Juana La Loca

Dramaturgia de Pepe Cibrián Campoy. Dirección de Ana Padilla.

 

 

 

Jueves 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Llega a la cartelera porteña, este unipersonal escrito por Pepe Cibrián Campoy, que nos hablará de un personaje histórico de gran relevancia, como sin dudas fue Juana de Castilla, hija de los Reyes Católicos, Isabel y Fernando. Más conocida como Juana La Loca, que con dieciséis años, tuvo que viajar a Flandes, para contraer matrimonio con Felipe El Hermoso, archiduque de Austria. 

 

 

 

Claramente fue un matrimonio por conveniencia organizado por los Reyes Católicos, por razones políticas y ella discutió mucho con su madre por esa decisión, ya que no le parecía para nada simpática, la idea de irse lejos de casa y unir su vida con un hombre al que no le conocía, aunque fue lo habitual en esa época. Pasado el tiempo, podemos aseverar que aquella decisión paternal, arruinó su vida, ya que tras la prematura muerte de su esposo, fue recluida y vivió más de cuarenta años encerrada en el Palacio de Tordesillas, víctima de las traiciones de su entorno más íntimo, recibiendo el mote de Juana La Loca.

En la obra que se presenta en el Patio de Actores, Juana ya está encerrada y aislada, sola con su alma y luchando contra las tempestades que navegan en su mente. La historia no presenta un relato lineal en el tiempo, lo que permite recorrer diferentes momentos de la vida de Juana, por lo que aparecerán fragmentos anteriores a su partida a Flandes, momentos que compartió con el esposo que amaba y desde luego el largo tiempo del encierro, que resultó una verdadera pesadilla. Algo lógico, ya que estuvo casi medio siglo confinada y sin contacto con el mundo exterior.

 

 

 

 

 El relato logra trasmitir el profundo amor que sintió Juana por su amado Felipe y también los celos enfermizos que siempre le tuvo. El tema la obsesionaba y al contraer matrimonio, le hizo prometer a su esposo que le sería fiel y que siempre estarían juntos. La promesa no fue honrada, siendo los amoríos de Felipe, un secreto a voces, en la corte real, para pesar de Juana, que sufría mucho estos desaires. Comentan las crónicas de la época que su estado mental ya no era el mejor, para cuando la sorprendió la muerte repentina de Felipe el Hermoso, siendo este un golpe emocional durísimo para Juana, que no pudo soportar.

El texto de Pepe Cibrián, está escrito en verso, lo que significó un esfuerzo extra para Ana Padilla, la directora,  para llevarlo a escena y un desafío enorme para la protagonista de la obra, que ya es hora de hablar de ella, nos referimos a María Seghini, que realiza una composición fantástica de este mítico personaje histórico.

Es sabido ya lo complejo que es llevar adelante un unipersonal, este texto en particular es muy exigente, ya que tiene parlamentos muy largos, que María debe sostener a lo largo de la trama, representando además otros personajes, como su madre la Renina Isabel, su esposo Felipe el Hermoso y su nieto Felipe II, entre otras figuras que entrarán al relato en gran forma, gracias a su repentización, para entrar y salir en segundos de los diferentes personajes.

 

 

 

 

Enorme el trabajo actoral de María Seghini, totalmente a la altura del protagónico, manejando con maestría los diferentes tonos de voz que requiere la trama, resaltan ojos tan expresivos y desorbitados que miran al publico como pidiendo auxilio por la prisión  que sufre y ese recorrer frenético del escenario, tal animal enjaulado, que sufre el cautiverio. Descomunal interpretación de María, un placer poder verla en escena.

Mérito también para Ana Padilla, que cuando se abrazó al texto, inmediatamente pensó en ella, para representar a Juana y vaya que fue acertada la elección. Destacamos la sensibilidad de Ana en la dirección, con una escenografía despojada, solo un sillón majestuoso en el escenario como único elemento, para graficar la soledad de la protagonista. Hay un estupendo diseño lumínico de Gismondi, que genera climas estupendos en el relato y otro ítem para destacar es la música original de Ana Foutel. Una puesta minimalista, bella y plena de poesía logra la directora.

 

 

 

 

No vamos a contar más, el resto se lo dejamos a ustedes, cuando vayan a ver la obra. Sin dudas, la recomendamos, ya que se sorprenderán con la historia de amor, celos y pasiones que este personaje histórico tiene para contarnos, mostrando su sufrimiento y las traiciones que debió soportar a lo largo de su desdichada vida.

Como broche de oro, para la hermosa noche de teatro vivida, comentamos que el azar dispuso, que coincidiéramos en la función, con Pepe Cibrián Campoy el autor de la obra, que por primera vez veía esta versión. Verlo al final, aplaudiendo de pie a la protagonista, fue la síntesis perfecta de la velada teatral, una noche a pura emoción, de esas,  que el teatro independiente cada tanto, nos tiene reservada.

Pensador Teatral.

Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso

Dramaturgia y Dirección de Marcelo Pérez.

 

 

 

Domingos 19 hs en Teatro Calibán ( México 1428 ) 

Una sorpresa muy agradable, resultó la opera prima del poeta y dramaturgo Marcelo Pérez, que ya desde el título elegido para la obra, Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso, nos anticipaba un texto profundo, que de la mano de una dupla protagónica soberbia, bucea en el universo femenino, tocando temas existenciales, como el amor, los mandatos sociales, la relación con los padres, sueños, frustraciones, la locura y la muerte, por nombrar solo alguno de las temáticas que desfilarán en la trama.

 

 

 

Digamos desde un principio, que más allá de la dramaturgia potente que se nos presenta, la obra básicamente se apoya, en las descomunales interpretaciones de Soledad Leone y Paula Flaks, quienes se entregan de manera absoluta a lo largo de la trama, mostrando una variedad de recursos actorales que debemos resaltar. Sus cuerpos parecieran hablar, se revuelcan por el piso, se retuercen, hacen piruetas, la corporalidad de ambas abruma.

Resuenan además los registros vocales que manejan, gritos estridentes, susurros, declamaciones, confrontaciones entre ellas, todo es válido, para estas composiciones que tienen una carga emocional y un modo salvaje y gutural, que conmueve al espectador, que no puede levantar la vista del escenario ni un segundo, ya que las interpretaciones de las protagonistas, resultan hipnóticas.

Estamos acostumbrados a ver muchas obras a lo largo del año, pero podemos decirles, que las actuaciones de Soledad y Paula, salen de lo habitual y nos conmovieron como pocas. No es sencillo explicar lo que hacen en el escenario con palabras, pero no tenemos dudas, que cuando vean la obra, van a entender lo que decimos e incluso, pensarán que nos hemos quedados cortos con los elogios. Fortaleza Mujer ... , se apoya de manera fundamental en las interpretaciones de sus protagonistas, que conscientes de ello, se dejan literalmente la piel en el escenario.

 

 

 

 Impresiona la química que tienen entre ellas, la obra requiere una interacción permanente, un ida y vuelta continuo y es algo que logran con creces. Sorprende saber, que es su primera actuación juntas, si bien se conocían de antes, nunca habían compartido escenario. Un día, casi en tono de broma le pidieron a Marcelo Pérez, un viejo conocido de ambas, que les escriba una obra para que pudieran actuar juntas y así sin quererlo escribió una primera escena, luego una segunda. Las actrices las aprobaron, se entusiasmaron y así nació este proyecto que tuvo casi dos años de ensayo, antes de salir a la luz.

Un proyecto, que se ancló mucho en la improvisación, si bien el esqueleto de la obra estaba escrito, sobre el mismo, las actrices imprimieron su estilo, improvisando mucho, jugando con sus cuerpos y sin temer al prueba y error, sumando y descartando las escenas, de acuerdo a lo que el grupo fuera decidiendo. El proceso creativo fue largo y continuo, tal vez allí se explica la intensidad que tiene la obra, lo cruda que resulta por momentos, lo delirante que aparece en otros, pasajes de intenso drama, de desesperanza, otros divertidos y no contamos más. Estamos en presencia, de una obra que debe verse, porque no es sencillo explicar con palabras lo que se ve en escena y cada espectador según su mirada, seguramente percibirá cosas diferentes.

 

 

 

 

Pero la pieza no se queda en las magnificas actuaciones que presenta, las mismas se apoyan en una puesta potente, a tono con la obra. La escenografía es minimalista y despojada, son los cuerpos de las actrices las que quedan en primer plano, con un vestuario de Cristina Tavano original y muy particular, con telas anudadas que cubren la humanidad de las protagonistas, dando un aspecto primitivo a las mismas. Además hay que destacar el magnífico diseño lumínico de Javier Rincón, con la oscuridad y las tinieblas como marco, con ese humo que por momentos invade el ambiente, embelleciendo mucho la puesta.

Párrafo especial también para la música en vivo que presenta la pieza. Surgiendo en el final de los módulos que tiene la trama, marcando con potencia y estridencia la pausa en el relato, para retomar luego el hilo de las actuaciones. Mencionamos entonces a Berenice Buscalia, Martin Martínez y Nadya Pérez Lugo, los responsables del muy buen aporte musical que tiene la obra.

 

 

 

 

 

No queda mucho para agregar, Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso, es una propuesta fuerte y original, que invita a la reflexión, a mirar en el interior de estas dos mujeres, que desgranan su vida a la vista de los espectadores, trayendo los recuerdos, las asignaciones pendientes y los miedos que todos los seres humanos tenemos.

Recomendamos se lleguen hasta el Calibán, el teatro del gran Norman Briski, que mucho tuvo que ver en la formación de los integrantes de este proyecto, para disfrutar de una pieza bella, plena de poesía, que disfruta saltando entre lo real y lo onírico. Pero principalmente vean la obra, para disfrutar de las fantásticas actuaciones de Soledad Leone y Paula Flaks, al verlas actuar, van a entender lo que significa la pasión por el teatro independiente. La hoguera está encendida, esperando que los espectadores se acerquen, para oír el crepitar de los leños y los aplausos que invaden el aire, al final de la función.

Pensador Teatral.

Captura de Aves Silvestres

Dramaturgia de Grupo Basamenta y Dirección de Ignacio Torres.

 

 

Sábados 21 30 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Un viaje pleno de poesía y hacia las alturas, es la original propuesta que nos presenta Captura de Aves Silvestres, creación colectiva del Grupo Basamenta, que decidió celebrar sus diez años de existencia, con este hermoso proyecto, que nos introducirá al fascinante mundo de las aves, con una mirada sensible y multifocal, que nos permitirá realizar diversas lecturas.

La propuesta es realmente atractiva y moviliza al espectador, que no tiene demasiado claro que es lo que verá en escena, intuye que se sorprenderá, sin saber como, pero a medida que la trama avanza le irá encontrando el hilo al relato y se entusiasmará con el mismo. La obra tiene un espíritu lúdico, que resulta su sello distintivo, lo que le otorga frescura y vuelo a una trama, que de la mano de una puesta creativa y con mucha poética, consigue atrapar al espectador y hacerlo cómplice de la idea que este grupo de jóvenes actores despliega.

Una de las características del Grupo Basamenta, es arriesgar con sus propuestas, explorando límites y no teniendo miedo a lo experimental, al contrario, es la motivación de sus proyectos, poder experimentar . En sus propuestas, el teatro físico suele tener preponderancia, más allá de la línea narrativa, siendo los cuerpos los que se expresan. Esto es lo que ocurre precisamente en el escenario del Moscú, con actores que por momentos juegan a ser aves, trepando estructuras, bailando e imitando cantos de pájaros.

 

 

 

La obra no tiene una dramaturgia cerrada, cada espectador podrá interpretar lo que ocurre según su mirada. En nuestro caso, el relato deja en evidencia, la fascinación que tienen los seres humanos respecto del reino animal y como muchas veces en nombre de proteger e investigar las especies, los capturan y alejan de los espacio naturales que habitan. Es válido hacer esto en nombre de la ciencia ?? Los animales, si podrían manifestarse, estarían de acuerdo con este accionar ?? Hay un aire de superioridad que el hombre siempre quiere dejar claro ??? Los interrogantes que propone el relato son numerosos y creemos que lograr sembrar esas dudas en los espectadores, es absoluto mérito del texto.

 El corazón de la obra, son las actuaciones que presenta. Son cinco los actores en escena y se los nota absolutamente comprometidos con la idea, compartiendo códigos y poniendo énfasis en lo grupal, en la poética del conjunto, jugando sobre el escenario, con alegría y sin miedo al ridículo, siendo por momentos observadores de aves, en otros momentos interactuando con los pájaros, llegando a mimetizarse con ellos y pudiendo ver el mundo desde otro ángulo.

La figura convocante de la obra es Pilar Boyle, una excelente actriz, referente del teatro independiente, a quien elogiamos por sus hermosos trabajos en diferentes obras del off. Aquí. se integra en gran forma al equipo, teniendo clara que la grupalidad, es la que manda. Dicho esto, el magnetismo de Pilar con el público es innegable y por eso resulta un verdadero placer verla en escena, aleteando como un ave y cantando como tal. Talentosa y carismática, disfrutamos mucho, verla aquí, en un papel tan diferente, en el que se vuelve a destacar.

Pero Pilar, no está sola, ni mucho menos, no seamos injustos. El elenco que presenta la obra, se muestra homogéneo y pese a que como mencionamos, la clave es la grupalidad, la trama les permite a cada uno tener su momento individual de lucimiento en la trama.  Queremos destacar entonces las exquisitas actuaciones de Natalí Cabovianco, Matías Corradino, Florencia González y Fernando Morales. Todos ellos se entregan por completo al texto, disfrutan en escena jugando como si fueran niños, sin miedos. Se los nota felices actuando, dejan que fluya la actuación y eso es el algo que el espectador agradece.

 

 

 

 

Es muy importante el trabajo de Ignacio Torres, quien dirige la obra y apuesta por la libertad de este grupo actoral, acertando además con una puesta muy bella, con varios ítems para destacar como ser, el diseño escenográfico de Leandro Sartoretti, la iluminación de Leandro Crocco y el vestuario de Maricel Aguirre, caracterizando en gran forma a los distintos personajes. Todos ítems que otorgan belleza a la puesta y le agregan valor al relato.

La obra tiene muchas sorpresas, pero no queremos adelantarlas, para mantener el suspenso. Lo que si podemos decir, es que celebramos propuestas como Captura de Aves Salvajes, que apuestan por salir de lo convencional y arriesgan-  Aquí invitan al espectador a jugar con su imaginación, a viajar con ella, recorriendo un relato, que resulta divertido por momentos,  delirante en otros, educativo en algunos pasajes y también logra emocionar en algunas escenas.

 

 

 

 

Una gran idea de los amigos de Basamenta, la de celebrar su décimo aniversario, con esta obra, que indaga en el mundo de las aves, analizando como el hombre puede modificarlo y ayudando a darnos cuenta, como estamos cada vez más alejados, de las cosas simples y bellas que la naturaleza, tiene para ofrecernos.-

 Recomendamos Captura de Aves Silvestres, los invitamos a que emprendan este viaje poético y no tengan miedo de volar, muchas veces el teatro con su magia, nos permite olvidarnos de nuestros problemas y nos deja soñar, aprovechemos entonces la ocasión y juguemos a ser pájaros, volemos y respiremos las bocanadas de aire puro, que el teatro independiente nos regala.

Pensador Teatral.

 

Del Color de los Cerros

Dramaturgia y Dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

Jueves 20 30 en Teatro Multiescena CPM ( Av. Corrientes 1764 )

Una propuesta fuerte y perturbadora llega de la mano de Del Color de los Cerros, una obra que con crudeza nos invita a reflexionar acerca de los vínculos y las elaciones de pareja donde las apariencias y los engaños son moneda corriente, quedando abierta la puerta para las tentaciones y los peligros están al acecho.

La historia arrancará en el living de la pareja formada por Sofía ( Sabrina Prieto ) y Diego ( Mario Campodónico ). Ella es una actriz, que se encuentra en el mejor momento de su carrera, con un exposición creciente y comenzando las mieles de la fama. Su esposo, es un productor del mundo del espectáculo, que la descubrió en un casting varios años antes, cuando se inició la carrera de Sofía y al mismo tiempo, comenzó la relación entre ellos.

 

 

 

La pareja atraviesa un buen momento económico, ya no viven en el departamentito de los primeros años, ahora está en una casa grande y necesitan una empleada doméstica que se encargue de las tareas de limpieza. Luego de algunas dudas, ambos coinciden en la necesidad de traer a la casa, a alguien que los ayude y así es como llegará a la casa, Estefanía ( Derling Delboy ), una chica joven, originaria de Yacuiba y dueña de una belleza exótica.

Sin saberlo aquella decisión de traer a Estefania a la casa, cambiará de manera dramática la realidad de aquella pareja. Al poco tiempo, la actitud de Estefanía será otra y poco quedará de aquella chica tímida y sumisa que se presentó a la pareja y añoraba a los duendes del cerro de su Bolivia natal, comenzando un doble juego de seducción y encanto, con Diego y también con Sofía. El peligro se huele en el ambiente, las pasiones y los amores prohibidos, se presentarán pronto en aquella casa.

 

 

 

 

La obra tiene un componente de suspenso muy alto, por lo que no queremos contar demasiado, solo vamos a anticipar que se conformará un triángulo amoroso inquietante, donde los juegos sexuales y las traiciones, estarán a la orden del día. Y no diremos mucho más, solo decir que a medida que la trama avanza, aquello que se inició como un juego de pasiones, se irá tornando en algo más violento y perturbador, por lo que los espectadores deberán estar muy atentos, ya que el relato tiene reservados secretos que no tardarán salir a la luz.

 La historia además de resultar muy atractiva, consigue atrapar al público desde el comienzo, esto se logra en parte por mérito de una dramaturgia muy bien elaborada por Rubén Mosquera y en parte por las estupendas interpretaciones que presenta la obra, de parte del trío protagónico reunido, que muestra destacados desempeños individuales y una buena química entre ellos, que resulta fundamental para el texto.

 

 

 

Arranquemos con Sabrina Prieto, que representa en gran forma a Sofía, esa actriz que arrancó bien de abajo, a la sombra de su marido y que hoy ya tiene vuelo propio, superando incluso la altura de quién la descubrió. Destacamos la presencia escénica de Sabrina, su belleza y una voz imponente, que encaja perfecto con la importancia de su personaje. Es la primera vez que vemos a Sabrina en escena y nos encantó su composición. 

Mario Campodónico, es el hombre de la historia, que deberá debatirse en una lucha interna, contra su ego por ver que la figura de su esposa se agiganta cada vez más, tratando al mismo tiempo de no sucumbir ante los encantos de la joven recién llegada a la casa, que le resulta perturbadoramente atractiva. Su personaje además analiza de manera inteligente el rol actual del hombre en la pareja . Mario, es un actor de trayectoria en el teatro independiente, a quien ya elogiamos en este sitio, por sus actuaciones en obras del off y aquí volvemos a hacerlo, ya que aporta su experiencia al servicio de la obra, con una estupenda interpretación.

 

 

 

 

Para el final dejamos a Darling Delboy, otra joven actriz, que tiene a su cargo dos personajes, el primero como maestra de ceremonias de la historia ( no vamos a ahondar en este punto para mantener el suspenso ) y como Estefania, esa chica que en el arranque, luce inocente, extrañando a los cerros y tratando de agradar a los dueños de casa. Pero a medida que pasan los minutos, los espectadores descubrirán que esa fragilidad resulta aparente y detrás de la misma, se esconde una mujer hábil y manipuladora, que está dispuesta a ir por todo. Cumplimos con nuestra palabra y no contamos más. Gran interpretación la de Darling, una verdadera revelación, con una belleza inquietante, un acento de voz hermoso y seductor, dando vida al personaje disruptivo de esta historia de amor, sexo, traición y venganza.

 Además de las actuaciones tan destacadas, queremos mencionar las virtudes de una puesta minimalista, que logra crear un clima íntimo y algo sórdido, gracias al  diseño lumínico de Daniel Zappietro acorde con esa atmósfera oscura que pide el texto. Destacamos también el vestuario de Vanesa Abramovich caracterizando muy bien a los personajes, todo esto bajo la efectiva dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

 

Nos llevamos una muy grata sorpresa con Del Color de los Cerros, un thriller psicológico que seduce e incomoda al espectador desde al arranque. El silencio absoluto con el que el público acompaña las acciones, deja en claro el aire de tensión que se respira en la trama y habrá que estar muy atento, porque la historia a medida que los minutos avanzan, irá subiendo en voltaje y pasiones.

Recomendamos la obra, una historia fuerte y cercana que moviliza al espectador, poniendo el foco en aquellas relaciones, donde bajo una apariencia de felicidad y armonía, se esconden engaños y tempestades, que tarde o temprano saldrán a la luz, dejando al descubierto las peores miserias del ser humano.

 

Pensador Teatral.

 

La Terquedad de las Cucarachas

Dramaturgia de Rubén Mosquera. Dirección de Daniela Ferrando.

 

 

 

Domingos 18 hs en El Métido Kairos ( El Salvador 4530 )

Una propuesta muy divertida llega de la mano de La Terquedad de las Cucarachas, un título que puede desconcertar, pero que hace referencia a la resistencia que tienen estos insectos, que son un ejemplo de supervivencia, tanto que se dice que hasta serían capaces de sobrevivir a una bomba atómica, debido a su composición celular.

 

 

 

Pero la obra que nos convoca, no nos hablará de cucarachas y arrancará con una discusión entre un delegado metalúrgico y uno de los patrones de la empresa. La metalúrgica quiere aumentar el ritmo de producción y para que ello ocurra, los trabajadores piden una mejora salarial. Esa petición, es la que lleva al delegado al despacho del jefe, que pocas ganas tiene de acceder al reclamo y prefiere explicar a su interlocutor, como funciona el mundo del capitalismo en general y como se aplica aquella teoría en la metalúrgica.

Pero en medio del fragor del diálogo, el delegado parece trabarse con alguna palabra y se corta el diálogo en seco. Su compañero de escena, nervioso parece querer ayudarlo, para salir del bache y permitir que el diálogo teatral continúe. Pero no tendrá éxito y allí los espectadores, notarán que comienza otra obra, la verdadera tal vez, la del mundo de los actores.

Sin contar demasiado para mantener el suspenso, si vamos a decir que la obra precisamente, se referirá al universo del teatro independiente, a lo que sucede detrás de escena, en camarines, a las internas  con el director o al autor , los celos entre los propios actores, críticas por las condiciones precarias de trabajo, el reparto de puntos al trabajar en modo cooperativa, la biblia que es para todo los actores el método Stanislavski y muchos otros temas, referidos a la actividad teatral.

 

 

De manera muy divertida, la dramaturgia nos abrirá la puerta, para que los espectadores podamos bucear en la intimidad de los actores y en ese ámbito no dudarán en criticar a ese director que es famoso por incluir en sus obras a chicas bonitas, a la vestuarista que nunca tiene la ropa a tiempo, al dueño del teatro que no es capaz de poner papel higiénico en el baño y , etc. El espectador además de reírse con las situaciones que irán ocurriendo, se sentirá muy a gusto al conocer algunos secretos que los actores no suelen revelar.

La obra reúne un elenco numeroso, 3 actores y 4 actrices, siendo este es uno de los fuerte de la pieza, ya que en la diversidad se generan momentos muy logrados, ya que los actores al entrar en confianza, van a querer mostrar sus virtudes a sus colegas, para demostrarles que ellos no están acomodados y que si llegaron allí, ha sido por sus méritos. Es por ello que a lo largo de la trama, veremos algunos números musicales, ejercicios de relajación e improvisación, monólogos de Hamlet y más destrezas actorales.

 Tratando de nos ser injustos, queremos resaltar algunas actuaciones que a nuestro entender se destacan mucho. Nos gustó especialmente el trabajo de Paula Rozenwurcel, que con su bella voz y un histrionismo a flor de piel, regalará momentos muy festejados por el público y de buen gusto teatral. Nos encantó la interpretación de Paula. Víctor Frisardi, el patrón de la metalúrgica, cumple también un trabajo muy destacado. A Víctor, ya lo hemos elogiado anteriormente en este sitio, por sus participaciones en otras piezas del off y aquí vuelca todo su experiencia y carisma al servicio de la obra, siendo un personaje central de la historia. Y en el mismo plano destacado, resaltamos la interpretación de Rocío López Ferreira, que mostrando mucha presencia escénica, representa a una asistente de dirección, que busca protagonismo en la obra que se está montando. Muy buen trabajo de Rocío.

 

 

 

Destacamos esas actuaciones,  tal vez de manera algo arbitraria, ya que como dijimos, una de las fortalezas de la obra, es el aporte que hacen todos los protagonistas, que más allá de la representación en conjunto, tendrán todos su momento individual de destaque. Por eso nuestro reconocimiento para Gastón Chamorro, como Fraguli, un combativo delegado sindical, Víctor Oviedo que realiza una muy buena composición del director y es clave en la parte final de la trama, Julieta Teruel aporta frescura e ingenuidad con su papel de inspectora del Ministerio de Trabajo y China Labaig, hermana de la asistente de dirección, que también aprovecha sus minutos en escena. Como ya dijimos, cada integrante del elenco hace su aporte y es importante para el conjunto.

La obra, si bien está dirigida al público en general, sin dudas será especialmente disfrutada por aquel espectador que es asiduo concurrente del teatro independiente, de la misma manera que lo harán actores e integrantes en general de compañías teatrales, que sin dudas, se sentirán muy identificados con las confesiones, que surgirán en escena.

 

 

En lo personal, disfrutamos la obra y nos reímos mucho, con este original formato, que tiene mucho de teatro dentro del teatro y que además resulta muy importante por el mensaje que nos deja. Volviendo al título de la pieza y haciendo un paralelismo, podemos sostener que el teatro, al igual que las cucarachas, también se ha mostrado capaz de sobrevivir a las peores tragedias a lo largo de los años, quedando en pie luego de superar fuertes crisis económicas, guerras y pandemias.

Esta permanencia, sin dudas ocurre, porque la gente,  pese al paso del tiempo, sigue eligiendo ver teatro y para que el hecho teatral perdure, deben seguir surgiendo actores, que pese a todas las dificultades, guiados por su vocación y amor por la profesión, son los principales responsables, de mantener viva la llama del teatro independiente. Por ello, nada mejor que celebrar la vigencia del teatro y su recuperación ante este nuevo obstáculo, que fue la última pandemia, llegándose hasta al Kairos, para ver La Terquedad de las Cucarachas y comprobar en persona, que el teatro tiene cuerda para rato.

Pensador Teatral.

La Conducta de los Pájaros

Dramaturgia de Norman Briski y Vicente Muleiro. Dirección de Norman Briski.

 

 

 

Viernes 19 hs en Teatro Calibán ( México 1428 )

Antes de llegar al Calibán, intuíamos que no sería una noche más de teatro, teníamos excelentes referencias de la obra y muchas ganas de verla, además era nuestra primera vez en este teatro, un combo que lucía muy tentador, para arrancar el fin de semana. Y ya de entrada, para quitar algo de suspenso a esta crónica, vamos a anticipar que todas nuestras expectativas quedaron modestas, ya que disfrutamos de una noche exquisita de teatro, sin dudas que La Conducta de los Pájaros, es una de esas obras, que dejan huella y vamos a recordar por mucho tiempo.

 

 

 

El texto que nos proponen Briski y Muleiro, tiene un alto componente político, está cargado de ideología, se genera un rico debate de ideas, apareciendo temas como la lucha de clases, el valor de las revoluciones, la autodeterminación de los pueblos, las ideas del marxismo, nacional socialismo y hasta el peronismo, por dar solo unos ejemplos de los temas que los protagonistas tratarán a lo largo de una pieza, que tiene al discurso, al pensamiento y a la exposición de ideas, unos de sus puntos centrales.

Resulta muy interesante, que para dar marco a esta discusión, la dramaturgia se vale de traer a escena a dos figuras de la historia, ambos pensadores de izquierda de principios del Siglo XX, nos referimos a Rosa de Luxemburgo, toda una referente de la social democracia alemana, teórica marxista, profundamente revolucionaria y una de las primeras cultoras del pensamiento crítico. Por el otro lado, una figura vernácula menos conocida, como Manuel Ugarte, escritor y político argentino, un socialista que con el correr de los años viró al peronismo, dueño de una visión latinoamericanista y tal vez el primero que acuñó el terminó de Patria Grande, tan seguido luego. 

 

 

 

Para quien lo pregunta, estos dos personajes fueron contemporáneos y coincidieron dos veces en la vida, en sendos Congresos de la Internacional Socialista. Seguramente coincidieron en algún debate y poco más sabemos, pero las dramaturgia sabiamente tomó estos encuentros reales, para traerlos al escenario del Calibán. Y cómo es que llegan del pasado a este presente ??? 

Allí aparece el tercer personaje de la obra, nos referimos a Lítero, un joven argentino de hoy, interesado en la política, adicto a la tecnología e hiper informado: Pero sin saber que hacer con tanta información, seguramente desilusionado, por un presente carente de figuras con un pensamiento genuino relevante y sincero. Seguramente esa carencia y desesperación a la vez, lo lleva a buscar a dos pensadores históricos de relevancia, que le pueden hablar del pasado, de la historia, para de esa manera tratar de entender un presente que desilusiona y mucho.

 Además gracias a recursos muy ingeniosos, que no vamos a adelantar, por el escenario desfilarán figuras como Marx, Jean Jaures, Foucault, Hitler y hasta Juan Domingo Perón, la pieza tiene una diversidad para destacar y realiza una revisión muy interesante de diferentes períodos y hechos históricos que fueran marcando épocas.

La obra tiene textos largos y complejos, la exigencia para los actores es inmensa, se nota que hay mucho estudio previo y meses de ensayo, para poder llevar adelante la composición de los personajes y resulta admirable poder ver este resultado final que es la obra que arriesga con una temática poco tratada en nuestro teatro independiente, con actuaciones estupendas del trío protagónico.

Corriendo el riesgo de ser injustos, tal vez de manera lógica por el peso histórico del personaje involucrado, la actuación que más nos conmovió fue la de Eliana Wasserman, que interpreta a Rosa de Luxemburgo. Un reto supremo, llevar adelante este protagónico y Eliana lo resuelve de manera brillante, dándole a su Rosa de Luxemburgo, cierto aire de fragilidad, de humanidad, interesada por el comportamiento de las aves, que contrasta con una potencia discursiva y de ideas que asombra. Memorable la escena de su monólogo, con un parlamento largo y encendido, para aplaudir de pie, siendo un momento teatral para el recuerdo. Para lograr semejante composición, hay meses de trabajo, para meterse en el personaje y esto se nota en la composición brillante que nos regala. Nuestras felicitaciones a Eliana por este trabajo.

 

 

 

 

Pero como dijimos antes, no seamos injustos con el resto, ya que el elenco todo, la rompe. Juan Washington Felice Astorga, a cargo Manuel Ugarte, para nada se achica con la grandeza de su compañera de ideas. La interpretación de Juan es soberbia, exponiendo sus ideas con pasión y convicción, con momentos muy lucidos, como la llegada a Cuba, sus diálogos con el General y por supuesto sus floridos intercambios de ideas con Rosa. Impresiona por su presencia y por su seguridad, ya que es otro personaje que tiene una gran exigencia y requiere mucha preparación. Es excelente la prestación de Juan, que se muestra cómodo con el papel y resuelve en gran forma el protagónico.

Y para el final dejamos a Federico Rodríguez Moreno como Lítero, el maestro de ceremonias de la obra el conductor del relato, con su tablet a cuestas, es quien marcará el ritmo de la trama. Es un personaje que genera mucha empatía, ya que tiene inquietudes que a la mayoría, nos resultan cercanas y actuales. Estupendo trabajo de Federico, con mucho carisma y la chispa necesaria, para darle dinamismo a la trama, algo que es necesario y redondea una interpretación estupenda. 

 

 

 

 

El lector puede preguntarse si tanto texto y dialéctica, no hacen muy densa a la obra y esto es sin dudas algo que Norman Briski, el director también se preguntó y supo como resolver, ya que la pieza presenta una puesta que deslumbra por su creatividad y despliegue escénico. Arrancando por los dispositivos móviles en los que se desplazan los protagonistas, especies de triciclos gigantes con pedales o algo por el estilo, cuesta explicarlos con palabras y merecen verse, ya que son creaciones muy originales. Párrafo especial para Guillermo Bechthold, con influencia en este ítem y en otros importantes de la puesta. El trabajo que tiene la pieza, no es solo de los actores, hay un gran equipo que soporta lo que vemos en el escenario, arrancando por el trabajo de investigación de los autores, la dirección y todos los rubros técnicos que agregan mucho valor.

Sigamos con el diseño lumínico, que es impactante, aquí sin dudas Briski aprovecha todo el potencial que tiene el Calibán en materia de luces, para darle a la trama una belleza y una potencia que hay que destacar, ya que tampoco es algo que se ve habitualmente. El diseño de sonido es otro rubro que destaca a mucho y por último mencionar que la obra tiene música original, nada menos que de Fito Páez. La verdad quedamos impactados por la puesta, de lo mejor que vimos en años en el teatro independiente.

 

 

 

 No queda mucho para agregar y preferimos que los espectadores se sorprendan cuando vean la obra. La Conducta de los Pájaros es una pieza potente, que expone ideas y pensamientos, de la historia y también del presente. Tal vez alguna referencia del presente, pueda llegar al espectador de diferente manera, según del lado de la grieta que se ubique, porque si amigos, la pieza al tener peso político, toma posición, de manera totalmente válida y llevará al espectador a la reflexión y sentar su propia posición de acuerdo a su pensamiento y esta gimnasia, creemos tiene mucho valor en estos tiempos.

 Recomendamos fervientemente la obra, una verdadera joyita del teatro independiente, una pieza que nos invita a pensar en la historia, para intentar resolver los problemas del presente y lo hace con un texto agudo e inteligente, actuaciones conmovedoras y una puesta fantástica. Nada más para pacer, La Conducta de los Pájaros, que transita su tercera temporada en cartel, resulta una pieza indispensable, un obrón, que nos hace sentir profundamente orgullos de nuestro teatro independiente.

Pensador Teatral.

Luz Testigo.

Dirección de Javier Daulte. Dramaturgia de Tomás Afán Muñoz, Marina Artigas, Rubén de la Torre, Jualian Marcove y Agustín Meneses.

 

 

 

Míércoles 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Durante la pandemia, se vivieron tiempos muy complicados para la actividad teatral, salas vacías, obras listas para el estreno que no podían salir a la luz, actores viviendo situaciones económicas complejas y envolviendo todo, una atmósfera de incertidumbre y desesperanza que provocó un efecto paralizante en la mayoría de las personas 

Pero mientras eso ocurría, otros apostaban al futuro, pensando en lo que sucedería cuando esta pesadilla pandémica llegara a su fin y en ese sentido, desde Espacio Callejón, se organizó un Concurso de Dramaturgia de Obras Breves, que debían abordar de manera tangencial el tema del confinamiento y las consecuencias que trajo el encierro a nuestras vidas. Las cinco obras ganadores de aquel concurso, son las que ahora forman parte de Luz Testigo, teniendo todas ellas como hilo conductor, la impecable dirección de Javier Daulte, que reunió para el proyecto a un grupo de actores de gran trayectoria en el teatro independiente,  diseñando una puesta capaz de enlazar las historias individuales, de manera que quede un conjunto armónico.

 

 

 

Nos habían recomendado mucho la obra y antes de verla, pensábamos como resultaría ver cinco historias, en poco más de ochenta minutos, si se haría muy denso o no, si los actores lograrían entrar en los diferentes personajes, si los pasajes entre historias, sería dinámico, en fin teníamos dudas. Luego de haber visto Luz Testigo, podemos afirmar que las dudas se desvanecieron y el formato nos encantó. Imaginemos que muchas veces, nos vamos contentos luego de ver una buena obra, con buenos personajes, relatos intensos, etc. Y si tuviéramos la chance de ver,  no una, sino cinco obras a la vez, que resultan verdaderamente atrapantes por sus textos y sus personajes, que nos dirían. Bueno háganse la idea, porque es lo que ocurre aquí, seremos invitados a un festín de buen teatro independiente.

Como mencionamos en un comienzo, el punto en común de los relatos, es hacer alguna referencia a la pandemia, pero sin centrarse en ella, apuntando principalmente al tema de los vínculos, como se modificaron las relaciones con el encierro, los cambios de hábito, la soledad como moneda corriente, parejas que entran en conflicto y la dificultad para el nacimiento de nuevos amores. Todas temáticas cercanas y que en mayor o menor medida todos hemos experimentado,  en estos últimos dos largos años.

 

 

 

Una de las particularidades del formato, es que el espectador al salir de la sala, podrá elegir su historia favorita y comparar su elección con el acompañante o el amigo que ya había visto la obra antes. Indudablemente la pandemia, le pegó diferente a cada persona y analizar cada reacción ya sería parte de un estudio sociológico, pero creemos que cada espectador tendrá más empatía con la historia, que más lo representa y con la que mayor identificación encuentra.

Entrando en ese juego, a quien es escribe estas líneas, la historia que más le llegó fue Delta, escrita por Agustín Meneses. Allí se muestra el vínculo entre un padre y una hija, en este momento especial, pero también en otros tiempos de sus vidas, apreciando diferencias sustanciales y viendo como el paso de los años se torna implacable. Una historia fuerte que nos emocionó mucho, por su texto y por la enorme interpretación de Marcelo Pozzi, un actorazo, al que elogiamos ya en anteriores obras en este mismo Callejón, que con una sensibilidad a flor del piel, sabe llegar al corazón del espectador. Y tiene el acompañamiento preciso de Paula Manzone, otra gran actriz, que realiza un gran trabajo, dando también mucha sensibilidad a su personaje.

 

 

 

Con el relato anterior nos emocionamos, en cambio, con Mientras Miro La Heladera Te Extraño de Julián Marcove, nos divertimos mucho. Magnífico trabajo de Ramiro Delgado, a quien descubrimos aquí, con un histrionismo y una gracia contagiosa, llevando adelante un monólogo que sin contar demasiado, podríamos adelantar que quedará trunco, por la sorpresiva irrupción de Lu Grasso, una actriz que nos encanta, dueña de un estilo angelical y un carisma particular, que encaja perfecto aquí. Bueno sin contar mucho, les decimos que la rompen Ramiro y Lu, regalando un momento teatral divino, que disfrutamos muchísimo.

Pero no seamos injustos con el resto de las historias, como por ejemplo Nélida de Marina Artigas, la costurera que escucha la radio y parece temerle al amor, con una deliciosa interpretación de Silvina Katz, una actriz que siempre nos ofrece hermosas interpretaciones, también acompañada de la ya mencionada Paula Manzone, que será una envolvente locutora. Y que decir de Cambios, de Agustín Meneses, con esos vecinos que en la rutina de colgar la ropa en la terraza, parecen si querer darle una oportunidad a un nuevo amor, con magníficos trabajos de María Villar que lucha contra sus tocs y William Prociuk, con su filosofía de bolsillo a cuestas. O Un Cuento de Tomás Afán Muñoz, donde se investiga una desaparición ocurrida en un paraje bastante alejado de la civilización, donde volveremos a ver a Prociuk y a Lu Grasso, en un intercambio muy rico.

 

 

 

 

Se hizo algo larga la descripción, pero queríamos significar la variedad de textos y temáticas que se tratarán en las diferentes historias, todas ellas tienen un toque de humor, algunas más y otras menos, pero todas tienen ese condimento humorístico valioso. Con algunas nos vamos a emocionar más, en otras nos vamos a ilusionar con relaciones incipientes. Todos los relatos tienen un texto que atrae y se les suma, el aporte fundamental de un grupo de actores talentosos, a los que vimos en obras anteriores en el Callejón y que se muestran muy entusiasmados e identificados con este proyecto, con una alegría por estar en el escenario, que el espectador nota y agradece.

Más allá de las buenas dramaturgias y de las actuaciones que acompañan en gran forma, debemos destacar la efectiva dirección de Javier Daulte, que logra enlazar historias individuales, para que funcionen en el conjunto, con una puesta muy atractiva. Para ello se vale de un diseño lumínico de Sebastián Francia realmente original y bello, que no queremos adelantar, pero que tendrá como protagonistas a los propios actores. Hay un efectivo diseño escenográfico de José Escobar que con pocos elementos, logra que los relatos fluyan y por último mencionar la musicalización de aire italiano que le da cohesión y belleza a la puesta.

 

 

 

 

No queda mucho para agregar, como dijimos ante, mientras los escenarios estaban vacíos, el equipo creativo del Callejón puso manos a la obra y en vez de lamentar la pandemia, pensó en como hablar de ella, de sus efectos, retratando como se modificaron nuestros vínculos, hábitos y nuestra vida en general. Haberlo hecho con el formato de obras breves, es realmente un acierto que debemos marcar y tomarlo en cuenta en el futuro, ya que debido a la gran respuesta que está teniendo la obra, queda claro que es una propuesta original que resulta muy atractiva para el público

Recomendamos Luz Testigo, van a disfrutar una bellísima noche de teatro, con magníficas interpretaciones dadas en breves historias, que emocionan, divierten y nos invitarán a reflexionar sobre lo difícil que fue para todos, poder adaptarnos a un escenario tan inesperado, donde los vínculos se modificaron por completo y debimos poner lo mejor de nosotros, para superar esta verdadera pesadilla, de tener que quedarnos encerrados en casa.

Pensador Teatral.