Soltar, Soltar

Dramaturgia de Pedro Patzer y Dirección de Cristian Sabaz.

 

 

Jueves 21 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Nos sentimos muy gratificados, cuando decidimos ver una obra, sin tener muchas referencias previas y al término de la función, nos sentimos plenos, por haber vivido un momento teatral estupendo, disfrutando de una dramaturgia muy bien elaborada, que divierte,  hacer reír mucho, pero también nos interpela y nos invita a la profunda reflexión. Todas esas sensaciones son las que nos provocó Soltar, Soltar, que sin dudas resulta, una muy buena propuesta que el teatro independiente nos presenta.

 

 

 

El texto de Pedro Patzer, nos habla del conflicto existencial que muchas personas tienen en la actualidad, llevando una vida superficial y basada en el consumismo a a ultranza. Los slogans, el marketing y las frase de moda, como soltar o lo que sucede conviene, parecen ser verdades marcadas a fuego que debemos seguir, sin ningún tipo de cuestionamiento.

La obra también nos hablará de la influencia de la tecnología, en la degradación de los vínculos personales. Tenemos a una persona a unos metros y le mandamos un email, en vez de hablar personalmente o preferimos abordar un tema amoroso importante por wasap y no cara a cara. Los abrazos parecen pasados de moda, ahora todo pasa por sumar likes o seguidores en las redes sociales. Y ni hablar de la importancia del celular, un aparatito todopoderoso, que todo lo puede y que resulta irremplazable, pera seguir con nuestras vidas.

 

 

 

La pieza de manera inteligente, toma esos temas de la realidad y los lleva al escenario, con una trama muy divertida, que genera muchos risas en los espectadores, jugando con algunas situaciones exageradas o satíricas, que en realidad esconden comportamientos que nos resultan muy cercanos. Además se aborda el tema de la falsa espiritualidad que pregonan algunas personas, que se venden como altruistas, pero sus acciones en la vida real, son realmente censurables, apareciendo claramente el doble discurso, digo algo, pero hago todo lo contrario.

Como muchas veces decimos los textos pueden ser valiosos, pero hay que saber llevarlos al escenario, para que resulten atractivos para el público y aquí esto ocurre claramente, gracias a la puesta de Cristian Sabaz, a quien recordamos haber elogiado mucho, en su rol de actor en La Boda del Hijo del Presidente, una obra que tuvo gran respuesta del público. Aquí los elogios se reiteran, pero en su labor en la dirección. Apenas escribió la obra, Patzer pensó que Sabaz, sería el director ideal y no se equivocó. Ya habían trabajado juntos en otras piezas y aquí la dupla se vuelve a reunir, con muy buenos dividendos.

 

 

 

Ya es hora que hablemos de las actuaciones que presenta Soltar, Soltar que son realmente muy buenas. El gran protagonista de la historia es Ariel Gangemi, gerente general de una compañía de seguros de vida, a quien llaman Fulano de Tal. Es todo un gentleman, adora viajar por el mundo, fanático de las compras y de la tecnología, parece ser un hombre feliz que lo tiene todo, pero como dice el dicho las apariencias muchas veces engañan. La actuación de Ariel es soberbia, literalmente se come la obra, con un histrionismo y un magnetismo, que debemos resaltar. Enorme trabajo de Ariel, a quien también ya habíamos visto en La Boda del Hijo del Presidente, lo habíamos elogiado, pero aquí realmente se destaca muchísimo, con una actuación magnífica.

 

 

 

Si bien Gangemi, es sin dudas el gran protagonista de la noche y quien merecidamente, se lleva las mayores ovaciones del público, no debemos ser injustos con el elenco que lo acompaña, ya que la obra presenta actuaciones muy destacables. Niko Fran es Perri, cargado con su mochila roja, parece un repartidor de Pedidos Ya, pero en realidad es un carismático vendedor aplicaciones virtuales. Niko tiene momentos de mucho lucimiento y cumple una muy buena actuación, con momentos muy divertidos y otros donde invita a la reflexión del protagonista.

Por el lado femenino, hay dos excelentes trabajos, por un lado tenemos a Laura Canteros, una guardia de seguridad, con pocas pulgas, que es casi una custodia personal del gerente general. Muy gracioso su personaje, con una teaser siempre lista por si las cosas se complican y con una sorpresa reservada para el final. Muy bueno lo de Laura. Cecilia Milsztein es Maya, la novia de Fulano de Tal. Amante también del consumo y la tecnología, encontrará muchos puntos en común con su pareja. Deliciosa composición de Cecilia, aportando belleza y glamour a la historia. 

 

 

 

Resta mencionar a Juan Cereghini, un personaje bastante enigmático y clave para la trama, pero del que no vamos a revelar nada para mantener el suspenso. Cuando vean la obra, entenderán lo que decimos. Son cinco los actores en escena y todos en mayor o menor medida, de acuerdo a los minutos que tienen de acción, encuentran espacio para el lucimiento y no lo desaprovechan. En realidad, resta incluir en esta enumeración a Alejandro Weber, como sexto actor en escena, ya que sentado al piano, es quien se encarga de la música en vivo que tiene la obra y también tiene participación en la trama. Su presencia le suma mucho a la puesta.

A propósito de la puesta, lo dicho antes, Sabaz consigue potenciar las virtudes del texto y hacerlo aún más atractivo, incorporando momentos musicales, efectos sonoros y hasta bellas coreografías que juegan los actores. El diseño de vestuario de Jennifer Sankovic es impecable, siendo muy importante, para las caracterizaciones de los personajes. La iluminación de Santiago Varela y el elegante diseño escenográfico de Bea Blackhall, son ítems que suman a una puesta muy lograda, que luce mucho.

 

 

 

 

 

Y no contamos más, el resto lo dejamos para cuando vean la obra, porque no hay dudas que deben verla. Nos sorprendió la propuesta de Soltar, Soltar, que con mucho humor, se anima a cuestionar este mundo individualista, regido por slogans, la falsa espiritualidad, relaciones efímeras y la búsqueda permanente del atajo como modus operandi, tratando de eludir siempre los compromisos y escapando por completo a las experiencias nuevas, que pueden corrernos de nuestra zona de confort.

Solo queda dejar nuestra recomendación y decirles, que se van a encontrar con un texto inteligente y descontracturado, en el que se van a reconocer en más de una oportunidad. Si además, a ello le sumamos una puesta muy atractiva y excelentes actuaciones, están todos los elementos dispuestos, para vivir una noche a puro teatro. Los prolongados aplausos con que el público, despide a los protagonistas, son un justo reconocimiento, por la velada teatral vivida, con esta obra que además generar muchas risas, nos interpela y nos invita a mirar hacia nuestro interior, para ver que tan lejos quedaron nuestras utopías.

Pensador Teatral.

Tiembla

Dramaturgia y Dirección de Lisandro Penelas.

 

 

 

Domingos 20 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 ) 

Una propuesta muy divertida, llega con Tiembla, texto que nació en tiempos de pandemia, en los grupos de talleres teatrales del Moscú. Todo el proceso de la obra, se generó en tiempos de aislamiento, con ensayos a la distancia y con los teatros cerrados. La incertidumbre reinaba en el ambiente, un virus nuevo amenazaba a la humanidad y mientras la mayoría de la gente, se quedaba en casa viendo series e intentando pasar el tiempo, había personas que apostaban al arte y al teatro, pensando que la pandemia acabaría tarde o temprano y las salas volverían a abrir.

 

 

 

Y así fue, como luego de aperturas provisorias, nuevos cierres y muchos idas y vueltas, la actividad presencial volvió a las salas y finalmente Tiembla pudo estrenarse este año. La obra tiene como argumento central, la filmación de una película, que se desarrolla bajo circunstancias muy especiales, ya que en esos momentos el mundo esta sufriendo una crisis terminal, ya que la tierra sufre temblores y el fin de la civilización parece cercano.

La trama tiene un toque almodovariano que resulta su sello distintivo, ya que en la película que se filma, las acciones se desarrollan en España y hay muchos guiños que tienen que ver con el genial director de cine. Este juego de cine dentro del teatro, logra el efecto que cada personaje mostrará dos caras, una la que tiene que ver con el personaje que tienen en la película y la otra con su identidad fuera del guión.

 

 

 

 

Esa doble personalidad de los personajes, generará momentos divertidos y desopilantes, ya que por momentos la realidad y la ficción se cruzarán, quedando difusos los límites entre ambas dimensiones. Apareciendo en la trama, temas como las adicciones, el travestismo, la música y los peligros de la noche entre otros tópicos. Y hasta allí contamos, porque la obra tiene un par de sorpresas reservadas, que vamos a dejar que los espectadores las descubran.

Es momentos de hablar de las actuaciones que tiene la obra, son siete los actores en escena, la mayoría dando sus primeros pasos en la actuación, es mas en algunos casos, esta es su primer obra y realmente podemos afirmar, que de no haber tenido este dato de antemano, nunca lo hubiéramos notado, ya que las interpretaciones son muy positivas, se los nota a todos muy sueltos y a la altura del desafío que resulta representar una obra, en un teatro como el Moscú, que es uno de los referentes en el teatro independiente.

 

 

 

En virtud de lo comentado, vamos a dar algunas líneas de las actuaciones que más no gustaron. En primer lugar mencionar la excelente interpretación de Federico Focalid, interpretando a un Claudio muy gracioso, tal vez siendo la composición más festejada por el público. En el mismo nivel, destacamos a Mario Novillo, como León, la figura de la película, quien tuvo el honor de filmar con el mismísimo Pedro Almodóvar y luce un acento español delicioso, resultando un personaje muy atractivo.

Hilen Márquez, interpreta a Luz, la chica linda de la historia, despertando los bajos deseos de varios integrantes de la compañía, que quieren aprovechar que no siempre está muy lúcida. Nos gustó lo de Hilen. Ximena Munguia, cumple sin grietas su papel de argentina que viaja a Madrid para conocer a su hermano León. Desopilante el doble de papel de Matías Artese, como el director de la película y a la vez, como Violeta cuando se pone la peluca rubia. Muy bueno lo de Matías. Alejandro Amdan, logra destacarse como Roger personaje clave de la película, ya que cobra una herencia. Para el final, mencionamos a Analía Morales, que al final de la obra nos enteramos hizo reemplazo de emergencia de Magali Chamot, en el papel de Mónica. Destaca por su histrionismo y conflictos amorosos con el director y sin dudas salió muy bien de toro, siendo muy lucida su interpretación

 

 

 

 

 Por todo lo comentado, vaya nuestro reconocimiento a este grupo de actores, que encuentra  aquí la oportunidad de mostrar su valía en lo individual y creciendo en el conjunto, siendo muy auspiciosas sus apariciones, esperando verlos pronto en otra obra, ya que aquí mostraron sus credenciales.  

El punto alto de Tiembla además de las actuaciones, es la puesta, que tiene varios ítems a destacar, el principal tal vez, el vestuario que le otorga colorido y glamour al relato, hay momentos musicales logrados, al igual que algunas coreografías bien intercaladas. Resaltamos el trabajo de Lisandro Penelas en la dirección, coordinando los esfuerzos de contar con varios actores en escena y dando una muy buena dinámica a la puesta.

 

 

 

En definitiva, nos divertimos mucho con la propuesta de Tiembla, que juega hábilmente con la metáfora que deja la trama, donde un grupo de actores, mientras el mundo avanza hacia la extinción, tiene como preocupación, filmar la película que los convoca. Emulando a la nuestra realidad, cuando en momentos que la pandemia asolaba y el miedo reinaba, un grupo de actores, decidió mirar para adelante y avanzar con el proyecto, que ahora se transformó en obra.

Por eso, celebramos la salida a la luz de Tiembla, una obra originada en la pandemia, por este joven y entusiasta grupo de actores, que con acento español y ropa para la ocasión, nos invitarán a un set de filmación, para ser parte del rodaje de una película, que cuando consiga estrenarse, seguro le va a gustar al mismísimo Pedro Almodóvar, porque los sueños, están para cumplirse.

Pensador Teatral.

El Virus de la Violencia

Dramaturgia y Dirección de Marina Wainer.

 

 

Sábados 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Un texto profundo, actual y comprometido con la realidad, nos acerca El Virus de la Violencia, obra escrita por Marina Wainer, que tuvo la idea de escribir este texto, estando en España al comienzo de la pandemia de coronavirus, que asoló al mundo, trayendo numerosas consecuencias relacionadas con el aislamiento que debimos cumplir.

Una de esas consecuencias que enseguida detectó, fue el notorio aumento de los casos de violencia de género. Esta situación ocurría, porque se estaba encerrando a la víctima con el maltratador, en un contexto complicado, ya en muchas parejas, aparecía la falta de trabajo, los problemas económicos asociados a ello, tener que convivir gran cantidad de horas en espacios pequeños, los roces cotidianos, etc. Es decir, teniendo de base una problemática ya existente, el entorno de la pandemia, sin dudas sería caldo de cultivo, para un incremento exponencial de los casos.

 

 

 

 

Entonces la autora sintió la necesidad de escribir la obra de manera urgente, para dar visibilidad al tema, contactando a Iván Steinhardt y Romina Pinto, integrantes fundadores de la compañía de teatro El Vacío Fértil, a quienes ya había dirigido en Tiburones y otras Rémoras,  obra que denunciaba los efectos de la especulación financiera. Señalemos que el Vacío Fértil, es una compañía teatral que tiene como objetivo, realizar obras teatrales, cuyo contenido y forma, pongan al arte como eje transformador y de toma de conciencia. Por lo tanto cuando les llegó la propuesta de Marina, se engancharon rápidamente con el proyecto, que luego un proceso complejo a causa del aislamiento, se está presentando de manera presencial en Patio de Actores.

Yendo al argumento de la obra, contemos que veremos a una pareja de recién casados que llega de viaje de luna de miel, a un lugar completamente alejado de todo. A poco de llegar los sorprende la pandemia, que alterará sus planes, ya que no podrán realizar las actividades planificadas y deberán cumplir la cuarenta lejos de casa y de la familia. El trabajo comienza a mermar, al mismo tiempo que lo hacen los ingresos económicos y reina la incertidumbre por un virus nuevo que trae consigo muertes y desolación, aumentando de manera exponencial los problemas.

 

 

 

No queremos contar demasiado de lo que sucederá en escena, pese a que la trama se estructura de manera interesante, sin seguir un relato lineal en el tiempo, arrancando por el final de la historia, algo que para nada invalida el relato, creemos que por el contrario lo potencia, ya que obligará al espectador a estar atento, a esos pequeños detalles de violencia cotidiana que podrían pasar desapercibidos, pero que en este caso conociendo el trágico final de la historia, se los notará con nitidez.

La dramaturgia tiene la habilidad de combinar el tema del coronavirus, algo nuevo y que moviliza mucho al espectador, porque todos nos sentiremos identificados y representados con los cuidados y las reacciones que tendrán los integrantes de la pareja, ante un virus desconocido y virulento, que recibe toda la atención mediática y la temática de la violencia de género que para nada es desconocido, pero que lamentablemente mucha veces los medios de comunicación y la sociedad en general, no le brindan la atención que la gravedad del tema amerita.

 

 

 

El relato atrapa al espectador desde al arranque y en cierta medida lo interpela, porque no se solo se ve reflejado en las cuestiones del covid que aparecen en la historia, sino que también se reconoce  en algunos comportamientos violentos, que se genera en la pareja de recién casados. Situaciones que muchas veces se naturalizan o se les resta importancia, siendo ese un error grave, ya que muchas veces, cuando finalmente se quiere denunciar el tema o tomar alguna medida preventiva, el espiral de violencia es ya tan grande, que es demasiado tarde para actuar..

El argumento como dijimos es cautivante y resulta cercano al espectador, para que esto ocurra, sin dudas influyen mucho las magníficas actuaciones de Romina Pinto e Iván Steinhardt, dos excelentes actores, a los que ya elogiamos mucho por anteriores trabajos y aquí volvemos a hacerlo, ya que son notables sus composiciones.

Contamos como dato de color, que Romina e Iván, son pareja en la vida real, por eso toma mayor relevancia sus trabajos en esta obra, ya que como ellos mismos reconocen, al comenzar los ensayos, veían como en su rutina, ocurrirán algunas de las situaciones, que vivían los personajes de ficción. Un gran desafío para ambos, que solventaron de la mejor manera, ya que tienen una variedad de recursos actorales notables y además el entendimiento que tienen, le otorgan a sus composiciones, un realismo, que agrega mucho valor a sus actuaciones.

 

 

 

La puesta resulta muy dinámica, con varios elementos para resaltar, como esa radio de fondo, que trae noticias sobre la pandemia y reavivan la angustia,  que todos sentimos en esos meses, que ahora parecen lejanos. Otro aspecto interesante, es mostrar como la tecnología, fue una herramienta para soportar el aislamiento y un medio indispensable para trabajar desde nuestro hogar o para tratar de generar nuevos ingresos, sin salir a la calle.

A nuestro entender, debemos valorar este tipo de propuestas, cuyo objetivo es dar visibilidad a una temática tan urgente como la violencia de género y su variante más dramática, como lo son los femicidios. Siendo esto temas, pese a la relevancia que tienen, dejados de lado por las compañías teatrales, que muchos veces prefieren, presentar comedias livianas, evitando ocuparse de situaciones que puedan resultar conflictivas o poco agradables.

 

 

 

 

Si además, la problemática que se quiere visibilizar, se inserta en un texto bien escrito, que es acompañado por magníficas actuaciones y una puesta muy atractiva, podemos concluir que estamos en presencia, de una obra de visión obligatoria, ya que además de permitirnos disfrutar de un momento teatral relevante, nos sentiremos movilizados y obligados a mirarnos en el espejo que resulta la trama,  para ver si alguno de los comportamientos machistas que se viven en la obra, ocurren en nuestra vida cotidiana.

Recomendamos y celebramos, la aparición de El Virus de la Violencia, una obra cruda y de una actualidad inquietante, que nos interpela y logra poner el primer plano, el tema de la violencia de género y los femicidios, con una seriedad y un compromiso, que merece nuestro reconocimiento.

Pensador Teatral.

Juana La Loca

Dramaturgia de Pepe Cibrián Campoy. Dirección de Ana Padilla.

 

 

 

Jueves 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Llega a la cartelera porteña, este unipersonal escrito por Pepe Cibrián Campoy, que nos hablará de un personaje histórico de gran relevancia, como sin dudas fue Juana de Castilla, hija de los Reyes Católicos, Isabel y Fernando. Más conocida como Juana La Loca, que con dieciséis años, tuvo que viajar a Flandes, para contraer matrimonio con Felipe El Hermoso, archiduque de Austria. 

 

 

 

Claramente fue un matrimonio por conveniencia organizado por los Reyes Católicos, por razones políticas y ella discutió mucho con su madre por esa decisión, ya que no le parecía para nada simpática, la idea de irse lejos de casa y unir su vida con un hombre al que no le conocía, aunque fue lo habitual en esa época. Pasado el tiempo, podemos aseverar que aquella decisión paternal, arruinó su vida, ya que tras la prematura muerte de su esposo, fue recluida y vivió más de cuarenta años encerrada en el Palacio de Tordesillas, víctima de las traiciones de su entorno más íntimo, recibiendo el mote de Juana La Loca.

En la obra que se presenta en el Patio de Actores, Juana ya está encerrada y aislada, sola con su alma y luchando contra las tempestades que navegan en su mente. La historia no presenta un relato lineal en el tiempo, lo que permite recorrer diferentes momentos de la vida de Juana, por lo que aparecerán fragmentos anteriores a su partida a Flandes, momentos que compartió con el esposo que amaba y desde luego el largo tiempo del encierro, que resultó una verdadera pesadilla. Algo lógico, ya que estuvo casi medio siglo confinada y sin contacto con el mundo exterior.

 

 

 

 

 El relato logra trasmitir el profundo amor que sintió Juana por su amado Felipe y también los celos enfermizos que siempre le tuvo. El tema la obsesionaba y al contraer matrimonio, le hizo prometer a su esposo que le sería fiel y que siempre estarían juntos. La promesa no fue honrada, siendo los amoríos de Felipe, un secreto a voces, en la corte real, para pesar de Juana, que sufría mucho estos desaires. Comentan las crónicas de la época que su estado mental ya no era el mejor, para cuando la sorprendió la muerte repentina de Felipe el Hermoso, siendo este un golpe emocional durísimo para Juana, que no pudo soportar.

El texto de Pepe Cibrián, está escrito en verso, lo que significó un esfuerzo extra para Ana Padilla, la directora,  para llevarlo a escena y un desafío enorme para la protagonista de la obra, que ya es hora de hablar de ella, nos referimos a María Seghini, que realiza una composición fantástica de este mítico personaje histórico.

Es sabido ya lo complejo que es llevar adelante un unipersonal, este texto en particular es muy exigente, ya que tiene parlamentos muy largos, que María debe sostener a lo largo de la trama, representando además otros personajes, como su madre la Renina Isabel, su esposo Felipe el Hermoso y su nieto Felipe II, entre otras figuras que entrarán al relato en gran forma, gracias a su repentización, para entrar y salir en segundos de los diferentes personajes.

 

 

 

 

Enorme el trabajo actoral de María Seghini, totalmente a la altura del protagónico, manejando con maestría los diferentes tonos de voz que requiere la trama, resaltan ojos tan expresivos y desorbitados que miran al publico como pidiendo auxilio por la prisión  que sufre y ese recorrer frenético del escenario, tal animal enjaulado, que sufre el cautiverio. Descomunal interpretación de María, un placer poder verla en escena.

Mérito también para Ana Padilla, que cuando se abrazó al texto, inmediatamente pensó en ella, para representar a Juana y vaya que fue acertada la elección. Destacamos la sensibilidad de Ana en la dirección, con una escenografía despojada, solo un sillón majestuoso en el escenario como único elemento, para graficar la soledad de la protagonista. Hay un estupendo diseño lumínico de Gismondi, que genera climas estupendos en el relato y otro ítem para destacar es la música original de Ana Foutel. Una puesta minimalista, bella y plena de poesía logra la directora.

 

 

 

 

No vamos a contar más, el resto se lo dejamos a ustedes, cuando vayan a ver la obra. Sin dudas, la recomendamos, ya que se sorprenderán con la historia de amor, celos y pasiones que este personaje histórico tiene para contarnos, mostrando su sufrimiento y las traiciones que debió soportar a lo largo de su desdichada vida.

Como broche de oro, para la hermosa noche de teatro vivida, comentamos que el azar dispuso, que coincidiéramos en la función, con Pepe Cibrián Campoy el autor de la obra, que por primera vez veía esta versión. Verlo al final, aplaudiendo de pie a la protagonista, fue la síntesis perfecta de la velada teatral, una noche a pura emoción, de esas,  que el teatro independiente cada tanto, nos tiene reservada.

Pensador Teatral.

Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso

Dramaturgia y Dirección de Marcelo Pérez.

 

 

 

Domingos 19 hs en Teatro Calibán ( México 1428 ) 

Una sorpresa muy agradable, resultó la opera prima del poeta y dramaturgo Marcelo Pérez, que ya desde el título elegido para la obra, Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso, nos anticipaba un texto profundo, que de la mano de una dupla protagónica soberbia, bucea en el universo femenino, tocando temas existenciales, como el amor, los mandatos sociales, la relación con los padres, sueños, frustraciones, la locura y la muerte, por nombrar solo alguno de las temáticas que desfilarán en la trama.

 

 

 

Digamos desde un principio, que más allá de la dramaturgia potente que se nos presenta, la obra básicamente se apoya, en las descomunales interpretaciones de Soledad Leone y Paula Flaks, quienes se entregan de manera absoluta a lo largo de la trama, mostrando una variedad de recursos actorales que debemos resaltar. Sus cuerpos parecieran hablar, se revuelcan por el piso, se retuercen, hacen piruetas, la corporalidad de ambas abruma.

Resuenan además los registros vocales que manejan, gritos estridentes, susurros, declamaciones, confrontaciones entre ellas, todo es válido, para estas composiciones que tienen una carga emocional y un modo salvaje y gutural, que conmueve al espectador, que no puede levantar la vista del escenario ni un segundo, ya que las interpretaciones de las protagonistas, resultan hipnóticas.

Estamos acostumbrados a ver muchas obras a lo largo del año, pero podemos decirles, que las actuaciones de Soledad y Paula, salen de lo habitual y nos conmovieron como pocas. No es sencillo explicar lo que hacen en el escenario con palabras, pero no tenemos dudas, que cuando vean la obra, van a entender lo que decimos e incluso, pensarán que nos hemos quedados cortos con los elogios. Fortaleza Mujer ... , se apoya de manera fundamental en las interpretaciones de sus protagonistas, que conscientes de ello, se dejan literalmente la piel en el escenario.

 

 

 

 Impresiona la química que tienen entre ellas, la obra requiere una interacción permanente, un ida y vuelta continuo y es algo que logran con creces. Sorprende saber, que es su primera actuación juntas, si bien se conocían de antes, nunca habían compartido escenario. Un día, casi en tono de broma le pidieron a Marcelo Pérez, un viejo conocido de ambas, que les escriba una obra para que pudieran actuar juntas y así sin quererlo escribió una primera escena, luego una segunda. Las actrices las aprobaron, se entusiasmaron y así nació este proyecto que tuvo casi dos años de ensayo, antes de salir a la luz.

Un proyecto, que se ancló mucho en la improvisación, si bien el esqueleto de la obra estaba escrito, sobre el mismo, las actrices imprimieron su estilo, improvisando mucho, jugando con sus cuerpos y sin temer al prueba y error, sumando y descartando las escenas, de acuerdo a lo que el grupo fuera decidiendo. El proceso creativo fue largo y continuo, tal vez allí se explica la intensidad que tiene la obra, lo cruda que resulta por momentos, lo delirante que aparece en otros, pasajes de intenso drama, de desesperanza, otros divertidos y no contamos más. Estamos en presencia, de una obra que debe verse, porque no es sencillo explicar con palabras lo que se ve en escena y cada espectador según su mirada, seguramente percibirá cosas diferentes.

 

 

 

 

Pero la pieza no se queda en las magnificas actuaciones que presenta, las mismas se apoyan en una puesta potente, a tono con la obra. La escenografía es minimalista y despojada, son los cuerpos de las actrices las que quedan en primer plano, con un vestuario de Cristina Tavano original y muy particular, con telas anudadas que cubren la humanidad de las protagonistas, dando un aspecto primitivo a las mismas. Además hay que destacar el magnífico diseño lumínico de Javier Rincón, con la oscuridad y las tinieblas como marco, con ese humo que por momentos invade el ambiente, embelleciendo mucho la puesta.

Párrafo especial también para la música en vivo que presenta la pieza. Surgiendo en el final de los módulos que tiene la trama, marcando con potencia y estridencia la pausa en el relato, para retomar luego el hilo de las actuaciones. Mencionamos entonces a Berenice Buscalia, Martin Martínez y Nadya Pérez Lugo, los responsables del muy buen aporte musical que tiene la obra.

 

 

 

 

 

No queda mucho para agregar, Fortaleza Mujer en la Hoguera de lo Inconcluso, es una propuesta fuerte y original, que invita a la reflexión, a mirar en el interior de estas dos mujeres, que desgranan su vida a la vista de los espectadores, trayendo los recuerdos, las asignaciones pendientes y los miedos que todos los seres humanos tenemos.

Recomendamos se lleguen hasta el Calibán, el teatro del gran Norman Briski, que mucho tuvo que ver en la formación de los integrantes de este proyecto, para disfrutar de una pieza bella, plena de poesía, que disfruta saltando entre lo real y lo onírico. Pero principalmente vean la obra, para disfrutar de las fantásticas actuaciones de Soledad Leone y Paula Flaks, al verlas actuar, van a entender lo que significa la pasión por el teatro independiente. La hoguera está encendida, esperando que los espectadores se acerquen, para oír el crepitar de los leños y los aplausos que invaden el aire, al final de la función.

Pensador Teatral.

Captura de Aves Silvestres

Dramaturgia de Grupo Basamenta y Dirección de Ignacio Torres.

 

 

Sábados 21 30 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Un viaje pleno de poesía y hacia las alturas, es la original propuesta que nos presenta Captura de Aves Silvestres, creación colectiva del Grupo Basamenta, que decidió celebrar sus diez años de existencia, con este hermoso proyecto, que nos introducirá al fascinante mundo de las aves, con una mirada sensible y multifocal, que nos permitirá realizar diversas lecturas.

La propuesta es realmente atractiva y moviliza al espectador, que no tiene demasiado claro que es lo que verá en escena, intuye que se sorprenderá, sin saber como, pero a medida que la trama avanza le irá encontrando el hilo al relato y se entusiasmará con el mismo. La obra tiene un espíritu lúdico, que resulta su sello distintivo, lo que le otorga frescura y vuelo a una trama, que de la mano de una puesta creativa y con mucha poética, consigue atrapar al espectador y hacerlo cómplice de la idea que este grupo de jóvenes actores despliega.

Una de las características del Grupo Basamenta, es arriesgar con sus propuestas, explorando límites y no teniendo miedo a lo experimental, al contrario, es la motivación de sus proyectos, poder experimentar . En sus propuestas, el teatro físico suele tener preponderancia, más allá de la línea narrativa, siendo los cuerpos los que se expresan. Esto es lo que ocurre precisamente en el escenario del Moscú, con actores que por momentos juegan a ser aves, trepando estructuras, bailando e imitando cantos de pájaros.

 

 

 

La obra no tiene una dramaturgia cerrada, cada espectador podrá interpretar lo que ocurre según su mirada. En nuestro caso, el relato deja en evidencia, la fascinación que tienen los seres humanos respecto del reino animal y como muchas veces en nombre de proteger e investigar las especies, los capturan y alejan de los espacio naturales que habitan. Es válido hacer esto en nombre de la ciencia ?? Los animales, si podrían manifestarse, estarían de acuerdo con este accionar ?? Hay un aire de superioridad que el hombre siempre quiere dejar claro ??? Los interrogantes que propone el relato son numerosos y creemos que lograr sembrar esas dudas en los espectadores, es absoluto mérito del texto.

 El corazón de la obra, son las actuaciones que presenta. Son cinco los actores en escena y se los nota absolutamente comprometidos con la idea, compartiendo códigos y poniendo énfasis en lo grupal, en la poética del conjunto, jugando sobre el escenario, con alegría y sin miedo al ridículo, siendo por momentos observadores de aves, en otros momentos interactuando con los pájaros, llegando a mimetizarse con ellos y pudiendo ver el mundo desde otro ángulo.

La figura convocante de la obra es Pilar Boyle, una excelente actriz, referente del teatro independiente, a quien elogiamos por sus hermosos trabajos en diferentes obras del off. Aquí. se integra en gran forma al equipo, teniendo clara que la grupalidad, es la que manda. Dicho esto, el magnetismo de Pilar con el público es innegable y por eso resulta un verdadero placer verla en escena, aleteando como un ave y cantando como tal. Talentosa y carismática, disfrutamos mucho, verla aquí, en un papel tan diferente, en el que se vuelve a destacar.

Pero Pilar, no está sola, ni mucho menos, no seamos injustos. El elenco que presenta la obra, se muestra homogéneo y pese a que como mencionamos, la clave es la grupalidad, la trama les permite a cada uno tener su momento individual de lucimiento en la trama.  Queremos destacar entonces las exquisitas actuaciones de Natalí Cabovianco, Matías Corradino, Florencia González y Fernando Morales. Todos ellos se entregan por completo al texto, disfrutan en escena jugando como si fueran niños, sin miedos. Se los nota felices actuando, dejan que fluya la actuación y eso es el algo que el espectador agradece.

 

 

 

 

Es muy importante el trabajo de Ignacio Torres, quien dirige la obra y apuesta por la libertad de este grupo actoral, acertando además con una puesta muy bella, con varios ítems para destacar como ser, el diseño escenográfico de Leandro Sartoretti, la iluminación de Leandro Crocco y el vestuario de Maricel Aguirre, caracterizando en gran forma a los distintos personajes. Todos ítems que otorgan belleza a la puesta y le agregan valor al relato.

La obra tiene muchas sorpresas, pero no queremos adelantarlas, para mantener el suspenso. Lo que si podemos decir, es que celebramos propuestas como Captura de Aves Salvajes, que apuestan por salir de lo convencional y arriesgan-  Aquí invitan al espectador a jugar con su imaginación, a viajar con ella, recorriendo un relato, que resulta divertido por momentos,  delirante en otros, educativo en algunos pasajes y también logra emocionar en algunas escenas.

 

 

 

 

Una gran idea de los amigos de Basamenta, la de celebrar su décimo aniversario, con esta obra, que indaga en el mundo de las aves, analizando como el hombre puede modificarlo y ayudando a darnos cuenta, como estamos cada vez más alejados, de las cosas simples y bellas que la naturaleza, tiene para ofrecernos.-

 Recomendamos Captura de Aves Silvestres, los invitamos a que emprendan este viaje poético y no tengan miedo de volar, muchas veces el teatro con su magia, nos permite olvidarnos de nuestros problemas y nos deja soñar, aprovechemos entonces la ocasión y juguemos a ser pájaros, volemos y respiremos las bocanadas de aire puro, que el teatro independiente nos regala.

Pensador Teatral.

 

Del Color de los Cerros

Dramaturgia y Dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

Jueves 20 30 en Teatro Multiescena CPM ( Av. Corrientes 1764 )

Una propuesta fuerte y perturbadora llega de la mano de Del Color de los Cerros, una obra que con crudeza nos invita a reflexionar acerca de los vínculos y las elaciones de pareja donde las apariencias y los engaños son moneda corriente, quedando abierta la puerta para las tentaciones y los peligros están al acecho.

La historia arrancará en el living de la pareja formada por Sofía ( Sabrina Prieto ) y Diego ( Mario Campodónico ). Ella es una actriz, que se encuentra en el mejor momento de su carrera, con un exposición creciente y comenzando las mieles de la fama. Su esposo, es un productor del mundo del espectáculo, que la descubrió en un casting varios años antes, cuando se inició la carrera de Sofía y al mismo tiempo, comenzó la relación entre ellos.

 

 

 

La pareja atraviesa un buen momento económico, ya no viven en el departamentito de los primeros años, ahora está en una casa grande y necesitan una empleada doméstica que se encargue de las tareas de limpieza. Luego de algunas dudas, ambos coinciden en la necesidad de traer a la casa, a alguien que los ayude y así es como llegará a la casa, Estefanía ( Derling Delboy ), una chica joven, originaria de Yacuiba y dueña de una belleza exótica.

Sin saberlo aquella decisión de traer a Estefania a la casa, cambiará de manera dramática la realidad de aquella pareja. Al poco tiempo, la actitud de Estefanía será otra y poco quedará de aquella chica tímida y sumisa que se presentó a la pareja y añoraba a los duendes del cerro de su Bolivia natal, comenzando un doble juego de seducción y encanto, con Diego y también con Sofía. El peligro se huele en el ambiente, las pasiones y los amores prohibidos, se presentarán pronto en aquella casa.

 

 

 

 

La obra tiene un componente de suspenso muy alto, por lo que no queremos contar demasiado, solo vamos a anticipar que se conformará un triángulo amoroso inquietante, donde los juegos sexuales y las traiciones, estarán a la orden del día. Y no diremos mucho más, solo decir que a medida que la trama avanza, aquello que se inició como un juego de pasiones, se irá tornando en algo más violento y perturbador, por lo que los espectadores deberán estar muy atentos, ya que el relato tiene reservados secretos que no tardarán salir a la luz.

 La historia además de resultar muy atractiva, consigue atrapar al público desde el comienzo, esto se logra en parte por mérito de una dramaturgia muy bien elaborada por Rubén Mosquera y en parte por las estupendas interpretaciones que presenta la obra, de parte del trío protagónico reunido, que muestra destacados desempeños individuales y una buena química entre ellos, que resulta fundamental para el texto.

 

 

 

Arranquemos con Sabrina Prieto, que representa en gran forma a Sofía, esa actriz que arrancó bien de abajo, a la sombra de su marido y que hoy ya tiene vuelo propio, superando incluso la altura de quién la descubrió. Destacamos la presencia escénica de Sabrina, su belleza y una voz imponente, que encaja perfecto con la importancia de su personaje. Es la primera vez que vemos a Sabrina en escena y nos encantó su composición. 

Mario Campodónico, es el hombre de la historia, que deberá debatirse en una lucha interna, contra su ego por ver que la figura de su esposa se agiganta cada vez más, tratando al mismo tiempo de no sucumbir ante los encantos de la joven recién llegada a la casa, que le resulta perturbadoramente atractiva. Su personaje además analiza de manera inteligente el rol actual del hombre en la pareja . Mario, es un actor de trayectoria en el teatro independiente, a quien ya elogiamos en este sitio, por sus actuaciones en obras del off y aquí volvemos a hacerlo, ya que aporta su experiencia al servicio de la obra, con una estupenda interpretación.

 

 

 

 

Para el final dejamos a Darling Delboy, otra joven actriz, que tiene a su cargo dos personajes, el primero como maestra de ceremonias de la historia ( no vamos a ahondar en este punto para mantener el suspenso ) y como Estefania, esa chica que en el arranque, luce inocente, extrañando a los cerros y tratando de agradar a los dueños de casa. Pero a medida que pasan los minutos, los espectadores descubrirán que esa fragilidad resulta aparente y detrás de la misma, se esconde una mujer hábil y manipuladora, que está dispuesta a ir por todo. Cumplimos con nuestra palabra y no contamos más. Gran interpretación la de Darling, una verdadera revelación, con una belleza inquietante, un acento de voz hermoso y seductor, dando vida al personaje disruptivo de esta historia de amor, sexo, traición y venganza.

 Además de las actuaciones tan destacadas, queremos mencionar las virtudes de una puesta minimalista, que logra crear un clima íntimo y algo sórdido, gracias al  diseño lumínico de Daniel Zappietro acorde con esa atmósfera oscura que pide el texto. Destacamos también el vestuario de Vanesa Abramovich caracterizando muy bien a los personajes, todo esto bajo la efectiva dirección de Rubén Mosquera.

 

 

 

 

Nos llevamos una muy grata sorpresa con Del Color de los Cerros, un thriller psicológico que seduce e incomoda al espectador desde al arranque. El silencio absoluto con el que el público acompaña las acciones, deja en claro el aire de tensión que se respira en la trama y habrá que estar muy atento, porque la historia a medida que los minutos avanzan, irá subiendo en voltaje y pasiones.

Recomendamos la obra, una historia fuerte y cercana que moviliza al espectador, poniendo el foco en aquellas relaciones, donde bajo una apariencia de felicidad y armonía, se esconden engaños y tempestades, que tarde o temprano saldrán a la luz, dejando al descubierto las peores miserias del ser humano.

 

Pensador Teatral.