La Perichona

Dramaturgia y Dirección de Raúl Ríos.

Domingos 18 en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

El teatro independiente, entre sus múltiples virtudes. tiene una que nos gusta de manera particular, nos referimos a rescatar figuras de la historia argentina, que fueron olvidadas por los historiadores y pocos conocen de su existencia. Sin dudas, que este es uno de esos casos, ya que la dramaturgia de Raúl Ríos, rescata a Marie Anne Périchon, conocida popularmente como La Perichona. una aristocrática francesa, que llegó a Buenos Aires, en el año 1797, acompañando a su esposo Thomas O´Gorman, un oficial irlandés al servicio de Francia.

Anne Marie, decir que fue una mujer audaz, pasional y libertina, que no dudó en romper todos los mandatos de la época. Maestra del secreto y la intriga, fue partícipe de varios escándalos farandulescos de aquellos años y recibió el mote de la " Mata Hari del Virreinato " por su habilidad para manipular políticos y penetrar en los secretos de la Corona. Además fue la amante del Virrey Santiago Liniers, con quien mantuvo una relación apasionada y escandalosa para el época. Su vínculo trascendió lo íntimo y ella desde las sombras logró influir en decisiones políticas relevantes.

Luego de esa pequeña y entendemos que útil introducción, porque muchos seguramente no conocían a Anne Marie, vayamos a la obra que nos convoca. Con habilidad, Ríos toma su enigmática e inquietante figura, partiendo de algunos hechos verídicos, para construir una ficción que navega con pericia, entre lo real y lo onírico, para traer un relato donde el grotesco, el humor negro y lo disparatado, tendrán un lugar central, sembrando la duda en el espectador acerca de que hechos son verídicos y cuales parte de una ficción. Nosotros obviamente no lo vamos a adelantar, para no quitar sorpresa y mantener una intriga que juega muy favorablemente para el desarrollo de la historia.

Pero como muchas veces decimos, se puede tener una buena idea, escribir un texto interesante, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados, las buenas intenciones pueden naufragar en la orilla. Para que se queden tranquilos, esto no fue lo que ocurrió aquí, todo lo contrario diríamos, porque el autor encontró en Malena López, la actriz ideal para adueñarse de este atractivo personaje. La composición de Malena, es simplemente fenomenal. Su trabajo es minucioso, emocional y con una gestualidad para poner en un cuadrito.

Marcando en cada palabra ese delicioso acento francés que debía tener Anne Marie, nos deleitará con una interpretación brutal, cargada de desparpajo, erotismo y pasión. Mostrando gran presencia escénica y sintiéndose muy a gusto con el personaje, le da una fluidez admirable a la francesa,  dándose el lujo de romper la cuarta pared varias veces, buscando complicidad en la platea. La habíamos visto un par de veces Malena y ya la habíamos elogiado mucho, pero aquí vaya que nos sorprendió con este gran trabajo y con una composición que resulta hipnótica.

Malena se lleva los grandes elogios de la noche por su interpretación y por la potencia de su personaje, pero no está sola en escena y no queremos ser injustos con Daira Escalera, a cargo de la Negra Esculapia, la asistente-esclava de La Perichona, que deberá soportar los improperios y pedidos de su ama, que son una constante. Su trabajo se destaca mucho desde lo corporal y su participación será fundamental en el desenlace de la obra, cuando dará cuenta de sus dotes de hechicera. Nos gustó mucho lo de Daira, formando una dupla explosiva con Malena. 

La puesta es un punto altísimo de la obra con muchos aspectos para resaltar. Arrancando por las impresionantes pelucas que llevan ambas protagonistas y los imponentes vestidos de época que lucen, siendo fundamentales para las excelentes caracterizaciones de ambos personajes, al igual que el maquillaje. Nombramos entonces a Patricia Mizraji, MG y Adam Efron, responsables de cada uno de esos rubros. El diseño lumínico de José Pigu Gomez, a cargo del diseño lumínico y hacedor de esa atmósfera de penumbra y humareda, que marca el ritmo del relato. Párrafo especial para Agustín Martino, músico en vivo, que acompaña en gran forma a las protagonistas y agrega mucho valor a una puesta llena de virtudes.

Y hasta acá vamos a contar, la obra es realmente muy atractiva, rescatando del olvido a un personaje fascinante como el de La Perichona, que sacó pecho en una época donde las mujeres estaban absolutamente relegadas a los mandatos patriarcales que reinaban en aquellos tiempos coloniales. La dramaturgia de Raúl Ríos, tiene la valentía de animarse a jugar al fleje, dándole al relato un alto vuelo creativo, saliendo de lo convencional y sin temor a tomar riesgos, para pivotear entre lo histórico, lo fantástico y el delirio.

Con todo lo que comentamos, solo nos queda recomendar La Perichona. Les aseguramos que van a conocer a un personaje fascinante como el de Anne Marie, una mujer inteligente, pasional y sexual, que los historiadores decidieron ignorar, pero que el teatro recupera, gracias a una dramaturgia potente, una puesta riquísima en matices y actuaciones brutalmente exquisitas. Todo ello se conjuga, para que disfrutemos de una gran velada teatral, que nos deja como mensaje que el amor tiene una fuerza tan arrolladora, que hasta puede imponerse a la muerte.

Pensador Teatral.

Soñé con Ellas

Dramaturgia y Dirección de Gustavo Moscona..

Sábados 21 hs en La Gloria Espacio Teatral ( Yatay 890 ) 

Entre muchas de las virtudes que tiene el teatro independiente, una de las más valiosas es dar visibilidad a las problemáticas más urgentes de nuestra sociedad. Por ello abordar el tema da la violencia de género y los femicidios desde el escenario, permite que el arte se convierta en denuncia y memoria. Y Soñé con Ellas se inscribe en esa línea, invitando a reflexionar y no dejando que semejantes atrocidades caigan en el olvido.

La propuesta de Gustavo Moscona tiene como gran mérito, abordar este tema espinoso, desde un punta de vista particular, presentando tres casos emblemáticos que conmocionaron a nuestra sociedad y tuvieron mucha repercusión en los medios de comunicación por un tiempo, ya que como lamentablemente ocurre siempre, debido al vértigo informativo, los casos son desplazados por nuevos hechos o por algún escándalo político o del mundo del espectáculo, que ofrece más rating, naturalizando la violencia y silenciando a las víctimas.

Los casos que exponen en este segundo ciclo de la obra, son los de Marita Verón, María Cash y Micaela García. La pieza, nos recordará los casos, desde las perspectiva de las víctimas, algo que sin dudas le otorga fortaleza y un sentimiento muy particular a cada historia, ya que en una habitación tendremos ante nosotros a esas tres mujeres, víctimas de la la violencia, que se reunirán allí sin saber muy bien en que lugar se encuentran, aunque lo intuyen.

La vuelta de tuerca de la obra, es hablarnos de la muerte desde la vida. Ya que elige mostrar fragmentos de la vida de aquellas jóvenes mujeres. Sus anhelos que quedaron truncos, sus miedos, momentos divertidos que vivieron, los recuerdos de su primer beso y por sobre todas las cosas veremos esa energía y esas ganas de experimentar la vida que tenían como tantas mujeres jóvenes, pero que en sus casos, la violencia les quitó todo futuro de manera cruel e inesperada.

La obra es fuerte y moviliza al espectador, sin tener que recurrir a los golpes bajos, ni a relatos morbosos. La potencia del texto radica en la juventud de aquellas mujeres, que gracias a los sensibles trabajos de las tres jóvenes actrices en escena, pueden tener la voz, que en la vida real ya no tienen y entonces su silencio forzado, exige que otras personas hablen por ellas, en este caso, las actrices, en una noche especial que compartirán juntas.

Tiempo entonces, de hablar de las tres protagonistas. Arrancamos por Laura Moretti como Marita Verón. Su personaje es quien está desde el arranque de la obra y será quien reciba a las otras dos chicas. Laura muestra una gran presencia escénica y será la más sería de todas. Con su gesto adusto, es quien muestra mayor enojo con la situación, portando una bronca que la envuelve. Además como plus de su trabajo, contará un cuento misterioso, que los espectadores seguirán en absoluto silencio. Gran composición de Laura.

Sigamos con Yanina Manfredi, como María Cash. Con una mirada melancólica y triste. Su caso es emblemático, porque nunca se aclaró que pasó con ella, la tierra parece haberla tragado. Se muestra conmovida y recuerda al padre que dió su vida buscándola. Sensible composición de Laura. Y nos queda hablar de Paz Velázquez, como Micaela García. Ella era una militante social, que fue violada y asesinada, cuando volvía de bailar, cuando solo tenía 21 años. Y en el escenario, se vé esa plena juventud. Es una chica que simplemente quiere jugar y divertirse, quedando claro el contraste entre su alegría y el horror de su muerte. Muy bueno el trabajo de Paz.

La puesta que presenta la obra, tiene componentes impensados para una pieza que trata una temática tan dura como esta, ya que ofrece momentos musicales muy tiernos y también deja espacio para la poesía. Con esto se logra dar aire a un tema tan denso, pudiendo remarcar la injusticia del horror que se quedó con tanta vida. Le damos mérito aquí, a la dirección de Gustavo.

Y hasta acá vamos a contar. Soñé con Ellas es una obra muy necesaria para estos tiempos. En su segundo ciclo y cuarta temporada, la obra y las actrices siguen dando voz a mujeres asesinadas que ya no pueden hablar, convirtiendo en el escenario en un acto de memoria y denuncia, posibilitando que el teatro sea un espacio donde el dolor se transforma en conciencia colectiva.

Por todo lo mencionado, recomendamos vean Soñé con Ellas, una valiosa y premiada propuesta del teatro independiente, creación de Gustavo Moscona, que sabe como llegar al corazón del espectador, con una propuesta que nos interpela en forma individual y como sociedad, de la mano de tres jóvenes actrices, que con sensibilidad y compromiso,  la dan voz a tres mujeres. que sufrieron la violencia en carne propia y tuvieron el peor final, representando además a tantas otras mujeres anónimas que fueron víctimas de la misma violencia y su dolor fue invisible a nuestros ojos. La obra conmueve por su crudeza y nos recuerda que mientras haya injusticias, el teatro seguirá siendo una forma de lucha y de memoria.

Pensador Teatral.

Yunta

Texto de Joaquín Daniel. Versión libre y Dirección de Adriana Roffi.

Viernes 20 30 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Una virtuosa versión libre de Adriana Roffi, sobre texto original de Joaquín Daniel, resulta Yunta, una estupenda propuesta del teatro independiente, que se desarrollaen algún lugar indeterminado de nuestro vasto campo, mostrando la relación entre dos hombres, cuyo vínculo no tenemos claro en el comienzo. Se intuye una comedia muy divertida, pero a medida que la trama avanza, veremos que el humor será solo la cubierta, de un texto profundo, que nos interpelará y nos invitará a reflexionar sobre las relaciones jerárquicas y las armas que tiene los poderosos para manipular al más débil, disfrazando la opresión con ironía y sátira.

En el relato, tendremos a un peón de campo ( Matías Broglia ), al que apodan Perrito, por que imita muy bien a los canes que viven en la estancia donde trabaja y al patrón ( Pedro Risi ), su nombre es desconocido, pero lo que realmente importa es que quien tiene el control allí. Mirando como visten aquellos hombres, rápidamente podemos ver que el peón lleva boina y desgastadas ropas de trabajo, típicas de un gaucho. En cambio el patrón, impacta por la pulcritud de su vestimenta, elegante sombrero, pañuelo al cuello y botas relucientes. En las vestimentas, ya se nota la diferencia jerárquica. Además luce un bronceado admirable, que el mismo se encarga de destacar.

Ambos hombres deciden salir a cabalgar por los campos propiedad del patrón de estancia y luego de un rato, deciden hacer un alto en el camino, para descansar un poco, aunque en realidad el único que descansa es el patrón. El peón es quien entiende las artes campestres, por lo que deberá asistir de manera constante a los pedidos del patrón, mostrando paciencia y más que nada teniendo claro que su deber es servir. Perrito es quien sabe como llevar los caballos y calmarlos cuando algo los sobresalta. El patrón quiere mostrar que domina todo, pero depende casi de manera total, se su fiel asistente.

Y el nudo del relato, son los diálogos que mantendrán aquellos hombres. En realidad el que habla es el patrón, haciendo gala de su gran oratoria y del uso de algunas palabras que resultan extravagantes para su acompañante, que se sorprende y expresa su admiración por el grado de instrucción de su amo. Pero el discurso de aquel hombre, tiene un sentido claro, marcar las diferencias con los otros. Aquellos que están más allá del límite de sus campos, que cada vez son más y están cada vez más cerca, siendo una amenaza cada vez mas palpable.

La diatriba es clara. Somos nosotros contra ellos, contra los otros. El patrón no se cansa de marcarle al Perrito, que el nosotros lo incluye y que los responsables de todos los males son los otros. Ellos piensan, los otros no. Ellos son inteligentes y sensibles, los otros no. Y así seguirá enumerando. El peón asiente y repite, por momentos se envalentona y exagera ese odio que le inculcan contra los otros

Pero a medida que la jornada se alarga, algunos diálogos irán ganando en intensidad y Perrito no se siente tan a gusto con lo que escucha. Siempre intenta disimularlo, pero la duda y un cierto enojo comienzan a invadirlo. Será realmente que él está de este lado de la trinchera y el otro es el enemigo ? . O él es uno de los otros que está en el lugar equivocado ? El interrogante se hace cada vas más fuerte en su cabeza y hasta allí vamos a contar, para no queremos spoilear más de la cuenta.

Tiempo de hablar de las actuaciones que tiene la obra y acá queremos detenernos, porque la dupla protagónica que conforman Matías Broglia y Pedro Risi, funciona de manera fenomenal. Mostrando gran química entre ellos, manejarán a la perfección los tiempos del relato, que tendrán momentos divertidos, otros filosóficos y en la parte final, fragmentos de mucha tensión. Realmente se disfrutan y mucho sus trabajos.

Arranquemos por Matías Broglia, un actor que nos gusta mucho y al que ya elogiamos en numerosas oportunidades en este sitio. Matías tiene un carisma y una gestualidad admirable, que se adapta perfecto a su personaje. Se luce muchísimo, imitando los sonidos de los perros, los caballos y otros sonidos de la naturaleza. Juega y se mimetiza con ellos. Su personaje se muestra vulnerable e ingenuo, acostumbrado a la sumisión, a limitar sus palabras y pensamientos. Pero con el desarrolla de la obra, dejará en claro, que tiene un pensar propio. que quiere salir a la superficie. La rompe Matías como el Perrito.

Pero no seamos injustos con Pedro Risi, el villano de la historia, representando al típico terrateniente garca, con un discurso que se apoya en la descalificación y el desprecio por las clases bajas. Siguiendo el legado de su padre, que con mano dura marcó la línea de pensamiento a seguir, justificando los abusos y la crueldad, contra los que no son como ellos. Gran composición la de Pedro.

La puesta de Adriana Roffi resulta muy atractiva, logrando mantener la atención del espectador desde el arranque y jugando de manera muy efectiva con el viraje que irá teniendo el relato, saliendo de zonas inofensivas, para ir ganando en tensión. Destacar el diseño escenográfico de Gustavo Acevedo, que con pocos elementos, logra ambientar la historia en nuestro campo. El vestuario es otro punto alto, ya que caracteriza muy bien a los personajes.

Y no queremos contar más. Solo decirles que nos encantó la obra. Yunta transita su segunda temporada de suceso con este equipo de trabajo y es una obra que adquiere gran vigencia en estos tiempos del país, ya que invita a reflexionar sobre las relaciones entras las distintas clases sociales, poniendo énfasis en la habilidad dialéctica que muchas veces, tienen los que detentan el poder, para envolver con sus discursos a las masas,  tendiendo trampas, para que se sumen a sus filas, a cambio de una supuesta pertenencia, que solo es discursiva.

Por todo lo comentado, solo nos queda recomendar Yunta. Se encontrarán con un texto  inteligente y perturbador a la vez, ya que mediante el humor y la sátira, dejará al descubierto una realidad que conocemos, pero que muchas veces elegimos ignorar Y además se encontrarán con una gran dupla protagónica, que nos regalarán actuaciones exquisitas y personajes artesanalmente construidos. Yunta, es una valiosa propuesta, que nos hará reflexionar acerca de la grieta que existe en la sociedad. Nosotros y ellos. Y en el medio nada. Nos fuimos del teatro, con una gran sonrisa y movilizados por lo que vimos. Y cuando eso sucede, el teatro ha cumplido su cometido.

Pensador Teatral.

Puntera de Acero

Dramaturgia de David Gow. Traducción y Adaptación de Iván Steinhardt . Dirección de Carlos Kaspar.

Miércoles 20 30 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una obra potente, actual y que busca crear conciencia, podría ser la carta de presentación para Puntera de Acero, pieza escrita  por el dramaturgo canadiense David Gow en 1998, que se centra en el brutal asesinado cometido por un joven skinhead neonazi contra un inmigrante pakistaní y en la defensa que deberá ejercer un abogado judío, designado por el Estado para representarlo.

La obra llega a nuestra cartelera, traducida y adaptada por Iván Steinhardt, que además será uno de los personajes centrales de la historia. Esta versión libre de la pieza de Grow,  que nos convoca,  se desarrolla en la multicultural Buenos Aires y tendrá como protagonistas a Miguel ( el propio Iván ) un neonazi que acaba de asesinar salvajemente a un joven de origen boliviano, al que molió a patadas sin piedad. El crimen tuvo gran repercusión en la prensa y más aún cuando trascendió que la defensa del asesino, la ejercería Daniela Dunkelman, una abogada judía, designada como defensora oficial por el sobrecargado poder judicial bonaerense.

El interrogante surge de inmediato, porque una abogada de raíces judías y pensamiento progresista, aceptaría defender a un neonazi que en vez de manifestar algún tiempo de arrepentimiento, se muestra orgulloso por el crimen cometido y no tiene reparos en enarbolar su ideología supremacista de derecha, que culpa de todos los males que sufre el país, a los inmigrantes, sin importar que sean bolivianos, peruanos, negros senegaleses o judíos por supuesto, ya que su ideología nazi, lo hace un antisemita recalcitrante.

La abogada que se siente hundida en un sistema judicial que le asigna los peores casos, tiene un desprecio visceral por aquel asesino confeso. Pero, sin embargo, algo la lleva a soportar los embates verbales de aquel hombre al que visita asiduamente en la cárcel, intentando trazar alguna estrategia, que permita morigerar una pena de cadena perpetua por odio racial que cae de madura, hacia un homicidio simple. Será su ego ?? Mostrar a los demás que su profesionalismo está por encima de todo ?? Hay itra razones ?? Los interrogantes se multiplican en la prensa, que elabora mil conjeturas, tratando de descifrar que oscuras motivaciones tiene la abogada.

Lo real es que cliente y abogado se detestan. Los diálogos entre ellos son violentos y llenos de insultos. Miguel no pierde oportunidad de denigrarla y mostrar su desprecio por los judíos. La abogada, no se queda atrás, ya que además de expresar el asco que le producen las personas con su ideología extrema, se encarga de remarcar que si no se pone las pilas y piensa el mismo alguna estrategia de defensa creíble, ella no estará en condiciones de hacer un milagro y va a recibir una sentencia condenatoria, que lo obligará a pudrirse en la cárcel, mientras ella estará ocupada viajando por el mundo.

Los espectadores serán protagonistas de diálogos cargados de violencia y de una confrontación dominada por el odio. Son el agua y el aceite, pero por algún motivo indescifrable tratarán de tirar para el mismo lado. Será cierta la teoría que los extremos al final se terminan pareciendo ??? No vamos a contar más, porque el suspenso es uno de los ingredientes, principales de esta historia. Solo diremos que el tiempo se está acabando y el juicio es inminente, por eso deberán acercar posiciones, para poder tener una sentencia, que resulte favorable para ambos. En el caso del preso, que la pena no sea a perpetua y en el caso de la abogada, lograr aquel milagro, que la convierta en una profesional de prestigio.

Tiempo de hablar de las actuaciones que presenta la obra. Decir antes que nada, que tanto Ivan Steinhardt como Romina Pinto, son dos actores notables, con gran recorrido en el teatro independiente y que ya formaron duplas protagónicas muy destacadas en anteriores obras, teniendo gran química entre ellos. Podría decirse que se entienden a la perfección y esto resultará fundamental en una obra tan fuerte, que presenta diálogos muy jugados y cargados de violencia. 

Los dos trabajos son superlativos, pero nosotros quedamos impactados por la actuación de Iván Steinhardt, que realiza una composición fenomenal de un lumpen con todas las letras, que es su personaje. Su discurso violento, su mirada desencajada, el odio que se vislumbra en cada uno de sus gestos, etc. Tuvimos la suerte de sentarnos en la primera fila y observar su trabajo de tan cerca, resultó un lujo. Es una composición minuciosa e impactante, que no deja indiferente al espectador, que tiene antes sus ojos a un ser que genera repulsión, Impresionante lo de de Iván, un verdadero villano en escena.

Pero no seamos injustos con Romina Pinto, una actriz que nos encanta. Y acá, tiene un desafío muy complejo, ya que tiene que plantarse ante un sujeto detestable y violento, siendo además, una mujer que debe debatirse entre seguir su deber profesional y sus convicciones. Excelente también lo de Romina, con la gestualidad que la caracteriza y dándole a su abogada, una energía muy alta, necesaria para poder enfrentar la encrucijada en la que se encuentra. Dos interpretaciones sobresalientes, que se potencian en el conjunto, por el gran entendimiento que tienen ambos, algo que agrega mucho valor a las actuaciones, siendo los espectadores los beneficiados.

La puesta de Carlos Kaspar es intensa y no dá respiros. Logra instalar desde el arranque un ambiente tenso y perturbador, a tono con la crudeza de la historia. Destacamos el diseño escenográfico que divide el espacio escénico en tres, siendo el centro para los encuentros de los protagonistas y los extremos para las representaciones individuales. El silencio con el que el púbico sigue las acciones, demuestra lo crudo del relato y solo será interrumpido por alguna risa nerviosa de los espectadores, ante algún respiro que el texto propone.

Puntera de Acero, es la nueva obra que presenta El Vacío Fértil, la compañía teatral creada por los propios Romina e Iván, que tiene como característica presentar espectáculos que ponen foco en problemáticas que se viven en la sociedad y que generalmente no llegan al teatro, ya que trata temas espinosos, que en teoría no son taquilleros. Por el contrario, esta compañía busca dar visibilidad a temáticas complejas, buscando plantear espacios de debate y reflexión, creando conciencia. En esta oportunidad, estrenan una propuesta que confronta de manera directa y cruda, los efectos del odio racial y la discriminación, en la sociedad contemporánea. 

Recomendamos especialmente Puntera de Acero, una obra escrita en Canadá hace 30 años, pero que tranquilamente podría haberse escrito la semana pasada acá, quedando en claro la brutal vigencia que tiene el tema. Estamos en presencia de un texto fuertísimo, un thriller psicológico y judicial, que se apoya en una dupla protagónica exquisita, que nos invita a reflexionar sobre el peligro que conlleva desplegar discursos de odio, que alimentan la intolerancia y la violencia, poniendo en riesgo la convivencia social y fomentando la deshumanización de los que piensan diferente.

Pensador Teatral.

La Señora y la Chica del Tótem

 Dramaturgia y Dirección de Laura González.

Sábados 18 30 hs en Machado Teatro ( Antonio Machado 617 )

Una propuesta sensible y emotiva, llega de la mano de La Señora y la Chica del Tótem, texto escrito por Laura González, que nos habla del peso de los recuerdos y del dolor que atravesamos cuando perdemos a un ser querido, proceso que puede prolongarse en el tiempo y condicionar nuestro presente, influyendo en nuestro estado de ánimo y en los vínculos familiares.

La obra nos sitúa en Nochebuena, afuera llueve y en un departamento veremos a una señora que decide pasar en soledad aquella noche tan especial, en la que los recuerdos de los que ya no están suelen rondarnos por la cabeza. La nostalgia la invade y mientras brinda en soledad, decide abrir una valija en la que guarda algunas cosas que pertenecieron a su marido, fallecido ya hace varios años. Los recuerdos de viajes que disfrutaron juntos y tantos momentos de felicidad vividos, invaden el departamento y la noche navideña.

Pero las sonrisas duran poco, la realidad golpea fuerte. El dolor por haber perdido a un ser querido y no contar con su compañía, muchas veces genera bronca y eso es lo que siente la señora aquella noche luego de tomarse un par de copas. Es por ello, que decide tomar aquella valija y llevarla a la calle, para desprenderse de ella, como si de esa forma pudiera dejar de lado, a todos los fantasmas de los recuerdos. Pero cuando llega al palier de la planta baja del departamento, se encuentra con un tótem de seguridad, algo que está muy de moda en estos años en Buenos Aires. La novedad espanta a la señora, que despotrica por el mal gusto de los administradores del consorcio, que no la consultaron sobre aquella incorporación.

En el tótem hay una joven, que en vez de estar pasando la Navidad con la familia, está trabajando. La chica nota que la señora no se encuentra del todo bien, lo nota por la cara triste que lleva y allí nacerá un diálogo algo forzado, porque la señora no tiene mucho ánimo para dialogar.  Pero de pronto perciben, una silueta en la calle que mira hacia el interior del departamento y de manera inexplicable, parece no mojarse, pese a la lluvia copiosa que cae de manera persistente. 

En aquella noche tan particular, las mujeres que parecen no tener nada en común, se conectarán. La chica del tótem, tiene un aura mística. Huele que esa noche puede dar lugar a los milagros y le propondrá algo a la mujer, que parece dispuesta a abrir su mente y dejar que lo inesperado ocurra. Y hasta allí vamos a contar, el encuentro dejará de ser virtual y juntas ambas mujeres, intentarán abrir los portales, para que lo ángeles de la noche hagan su tarea. Pero cumplimos con nuestra palabra y no contamos más.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. Nos gustó mucho el trabajo de Adriana Cerruti, con una composición cargada de sensibilidad, que logra transmitir al público, ese dolor que la atraviesa y las emociones cruzadas que recorren su mente. Y es muy bueno el contrapunto, con la otra protagonista de la noche, nos referimos a Candelaria Monzón, la chica del tótem, dando vida a un joven fresca  y optimista, la contracara de aquella mujer anticuada y apesadumbrada. Muy lindo personaje el de Candelaria, irradiando ternura y buena energía. Muy buenos trabajos individuales, que se potencian en el conjunto.

Muy bella la puesta que logra Laura González, que además de ser la autora de la obra, es la directora y nos muestra que no siempre se necesitan grandes recursos económicos, para conseguir una puesta atractiva, acá con ingenio y muy buen gusto, se consigue una puesta íntima que atrapa al espectador. Para destacar el diseño escenográfico funcional creado por Leonardo Massari, del que no vamos a dar detalles, para no quitar sorpresa, pero nos encantó. El diseño lumínico de Juan Manuel Sodorini, es muy importante para marcar los climas de la historia y no podemos dejar de mencionar el gran aporte de Martín Bari, músico en vivo, que regalará hermosas melodías con el piano y algunas cosillas más.

Nos movilizó la propuesta de La Señora y la Chica del Tótem, que con toques de humor y sin recurrir a los golpes bajos, nos invita a reflexionar sobre lo complicado que puede ser transitar la desaparición de un ser querido, cuando quedaron cuestiones sin aclarar y palabras que no pudieron ser dichas en el momento indicado, permaneciendo un gusto amargo, que se suma al dolor normal de la pérdida. Y la obra además, propone una vuelta de tuerca, dando lugar a lo divino, para resolver alguna situación inconclusa.

Recomendamos la obra, una historia mínima y humana que emociona, ya que nos habla de temas con los que todos nos identificamos. Lo hace de la mano de una dupla protagónica amorosa y una puesta bella e íntima. La propuesta resulta una caricia al alma, en tiempos donde reina la crispación y nos deja un mensaje esperanzador, para que sepamos que en los momentos de oscuridad, siempre puede aparecer algún ángel, dispuesto a sanar nuestras heridas.

Pensador Teatral.

El Grito Sagrado

Dramaturgia de Marcela Peidro. Dirección de Lorena Romanín.

Martes 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

El teatro independiente tiene muchas virtudes, una de sus principales, es la variedad de las temáticas que puede abarcar. Y en este caso, la elección es magnífica, ya que El Grito Sagrado elige contarnos la historia de María Remedios del Valle, una mujer totalmente olvidada por los libros de historia, pese a haber luchado con heroísmo por nuestra independiente, participando en la campaña del Ejército del Norte comandado por Manuel Belgrano.

Su valentía en el frente de batalla fue reconocida por el propio Belgrano, quien la nombró Capitana, siendo la primera mujer en recibir ese grado. Su dedicación en busca del sueño de la Independencia fue absoluta, se entregó por completo a la causa, perdiendo a su esposo y a su hijo en el campo de batalla. María Remedios fue una verdadera heroína, pero nunca, no tuvo el reconocimiento debido, en esto, sin dudas influyó,  su condición ser mujer y de raza negra.

Es oportuno el momento, para recordar la deuda que Argentina mantiene hasta la actualidad, con las personas de origen africano que tanto aportaron en la lucha por nuestra emancipación. Como dato esclarecedor, podemos recordar que el Ejército de Los Andes con que el que San Martín realizó la heroica gesta, tenía entre un 40 y 50 % de efectivos de origen afro. Y muchos historiadores sostienen que la desaparición de gran parte de la raza, se debió a la enorme cantidad de muertes ocurridas en el campo de batalla, ya que tenían un grado de compromiso y un valor, que los convertía en carne de cañón para el enemigo.

Es por ello, que la figura de María Remedios del Valle, emerge como un claro exponente de la valentía de tantos hombres y mujeres de origen afro que lucharon con abnegación, por la independencia argentina. En el caso de María Remedios, por su heroísmo y compromiso, comenzaron a llamarla Madre de la Patria, pero como muchas veces ocurre en nuestro país, de manera muy injusta,  su figura cayó en el olvido. Tanto,  que al terminar la guerra por la Independencia, tuvo que vivir en la calle, pidiendo limosnas en las escalinatas de la Iglesia de San Ignacio, para poder subsistir.

Golpeó puertas varias, pidiendo un justo reconocimiento por los servicios prestados, como el que tuvieron muchos de sus camaradas, debiendo peregrinar mucho tiempo,  presentando papeles y testimonios, porque no le creían. Vivió años en la pobreza y atormentada por la ingratitud y el olvido con que la sociedad le pagaba. Recién en 1830, Juan Manuel de Rosas, le asignó una pensión digna y le otorgó el cargo de Sargento Mayor de Caballería. Siendo este un merecido, aunque tardío reconocimiento, ya que nadie le quita los años de humillación que tuvo que soportar. 

Dayana Bermúdez Cortes, actriz colombiana y de origen afro, es quien tiene a su cargo representar a María Remedios del Valle en este potente unipersonal y de entrada vamos a anticipar que su composición es sencillamente fantástica. Con una presencia escénica imponente y una entrega absoluta, cerrando los ojos, podremos viajar en el tiempo y ver a María Remedios en el escenario, mostrando su dolor ante el olvido, llorando por haber dejado incluso a su familia en el camino, en pos de la lucha por la independencia y terminar mendigando por caridad para sobrevivir.

La composición de Dayana emociona, por su realismo y por la carga emocional que le pone a su personaje. No hay dudas que se siente identificada con la heroína a la que representa en el escenario y por evocar a tantas otras mujeres de raza negra, que la historia eligió invisibilizar como ocurrió en el caso de la Madre de la Patria. Los invitamos a que descubran esta gran interpretación de Dayana, que por momentos nos resultó hipnótica.

Tiempo de destacar la bellísima puesta que presenta la obra, mérito aquí de Lorena Romanín, una directora con gran trayectoria en el teatro independiente. Arranquemos por resaltar a los músicos en vivo , nos referimos a Pina González y Lucas Sanjurjo, que son fundamentales en el acompañamiento del relato, con diferentes instrumentos musicales, siendo la banda sonora del relato. Excelente aporte de ambos. Otro rubros destacados, son el diseño escenográfico y de vestuario de Gabriella Gerdelics, con esa túnica blanca que luce la protagonista. Hay un telón, en el fondo del escenario, donde se proyectan imágenes que acompañan el relato y suman para embellecer una puesta muy cuidada y rica en recursos.

Y hasta acá vamos a contar. En lo personal, nos gustan mucho las obras históricas, pero esta en particular, quedamos encantados, por la figura a la que se le rinde homenaje y por la calidad interpretativa de la pieza. El Grito Sagrado pone el foco en un personaje de nuestra historia invisibilizado por los historiadores y que recién en los últimos años, empezó a encontrar justo reconocimiento. Mencionar que María Remedios del Valle murió murió el 8 de Noviembre de 1847 y en honor a su figura, desde hace unos años, todos los 8 de Noviembre, se celebra en nuestro país, el Día de los Afro-argentinos y de la Cultura Afro.

Recomendamos especialmente El Grito Sagrado, una obra que consideramos imprescindible, ya todos los argentinos debiéramos conocer la historia de María Remedios del Valle, la Madre de la Patria, que no nos contaron en la escuela, invisibilizada seguramente por ser mujer y negra, siendo uno de los tantos héroes injustamente olvidados en nuestro país. Se encontrarán además con una puesta magnífica y una composición actoral superlativa, que les permitirá disfrutar de una gran noche de teatro independiente y saber más de este gran figura de nuestra historia, que hoy podemos ver en los billetes de diez mil pesos. junto a Manuel Belgrano, tratando de saldar parte de la deuda, que Argentina tiene con ella.

Pensador Teatral.

Cae la Noche Tropical

Sábados 20 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Autoría de Manuel Puig. Versión de Pablo Messiez y Santiago Loza. Dirección de Pablo Messiez.

Basada en la novela escrita en 1998 por Manuel Puig, llega esta versión teatral adaptada por Santiago Loza y Pablo Messiez, que con mucho humor y profunda humanidad, nos hablará del paso del tiempo, la vejez, la relación con los hijos, el amor y como juegan en nuestra mente, el peso de los recuerdos y nuestras experiencias en la vida, de cara a una última etapa de la vida, que muchas veces es de reflexión, en momentos donde vemos a el final, cada vez más cerca.

Las acciones se desarrollan en Río de Janeiro, allí en una casa repleta de plantas, viven dos hermanas que ya superan los ochenta años, Lucía ( Eugenia Guerty ) , que es la mayor y la más lúcida y Nidia ( Leonor Manso ) , que se demuestra más achacada, algo frágil y con dificultades para superar la reciente muerte de su hija. Ambas están contentas de estar juntas y hacerse compañía que aquella ciudad, que les regala un clima benévolo y gente mayormente alegre, por más que tengan lejos a sus afectos.

Las hermanas ya no salen tanto a la calle, prefieren pasar sus días, en el patio de la casa, rodeadas de plantas y conversando mucho. Se nota que son compinches y les gusta recordar anécdotas familiares, travesuras de cuando eran chicas y tenían amoríos varios. Eso, es mucho mejor que hablar de enfermedades y de tantas amigas que ya no están en este plano. Es más, con una muy buena dosis de humor negro, les encanta recordar algunas situaciones, donde las únicas que quedan vivas son ellas.

Pero las charlas que son dirigidas casi siempre por Lucia, tienen una temática favorita, ella es hablar de Silvia, su vecina ( Carolina Tejeda ) , que en el comienzo no aparecerá en escena, pero estará muy presente en la charla de las hermanas. Lucía parece saber todo de aquella vecina, argentina como ellas, pero mucho más joven y psicóloga de profesión. Y la lupa estará puesta en vida amorosa de la vecina, con detalles tan íntimos y precisos, que cuesta imaginar, la forma en que la narradora consiguió tal información.

Las charlas son muy graciosas y en la mismas,  las hermanas proyectan muchas de sus vivencias y Nidia es especial sus prejuicios. No vamos a dar muchos detalles, para no quitar sorpresa, pero si,  les adelantamos que se van a divertir mucho con los diálogos y poder comprobar como las hermanitas son doctoradas en chismes. Con el desarrollo de la trama, sin contar mucho, podemos adelantar que la vecina, aparecerá finalmente en escena, primero sola y luego interactuando con las hermanas, siendo un momento muy esperado de la noche, en el que no vamos a ahondar, para no spoilear.

Tiempo de hablar de la exquisita dupla protagónica conformada por Leonor Manso y Eugenia Guerty, ya que están fenomenales ambas y construyen personajes super queribles. Que decir de Leonor, una actriz de quilates y de enorme trayectoria. Resulta un lujo poder verla en escena y disfrutar su trabajo. Nos sorprendió de gran manera, Eugenia Guerty, brillante en el papel de Lucía, sin dudas el texto, hace que su personaje sea quien lleve la batuta de la obra y sea la voz cantante del relato, algo que Eugenia aprovecha de manera estupenda, luciéndose en lo personal y potenciándose mucho en la dupla que forma, con Leonor. Nos encantó su trabajo.

 Pero las actuaciones no se terminan en la dupla mencionada, debemos destacar, el muy buen aporte de  Carolina Tejeda, que tiene una tarea compleja, ya que debe acompañar a los dos personajes principales que tiene la obra, desde un papel secundario y realmente lo hace muy bien.  Además, su participación será fundamental en el cierre de la historia. Muy buen trabajo de Carolina.

La puesta es lograda y aprovecha muy bien las generosas dimensiones del escenario de Hasta Trilce, donde se destaca el bello diseño escenográfico de Mariana Tirantte. que reproduce en el mismo plano, el hogar de las hermanas y él de la vecina. Ya lo dijimos antes, pero nos encantó el verde de las plantas que le dan mucho aire y vida a la historia. También queremos mencionar el diseño de vestuario de Renata Schussheim, que suma en la caracterización de los personajes.

En definitiva, nos encontramos con una muy buena adaptación de la galardonada novela de Manuel Puig, que hace años ya se viene presentando y siempre mantiene su vigencia. El secreto del suceso a nuestro entender es la humanidad y cotidianidad de la historia, que con humor y mucha ternura, retrata el paso del tiempo y la manera que nos paramos, a la espera de lo inevitable, siendo lo mejor hacerlo con optimismo y alegría.

Disfrutamos de una noche distinguida de teatro, en un Hasta Trilce repleto como pocas veces lo vimos. Cae la Noche Tropical, es una propuesta sensible y querible, que nos invitará a reírnos de una etapa de la vida que todos vamos a atravesar y lo hace de la mano de dos hermanitas inefables, que aunque pasan los años, no pierden las mañas y emanan ternura, en una velada donde las risas y las emociones no faltarán.

Pensador Teatral.