se requiere una enorme precisión en los movimientos y en las coreografías, algo que sin dudas requirió mucho ensayo previo. Hay mucho que ver en el escenario, las expresiones de los rostros, los movimientos de los cuerpos y esa energía que cada actor transmite.

Las actuaciones funcionan como un bloque, la trama se mueve como conjunto, por eso resulta complicado destacar trabajos individuales, pero a nosotros siempre nos gusta hacerlo, así que con el riesgo de ser injustos vamos a mencionar algunas interpretaciones. Como dijimos la música es parte fundamental de esta historia y en ese rubro tenemos que destacar a Marina Padilla García, la proyectista,  montada en bicicleta y a Juan Salvador Trupia, un ángel en escena. Hermosas sus voces líricas que conmueven a los espectadores, con bellísimos momentos musicales que elevan la puesta. Además en ellos, la música parece funcionar como catalizador entre lo real y lo onírico, pero hasta ahí les contamos, cuando vean la obra entenderán lo que decimos. Muy bueno lo de Mariana y Juan.

Muy destacada también la composición de Alejandro Mazza, que lucha por escapar de la muerte y derrotar sus miedos. A Alejandro lo elogiamos en varias oportunidades en este sitio y aquí volvemos a destacarlo, por un gran composición, dentro de un elenco muy numeroso. Gabriela Ramos como Satanás, es otra actuación que queremos resaltar Laura Pons Vidal sobresale como una prostituta que debe luchar contra la mirada acusatoria de los demás. Horacio Wuille Bille, es el cura / cirujano, Adriana Pragliasco la directora de la escuela y Eugenio López Arriazu, como el profesor de latín. Mencionamos solo a parte del elenco, para que no se extienda tanto la reseña, pero como dijimos antes, todas actuaciones funcionan como un bloque y todos aportan para el lucimiento del conjunto.

Hay que dedicar un párrafo a la puesta, ya que el despliegue escénico es un aspecto muy destacado de esta obra. La coordinación de tantos actores en el escenario al mismo tiempo no es algo sencillo y hay un gran acierto desde la dirección en este aspecto. La música ya lo dijimos es uno de los motores de la historia y también queremos mencionar el vestuario del Teatro Argentino de la Plata, fundamental en la caracterización de los diferentes personajes.

En lo personal, siempre valoramos las propuestas que se animan a salir de la zona de confort y no tienen miedo de arriesgar, este sin dudas es el caso de La Película Inconclusa, creación de Marcos Rosenzvaig, que se toma a pecho el desafío de homenajear a Tradeusz Kantor y su género de Teatro de la Muerte, que desde el humor, la ironía y el absurdo, logra conmover al espectador, tocando temas universales y profundos, como la vida, los miedos y la muerte, tópicos que entre muchos otros, estarán presentes a lo largo de la obra que nos convoca.

Solo nos queda recomendar a los espectadores, que se entreguen a esta experiencia teatral diferente, que propone La Película Inconclusa, que no busquen un argumento lineal y racional, porque no es lo que quiere transmitir esta obra.  En este universo kantoriano y surrealista, las imágenes fluyen a borbotones, con una puesta bella y altamente creativa y de la mano de las magníficas composiciones de un grupo de actores, que con pasión, se sube al escenario, para representar la película más importante de todas, la película de sus vidas.

Pensador Teatral.

Parlamento

Dramaturgia y Dirección de Piel de Lava.

Martes 20 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Santos Discépolo 1857 ) 

Se está convirtiendo en una grata costumbre, esperar con expectativa cada nuevo espectáculo de Piel de Lava, grupo teatral integrados por cuatro talentosas actrices, que ya llevan dos décadas juntas, creando obras que interpelan la condición humana y exponen sus comportamientos, con propuestas divertidas y profundas a la vez, que además de invitarnos a reflexionar, nos hacen reír mucho, siendo una combinación que en estos momentos, el público recibe agradecido.

Seguramente el público recuerda Patroleo, su anterior obra, donde las actrices representaban a cuatro hombres que trabajaban en yacimiento petrolífero de la Patagonia, que fue una gran éxito de  público y crítica. En esta nueva creación colectiva, la 6ta desde la formación del grupo, Piel de Lava pone la lupa en el ,mundo de la política, analizando sus discursos y códigos, con una puesta divertida y desopilante, que nos invita a viajar al futuro para ser testigos del funcionamiento de un parlamento global en órbita.

La Tierra está atravesando momentos complicados, los incendios y el caos en las calle, son la postal que pueden ver desde el espacio, estas diputadas que representan a distintos países del globo terráqueo y deberán responder a las reglas que les recordará una díscola presidenta de la Cámara, una española representada de manera magnífica por Pilar Gamboa. La trama hábilmente juega entre la satirización y lo absurdo, remarcando lo burocrático y reglamentario, que resulta el funcionamiento de estos organismos, que parecen más preocupados por los temas de forma, guardar las apariencias y cuidar sus quintitas, sin importar estar alejadísimos de la realidad y los verdaderos problemas de las personas a las que supuestamente deberían representar.

Las diputadas tendrán momentos de debate y otros en los que podrán presentar sus spots de campaña, en los que expondrán discursos encendidos que navegan entre el populismo y la extrema derecha. La obra a nuestro entender de manera acertada y en línea con el carácter global que tiene la historia, evita hacer alusiones directas a la política local y se privilegia la visión mundial de un universos caótico. Además de las diputadas, veremos en acción a los cromas, unos hombrecitos vestidos de verdes, que cumplen tareas generales en el parlamento, sirviendo café, alcanzando los papeles o limpiando, entre otras funciones, quedando bien marca la diferencia de clases que pese a estar en el espacio, se sigue observando de manera nítida.

La obra es un gran delirio, pero a la vez nos resulta muy cercana a la realidad de la política actual, encerrada en un microclima propio, mirando siempre desde arriba a la gente y preocupados por cuestiones que solo les interesa a ellos, ya sea para satisfacer algún interés personal o beneficiar a algún familiar. El grupo realizó una investigación perfomática sobre los discursos y al accionar de los políticos contemporáneos-Viendo la obra, podemos decir que los resultados de aquella observación fueron satisfactorios, ya que los espectadores, corriendo la cortina del ridículo que envuelve a la historia, puede reconocer a aquellos políticos patéticos y mentirosos de su día a día.  Y hasta allí vamos a contar, para no spoilear más, porque la obra tiene varias sorpresas reservadas.

Momento de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra. De más esta decir, que las cuatro actrices son muy talentosas y además se conocen a la perfección entre ellas, mostrando una química que siempre agrega valor a las interacciones Y en composiciones muy destacadas, a nuestro entender los mayores elogios se los lleva Pilar Gamboa, en el papel de una Presidenta del Parlamento hilarante. Siempre pendiente de sonreír para la cámara de la televisión y enfocada en el cumplimiento estricto del reglamento, compondrá un el personaje más divertido de la historia, siendo un deleite su acento bien castizo.  Muy graciosa Pilar.

Nos gustó mucho el trabajo de Laura Paredes, diputada proveniente de Venezuela, con un delicioso acento caribeño, como una empresaria que resalta sus orígenes humildes. Genial su extraño spot de campaña donde resalta la importancia del deseo. Está muy bien Laura. Elisa Carricajo, es representante por Italia y defensora a ultranza de la propiedad privada. Gran presencia escénica de Elisa, con una gestualidad que se disfruta mucho. Vale aclarar que la lengua oficial del parlamento es el español, entonces su personaje tiene que tener acento italiano, pero no hablar en esa lengua, algo que a nuestro entender le quita algo de fluidez en los diálogos, algo que se disimula por su enorme ductilidad, pero que a otro actriz costaría mucho llevar adelante el personaje . La misma sensación tuvimos con Valeria Correa, representante de Brasil, que tenia que hablar en un castellano forzado, cuando el portugués le hubiera quedado mejor al personaje ( lo demuestra en el momento de la jura )  Igual es solo un detalle el que marcamos, Valeria es una magnífica actriz y realiza una estupenda interpretación, como una efusiva defensora de la portación de armas.

Pero en esta ocasión, las actrices de Piel de Lava no están solas en el escenario. Las acompaña Federico Zypce a cargo del diseño sonoro y la música que tiene la obra. Su aporte es fundamental, siendo la banda sonora en vivo, estando a cargo de todos los sonidos de la historia, protagonizando además algunas escenas actuando y luciendo su estupenda voz en algunas partes cantadas que tiene la obra y él lleva adelante. Ah no lo aclaramos, es la bandera de ceremonia del parlamento galáctico. Que es eso ?? Deberán ver la obra para enterarse. Solo vamos adelantarles que la rompe Zypce. Gran acierto su incorporación y que buena idea sería verlo en nuevos trabajos del grupo.

La puesta es moderna y muy atractiva, con un diseño escenográfico de Rodrigo González Garillo con toques futuristas y un parlamento que bien podría ser un set de televisión. Rodrigo también es responsable del vestuario colorido con elegantes trajecitos de las actrices y el verde de los cromas. Muy destacado el diseño lumínico de Santiago Badillo y la música como ya mencionamos de Zypce, siendo todos recursos que confluyen para una puesta que engancha al público.

Y hasta acá vamos a contar, Parlamento arrancó como una creación experimental durante una residencia el año pasado en el espacio Arthaus, dando este año el salto, llegando al Picadero, llenando la capacidad de la sala en cada una de sus funciones, lo que habla de las ganas del público, por conocer el nuevo trabajo del grupo . Y además en lo interesante de la temática de esta nueva obra, que nos propone una mirada ácida a los discursos políticos, poniendo la lupa en las formas y en la manera de transmitir las ideas, dando voz a mujeres que plantean discursos derechosos, sin perder nunca vista, lo delirante que tiene toda la propuesta.

Recomendamos conozcan la última creación colectiva de Piel de Lava, un grupo que no deja de sorprender por la calidad y originalidad de sus propuestas. Acá nada menos, decidiendo abrir un parlamento global en pleno espacio. Hasta allí viajarán las talentosas actrices, para hacer de las suyas, satirizando mecanismos y comportamientos de los políticos, que suenan exagerados y ridículos, pero que si los miramos con detenimiento, tienen muchísimo que ver con la realidad. Por eso, para reír y reflexionar nada mejor que abordar la nave espacial y sacar boleto con destino al buen teatro independiente.

Pensador Teatral.

Estrujadas

Dramaturgia y Dirección de Nazareno Molina.

Domingos 17 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Un texto valiente y de varias capas nos acerca Nazareno Molina, joven dramaturgo entrerriano, que escribió una historia que nos hablará de relaciones familiares atravesadas por la mentira. La importancia de cumplir los mandatos sociales y el daño que causa la mirada del otro, siempre lista par juzgar aquello que escapa de la supuesta normalidad, estarán presentes en una dramaturgia profunda, que además nos hablará de los prejuicios y la importancia que tiene la búsqueda de la identidad.

Las acciones arrancarán con tres mujeres que acaban de regresar del velorio de Ramón. Lo lloran su esposa Rosario ( Mirta Seijo ) y sus hijas Isabel ( Silvia Dell´Aquila ) y Mateo ( Nazareno Molina ). En la casa los recibirá Aida ( Miriam Schlotthauer ), el ama de llaves de la familia, desde hace muchísimos años. No nos equivocamos en el párrafo anterior, mencionamos que una de las hijas se llamaba Mateo y esto tiene que ver con una elección personal, de alguien que se sintió mujer y decidió cambiar de género, soportando todas las habladurías y la discriminación del entorno.

Las caras en aquella son de tensión y esto ocurre porque antes de morir, Ramón confesó un secreto familiar que estaba guardado bajo siete llaves y que desataría una verdadera tormenta en el seno de aquella familia. La obra tiene una cobertura de comedia y tiene momentos muy divertidos, pero en el fondo esconde una fuerza dramática tan fuerte como inesperada, una realidad paralela y oscura que parecía estar a resguardo y que ahora está a punto de salir a la luz y hasta allí vamos a contar para mantener el suspenso, de una dramaturgia que navega con habilidad entre las risas, las emociones y el llanto.

Pero no queremos contar más para mantener el suspenso, ya que el mismo, es un componente fundamental de la pieza y no queremos adelantar más. Solo les recomendamos que estén muy atentos, porque estamos ante una de esas historias, donde nada es lo que parece. Momento entonces de hablar de las magníficas actuaciones que presenta la obra, siendo este uno de esos casos, donde todas las composiciones son todas muy destacadas y además hay un muy buen desarrollo de los personajes, cada uno de logra un buen recorrido en la trama y pueden mostrar características propias que enriquecen las composiciones.

Y arranquemos por Mirta Seijo, que en actuaciones parejas por lo buenas, es a nuestro entender quien más se destaca. Componiendo a una madre manipuladora que maneja con sigilo los hilos de aquella familia, mostrándose estricta dentro del ámbito familiar, pero teniendo una faceta oculta, que muestra eb las redes sociales. Nos encantó el trabajo de Mirta, una actriz exquisita.  No se queda atrás Silvia D´Aquila, como Isabel, que tiene la difícil tarea de ser nexo entre su madre y Mateo, debiendo al mismo tiempo adaptarse a una celiaquía que le diagnosticaron recientemente. Muy bueno lo de Mirta.

Miriam Schlotthauer interpreta a Aída, el ama de llaves que juega un papel clave en la dinámica de aquella casa, mostrándose en apariencia ajena a todos los conflictos, pero apareciendo en momentos claves y yendo al chino cuando el clima se pone espeso Es el personaje más divertido de la historia y presenta varios síntomas de una enfermedad que resulta preocupante para la dueña de casa. Nos gustó mucho Miriam. Y para el final, nos queda mencionar a Nazareno Molina, que además de ser el autor y director de Estrujadas, muestra que es actor dotado de una sensibilidad muy particular, para llevar adelante el personaje femenino de Mateo, que será clave en la historia, con tenacidad para conocer la verdad y su identidad.

La puesta es otro punto bien alto de la obra, gracias a su belleza estética y el cuidado de todos los detalles. Magnífico del diseño escenográfico de Sabrina López Hovhannessian, con ese living familar tan coqueto, como cálido ( nos encantaron la lámparas ). Sabrina también tiene a su cargo del vestuario, otro ítem destacado y que suma para la muy buena caracterización delos personajes de la historia. Y por último mencionar, la iluminación de Rubén Andreatta y el diseño de luces de Vanesa Gumiero, importantes creando los diferentes climas que pide la trama.

En definitiva, nos gustó mucho la propuesta de Estrujadas, que basada en hechos reales que conoció el autor, nos acerca una historia donde la mentira y la hipocresía serán centro de vínculos familiares dominados por el miedo a la mirada de los otros y al dedo acusador de una sociedad, que mira con desprecio a quienes se atreven a salir de los cánones que se consideran normales y es experta en aplicar el peso de la condena social, que resulta un castigo tan injusto, como lacerante.

Recomendamos vean Estrujadas y descubran el secreto que se esconde en el interior de esta familia. Se encontrarán con una dramaturgia valiente y actual, una puesta bellísima y actuaciones sobresalientes de un elenco con muy buen recorrido, que los harán reír y emocionar, siendo parte de una historia de mentiras, miedos y prejuicios, que nos invita a reflexionar sobre que límites estamos dispuestos a romper, en búsqueda de abonar lo políticamente correcta, sin medir las consecuencias y los daños que se provocan por no afrontar la realidad.

Pensador Teatral.

Amarte es un Trabajo Sucio.

Dramaturgia de Iñigo Guardamino. Dirección de Raúl Garavaglia.

Sábados 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Texto que llega desde España, de la mano de Iñigo Guardamino, dramaturgo y director bilbaíno, que escribió esta obra buscando retratar lo problemático que puede resultar para los jóvenes conseguir su primer empleo y como la llegada de las aplicaciones de reparto a domicilio, como Rappi o Pedidos Ya en nuestro país, puede ser una salida momentánea, que les permite a los jóvenes conseguir ingresos, siendo sus propios jefes y manteniendo una independencia en cuanto a los horarios en los que deben trabajar.

Este sería el gancho de las empresas de delivery, para enganchar a los jóvenes, disimulando situaciones de precarización laboral y situaciones riesgosas que viven los repartidores en la calle, con el permiso de una legislación laboral flexible, que permite algunas situaciones cuanto menos polémicas, en pos de que muchos adolescentes, consigan su primer empleo. Cuando quien escribe estas líneas era joven, los primeros trabajos eran como cajeros en algún local de comida rápida o vendiendo servicios de ambulancias a domicilio. Hoy con la llegada de los celulares y la tecnología, ser un repartidor resulta una de las salidas laborales más habitual, para quienes arrancan.

La obra nos contará con una muy buena cuota de humor y satirización, la historia de David  ( Felipe Martínez Villamil ) un joven al que no le está resultando sencillo dar el paso a la adultez. Recibido recientemente de abogado, no consigue insertarse en el mundo laboral, fracasando de manera estrepitosa en sus últimas entrevistas. En el ámbito familiar tampoco se siente muy cómodo, viviendo con una madre sobreprotectora ( Ro Kreimer ) y añorando por la ausencia de un padre que abandonó el hogar en la pandemia. Y por último en el ámbito amoroso, es donde mejor se lo puede ver, porque tiene una bella novia ( Brenda Raso ) que trabaja como comunity manager de varias empresas a la vez. El problema es que su novia es cultora del poliamor y al no darle exclusividad, David no era su único novio.

Lo laboral era lo que más lo atormentaba y por eso se puso muy contento, cuando consiguió empleo en Hermes, la exitosa empresa de repartos. Los comienzos serian complicados, porque ni su madre, ni su novia estaban conformes que con sus estudios sea delivery y además en el arranque por ser nuevo en la aplicación, los pedidos no le llegaban de manera asidua y se pasaba la mayor parte del tiempo pedaleando sin rumbo o parado en una plaza, esperando que le cayera un pedido salvador. que le reporte una buena propina, porque Hermes no pagaba sueldos fijos y los únicos ingresos provenían de las propinas que le daban los clientes. Por eso la cosa era clara, si no repartía no cobraba.

La obra con mucho humor y exagerando algunas situaciones logra exponer una temática actual y reconocible, donde los jóvenes aceptan trabajar sin tener un sueldo fijo, una obra social y ni siquiera cuentan con una ART que los cubra de un posible accidente en la calle o de que algún delincuente les robe la moto. La dramaturgia con la mirada central en el tema de la problemática laboral, además hablará de poliamor, religión gracias a un compañero de trabajo evangelista y de vínculos familiares conflictivos, con una madre que se mete en todo y un padre ausente que aparecerá de manera casual. Y hasta allí contamos, como dijimos con humor y algunas situaciones exageradas, irá transcurriendo una trama muy entretenida, hasta llegar a un final que no vamos a adelantar.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. son siete los actores en escena y si bien hay algunas diferencias de registro que se aprecian, más que nada por la dispar experiencia de los actores, el balance es positivo y todos consiguen llevar a buen puerto sus personajes, destacando algunos más que otros, pero ninguno desentona y hay trabajos que vamos a destacar especialmente. 

Arranquemos por Felipe Martínez Villamil, como David, el protagonista de la historia, que es una verdadera revelación, ya que tiene un desafío importante al estar a cargo de este protagónico y lo resuelve en muy buena forma, dotando a su personaje de frescura y credibilidad. Estando todo el tiempo en escena, Felipe realiza un estupendo trabajo y obtiene muy buen crédito para futuros trabajos. Nos gustó mucho la composición de Brenda Raso, como Marta, la novia de David. Moderna y canchera, es un buen ejemplo de un millenial, hiper conectado. Está muy bien Brenda en su papel.

Sigamos con Ro Kreimer como la madre de David. Muy divertido su personaje, sobreprotectora al máximo con su hijo y disfrutando de su flamante " soltería " disfrutará de sus últimos cartuchos en el amor. Nos reímos mucho con el personaje de Ro. Párrafo especial para Gregory Peck, quien será el representante de Hermes en el escenario, dando cuenta de un personaje tan original como divertido, del que no queremos adelantar demasiado. Pero no seamos injustos con el resto, Roberto Acosta es Samu, repartidor de Hermes y pastor evangélico. Héctor Díaz es el padre de David, que aparecerá de manera casual en la historia y Claudia Seghezzo como una entrevistadora sagaz. Los tres logran aprovechar sus intervenciones.

Y hasta allí vamos a contar, la historia por momentos se hace algo extensa, pero el interés nunca decae y eso se debe a la dinámica de una puesta dirigida por Raúl Garavaglia, que además de ser el director de la obra, fue quien adaptó el texto para introducirle algunas variantes, que lo aggiornen a nuestro país, cambiando algunos modismos y modificando alguna escenas, logrando un muy buen resultado, ya que logra traer un texto escrito en España, a nuestra realidad, mostrando como alguna temas son universales, siendo el del trabajo juvenil y la crisis existencial que se atraviesa en aquella edad, algunos de ellos.

Amarte es un Trabajo Sucio ( Pero Alguien Tiene que Hacerlo ) es el ingenioso título que tiene esta obra, que busca dar visibilidad a ese ejército de ciclistas, que sin importar que haga calor, frío o llueva, irán a toda velocidad por las calles, exponiéndose a diversos riesgos, pero con la idea fija de llegar a tiempo con su pedido, para que el cliente los reciba con una sonrisa, los califique de manera positiva y obviamente les deje una buena propina. Sin dudas una obra que toma una temática muy actual y además de sacarnos una sonrisa, nos hará reflexionar sobre los nuevos trabajos de la sociedad en la que vivimos.

Pensador Teatral.