Todo lo que me Falta

Dramaturgia de Pablo dos Reis. Dirección de Juan Pablo Galimberti.

Lunes 20 30 hs en Centro Cultural Thames ( Thames 1426 )

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Una tragicomedia atrapante es el título que le pondríamos a este artesanal y creativo texto escrito por Pablo dos Reis, que nos hará vivir una historia de amor desesperada. Un hombre que extraña con locura a Rosaura, su ex novia, a la que conoció en el trabajo. La chica de la que todos estaban enamorados, pero solo él había sido tocado con la varita mágica y había podido compartir felices momentos con ella. Pero eso ya era parte del pasado, ella ya no es su novia y ni siquiera le responde las llamadas.

Nuestro protagonista, del que no conocemos el nombre y tampoco importa, luce desencajado y fuera de eje. Perdió su trabajo y ya casi no sale de su casa. Se la pasa todo el día pensando en ella. Está obsesionado con Rosaura, la ama profundamente y no pierde las esperanzas de volver con ella. Pero mientras tanto la pena le pesa y no quiere olvidarse de ella. Es por ello que decidió tatuarse su nombre en en pecho, algo que puede resultar habitual, cuando alguien no quiere dejar atrás a  un ser amado y quiere perpetuar su recuerdo.

Pero los pensamientos y los recuerdos taladran su cabeza, ese tatuaje con el nombre resultará muy poco en comparación de todo el amor que ella tiene para con Rosaura. Y ahí será, cuando la historia tomará un rumbo diferente, saliendo de los carriles normales y amagando a ingresar en el terreno del absurdo y del grotesco. Un día que la cabeza no paraba de pensar en ella, tuvo una idea loca y decidió salir del encierro de su casa para cumplirla. Fue a esta la galería que quedaba cerca y volvió a ese localcito oscuro y pequeño del fondo, en el que hacían tatuajes y hace un tiempo se había tatuado el nombre de ella.

El tatuador apenas lo recordaba y se inquietó cuando notó la desesperación en los ojos de aquel hombre que había ingresado agitado a su negocio. El pedido del cliente lo descolocó por completo. Quería que le tatuara la cola de su ex, en la suya, quería poder tener esa cola a mano  todos los días, aunque ella no estuviera presente La plata no importaba, estaba dispuesto a poner toda su indemnización si fuera necesaria para pagar aquel trabajo fastuoso e inverosímil. El tatuador se negaba en principio, a seguir esa loca idea, pero el hombre insistía y finalmente algo en su interior, lo hizo aceptar la misión.

El tiempo pasó y nuevamente aquel hombre despechado quiso más. Y volvió al local del tatuador. Ahora quería otra parte del cuerpo, en realidad quería todas las partes, quería transformarse en ella. Ser ella. Y hasta allí vamos a contar para mantener el suspenso. Solo vamos a adelantar, que el vínculo con el tatuador se hará cada vez más estrecho. Eran un mecenas y un artista que se convertían en socio de una utopía. Una obra monumental y nunca vista, era un desafío que se tornaba irresistible para cualquier hombre. Y allí la historia comenzará a tomar un voltaje y un rumbo imparable. Un hombre desesperado, un artista enajenado y un amor que cruzará todos los límites. 

Momento de hablar de la fenomenal composición de Pablo dos Reis, el autor de la obra, que además es el protagonista de este unipersonal. Porque no lo aclaramos todavía. Mencionamos en el relato a un hombre y a un tatuador, pero es Pablo, quien representa a ambos personajes, modificando los tonos de voz, los gestos y las posturas, creando un diálogo y un ida y vuelta fantástico entre ambos personajes, entre ese hombre loco de amor y ese artista, que no puede escapar a su destino.

El trabajo de Pablo es hipnótico. El manejo de los tiempos que realiza es quirúrgico. Manejando con maestría las diferentes emociones que transitan los personajes. Navegando por el humor, el dolor y el amor profundo, en los diferentes momentos del relato. Para mantener la sorpresa, omitimos mencionar adrede, algunas características físicas que tiene el personaje que veremos ante nuestros ojos. Lo descubrirán ustedes cuando vean la obra. La composición de Pablo es magnética y los diálogos que crea en escena, cautivan a los espectadores.

Tiempo de hablar de la magnífica puesta que tiene la obra. Como dato curioso comentar que Juan Pablo Galimberti, el director, al principio del proyecto iba a ser el protagonista y Pablo quien dirigiera. Pero una vez que comenzaron los ensayos los roles se invirtieron. Sería contrafactico saber como hubiera salido la cosa con esa división de roles, pero si les podemos asegurar que de esta manera, los resultados fueron estupendos.

Volvamos a la puesta, que nos pareció sobresaliente. En la sala más pequeña del Cultural Thames, que no conocíamos, se logra crear una atmósfera íntima que resulta perfecta para el relato. La cercanía con el protagonista es absoluta y el público se siente dentro del relato. El diseño de luces, a cargo del propio Juan Pablo, es magnífico. La oscuridad es la que manda en la historia, las luces además de marcar los climas, serán claves para los momentos determinantes del relato. Los elementos en escena, son mínimos, solo los necesarios, para que podamos ingresar en la atmósfera sórdida e íntima que pide la historia.

No queremos contar más para mantener la sorpresa. Realmente nos llevamos una gratísima sorpresa con Todo lo que me Falta. Como tantas veces fuimos a ver una obra, sin muchas referencias previas y en este caso nos encontramos con una verdadera joyita. Un texto altamente creativo, que juega con la realidad y el grotesco, con lo posible y con la fantasía. Pero cumplimos nuestra palabra y no contamos más. Solo aconsejarles que vayan con la mente abierta y dispuestos a acompañar la búsqueda desesperada de un hombre, que no puede, ni quiere olvidarse de su gran amor.

Recomendamos Todo lo que me Falta, se van a encontrar con un texto muy original y una puesta magnífica. Un relato fascinante que atrapa al espectador desde el arranque, la invitación a ser parte de una búsqueda frenética, de un amor que se transformó en una obsesión. Van a disfrutar mucho de la historia y en especial de una composición fenomenal del protagonista, que se entrega por completo, al servicio de un personaje dispuesto a entregar su cuerpo, su alma y su vida, con tal de recuperar el amor de Rosaura.

Pensador Teatral.

Clic, Cuando Todo Cambia

Dramaturgia de Amaranta Osorio e Itziar Pascual. Dirección de Ale Casavalle y Andi Monet.

Viernes 20 hs en Belisario Club de Teatro ( Av. Corrientes 1624 )

Una muy agradable sorpresa nos llevamos con Clic, Cuando Todo Cambia, obra escrita por las españolas Amarante Osorio e Itziar Pascual, que fue galardonada con el Premio Calderón de Literatura Dramática en España, que llegó a nuestra país bajo la dirección de Ale Casavalle y Andi Monet, en una conexión iberoamericana, que ya ha dado buenos resultados antes, presentando la obra en el Belisario con algunos cambios, luego de una temporada muy exitosa en El Método Kairos, dejando en claro la universalidad de ciertos temas.

Clic, pone el foco en la adolescencia, aquella etapa de la vida que marca el tránsito entre la infancia y la adultez y se caracteriza por los profundos cambios físicos y emocionales que experimentan quienes la transitan, en un intento por construir su identidad, encontrar su lugar en el mundo y afirmarse frente a los mandatos familiares y del entorno. Es una etapa muy compleja, que todos vivimos de diferentes maneras, pero si hay una certeza, lo vivido en la adolescencia impacta de manera fundamental en la personalidad de las personas e influye en la manera en que enfrentamos la vida adulta.

Una de las mayores virtudes de Clic, es que nos ofrece historias desde el punto de vista de los adolescentes, con la mirada en primera persona, con sus vivencias en esos momentos de cambio, mostrando sus sentimientos y empocione. La necesidad de agradar a los amigos y ser parte de los grupos de pertenencia, ser aceptados y no rechazados. Lo difícil que muchas veces resulta, equilibrar la obligación de estudiar y las ganas de divertirse. La relación con los padres, que muchas veces es fuente de conflictos y esa eterna sensación de no ser comprendidos. Todo ello será parte de la dramaturgia, que como mencionamos en el comienzo resulta cercana y reconocible.

Yendo a la obra en sí, nos contará la historia de Sofia ( Miranda Peyrú ) o Leia, como le gusta que la llamen, acostumbrada a manejarse sola, ya que los padres siempre están muy ocupados por obligaciones laborales. Es buena alumna y está enamorada de su profesor de francés. Comparte la mayor parte del tiempo con María ( Giuliana Di Santi ) su mejor amiga, que no está conforme con su cuerpo y tiene algunos problemas de alimentación. Y además, está Alfi ( Tomás Cochello ), amigo de ambas, que debe soportar el bullyng de los compañeros de clase, que lo tomaron de punto y nos recuerda la crueldad que pueden tener los chicos a esta edad.

El relato si bien pone el foco en Sofía, también contará la historia de sus amigos, ampliando el universo de vivencias y temas que trata la obra. No queremos adelantar demasiado para mantener la sorpresa, por lo que solo vamos a contar, que se organizará un fiesta donde van a concurrir todo el curso de Sofia, que discute en la casa, ya que no la dejan ir, porque tiene un examen próximo. Pero Sofía no se quiere perder la fiesta donde iba a ir el profe de francés y decidirá escaparse de la casa para poder estar. En la fiesta, abundará el alcohol, algún chico de otra escuela llevará drogas y de un momento para otro, todo va a cambiar. La noche tiene sus peligros y la tragedia está a la vuelta de la esquina, buscando aparecer cuando menos lo pensamos. Y hasta allí contamos.

Tiempo de hablar de las muy buenas actuaciones que presenta la obra. Los mayores elogios, se los lleva Miranda Peyrú, como Sofia. Nos encantó su trabajo, con mucho carisma y manejando muy bien los diferentes momentos emocionales que atraviesa su personaje. Es un papel muy exigente, que requiere mucho compromiso y Miranda muestra con creces estar a la altura del protagónico, para redondear una magnífica presentación, mostrando una gran proyección para lo que vendrá en su carrera., siendo este un gran punto de despegue.

No seamos injustos con Giuliana Di Santi y Tomás Cochello, muy jóvenes también y mostrándose muy solidos ambos para llevar adelante personajes complejos, ya que deben arrastrar muchos problemas, en especial Tomás, con su Alfie tan vapuleado por los compañeros. Muy bueno lo de Giuliana y Tomás. Resta mencionar a la cara adulta de la obra, nos referimos a Agustín León Pruzzo y Carolina Refusta, como el padre y la madre de Sofía. Mostrando como muchas veces las malas relaciones de los adultos, influyen negativamente en los hijos. Creíbles en sus papeles y además se destacan en sendos monólogos. Lucen mucho los trabajos de Agustín y Carolina.

Los muy buenos trabajos actorales encuentran apoyo en una puesta muy rica de Ale Casavalle y Andi Monet. que agrega mucho valor a la historia, con varios puntos a destacar. Arrancando por el ingenioso diseño escenográfico de Gastón Zambon, con unos paneles móviles en el piso, que servirán de apoyo a los protagonistas, con variaciones durante el transcurso de la trama. El diseño de luces del propio Ale Casavalle es para destacar, ya que genera momentos bellos, en especial cuando el escenario se convierte en una especie de boliche, siendo este el pie justo para destacar la música original de Guido Anocibar y Marianella Zappelli, fundamental para contar esta historia, que es muy atravesada por la música. Resta mencionar las muy buenas coreografías de Marina Svartzman,  la parte técnica a cargo de Renata Crissio, Andrés Gagliardi y Lucas Alonso, siendo Nicolás Genesio el DJ en escena. Cada uno aporta lo suyo y forma parte del conjunto que es la obra.

Como pueden ver es una puesta muy rica en recursos y agrega mucho valor a la obra. En el haber y algo a mejorar, que no es responsabilidad de la compañía actoral, que mencionamos porque tal vez se puede mejorar, el el ruido que se filtra en la sala durante la función, especialmente en la parte final, de personas que conversan afuera, desconcentrando a los espectadores y atentando contra momentos fuertes de la trama. Igual no se preocupen, quien escribe estas líneas es muy estricto en el tema del silencio en la función y por eso hago la mención como punto a mejorar, pero van a poder disfrutar sin problemas de la obra.

Y hasta aquí vamos a contar, nos gustó mucho la propuesta de Clic, ya que con valentía y realismo, nos habla de una etapa de la vida fundamental, que pocas veces es tratada de manera profunda en el teatro. Por eso valoramos y mucho, que un equipo joven como este, presente una obra que pone el foco en temas reales de la adolescencia, con sensibilidad, sin golpes bajos y sin eludir temáticas fuertes como el flagelo del bylling, los pensamientos negativos que tienen muchos adolescentes que sienten que no encajan en este mundo y  los peligros que acechan a los jóvenes, que nunca debemos perder de vista.

Por todo lo mencionado, recomendamos Clic, Cuando Todo Cambia, una obra para todo público, que nos permite reflexionar en profundidad, desde una perspectiva diferente a la que tenemos de manera habitual, gracias a la crudeza de un texto potente, una dirección que pone toda la carne en el asador y actuaciones comprometidas, que nos elevan para observar una realidad que nos interpela, en la que muchas veces los colibrís no logran levantar vuelo, por todas los obstáculos que encuentran en su ruta, siendo nuestro desafío como adultos, poder ser empáticos y acompañar a los adolescentes en el camino que comienzan a recorrer.

Pensador Teatral.

La Lengua es un Músculo, pero El Lenguaje es un Virus.

Dramaturgia de Diego Carreño. Dirección de Leandro Aíta.

Martes 20 30 hs en Teatro Picadilly ( Av. Corrientes 1524 )

Veníamos con expectativas muy altas, ya que queríamos descubrir cual era el secreto de La Lengua es un Músculo, pero el Lenguaje es un Virus, el kilométrico título que tiene este unipersonal, que saliendo desde las entrañas del off, lleva ya cuatro temporadas en cartel, llegando este año a la Calle Corrientes, donde también está causando suceso. Arrancamos por el final, diciendo que se superaron nuestras expectativas, ya que la obra nos encantó y nos reímos un montón, algo que en estos tiempos de crispación, ya es un montón. Ahora vamos a tratar de explicar las razones de este suceso, esperemos poder hacerlo.

Arranquemos diciendo que el texto es muy inteligente y tiene una gran elaboración, sin dudas el proceso creativo fue largo y paciente y el resultado, es una obra muy bien estructurada, que entretiene al espectador desde el comienzo y tiene como gran virtud, ir introduciendo variantes en la trama, personajes que aparecen, gags que sorprende y todo siempre regado con muy buen humor, algo que el público agradece y disfruta desde su platea, esperando el próximo gag que lo hará reír.

La historia es sencilla y casi una excusa, el protagonista es Esperanto ( Diego Carreño ), que hace 24 años se encuentra viviendo aislado del mundo, en una casa perteneciente a sus padres, situada en la cima de un cerro. Solo baja al pueblo cercano, cuando requiere provisiones. Ocupa todo su tiempo trabajando en una tesis que le permitirá graduarse como filólogo, aquel profesional que se dedica al estudio de las lenguas. La pila de papales repartido por el piso y pegados en las paredes, es una muestra del arduo trabajo de este hombre que hace más de 20 años, está dedicado a una tesis, que está a punto de terminar.

Y de que trata la tesis ?? Esperanto basó sus estudios, a partir de los dichos de William Burroughs, un escritor y ensayista estadounidense, que en la década del sesenta, sostuvo que el lenguaje es un virus, porque no nace con nosotros, sino que impone desde afuera y nos moldea, siendo no solo una forma de comunicarse, sino algo que puede controlar lo que pensamos y la manera en que vemos el mundo. Esta idea, algo extrema, nos invita a reflexionar sobre que cuando hablamos o escribimos, no solo expresamos cosas, sino que también repetimos formas de pensar, que tal vez no elegimos del todo.

La teoría es muy interesante, pero no se asuste lector, solo queríamos comentar el pensamiento de Burroughs, la obra no se dedica a la teoría, todo lo contario. A partir del lenguaje y diferentes construcciones, nuestro protagonista creará una serie de divertidas escenas, donde graficará ejemplos de metáforas, aseveraciones, enumeración de palabras que suenan lindo y mucho más,  jugando siempre con las palabras y generando muchas risas en la platea. Sin dudas se van a sorprender, de todo lo que se puede hacer con las palabras.

No queremos contar demasiado para que se sorprendan como nos pasó a nosotros, ya que la trama tiene muchas perlitas preparadas y el espectador nunca sabe para donde va a arrancar la próxima escena. Hay momentos musicales, recuerdos de la infancia, llamados telefónicos, aparecerá un sacerdote en escena, un standapero que actuó sin demasiada suerte en Australia y así podríamos seguir enumerando . Diego es imparable en escena, con parlamentos muy bien elaborados y el sonido de las teclas de la máquina de escribir siempre presente.

La composición de Diego Carreño es simplemente fenomenal. El mismo escribió el texto y seguramente por eso se lo nota tan a gusto y tan cómodo con la historia que nos cuenta. El manejo de los tiempos es perfecto, Diego sabe como entrar y salir de cada escena, generando siempre el momento divertido, en el tiempo adecuado. El texto es realmente exigente, ya que tiene muchísima letra y el protagonista no se equivoca nunca, mostrando una fluidez en la composición, que sin dudas denota gran trabajo previo y la experiencia de llevar tantas funciones en cartel Es la primera vez que lo vemos a Diego en escena y nos sorprendió totalmente. Superlativa interpretación de Diego, que da gusto ver, por su energía, sus recursos actorales y una entrega absoluta para su personaje.

La puesta tiene gran dinámica, gracias al ritmo que le impone el protagonista que no para un segundo y la da continuidad a las acciones. Nos gustó mucho el diseño escenográfico de Marcos Aquistapace, con papeles por doquier que invaden casi todo el espacio escénico. El diseño de luces de Víctor Chacón es otro ítem destacado, en una puesta minimalista, donde todo el poder lo tienen las palabras y la oratoria del protagonista.

Y no queremos adelantar más nada, para mantener la sorpresa. La Lengua es un Músculo, pero El Lenguaje es un Virus, es una obra muy original, que explora el poder del lenguaje de manera muy inteligente, siempre poniendo el foco en el humor, ya que la idea que tiene la obra y la consigue, es hacer reír el público. Lo valioso es que lo hace con un texto inteligente y muy rico, donde el ingenio y el humor van de la mano, para mostrarnos lo poderoso que puede ser el lenguaje, siendo una propuesta imprescindible para quienes gustamos de las letras.

Recomendamos totalmente la obra, que fusiona en gran forma el lenguaje, la cultura y el humor, para redondear una propuesta muy divertida, para que juguemos con las palabras como si fuéramos niños y nos demos cuenta las importante herramientas que nos ofrece la lectura, en tiempos donde la tecnología amenaza reemplazar a los libros. Un texto inteligente, una puesta con ritmo y una actuación magnífica, confluyen para que disfrutemos una divertidísima noche de teatro, para reírnos y reflexionar sobre todo lo que podemos hacer con las palabras. En lo personal, celebramos que una obra con esta temática, lleve cuatro temporadas a sala llena en cartel algo que nos resulta esperanzador.

Pensador Teatral

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La Culpa es de la TIerra.

Puesta en Escena: Luis Alberto Rivera López. Dirección: Gustavo Manzanal y Luis Alberto Rivera López.

Sábados 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Un espectáculo de una belleza singular es la mejor manera de presentar a La Culpa de la Tierra, versión libre de Bodas de Sangre, la célebre obra escrita por Federico García Lorca en 1933, inspirada en un hecho real, una tragedia cargada de intensidad emocional, donde el amor, la vida y la muerte estarán presentes. Es uno de los textos clásicos, más representados en el teatro. Personalmente vimos varias puestas, pero les aseguramos que esta supera a todas las pudimos ver, por su originalidad y belleza estética.

Para quien no conoce de que trata Bodas de Sangre, les contamos que es una tragedia poética, que se desarrolla en una zona rural de Andalucía, quedando al descubierto tensiones familiares, deseos reprimidos y fuerzas invisibles que arrastran a los personajes hacia el abismo. Una boda programada, los invitados ya llegados y una novia invadida por las dudas de un amor del pasado. Su antiguo amante presente en la ceremonia. Y las pasiones desafiarán a la razón, desatando el desconcierto y la fatalidad. Hasta allí vamos a contar, para que aquellos, que no conozcan la historia, la termine de completar cuando vea la obra.

Pero vayamos ya a La Culpa es de la Tierra, que tiene una diferencia fundamental con cualquier otra puesta que hayamos visto antes de Boda de Sangre, que es una obra que tiene gran cantidad de personajes. Aquí los personajes estarán presentes, pero será Monica Felippa, la gran protagonista de la noche, la que representará a todos. Si a si como leen. A algunos de ellos, les dará vida con su propio cuerpo y otros personajes serán representados por muñecos ( si así podemos llamarlos ), a los que ella misma, les dará voz y movimiento. 

Lo que vemos en escena es asombroso, adrede no queremos dar muchos detalles, para que se sorprendan como nos pasó a nosotros el momento de ver la obra. Solo les diremos que la interpretación de Mónica Felippa, es fenomenal, dándole una impronta fabulosa a todos los personajes del relato y teniendo la capacidad de narrar la historia, con una sensibilidad, una gestualidad y una entrega para poner en un cuadro. Además de todo lo mencionado, Mónica tiene una voz bellísima, por lo que es un verdadero placer escucharla en las numerosas partes cantadas, que tiene la obra. Brillante su trabajo.

Pero no seamos injustos, porque Mónica no está sola en escena y el espectáculo se completa, con el gran aporte de Naya Ledesma, que comparte el espacio escénico, guitarra en mano, siendo la banda de sonido en vivo de la obra. Tocando varios instrumentos, algunos de ellos muy particulares, además nos deleitará interpretando varias canciones, deleitándonos también con su hermosa voz y conformado una magnífica dupla con Mónica. Estupendo lo de Naya. Que linda dupla formaron !!!!

Tiempo de hablar de la superlativa puesta que tiene la obra, que tiene muchísimo de artesanal. Precioso el diseño escenográfico de Alejandro Mateo, con troncos que simulan diferentes formas y unas telas coloridas en el suelo, que otorgan relieve al espacio escénico. La escenografía es merecedora de premio a fin de año. La realización de títeres de Guillermo Bechthold es una maravilla, no contamos nada de la misma, la tienen que ver. El diseño de vestuario de Tití Fernández y la composición musical de la propia Naya Ledesma, también merecen un reconocimiento. Un lujo para el teatro independiente esta puesta y darle mérito obviamente a GustavoManzanal y Luis Alberto Rivera López, los directores, que coordinan todos los recursos.

Y ya no queda más por decir, La Culpa de la Tierra, la última creación del Grupo Libertablas, es una verdadera joyita, que no pueden dejar de ver. Tiene la virtud de respetar el espíritu original del reconocido texto de Lorca. con una impronta y una idea muy original, que llega a buen puerto, gracias a una intérprete superlativa, que logra darle alto vuelo poético al relato, construyendo todos los climas, desde una construcción artesanal, con la música muy presente y una belleza estética que resulta una caricia al espectador.

Recomendamos especialmente vean este espectáculo, que sin dudas ubicamos entre los mejores que vimos este año. Se encontrarán con una versión inédita de Bodas de Sangre, donde la poesía y la música marcarán el rumbo, de la mano de composiciones actorales exquisitas, que los harán viajar con todos los sentidos, hacía la obra del gran García Lorca, con una pieza de desbordante belleza, que resulta un verdadero lujo para la cartelera teatral porteña.

Pensador Teatral.

 

El Sueño del Bosque

Dramaturgia Lourdes Invierno y Javier Rodríguez Cano. Dirección de Javier Rodríguez Cano.

Jueves 20 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

La obra de Shakespeare ha sido desde hace siglos, una fuente inagotable de inspiración para dramaturgos y autores de todas las épocas y geografías, debido al profundo conocimiento del alma humana y su capacidad para explorar temas universales, como el poder, el amor, la traición y la ambición entre otros. Y Hamlet, ocupa un lugar central de la obra isabelina, por su complejidad dramática y su profundidad filosófica.

Transcurridos más de cuatro siglos de su escritora, Lourdes Invierno decide dar cuenta de una asignatura pendiente de su vida, poder representar Hamlet, algo que no fue posible, ya que cuando era estudiante de teatro, un profesor le dijo no estaba preparada para un texto de semejante envergadura. De adulta Lourdes, sintió la necesidad de cumplir con aquel deseo de juventud y entonces junto a Javier Rodríguez Cano, escribieron El Sueño del Bosque, pieza que tiene a Hamlet como disparador y contiene muchos elementos autobiográficos de la vida de Lourdes, que hace años pedían salir a la superficie y vaya oportunidad de ver la luz encuentran aquí.

En la obra, tendremos a Angela, una mujer que creció a la sombra de la fábrica de pastas, el negocio familiar manejado por su padre y su tío. Ella quiso ser actriz, pero terminó siendo violinista. Surgen los recuerdos de la infancia, entre amasadoras, extrusoras y la harina que siempre se respiraba en el aire. Los juegos de niños y no tanto con su primo. La verguenza y el silencio siempre rondando el entorno familiar y recuerdos que la marcaron y la acompañaron siempre

Pero la infancia quedó lejos, hace semanas perdió a su padre. Murió de un infarto o fue otro el motivo ?? La realidad y los sueños se mezclan. Emergen en primera plano, la relación tirante con su madre y un tío al que nunca vió con buenos ojos. El presente agobia. Un cadáver aún caliente y un velorio reciente, que se confunde con la celebración de un casamiento inaudito. La realidad se torna irrespirable, las pastillas no alcanzan para seguir adelante y mientras tanto los sueños la invaden. El padre muerto clama por venganza y ella no podrá ser indiferente a aquel pedido. La tragedia se torna inevitable. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, ya el relato está estructurado en gran forma por capas y el drama de a poco irá quedando al descubierto.

Tiempo de hablar de la gran protagonista de la noche, nos referimos a Lourdes Invierno, quien le pone el cuerpo a un texto muy potente, con un oficio y una sensibilidad que merecen destacarse. Todos sabemos el desafío que siempre conlleva, un unipersonal donde el protagonista está solito en escena frente al público. En este caso se nota que Lourdes disfruta de esa posibilidad, se potencia, mostrándose muy cómoda en escena, manejando con maestría los diferentes momentos del crudo relato.

A Lourdes la elogiamos varias veces en este sitio, pero seguramente este fue el mejor trabajo que le vimos, ya que tiene una impronta personal el personaje que representa y eso se valora mucho. Nos impresionó la naturalidad y el aplomo, con el que lleva adelante el relato, transmitiendo el irremediable destino de Angela, que debe soportar la desintegración familiar y vengar la muerte de su padre. Enorme composición de Lourdes.

La puesta de Javier Rodríguez Cano es minimalista, la escenografía es austera. Quedó claro que la fuerza arrolladora de la palabra es la que manda en este unipersonal. El diseño de luces de Laura Saban, acompaña momentos claves del relato y otro aspecto a destacar es la participación de Timoteo Castagna, a cargo de la banda sonoro en vivo de la obra.

No queremos adelantar más, El Sueño del Bosque es una estupendo reflejo de la obra cumbre de Shakespeare, que nos muestra la corrupción que atraviesan los vínculos humanos. La búsqueda del poder a toda costa, sin importar que para llegar a la cumbre, debamos traicionar a nuestros seres más queridos. Y como contracara, la reacción, la necesidad de establecer justicia a como de lugar, enarbolando en alto la bandera de la venganza.

Solo nos queda recomendar El Sueño del Bosque, una obra muy fuerte y cruda, que redimensiona la tragedia shakespereana, de la mano de un texto que resulta cercano y perturbador, con fragmentos autobiográficos de la protagonistas. En un mundo dominado por la violencia y la deslealtad, el relato muestra una brutal vigencia, de la mano de una interpretación soberbia, que invita a reflexionar sobre un mundo donde la traición y la muerte parecen inevitables.

Pensador Teatral.

Una de Película

 Dramaturgia de Daniel Dalmaroni. Dirección de Leo Prestía.

Lunes 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una propuesta tan divertida, como delirante, llega de la mano de Una de Película ( Un Thriller Argentino ), obra escrita por Daniel Dalmaroni, destacado y prolífico dramaturgo platense, que se caracteriza por presentar textos ingeniosos, donde el humor y el absurdo generalmente dicen presente. Y Una de Película, cumple con esas premisas, ya que es una comedia de enredos, con mucho ritmo y una buena cuota de suspenso, que logra atrapar al espectador desde el arranque.

La obra se desarrolla en la casa del matrimonio formado por Ernesto ( Alfredo Castellani ) y Marta ( Irene Almus ) y allí en su living, veremos amordazado y maniatado en una silla, a Roberto Filippo ( Pablo Finamore ), el vecino. Si, así como leen, así comienza Una de Película. Ernesto, es quien ideó el alocado plan, que sorprende a su esposa, que no puede entender las razones puede tener su compañero para secuestrar al vecino, un hombre común y corriente, al que conocen hace años.

Y es allí, donde arranca el delirio y las explicaciones de Ernesto, que asegura que Roberto Filippo, no es subgerente en una empresa de helados como dice, sino un peligroso espía, por el que pueden pedir un millonario rescate que les permitirá escapar de allí, para irse a vivir al exterior. Marta no está muy convencida de que el vecino, sea un espía encubierto y mucho menos lo estará luego de conocer las razones que llevaron a su esposo, a semejante conclusión, pero por alguna extraña razón, comprará el alocado disparate de su esposo y lo ayudará con su plan.

Pero como buena comedia de enredos, la situación se comenzará a complicar, cuando les toca timbre Esther ( Florencia Patiño ) la esposa de Roberto, afligida por su ausencia y una misteriosa nota escrita por computadora, donde le cuenta que se ha ido, pero que no se preocupe y que cualquier problema confíe en sus vecinos. No hace falta decirles que el que dejó esa nota fue el propio Ernesto, que torpemente se involucró en la desaparición. 

Los diálogos del matrimonio son desopilantes y muy divertidos. Ambos son cinéfilos y aplican la lógica  que vieron en tantas películas, a la vida diaria y al secuestro del que están formando aparte. Por eso aparecerán en las conversaciones, fragmentos de Duro de Matar, de Misión Imposible, hazañas de James Bond, despistes de Steve Martin o recuerdos de Julia Roberts. Tantas horas de películas, le dan la certeza a Ernesto, de lo acertado de su plan. Pero como en toda buena película de Hollywood, las cosas no siempre son como surgen a primera vista y en un abrir y cerrar de ojos, todo puede darse vuelta y arrancar otra historia. Como dijimos en el comienzo, la obra tiene una cuota muy buena de suspenso, por lo que no vamos a adelantar nada, solo les vamos a decir que los espectadores deberán estar muy atentos, porque se van a sorprender.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones que tiene la obra. Se reunió para la ocasión, un elenco de gran trayectoria en el teatro independiente, que ya con leer los nombres se generaban buenos augurios y luego de haber visto la obra, les podemos asegurar que aquellas buenas expectativas se confirmaron por completo, ya que los cuatro protagonistas, se sienten a gusto en el registro de comedia que tiene el relato y eso agrega mucho valor a la historia.

En nuestra opinión, los mayores elogios, se los llevan Irene Almus y Alfredo Castellani, el matrimonio a cargo de la loca idea. Quien dirige los hilos de la historia es Alfredo, que dá vida a un Ernesto puntilloso y paranoico, que se vanagloria de haber descubierto la farsa de su vecino y de ver la oportunidad de cobrar un millonario rescate. Superlativo trabajo de Alfredo, un verdadero erudito en cine norteamericano, con una labia bien argenta. Y la acompaña con maestría Irene Almus, como una esposa algo desconfiada, que no duda en acompañar el plan de su esposo. Irene tiene una veta humorística, que la distingue y una gestualidad muy particular, por eso no sorprende que se luzca tanto, en el rol de una Marta desopilante y más preocupada por descubrir la fórmula secreta del helado de sambayon, que por como termina el secuestro.

Sigamos con Pablo Finamore, el pobre Roberto Filippo, el vecino sometido por la pareja delirante, que sufre y no puede creer lo que está sucediendo en aquella casa. Pablo es un actorazo, al que elogiamos muchas veces desde este sitio. Y solo vamos a decir, que sigan atentamente su actuación, que irá ganando en protagonismo, para cerrar con un final a todo orquesta y nos mordemos la lengua para no contar más. Por último mencionar a Florencia Patiño, la despechada Esthercita, convencida que su esposo la dejó por la secretaría, recurrirá a la bebida para ahogar las penas. Nos reímos mucho con Florencia, que completa a la perfección el virtuoso cuarteto protagónico.

La puesta de Leo Prestía es muy atractiva, dándolo mucho ritmo a una trama que arrancará como una comedia y se convertirá en un thriller con mucho suspenso. Items a destacar, el muy buen diseño escenográfico a cargo de Gabriella Gerdelics, que presenta un living cálido y bien amueblado, donde como no podía ser de otra manera abundan los DVD. El destacado diseño lumínico de Claudio del Bianco, genera los diferentes momentos del relato y mencionar también el muy buen diseño sonoro que acompaña escenas importantes.

Y hasta allí vamos a contar, tuvimos la suerte de estar presentes en el estreno de la obra, en la sala principal del Teatro del Pueblo, con localidades agotadas y un público contento de estar presente para el acontecimiento. La obra, como les dijimos es muy divertida y cumple con creces su objetivo principal, hacer reír a los espectadores, pero además invita a reflexionar, acerca de como muchas veces gracias a la televisión, al cine y a los medios de comunicación en general, podemos construir mundos paralelos que solo existen en nuestras mentes, con consecuencias impensadas.

Por todo lo comentado, los invitamos a que vean Una de Película, una obra teatral, con muchos guiños cinematográficos y momentos que recorren lo divertido, lo absurdo y lo bizarro, todo al mismo tiempo, gracias a una dramaturgia muy fresca, una puesta vertiginosa y actuaciones estupendas del magnífico elenco reunido, recursos que confluyen, para que disfrutemos de una desopilante velada teatral, que nos regalará un final de película.

Pensador Teatral.

Fausto y lo femenino eterno

Autoría Johann Wolgang Von Goethe. Adaptación de Rubén de León. Dirección de Juan Manuel Correa.

Sábados 20 hs en Espacio Experimental Leónidas Barletta ( Diagonal Norte 943 )ES

Estupenda adaptación de Rubén de León, de la celebre tragedia de Johann Von Goethe Goethe, el escritor y poeta alemán, considerado una de las figuras más importantes de la literatura universal, que encuentra en Fausto, su obra más importante. Inspirada en antiguas leyendas alemanas del Siglo XVI, la reconocida pieza nos habla de un hombre que hace un pacto con el diablo, vendiendo su alma a cambio del conocimiento infinito y la juventud eterna.

La obra es un verdadero clásico de la literatura mundial y una creación monumental, en la que Goethe logra elevar una antigua leyenda a una reflexión sobre el alma humana. logrando trascender su época y siendo una referencia del pensamiento occidental, que reflexiona sobre las ambiciones del hombre moderno, abordando el tema de la ética y la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. No es la primera vez, que vemos traer a Fausto a escena al teatro independiente, pero podemos afirmar que esta adaptación, sin dudas es la que más refleja la estructura original de la obra de Goethe.

De inmediato queremos destacar el enorme trabajo de Rubén de León, traduciendo y adaptando este extenso y complejo texto, que completo tendría siete horas de extensión, en una síntesis teatral de casi noventa minutos, que logra conservar el espíritu de la obra maestra de Goethe, logrando darle una mirada contemporánea a la misma y aquí hay que darle mucho mérito también a Juan Manuel Correa desde la dirección, ya que el desafío era realmente grande y gracias al esfuerzo del equipo y del elenco, los resultados son excelentes.

Yendo a la obra en sí, decir que se respetan las dos partes que tiene el texto, algo que no es habitual, ya que por lo general se representa solo la primera que es la más conocida, dejando de lado la segunda parte, que es más compleja, al estar cargada de alegorías y simbolismos. Por eso en el párrafo anterior, mencionábamos y destacábamos el gran esfuerzo de todo el equipo de Fausto y lo Femenino Eterno, para arriesgar y presentar la historia completa, algo que el público sin dudas agradece, ya que permite apreciar la obra en toda su dimensión.

En el comienzo, veremos al Dr Fausto ( Darío Levy ) un hombre atormentando y algo aburrido, que ambiciona trascender los límites del conocimiento, buscando la sabiduría, experimentar los placeres, el poder y la juventud eterna. Y allí es donde aparece Mefistófeles ( Juan Manuel Correra ), un enviado del Diablo, que se presenta en forma de perro y le ofrece todo aquello que estaba buscando, siempre y cuando este dispuesto a vender su alma al mismísimo Satanás, firmando un pacto con su sangre, Es así como Mefístófeles lo lleva a un bar, donde una bruja amiga, le acercará la pócima que luego de beberla, le otorgará la eterna juventud.

Es así como Fausto, se enamorará y conquistará el corazón de Margarita ( Pilar Fridman ), una bella y casta mujer, que sucumbirá antes los encantos de aquel hombre, sin saber que esto llevaría la tragedia a su vida. La trama romperá las barreras temporales, para la segunda parte de la obra, la menos conocida y más compleja, en la que Fausto, viajará por diferentes mundos, buscando el poder y extendiendo los límites de su codicia, apareciendo en la trama Helena de Troya, un emperador del Sacro Imperio Romano, Cortes Imperiales y demás alegorías que incorporan a la política y a la historia al relato de Goethe. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, el resto lo descubrirán cuando vean la pieza.

Momento de hablar de las estupendas actuaciones que presenta la obra y arrancamos por celebrar el numeroso elenco, en épocas donde los unipersonales son moneda corriente en el teatro independiente. Acá tendremos a siete actores en escena y la mayoría de ellos, representando a más de un personaje, una muestra del despliegue escénico que requiere la obra y la exigencia que tiene la pieza que es una de esas, que deberíamos ver más de una vez, para poder apreciar en toda su dimensión las actuaciones, ya que son muchos los estímulos visuales y sensoriales que tiene el espectador.

Y arrancamos por los dos grandes protagonistas de esta historia. En primer lugar resaltar, el enorme trabajo de Darío Levy, a cargo de Fausto, un personaje que a lo largo del relato, irá sufriendo diversas transformaciones. Darío muestra estar a altura de un protagónico muy exigente, con una entrega absoluta y dando gran tenor dramático a su personaje. Y en el mismo nivel de destaque, debemos mencionar a Juan Manuel Correa, que además de tener a cargo la dirección, interpreta nada menos que al Diablo, en sus diferentes presentaciones. Impactante su composición, mostrando el poder maléfico y la manipulación que detenta el satánico. Juan Manuel es un gran actor, al que recordamos haber elogiado mucho, en Coronado de Gloria, una entrañable obra del off, que versaba sobre la creación del Himno Argentino. Acá en un papel, muy diferente, vuelve a mostrar todo su carisma y sus grandes recursos actorales. La rompe Juan Manuel.

Pero si hablamos de protagónicos, no podemos dejar de mencionar a Pilar Fridman, que en una historia, donde la mujeres tienen una especial significación, realiza magníficas composiciones de Margarita primero y de Helena de Troya luego, consiguiendo mostrar la sensibilidad de ambos personajes tal como pide el texto. Pilar es una joven actriz con gran proyección, a quien elogiamos mucho el año pasado, por su jugado papel en Aguafuerte, confirma aquí sus credenciales, protagonizando un clásico que exige mucho.

Pero no seamos injusto con el resto del elenco, que ya que para el relato fluya, es muy importante el aporte de todos. Sigamos con las actrices, para destacar el trabajo de Verónica Intile, que representa a Marta, a Coreuta y otros personajes, desplegando desparpajo y chispa. Victoria Cipriota, se luce mucho con Forcida y la Bruja, con gran presencia escénica y una destacada corporalidad. Nos gustaron mucho las composiciones de Verónica y Victoria, que desde personajes secundarios, agregan mucho valor. Y lo mismo podemos decir de Miguel Sorrentino, otro actor al que siempre elogiamos y que el año pasado recordamos por su performance en Una puerta, un hombre y otra puerta, aquí tiene a su cargo al hermano de Margarita, al Emperador y otros personajes más, mostrando en todos ellos su valía. Por último mencionar a Juan Salmeri, el benjamín del elenco, que tiene muy buena presentación con Wagner y otros personajes.

Como mencionamos ante, la obra es muy exigente y requiere un elenco comprometido absolutamente con el relato, algo que se logra con creces y permite el lucimiento de los siete integrantes del elenco. aunque podríamos agregar en las menciones también a Rubén de León, quien tuvo a su cargo la adaptación, que es la voz en off de la historia y aparece tras bambalinas, siendo importante en partes claves del relato.

Elogiar la titánica labor de Juan Manuel Correa, que más allá de ser el representante de Satán en la obra, tiene a su cargo le dirección de la obra, logrando coordinar un elenco numeroso y gran cantidad de personajes. Items a destacar, el excelente diseño de luces de Horacio Novelle, clave para para el desarrollo de una historia, que tiene un diseño escenográfico minimalista y muy ingenioso de Carlos Di Pascuo, que juega con telones en los extremos del escenario, dejando el centro del mismo para las acciones. Muy importante el aporte de Paula Molina, en el diseño de vestuario, clave para la caracterización de tantos personajes Y así podríamos seguir, destacando puntos alto de una puesta muy rica.

Y hasta aquí vamos a contar, realmente queremos valorar el enorme desafío y los riesgos que implican presentar una obra tan exigente como Fausto y lo Femenino Eterno y hacerlo yendo a fondo, tomando las dos partes que tiene este clásico de la literatura, para llevar al escenario en una puesta que enorgullece a todos los que gustamos del teatro independiente, ya que permite apreciar en todo su dimensión, la vigencia de un clásico escrito dos siglos atrás, aunque si nos decían que se escribió el año pasado, lo podíamos creer.

Por todo lo mencionado, solo queda recomendar la obra, van a disfrutar de una gran adaptación de un texto complejo y de varias capas, que nos habla de la lucha del hombre por alcanzar el sentido más profundo de la vida, confrontando sus deseos con los límites éticos, de la mano de una puesta magnífica y exquisitas actuaciones, que se encargan de mostrar que la eterna tensión entre el bien y el mal, está más vigente que nunca.

Pensador Teatral.

AL LEÓNIDAS BARLETTA