Un Hombre sin Suerte

Domingo 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Adaptación teatral de Osmar Nuñez, del cuento homónimo, escrito por Samanta Schweblin.

Schweblin joven narradora argentina, que reside en Berlín, ganó el Premio Internacional de Cuento, Juan Rulfo en el 2012, con su relato " Hombre si Suerte ", fue seleccionado como ganador del concurso, en el que participaron más de 2.200 narradores.

El cuento llegó a manos de la actriz, María Nydia Ursi-Ducó, quien entusiasmada con el mismo, convocó a un viejo conocido suyo, el prestigioso actor y director Osmar Nuñez, para que trabajara con el texto, con la idea de llevarlo al teatro.

Es sabido, que lograr una buena adaptación de un texto literario, para hacerlo atractivo para el teatro, no es una tarea sencilla, pero Osmar tomó el desafío y lo resolvió en forma exitosa, ya que construyo este potente unipersonal, protagonizado por María Nydia, que ya lleva su tercera temporada de suceso, en la cartelera del teatro alternativo porteño.

No queremos adelantar mucho de la historia, solo contarles que Nydia compone en la obra a Amanda, una mujer adulta, que en el día de su cumpleaños, está sola en su casa, esperando la llegada de su hermana Abi, la única invitada, con una torta en la mesa del comedor y las copas listas para un brindis austero.

Pero el día es especial para Amanda y la tardanza en la llegada de su hermana, seguramente hacen que la protagonista traiga recuerdos a su mente, del día en que siendo una niña, cumplía ocho años y su hermanita Abi, que en esa época tenía tres años, se tomó de un saque una taza entera de lavandina , lo que provocó, que toda la familia, debiera salir de urgencia al hospital para tratar de solucionar la emergencia doméstica, que ponía en riesgo de vida a la menor de las hermanas.

Este hecho, es el disparador de la historia y dejaremos que sea el espectador cuando vea la obra, el que desentrañe la trama.

El relato es intenso, dramático y por momentos perturbador.
La interpretación de María Nydia Ursi-Ducó resulta conmovedora, relata los hechos con un grado de detalle y una carga emotiva, que llevan al espectador, a tener ante sus ojos a esa niña de ocho años, relatando un hecho que indudablemente la marcó para toda la vida.
Una actuación formidable de María Nydia, dominando con una precisión asombrosa los tiempos de la obra, con un manejo absoluto de los momentos dramáticos y los silencios que requieren la puesta,  logrando transmitir en forma admirable la potencia narrativa que tiene el cuento de Samanta.

Destacamos la escenografía y el vestuario propuesto por Alejandro Mateo, con mucho rosa y un orden que la dueña de casa mantiene en la casa, casi en forma obsesiva.
Una puesta bella y delicada la que propone el director, que logra darle el clima adecuado a esta pieza íntima y minimalista.

Como conclusión, Un Hombre sin Suerte, es una excelente adaptación teatral lograda por el multifacetico Osmar Nuñez, que nos permite introducirnos en la narrativa de Samanta Schweblin, talento argentino de exportación. Nos permitimos una recomendación,  luego de ver la obra, una gran idea es buscar en internet, el cuento completo, que en algún reportaje la autora confesó que tiene mucho de autobiográfico ).

Estamos en presencia de una historia, que nos habla de la soledad, de la tristeza, del dolor y que nos recuerda lo importante que es la etapa de la infancia para todos y como muchas veces un descuido de un adulto o una actitud negativa, puede provocar en aquel niño, una marca dolorosa y probablemente un trauma, que lo acompañará por el resto de sus días.

Un Hombre sin Suerte, sin dudas invitará a la reflexión del espectador y además le permitirá disfrutar de una actuación sobresaliente de la protagonista, que al final de la obra, recibe una merecida ovación del público presente, que mientras aplaude, trata de recuperar el aliento por la intensidad y emotividad del momento teatral vivido.


Pensador Teatral.

La Música

Viernes 21 15 hs en Teatro La Comedia  ( Rodriguez Peña 1062 )

Dramaturgía de Marguerite Duras y dirección de Graciela Pereyra.

La Música fue escrita en Francia 1964, por Duras, novelista, guionista y directora de cine francesa, con una dilatada trayectoria tanto en la literatura, como en la cinematografía.
Entre sus novelas más destacadas, podemos mencionar El Amante, que fue un éxito mundial, con más de tres millones de ejemplares vendidos y traducida a más de cuarenta idiomas.

La obra de Marguerite, se caracterizó siempre por su sensibilidad y su extrema delicadeza, algo que está muy presente en esta puesta que podemos disfrutar los Viernes en La Comedia.

La historia se desarrolla en el hall de un hotel en las afueras de París, allí se encuentran Michel ( Ulises Puiggrós ) y Anne Marie ( Débora Longobardi ), que se reencuentran luego de dos años sin verse, para firmar los últimos papeles de su divorcio.

La situación es tensa, este debería ser su último encuentro, la relación está terminada y  hay una distancia marcada entre ellos, la frialdad se impone y flota en el ambiente.
El amor entre ellos pertenece al pasado.
O hay alguna esperanza secreta ? La llama del amor está extinguida por completo ?
Cómo se resuelven estas cuestiones del corazón ?
Quedan interrogantes entre ellos , heridas, viejos reproches, pedidos de explicaciones. Infidelidades que quedan al descubierto, situaciones dolorosas que vuelven a superficie.

La noche y la soledad del hotel, parecen convocara  viejos fantasmas y la seguridad de la relación terminada, parece puede tambalear.
Reina un aire de tristeza y de infelicidad, por la pareja que fracasó y por expectativas que no se cumplieron.

El espectador cuando vea la obra, descubrirá si este encuentro finalmente será el último o la ruleta del amor, les dará una nueva tiradas a estos seres, que da la impresión aún se añoran, no vamos a develar nosotros el misterio.

La puesta que propone la directora, es minimalista y extremadamente bella, generándose un clima de intimidad muy logrado. En esto colabora mucho, esta sala tan particular que tiene La Comedia, en la que se desarrolla la obra, con sus paredes revestidas en madera y un aire señorial antiguo, ideal para la atmósfera que requiere la pieza.

La obra seduce y atrapa al espectador en todo momento, la cercanía con los protagonistas contribuye a ello y el público parece estar siendo testigo secreto de este reencuentro íntimo tan sentido entre dos seres que algún día se eligieron para vivir juntos.

El éxito de la trama, además del potente guión, se explica por las excelentes interpretaciones de Ulises Puiggrós y Debóra Longobardi, componiendo sus personajes en forma impecable y mostrando un entendimiento y una química entre ellos, que otorga un valor agregado muy importante a la puesta.

El personaje de Ulises, tiene un carácter emocional, que crea empatía con la platea, ya que no quiere resignarse y busca que la historia de amor que en algún momento los unió, vuelva a escena, no quiere resignarse, un gran labor, de un actor con mucha experiencia..
Pero choca con la frialdad y la distancia que impone Ann Marie. Excelente actuación de Débora Longobardi, componiendo un personaje distante y un tanto cruel, ya que por momentos parece disfrutar de la desesperación de su ex, por conocer sus relatos acerca de las infidelidades y más que nada por querer recuperar la relación.
Su voz grave y su imponente presencia dominan la escena de manera notable, con un aire seductor perturbador. Nos encantó su Anne Marie, genial trabajo de Débora.

Se disfrutan mucho los gestos, los diálogos y hasta los silencios de los protagonistas, que manejan con sabiduría los tiempos de la puesta, regalándonos unas actuaciones exquisitas y luciéndose mucho ambos.
Seguramente parte del mérito,  hay que otorgarlo también a Lili Popovich, coach de actores que forma parte del equipo y que indudablemente supo transmitir sus conceptos.

Una escenografía austera y despojada, el  impecable diseño lumínico a cargo de Gonzalo Calcagno y la agradable música original de Germán Lozano, potencian el clima íntimo que ofrece la sala y contribuyen a conseguir esa atmósfera cálida que busca la puesta.

En conclusión, estamos en presencia de una excelente propuesta del teatro independiente, sensible y delicada, una historia que nos habla de amor, de desengaños y de infidelidades. La trama es una buena semblanza, acerca de la complejidad de los vínculos amorosos y  sin dudas el espectador se verá reflejado en la historia y disfrutará mucho del texto y de tan logradas actuaciones.

Recomendamos vean La Música, que justificadamente lleva ya dos temporadas, presentándose a salla llena, e invitamos al espectador, a que descubra por si mismo los motivos de este éxito y disfrute como nosotros de una hermosa noche de teatro.


Pensador Teatral.

La Fiesta del Viejo

Jueves 20 hs y desde Marzo, Domingos 12 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Obra escrita y dirigida por Fernando Ferrer.

La Fiesta del Viejo, es una excelente obra, que el autor escribe a partir de Rey Lear, una de las principales tragedias de William Shakespeare.

Una genialidad la de Fernando, de traer a los tiempos actuales, los clásicos de Shakespeare y no es la primera vez que lo hace.
El año pasado en este mismo teatro, tuvimos la suerte de ver La Payanca, pieza que tuvo mucho suceso en el off y en ese caso se había inspirado, nada menos que en Hamlet. No hay dudas que el autor tiene un talento especial para conseguir partir de grandes clásicos y lograr componer obras tan interesantes y aggiornadas a estos tiempos modernos, no es un algo sencillo esto.

Para que el lector desprevenido, comentamos rápidamente que Rey Lear, era un legendario soberano de Bretaña, que al llegar a la vejez, decide dividir su reino entre sus tres hijas y sus respectivos maridos, mientras mantenía su autoridad real. Cuando les pide a las hijas, que le declaren su amor, la primogénita Regina y Gonerilda la del medio, , cumplen el pedido, con un discurso adulador. Pero la menor de las hijas, Cordelia, indignada con la falsedad de sus hermanas, decide no hacerlo y desaira a su padre. Esto desata la ira del Rey, que decide desheredarla y este hecho además, desata la furia en Lear, que pierde el eje y allí aparecen los aires de tragedia siempre presentes en las obras de Shakespeare. En la historia original entra en acción el Rey de Francia, que tiene una participación fundamental, pero bueno no seguimos , la idea era dar un simple recordatorio de Rey Lear, que es la piedra basal, en la que se inspiró el autor y director, para escribir la obra  estrenada esta temporada en el Espacio Callejón.

En la historia autóctona, la Fiesta del Viejo, hay un rey, que es el Viejo ( Abian Vainstein ), patriarca y jefe de familia, su reino es el Club Polonia, un club barrial de Palermo, están las 3 hijas del viejo, que conservan sus nombres, salvo en caso de Gorenlida, que aquí es Neski,  están los maridos, hay ingleses amigos del viejo, un bufón y hasta aparece un francés, para condimentar la historia autóctona.

La trama tiene una dinámica admirable, hay un gran despliegue escénico, los actores entran y salen a escena todo el tiempo, el interés no decae nunca, por el contrario, la tensión vá en aumento y el espectador está siempre atento a lo próximo que vá a suceder.

El comienzo de la historia es festivo, todos se reúnen para celebrar el cumpleaños del viejo querido, al que todos respetan y admiran, todo es alegría y ganas de homenajear a su padre.
O es todo una impostura ?? Hay amor verdadero al viejo o es solo interés el que guía sus queridas hijas ??
Existe realmente su viejito querido o es un velo de hipocresía el que cubre las apariencias ???

No vamos a adelantar más, el texto es lo suficientemente rico y profundo, para que el espectador saque sus propias conclusiones cuando vea la obra, solo vamos a adelantar que como buena pieza que se inspira en el célebre William, no estará ausente la tragedia como uno de sus componentes principales y la pieza tendrá un final sorprendente.

Este excelente guión, se apoya en unas actuaciones destacadísimas, encabezadas por Abian Vainstein, el Viejo, gran protagonista de la pieza, que tiene una interpretación descomunal, una entrega física y actoral que francamente conmueve, pasando de la alegría, a la furia, al desconcierto y así pasa por todos los estados ánimo. Un trabajo impresionante el de Abian, para aplaudir de pie, realmente la rompe en un papel, que parece creado a su medida, sin dudas un gran acierto su elección para este personaje central.

Inmediatamente después debemos mencionar a Julieta Cayetina ( Neski ) , la hija del medio del viejo, una joven actriz, que en cada trabajo que realiza muestras sus credenciales y su versatilidad, adaptándose a un numeroso elenco como en este caso,  a protagónicos como en Ser Ellas donde interpreta nada menos que a Frida Kalho o volcada a la comedia en Confesiones de Mujeres de 30. Cayetina tiene un ángel especial y una gestualidad, que hace que se destaque siempre. En este caso le aporta mucho a la obra, ya que es una figura convocante y cumple una labor muy destacada en la trama , mostrando día a día a su crecimiento como actriz.

El elenco es numeroso y merece ser mencionado, ya que todos cumplen un papel destacado, Clarisa Hernández es Regina, la despiadada hija mayor, su marido Curna ( Ezequiel Gelbaum ), Julian Smud ( Bano ) es el esposo de Cayetina, militar y hombre de armas llevar, será clave en el desarrollo de la trama.
La hija menor Cordelia, Agustina Benedetelli, la rebelde y dulce a la vez, con su flamante novio, el " Frances " ( Gonzalo Ruiz ). Ezequiel Tronconi es Kent y Moyra Agrelo es Bufo.
Son muchos y cada uno en su papel se destaca y aporta lo suyo, se los nota a todos, muy comprometidos con el proyecto y disfrutando en el escenario las interpretaciones.

Párrafo aparte para la música en vivo que tiene la obra, a cargo de la danesa Stine Helkjaer Engen, hermosa música compuesta por ella misma.  Si leyeron bien, participa una danesa en la Fiesta del Viejo, son estos lujos,  que solo puede permitirse nuestro prolífico teatro independiente.

Nos gustó mucho la escenografía, el director explota muy bien las posibilidades que ofrece esta sala del Espacio Callejón, con acción en el escenario y en el piso superior, ampliándose de esta forma el espacio escénico.
Gran detalle la copa de vino, los knishes y las porciones de torta, que recibe el espectador, un mimo adicional , para que el espectador sienta que es un  invitado más a esta fiesta tan particular.

En definitiva, una brillante adaptación libre de este clásico de Shakespeare, que el autor trae a nuestra época, con una historia totalmente aggiornada y acorde a estos tiempos, pero conservando los componentes principales de la obra en la que se inspira.

Una excelente obra, con estupendas actuaciones,  que recomendamos fervorosamente y que sin dudas dará mucho que hablar en los mediodías de Domingos del Abasto, porque todos van a querer ser partícipes de esta entrañable y original Fiesta del Viejo.


Pensador Teatral.

Maldita Canalla la Soledad

Domingo 20 hs en Teatro La Carpintería ( Jean Jaures 858 )

Obra y escrita por el suizo Daniele Finzi Pasca,  reconocido director, actor y clown .

Daniele tiene una prolífica carrera, dirigiendo teatr, circo y opera, por señalar sólo uno de sus últimos trabajos, recordamos que fue el director de Corteo, espectáculo del presitigioso Cirque du Soleil.
La obra que se presenta en Bs As, fue escrita en el 2012 y se presentó en diferentes festivales internacionales, en Uruguay, México y Chile.  En nuestro país formó parte con gran suceso del Festival Internacional de Circo celebrado en el 2013.

Estas líneas sirven con carta de presentación, para darnos en cuenta, que estamos en presencia de una personaje reconocido a nivel mundial.
La historia que es atemporal, nos presenta a dos amigos de toda la vida, Medoro ( Pablo Gershanik )  y Vitalizio ( Victorino Luján ), nacidos y criados en un mismo pueblito ( no se lo menciona, puede ser cualquiera ), ellos viven un presente triste y solitario, pelando papas y verduras.

El sueño de ambos es trascender, abandonar esta vida anodina y ser reconocidos, lograr ser personas recordadas. Además quieren darle notoriedad al pueblo donde viven, para que el mismo deje ser un pueblito perdido, para convertirse en un uno famoso, al cual lleguen peregrinos de todas partes. Para ello, deben "inventar" un milagro. Y practican mucho para ello, ensayan, se esfuerzan para cumplir su objetivo.
 Pero será esto posible ?? El obispo les vá a creer ?? O van ser descubiertos y castigados como ocurrió unos años antes.

La obra tiene un texto muy rico, lleno de poesía, es una pieza profunda, que nos habla de valores fundamentales, como la amistad, la soledad y la enorme necesidad de trascender en la vida, de dejar huella-.

Los protagonistas de esta historia, son dos actores argentinos, reconocidos internacionalmente en el mundillo circense. Pablo Gershanik, quien fue dirigido por Daniele en el Circo Eloize y Victorino Luján, unos de los personajes centrales de Corteo, del Cirque du Soleil.
Ambos son actores y clowns, siendo una pareja que impresiona por su contraste, desde lo visual, ya que Victorino es un gigante de más de 2,07 mentros de altura, su contextura física y su vozarrón, domina la escena y su agilidad asombra. Su compañero Pablo, con 40 cms de altura menos, parece un enano y flotar en el aire,  más de 70 kilos de diferencia existe entre esta pareja, tan despareja.

Este contrapunto, es muy bien explotado por el autor, que propone escenas muy graciosas, donde los protagonistas, muestran sus dotes, como actores y como clowns, con mucha destreza física y mucha gracias en todos sus movimientos.

Nos encantaron las actuaciones de ambos, un gran desafío, pasar de espectáculos de grandes proporciones y muchos personajes , a esta puesta intimista, donde solitos, deben mostrar todos sus recursos artísticos y hasta tienen algunas partes monologadas con el público a centímetros de ellos.
Una gran muestra de versatilidad de ambos, mostrando una química absoluta entre ellos y gran comicidad en todos sus gestos, movimientos y expresiones. A lo largo de la trama, muy buenos gags y se nota una entrega y un compromiso absoluto de ambos, para con la obra.

Destacamos el diseño lumínico de la pieza, que colabora en crear un clima intimista y por momentos lúgubre, que quiere imprimir el director.

En conclusión, Maldita Canalla la Soledad, es una pieza profunda, con una puesta muy bella, presentando exquisitas interpretaciones y un texto inteligente con mucho vuelo poético. Una obra con un toque de melancolía, donde los recuerdos familiares viven en el presente de los protagonistas y las ansías de ser recordados por haber sido importantes para su comunidad, es casi una obligación, un mandato familiar que deben cumplir, como sea..

La obra tendrá 5 únicas presentaciones, en La Carpintería, antes de viajar para el Festival de Guadajara y a los Estados Unidos. Haciendo honor, a su componente circense, la pieza es itinerante y recorre los escenarios de diferentes ciudades. Una gran oportunidad entonces, poder aprovechar su presencia en Buenos Aires, para disfrutar de esta pieza deliciosa y de estos talentos argentinos que la protagonizan y que también representar al país, cada vez que salen al escenario a mostrar su arte.



Pensador Teatral.

La Momia

Jueves a Sábados 21 hs, Domingo 20 hs en Teatro Metropolitan Citi.

Obra escrita por el británico Jack Milner y dirigida por Alejandro Lavallén.

La pieza se inspira en " La Joya de las Siete Estrellas " del irlandés Bram Stocker y fue estrenada en el Reino Unido en el 2014, siendo una de las comedias más taquilleras de la temporada. No es el primer de caso de una historia de terror, que vira a comedia y lo hace causando buena recepción del público.
La versión local de esta exitosa comedia londinense, llega al escenario del Metropolitan Citi, con traducción y adaptación a cargo de Pablo Rey y la dirección general a cargo de Alejandro Lavallén, reconocido coréografo, en su debut en este rol en el teatro comercial.

La obra apunta al público familiar y por lo tanto presenta un guión sencillo, donde se privilegian los gags y los momentos divertidos. Se producen muchas situaciones desopilantes y absurdas, que cumplen con el objetivo de hacer reír al público.

Lo mejor de la obra, que tiene una gran producción, son las estupendas actuaciones, se reunió un elenco de gran nivel y esto queda reflejado en las estupendas interpretaciones que presenta la pieza.

El conductor de la historia es Fabián Mazzei, como Malcom Ross, un particular y elegante abogado que cumple la función de relator y es el que marca el ritmo de la velada. Se lo nota muy suelto a Fabián en su papel que no es nada sencillo y lo resuelve con mucha solvencia.
El experimentado Alberto Fernández de Rosa, es el arqueólogo y científico Maurice Trelawny, muy entrañable su papel, un actor muy querido por la gente, que en esta pieza encuentra el espacio justo, para dar rienda suelta a todo su carisma y se luce muchísimo, provocando las matarifes carcajadas de la noche.
Daniel Campomenosi ( ex integrante de Los Prepu ),  es el gracioso Inspector Dollan, personificando a un detective inglés muy especial, sus caras, sus movimientos graciosos, encajan perfecto en la puesta y es otro de los que se destaca naturalmente por sus grandes condiciones naturales para la comedia.
Mariano Torre, es una de las revelaciones de la obra, ya que interpreta más de un personaje, el más destacado, es el intrépido Basil Corbeck, una especia de Indiana Jones, que muestra mucha ezsoltura.
Adrián Navarro, tiene una actuación estupenda, como Sosra el terrorífico sacerdote egipcio de 5000 años de edad, genial su caracterización, con su barba larga y una voz grave que asusta a los más chicos, siendo un villano temible, que de todos modos se permite deliciosos momentos de humor, que hacen reír mucho. Notable su trabajo, tal vez en un nivel muy alto de interpretaciones, la de Adrián haya sido la mejor.
Para el final, dejamos a la única protagonista femenina de la obra, Romina Gaetani, en la piel de la bella Margaret. Es la heroína de la obra, la que levanta suspiros, con un estilo pícaro e ingenuo a la vez, aporta mucho a la pieza. Un personaje difícil el que le tocó a Romina, en el que tiene que hacer valer todos sus recursos artísticos y gracias a su versatilidad logra salir airosa . Sus principales armas, la simpatía y la sensualidad,  están muy bien explotadas, en el desarrollo de la historia.

Como vemos, un elenco compacto, con actores de trayectoria, que en algunos casos interpretan más de un personaje.  Se nota la mano del director, que le aporta mucho ritmo y dinámica a la obra, con actores que entran y salen permanentemente de escena, aprovechando muy bien todo el amplio escenario del Metropolitan.

Las adaptaciones de las versiones libres que llegan del exterior, no siempre son sencillas y en algunos momentos, puede haber alguna escena que no encaja, algo que este caso se resuelve, gracias a un elenco, comprometido con la historia, que aprovecha la libertad y los espacios que permite la puesta, para mostrar todo su histrionismo puesto al servicio del humor. Además, se nota que los actores se divierten en escena y eso siempre es una buena señal.

Una producción importante, que queda reflejada en un ingenioso diseño escenográfico, con música original de Gaby Goldman y un vestuario de Kris Martinez que debemos destacar.

En definitiva, una interesante propuesta la de La Momia, una comedia, con un guión sencillo y con pocas complicaciones, donde el objetivo es hacer divertir a los espectadores. Algo que consigue, con muy buenos gags y situaciones absurdas y desopilantes que abundan.

Así que ya saben, si tienen ganas dejar de lado las preocupaciones y reírse sanamente en familia, pueden dejar volar la imaginación y viajar al Antiguo Egipto, para pasar una noche muy entretenida con estos entrañables personajes,  que gracias a la magia del teatro, logran dar vida a La Momia, en plena calle Corrientes.


Pensador Teatral.

Lord

Miércoles a Domingos en Teatro Astral ( Av.Corrientes 1639 )

Libro y letras de Pepe Cibrian, Música Original de Santiago Rosso y la Dirección General, a cargo del mismo Pepe junto con Valeria Ambrosio.

Lord es el nuevo musical que presenta Cibrian, un referente indiscutido de este género en Argentina.
En esta oportunidad, inspirado en " Cuentos de Navidad " de Charles Dickens, nos presenta la historia de Lord, interpretado por el propio Pepe. Es un hombre avaro, que se vió afectado por la muerte de su hija y su esposa en un accidente. A partir de ese hecho desgraciado, decide recluirse en su hogar, sin querer involucrarse con otras personas, su único objetivo es acrecentar su fortuna, que tampoco disfruta y nada quiere saber del presente, ni siquiera tiene deseos de conocer a su nieta, prefiere afrontar una vida solitaria y vivir sumergido en los recuerdos y en el pasado.

Cibrian creó  esta obra, luego de superar un cancer y sin dudas este trance, fue una fuente de inspiración, para escribir, un musical distinto a otros de su autoría, como Drácula o Las Mil y Unas Noches,  por citar citar sólo dos de ellos, Lord no tiene esa ampulosidad, es más intitmista, tiene otra profundidad y su objeto, es invitar a la reflexión de espectador.

Hace referencia a la vida y a la muerte, vaya tema escogido, habla de como debemos vivir el presente, intentando cambiar algunas actitudes negativas y disfrutar los años que nos quedan, por el bien de aquellos que nos rodean y el nuestro propio. Pero por otro, lado nos habla de la muerte, pero desde un punto de vista muy particular, le quita dramatismo y hasta le pone una cuota de humor. La obra conmueve, pero deja un mensaje esperanzador, nos invita a vivir bien el presente, para llegar de la mejor manera a la muerte.

Pepe es el centro de la obra, está todo el tiempo en escena, es el eje absoluto de la historia, con su estilo particular, le dá ritmo a la trama, la moldea y todos los personajes que aparecen en el escenario, se relacionan con él. Gran entrega física y actoral le exige la obra y Cibrian demostrando que es un animal de teatro, responde con maestría y nos regala una interpretación deliciosa y emocionante.
Lo acompaña una primera figura, como Georgina Barbarrosa, muy querida por la gente, que demuestra todo su carisma aquí, componiendo el original y festejado personaje de Lady Parca, poniendo una dosis de humor en un tema tan adverso como la muerte, sólo alguien con la trayectoria y el histrionismo de Georgina puede lograrlo en forma tan natural. Además interpreta el papel, de Matilde la esposa fallecida de Lord, una española muy simpática, que cuenta sus vivencia en el más alla, con mucha gracia y además en este personaje, hay un claro guiño a Ana María Campoy, tanto que Georgina, sale a escena con un mantón de Manila, que pertenecía a la recordada actriz.

El elenco es mucho más que estas dos grandísimas figuras, debemos mencionar a Gustavo Monje, Damián Iglesias, Emiliano Oberndorfer, Belen Pasqualini, Diego Bros y Jimena González, siendo injustos con algunos que no nombramos. Todos actores de primer nivel, acompañanando en gran forma y teniendo espacio para el lucimiento, ya sea en partes actuadas ( Gustavo y Diego ), como en la cantadas ( Belén y Damían ) tienen oportunidad de demostrar su valía.

Pese a que el espectáculo, no es grandilocuente, presenta una producción admirable, con gran cantidad de actores en escena, como se puede apreciar.  La orquesta en vivo dirigida por Santiago Rosso ( primera vez en muchos años que un musical de Pepe, no tiene la música de Angel Mahler ) se disfruta mucho y colabora con ese cambio de estilo que buscó al autor en esta pieza.
Alucinante el diseño escenográfico de Jorge Ferrari, con esos relojes gigantes y luminosos, que nos muestran mataforicamente como el tiempo transcurre en forma inexorable.

Muy logradas y animadas las coreografías de Juan José Marco, entre otras, nos encantó ese parque de diversiones con personajes fantasmagóricos, que recomendamos no se pierdan.
Y un diseño de vestuario y de luces, que hay que destacar, por su calidad.
Con todo lo mencionado, el lector puede darse cuenta, que pese al cambio de estilo, la obra tiene ese sello que distingue a Pepe Cibiran, de cuidar hasta el último detalle y ofrecer al público, un espectáculo de distinguida categoría.

En conclusión, celebramos la idea de Lord, un musical diferente, intimista y profundo, que nos habla de la vida y de la muerte, haciendo notar que nuestro paso por la Tierra, tiene un tiempo limitado y lo mejor que podemos hacer es honrar la vida por nosotros y por nuestros seres amados que están cerca. Siguiendo esta fórmula, los afectos, que nos miran desde el Cielo, van a estar orgullosos de nosotros y nos van a recibir con una sonrisa, cuando Lady Parca nos venga a buscar.

La obra emociona y conmueve, por ello, no sorprende que al final de la función, los espectadores que colmaron el mítico Teatro Astral, ovacionen de pie por varios minutos a Pepito y al gran equipo que hacen posible Lord.


Pensador Teatral.

Jekyll & Hyde

Miércoles a Domingo en Teatro Metropolitan Citi ( Av.Corrientes 1343 )

Obra basada en la novela " El extraño caso del Dr.Jekyll y Mr.Hyde ", escrita en 1886 por el escritor escocés Robert Stevensson. 

Este clásico musical y gran éxito en Broadway, llega por primera vez a la Argentina, con una puesta original y una enorme producción, bajo la dirección general de Sergio Lombardo y la dirección musical de Damián Mahler.

La pieza transcurre en Inglaterra, a finales del Siglo XIX en plena época victoriana y cuenta la historia del Dr. Henry Jekyll, un científico que busca la poción que le permita, eliminar la parte negativa que tienen todos los seres humanos. Jekyll sostiene que el ser humano alberga en su interior, una dualidad, el bien y el mal, siendo el objeto de su investigación eliminar la parte maligna. Para ello pide autorización para experimentar con enfermos mentales de un psiquiátrico, pero su petición es rechazada por una junta médica, lo que enoja notoriamente al Doctor que de ninguna manera está dispuesto a dar por finalizada, su investigación y toma la arriesgada decisión, de experimentar con él mismo. Lo que sucede al inyectarse el compuesto químico, es historia conocida, algo no sale bien y aparecerá en la superficie, el lado oscuro del Dr.Jeckyll, quien se transformará en el malvado y despiadado Edward Hyde, conviviendo estas dos personalidades tan opuestas en un mismo cuerpo.

Es sabido lo complicado que es montar un musical de Broadway en nuestro país, por el esfuerzo económico que requiere esto, pero Juan Rodo el gran protagonista de esta historia, allá por el año 1999 , tuvo como sueño poder traer este musical a la Argentina y protagonizarlo. Debió esperar 18 años, para concretar este sueño y los resultados no pudieron más satisfactorios, ya que la versión que se presenta en el Metropolitan, tiene un brillo y un virtuosismo, que enorgullece al teatro nacional.

Realmente conmueve la pasión y el compromiso, con el que Juan Rodo encaró este proyecto, sus 26 años de trayectoria artísitca, su recordadísimo protagónico en Drácula, en El Fantasma de la Opera y en tantos otros recordados éxitos, lo convirtieron en el referente más importante del género musical en Argentina.
Dueño de una caudal vocal privilegiado, es barítono y de una capacidad actoral admirable, realiza una interpretación magnífica en esta obra, que tanto anhelaba.

Preparo el papel, como si fuera a interpretar dos obras diferentes, construyó por un lado el personaje de Jeckyll y por otro el de Hyde. Acostumbrado en su carrera, a representar personajes oscuros, su mayor desafío era componer el personaje de Jekyll, un doctor sobrio y politicamente correcto, trabajo varios meses para lograrlo y recién después abordó a un Hyde, que indudablemente le iba a costar menos.

Su trabajo fue impecable, ya que tanto desde lo postural , como desde lo vocal, el espectador visualiza, dos personas distintas, realmente una composición brillante, que merece verse.

Un trabajo magistral el de Juan Rodo, un orgullo poder ver en escena a un profesional de su talla, que pese a ser multiplemente premiado a lo largo de su carrera  y a los increíbles recursos artísticos con los que cuenta, no se duerme en los laureles y se supera año tras año, con las interpretaciones que ofrece.

Pero Rodó, no está solo en escena, en la función a la que asistimos nosotros, no fue de la partida Rául Lavie, lo que tal vez agigantó más aún la del protagonista masculino. Debemos destacar la buena labor, que tuvo su reemplazo, Sebastián Vitale, en el rol de John Utterson, amigo de Jeckyll en la historia.

El protagónico femenino, se divide en dos también, por un lado la dulce Emma Danvers ( Eluney Zalazar ), la prometida del Dr, confirmando sus credenciales en un papel muy exigente, donde con elegancia y sus hermosos tonos agudos, compone un personaje delicioso. 

Por otro lado la sensual, Lucy Harris, interpretada por la bella y carismática Melania Lenoir, quien muestra todo su talento en esta puesta y su conexión con los espectadores,  que la ovacionan en varios pasajess, reconociendo su gran labor y disfrutando principalmente de sus tonos graves y de su indudable magnetismo con el público, que reconoce sus privilegiados dones artísticos.

Son más de 14 actores en escena los que representan la obra y todos demuestran una jerarquía acorde al nivel que tiene este gran musical, se nota la mano del director Sergio Lombardo, para coordinar semejante despliegue.

Hay muchos puntos para destacar, seria interminable esta reseña, pero debemos mencionar las excelentes coreografías planteadas por Mariano Botindari, la música en vivo que nos plantea el maestro Daniel Mahler, que enriquece muchísimo la puesta, solo una observación aquí, respecto del volúmen de la orquesta, que en algún momento tuvo un tono algo elevado y podía dificultar  el total entendimiento de las letras.

Un diseño escenográfico a cargo de Silvana Ovsejevich, muy original, con estructuras de paneles metálicos, que los mismos actores armaban y desarmaban, para lograr los diferentes ambientes, de una manera ágil y muy efectiva. La obra plantea más de 35 cuadros escénicos, 8 cambios de vestuarios, un diseño de iluminación impecable y en definitiva, un despliegue inusitado para nuestro teatro actual.

En conclusión, estamos sin dudas ante un producto de excelencia, un espectáculo de nivel internacional, que por razones lógicas no tiene la inversión económica que presenta una obra en Broadway, pero en materia de talentos y virtuosismo , nada tiene que envidiarle a aquellos espectáculos.

Obra imprescindible para el espectador, amante del género musical, que sin dudas estará en el podio de las mejores piezas del 2017.

El lleno de todas las noches y la conmovedora ovación que recibe un magistral Juan Rodo y todo el elenco al finalizar la obra, ratifican la extraordinaria noche de teatro vivida y nos enseña, que aunque a veces debamos esperar 18 años, con constancia y profesionalismo, los sueños se hacen realidad y gracias a esos sueños, los que amamos el teatro, hoy podemos disfrutar de esta excelente versión de Jekyll & Hyde.

Pensador Teatral.