Perro, un cuento rural.

Viernes 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salavador 4530 )

Dramaturgia y Dirección de Hernan Grinstein.

Perro transita por su quinta temporada de suceso y cuando una obra del off, logra semejante permanencia, sin dudas, es porque tiene algo especial, el boca a boca tiene gran influencia, pero para mantenerse por cinco años, la pieza debe contar con algo màs.

Fuimos al Kairos, a descubrir el secreto y nos encontramos con una obra estupenda, una dramaturgia exquisita de Hernán Grinstein, creando una historia llena de atractivos, un cuento que el espectador compra desde el inicio, un relato por momentos crudo, dramático, pero que también nos sacará sonrisas. Perro, es  una historia donde la sensibilidad y la poesía, dirán presente en todo momento.

Este relato fantástico que nos propone el director, nos cuenta la historia de Mateo " El Perro " Villegas, interpretado por el mismo Hernán Grinstein, un personaje increible, mitad humano, mitad bestia, todo humano, todo bestia, lo dejamos a su criterio, el espectador cuando vea la obra, sacará sus propias conclusiones, Lo que está clarito, es que El Perro tiene que entrenar, debe encontrar su mejor forma física, para poder subir al ring y morder la yugular de sus adversarios, esa es la manera que le enseñaron para ganar y así se gana la vida, sabiendo que la única manera de ser alguien es triunfar en las peleas.

El Perro tiene un amo, Tony ( Carlos Bembibre ), que le dá órdenes, lo hace correr, saltar, le controla el peso y no duda en maltratarlo. Aunque nadie lo dice, se nota que es el dueño de El Perro y no importa lo quedeba hacer, hasta puede humillarlo, todo es válido, para ponerlo en forma y que gane los combates que le arman. Con ellos está Leyla ( Jimena López ), una especie de asistente, ella también está sometida a las órdenes de Tony y tiene une relación especial con Perro, lo trata como un compañero, son compinches y se contienen entre ellos.

Estas tres almas desesperadas, son una parte del universo, para que ellos existan, debe existir la otra parte, compuesta por quienes organizan esas peleas tan salvajes. Y allí aparece una pulpería, en la que están El Tuerto ( Jorge Laplace ) el dueño de la misma y Ricado ( Francisco Daniel Franco ) su empleado. Ellos están en ese típico bar de pueblo, haciendo crucigramas, tomando ginebra y se pasan el día hablando de bueyes perdidos, en un pueblito donde poco pasa.

Todavía no lo señalamos y como señala el título de la pieza, la obra se desarrolla en nuestro campo, en los pueblos de Arrecifes y Capitán Sarmiento, por lo que la pieza tiene ese toque campestre del interior de Buenos Aires, que se nota en los diálogos y hasta en el vestuario de los protagonistas.

En la pieza también se introduce el tema religioso y la devoción que existe en el interior, por santos como El Guachito Gil y la Difunta Correa. Como les dijimos, la pieza realmente tiene una dramaturgia riquísima y a medida que avanzamos con nuestra reseña, se darán cuenta que no exageremos en nada.

Mencionemos ahora a quienes dan vida a los entrañables personajes, que nos tiene preparados esta historia.-

Arranquemos por Hernan Gristein, quien escribe la obra, la dirige y además es el protagonista de la pieza, compone de manera magistral a Perro, su manera de hablar, sus miradas, su postura, se pone en la piel del personaje de una manera increíble con una actuación descomunal, por la que obtuvo el Premio Trinidad Guevara.
Hernán viene de la escuela de Claudio Tolcachir y tal vez algunos lo conozcan de Tercer Cuerpo, una obra de Claudio que lleva diez años en cartel y donde es uno de los actores.. Volviendo a su Mateo " Perro " Villega, su interpretación conmueve y sin dudas es para aplaudir de pie, por la precisión con la que compone el personaje y con el amor que se nota tiene por su personaje.

En el lucimiento de Hernán, contribuye mucho el elenco reunido, arrancando por Jimena López, que dá vida a Leyla, devota del Guachito Gil, amiga contenedora del Perro. Además debe soportar los embates de Tony, que ejerce todo tipo de violencia sobre ella. Se luce un montón Jimena, en un papel complejo y sufrido, ya que debe moverse en un ambiente machista.

La actuación de Carlos Bembibre con Tony, es soberbia, compone un personaje autoritario y violento, al que tanto Perro, como Leyla temen.  Es el malo de la película. Además funciona como el único víncul,  con el mundo exterior. Su presencia intimida, es otra gran composición.

En ese mundo exterior, representado por el bar / pulpería del pueblo, trabajan Jorge Laplace, el Tuerto, es quien organiza las peleas, bastante desalmado y compadrito. Su compañero Francisco Franco, compone un personaje delicioso y con algunos toques místicos. Juntos componen una gran dupla y logran los momentos más graciosos de la pieza, cuando se ponen a charlar en el bar.

Perro, es una de esas piezas, que crean personajes entrañables, que causan empatía con el público, además de ser cinco actuaciones excelentes. La de Hernàn, tiene un brillo especial, pero todos cumplen una destacada labor y se entregan por completo.

En la parte final de la obra, esos dos universos paralelos se unirán y todos participarán de una u otra forma, del combate de fondo, en el que Perro tendrá que luchar con un contendiente impensado, en una batalla que no parece pareja. En esos momentos, la cuarta pared se derrumbará y los espectadores participarán de un gran momento teatral.

No contaremos más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra cual será el rival elegido para el Perro y que sucederá en la pelea.

La escenografia montada por Fabricio Mercado nos gustó mucho, dividiendo el escenario en dos, por un lado el bar y por el otro el espacio, donde Perro realiza su entrenamiento. Otro punto para destacar es el diseño de luces de Lucia Feijoo y Christian Gadea, que contribuyen a conseguir una puesta minimalista, que el espectador agradece.

En definitiva, estamos en presencia, de una fantástica obra del off, una pieza con una dramaturgia excelente de Hernan Grinstein, que cumple magistralmente, su triple función de autor, director y protagonista.
En los tres rubros está soberbio. La pieza si bien es un drama, como dijimos, pasa por todas las emociones, en algunos momentos nos hará reir, en otros llorar, nos vamos a conmover, reflexionaremos en muchos pasajes  y sin dudas, que nos emocionaremos con un final a toda orquesta.

Vemos mucho teatro, pero cuando asistimos a obras como Perro, nos volvemos a casa muy felices, no solo por el hecho de disfrutar de una hermosa noche de teatro, sino también por comprobar una vez más, la enorme calidad y la pasión que tiene nuestro teatro independiente.

No se pierdan esta verdadera joyita del off !!!



Pensador Teatral.-

Bodas de Sangre

Jueves 21 hs en Chacarerean Teatro ( Nicaragua 5565 )

Dramaturgia de Federico García Lorca, Dirección y Puesta en Escena de Cristian Majolo.

Bodas de Sangre, célebre obra escrita por García Lorca en 1933, se inspiró en un hecho real, el crimen de Nijar, ocurrido en 1928, en la Andalucía rural, siendo una pieza reconocida y representada en todo el mundo. Es una tragedia con todas las letras, donde el amor, la vida y la muerte, estarán siempre presentes.

El desafío que asume Cristian Majolo, un director el joven y talentoso, es muy importante, al proponer una puesta actual, moderna y aggiornada, a estos tiempos. Una adaptación distinta a las habituales que tuvo esta misma pieza y que el mismo director, denomina como un clásico reciclado.

Traer un clásico escrito hace ochenta años y adaptarlo a estos tiempos, obliga a asumir riesgos, quitar algunas escenas, modificar algunos entornos, la clave es modificar algunos aspectos, sin que se pierda la esencia y en nuestra opinión, esto es conseguido aquí en gran forma por el director, que logra una Bodas de Sangre, actual, y menos solemne que anteriores puestas, pero logrando que conserve toda su carga dramática y poética, que el gran autor granadino, supo darle, con su mágica pluma.

Para quienes no conocen el argumento de este clásico, contemos brevemente que la obra se basa en la vida de dos familias perseguidas por las desgracias. De un lado, el novio y una madre, que está dolorida aún, por haber perdido a su marido y a uno de sus hijos, a raíz de un trágico enfrenamiento con integrantes de la familia de los Félix, a los que considera sus enemigos.

Su hijo se está por casar, el problema es que su novia, tuvo años atrás, un amorío con Leonardo, integrante de los Félix. La relación amorosa parece lejana y superada, porque Leonardo, ya está casado y tiene un hijo pequeño, pero como ocurre muchas veces, las apariencias suelen engañarnos.

El día en que la boda se concreta y en momentos en lo que todo es celebración, ocurre lo impensado, la novia recién casada, nos revela que esa fuerza amorosa que sentía por Leonardo, uno de los invitados a la fiesta, no se había detenido y decide escaparse con él, huyen a caballo, para buscar esconderse en el bosque, abandonando juntos la fiesta de bodas.
El estupor reina y el novio herido en su orgullo, decide salir junto con algunos invitados, camino al bosque en búsqueda de la pareja de fugitivos, para vengar la afrenta sufrida.

No vamos a contar más, muchos lectores conocerán ya el final de esta historia, pero otros lo harán cuando vean la obra, solo decir que la tragedia se hará presente, en este maravilloso texto de Lorca, como dato curioso, mencionamos que Leonardo, es el único personaje que tiene nombre propio en la pieza.

Uno de las grandes innovaciones que propone el director, es el aprovechamiento integral que realiza de la bonita y amplia sala del Chacarerean. Las escenas,  no solo se desarrollan, arriba del escenario, sino que también ocurren, por los pasillos del teatro, los actores suben y bajan escaleras, corren entre las butacas, logrando un acercamiento con el público, que se sorprende y los espectadores disfrutan la idea, ya que se sientes partícipes en primera persona de la historia.

Cuando les dijimos que la apuesta de Majolo, era muy jugada, no exageramos. Confirmando esto, mencionamos que las acciones no se desarrollan, solo dentro del teatro, esté prevenido el espectador, porque en la calle, también verá, a alguno de los actores haciendo de las suyas. No contamos más, para guardar la sorpresa, pero en nuestra opinión, una gran idea del director,  llevar las acciones por todo el ámbito del teatro, rompiendo la cuarta pared, logrando cercanía con el espectador, y dotando de una dinámica y un ritmo a la trama, que la enriquece.

La principal razón, por la que, esta propuesta llega a buen puerto, es la gran respuesta del numeroso elenco reunido para la ocasión. Son dieciséis actores en escena, un despliegue poco usual para obras del teatro independiente, sin dudas que la idea de participar en Bodas de Sangre, fue seductora y por eso se conformó este prolífico elenco, comprometido y apasionado con la causa.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar a algunos de ellos, arranquemos por Julia Azar, la madre, una gran actriz, que aquí muestra todo su oficio, componiendo un personaje de fuerte carácter y que impone una presencia escénica importantísima. Excelente lo de Julia.

Sigamos con Julieta Puleo, la novia, personaje central de la historia, quien se debate por el amor a su novio actual o revivir los momentos felices que vivió con Leonardo. Compone un personaje muy sensible y para nosotros es la revelación de la obra. Nos encantó su interpretación, en un papel complejo y exigente.

Sigamos con los novios, el oficial compuesto por Mauricio Mendez, quien está reemplazando momentáneamente a David Paez en el rol, algo que no se nota para nada, ya que cumple con solvencia su papel y el antiguo enamorado, es Cristian Majolo, que además de ser el director, muestra sus dotes actorales, componiendo en gran forma, un personaje apasionado y decidido a no renunciar,  a su gran amor.

Gianna Pérez Prado, como la criada, tiene gran participación en la obra y se luce mucho tanto en lo actoral como en las partes cantadas que protagoniza, al igual que la bella Valeria Santa, quien nos deleita en varios pasajes, con su hermosa voz.

Aprovechamos el momento, para mencionar que lo musical, tiene gran significación en la puesta, con Diego Romero, que con su guitarra en vivo, compone canciones españolas y poemas de García Lorca musicalizados. Un gran aporte el de Diego.

Siguiendo con el elenco, llega el turno de Paula Resnik, como la mendiga o como la muerte. Excelente su caracterización, dando vida a un personaje que le aporta mucho misterio y misticismo a la puesta. En la misma sintonía, está el caribeño Orlando Luz, quien con sus extraños movimientos y danzas, aporta belleza y misterio, en dosis parejas.

Otro personaje intrigante, es La Niña, interpretada por Malena Luchetti, a quien vimos brillar la semana pasada en Jamás me Levanto la Mano, aquí la vemos en un personaje secundario enigmático, dotado de mucho encanto.

También aportan lo suyo, Gaby Barrios, otra actriz de experiencia, a quien vimos el año pasado con el mismo Orlando Luz, en La Luz de un Cigarillo, Rafael Ferrari es el padre de la novia, Julio Pallero y Edgardo Rosini como mozos y leñadores y pedimos disculpas, si nos estamos olvidando de mencionar a alguno.-

Se hizo larga la descripción, porque son muchos los protagonistas, pero entendemos que el tenor de las actuaciones y la pasión con que componen sus papeles, merecían las menciones. Un trabajo destacado en lo individual y creciendo muchísimo en lo grupal la de del elenco, que lograr llevar adelante este proyecto, que tanto exige.

Para no olvidarlo, digamos ya, que las hermanas fotos que engalanan esta reseña, son obra de Rillind Modgliani.

Mencionemos la bella escenografía, que recrea una casa campestre, muy acertado el diseño de luces y un vestuario muy audaz, en el que aparecen camperas de cuero y zapatillas en algunos personajes, detalles que pocos se atreverían, siquiera pensar en un clásico de Lorca, terminan de configuran la puesta diseñada por el director.

En definitiva, una propuesta muy interesante la que nos propone esta Bodas de Sangre, versión Majolo, una puesta audaz, alejada de las solemnidades y aggiornada a los tiempos actuales. Una excelente manera de acercarnos, a este clásico, escrito hace más de ochenta años, que llega, conservando el espíritu original y la poesía del texto de Lorca, con una fuerza y una originalidad, que hay que remarcar.

La muy buena respuesta del público, que colma cada Jueves el Chacarerean, es una clara muestra que la apuesta del director tiene gran acogida de los espectadores, que como nosotros celebra la aparición de nuevos directores que con talento y valentía, se atreven y consiguen espectáculos de alta calidad y sensibilidad como Bodas de Sangre, que sin dudas recomendamos.



Pensador Teatral.

Hacela Corta Beckett

Martes 20 45 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Dramaturgia de Samuel Beckett y Dirección General de Rubén Pires.

Una propuesta tan original, como audaz, la que nos trae Pires, quien seleccionó seis textos cortos del genial dramaturgo y poeta irlandés.

El director quien hace cuatro años se encuentra trabajando con material de Beckett, sin dudas quedó embelesado con su universo, montando primero Esperando a Godot, una de sus piezas más reconocidas y escribiendo luego Beckett y el Mundo de las Abejas ( inspirandosé en la novela del francés Martín Page ), una deliciosa obra, que tuvimos la suerte de ver el año pasado en La Comedia.

En este caso sube la apuesta y elige seis textos, no tan conocidos de Beckett, para traducirlos y adaptarlos con la ayuda de Hugo Halbrich, logrando llevarlos al escenario y condensarlos en setenta minutos de exquisito teatro, de la mano de un elenco virtuoso y totalmente comprometido con la propuesta.

Agreguemos que este trabajo cuenta con la supervisión dramatúrgica de Lucas Margarit, un verdadero investigador de la obra beckettiana.

El desafío es grande, ya que los textos de Beckett no son sencillos, por el contrario son profundos y complejos y aquí son nada menos que seis textos breves los que se trabajan y se presentan.

Repasemos los nombres de cada uno de ellos, La Macedora, Monólogo, Va y Viene, Ohio Impromptu, Pisadas y Play.

Coincidimos con el director, que las dos primeras piezas son las más intensas, La Mecedora. inquietante texto que habla de la repetición y de la muerte, con Jessica Shultz que domina la escena en esa mecedora que se mueve rítmicamente, con esa voz de off, que parece hipnotizar al espectador.

Monólogo, nos habla de la soledad, de la rutina y de la vida que se apaga, en este caso con una excelsa actuación de Gerardo Baamomde, que se luce mucho, jugando con la oscuridad.

Va y Viene, es el encuentro de tres viejas amigas ( Jessica, Marina Tamar y Celeste García Satur, que se reencuentran y rememoran viejos encuentros- Impresionan sus risas y sus movimientos perfectamente coordinados. Aquí el espectador, luego de dos textos duros, se relaja un poco y se escuchan risas nerviosas, que parecen imitar las contagiosas carcajadas, de las actrices..

Ohio Impromptu, tal vez sea la representación más críptica de la pieza, Baamonde y Eduardo Lamoglia son dos ancianos, sentados en una mesa y leyendo unos indescifrables papiros. Un texto perturbador y atractivo.

Pisadas, nos muestra una mujer, que lucha por escapar al recuerdo asfixiante de su madre ya fallecida y entendemos la mejor interpretación de la noche, con una Jessica Schultz brillante, que compone de manera un personaje fantasmagórico y misterioso, que parece salido de una película de terror..

Y la última representación es Play, donde dos mujeres ( Celeste y Marina ) y un hombre ( hace su aparición el histriónico Carlo Argento ). Vemos solo sus cabezas, porque están en una especie de urna, nos cuentan del triángulo amoroso que vivieron. Aquí hay muchas risas y el público disfruta del gran trabajo de coordinación, que hay entre los tres, para intercalar sus diálogos. Un texto y actuaciones excelentes para cerrar bien alto la faena.

Como dijimos, cada fragmento, tiene su temática particular, en la mayoría aparece el tinte pesimista que se le adjudica a Beckett, la repetición, el absurdo, la relación madre - hija y una permanente reflexión sobre la muerte, que es uno de los temas predilectos del autor irlandés. Además en todas hay personajes, llenos de misterio y en muchos casos de apariencia alienada.

La puesta plena de poesía, es minimalista y tiene numerosos puntos para destacar, presentando una escenografía despojada, en la que solo aparecen en escena, mínimos objetos que son intercambiados por los propios actores, cuando termina cada mini obra.

La penumbra es la característica que resalta y que recrea la atmósfera misteriosa y lúgubre, que es el clima que propone el director y logrado en gran forma.
De fondo suena una música con toques circenses y hay tres rubros, que son destacadísimos, en primer lugar los recargados maquillajes que presentan los actores, enorme y bello trabajo de Analía Arcas. El segundo, es el magnífico diseño de pelucas de Miriam Manelli. Estos dos ítems, le aportan una riqueza visual a la puesta, que debemos destacar.
Y en la mismas altura, a no olvidar el particular y original vestuario a cargo de Juan Miceli, otro destacado que presenta la pieza.
Una puesta muy cuidada, en la que se tienen en cuenta, todos los detalles.

En definitiva, estamos ante una propuesta muy original, se nota el buen trabajo previo de investigación, para seleccionar los textos y conseguir adaptaciones tan logradas. Felicitamos al director, por lograr plasmar su original idea y poder exponer en estos textos no tan conocidos, el espíritu del gran Beckett.

El espectador se sube a la propuesta y disfruta la posibilidad de ver varios comienzos y finales, algo que otorga una dinámica y una riqueza en los temas a tratar, algo que solo puede ocurrir con el formato pensado por el director, donde el gran beneficiado es el espectador que se da una panzada de teatro.

Pires puede coronar este proyecto, debido a la acertada elección de un elenco importante, que le responde con actuaciones magníficas actuaciones, donde como dijimos brilla Jessica Shultz, mostrando todo su virtuosismo, pero no seamos injustos con el resto del elenco, que tal vez con menos minutos en escena, redondean todos excelentes papeles. Se nota que todos están comprometidos con el proyecto y se entregan al mismo, con una pasión que los enaltece.

Concluyendo al fin, Hacela Corta Beckett, es una propuesta original, de excelente factura. Recomendamos fervorosamente la obra a todos los amantes del buen teatro, que sin dudas se van a deleitar con los textos del reconocido autor irlandés y con las exquisitas actuaciones del gran elenco reunido para la ocasión.



Pensador Teatral.

La Empresa siempre Perdona

Sábados 18 hs en El TInglado ( Mario Bravo 948 )

Dramaturgia de Rodolfo Santana y Dirección General de Rosa Celentano.

Obra escrita en 1975 por el dramaturgo venezolano Rodolfo Santana. La pieza se presentó en distintos países de Latinoamérica, siempre con buena respuesta del público y aportando una mirada humanista al mundo de las relaciones laborales.

Estamos en presencia de un texto muy bien escrito, que presenta una absoluta vigencia, mostrando como muchas veces las empresas, recurren a todo tipo de tácticas para manipular a sus trabajadores.

La obra, nos presenta la historia de Orlando Nuñez ( Roberto Romano ) , un operario que trabaja en una metalúrgica hace más de 20 años. Ingresó a la Empresa cuando recién fue creada y continua hoy en la plantilla, con una compañía es mucho más grande en tamaño y en cantidad de trabajadores.

Debido a su trayectoria, tiene mucha ascendencia entre sus compañeros, que lo toman como un ejemplo a seguir.  Pero un día, en la fábrica se produce un accidente con uno de los trabajadores, que se lesiona gravemente la mano y este hecho, hace que Orlando tenga un ataque de locura y comience a romper las máquinas, además de gritar y despotricar contra el dueño de la Empresa.

Debido a este grave suceso, Nuñez es convocado por la psicóloga de la empresa, interpretada por Sofia Gala Castiglione, que lo someterá a un interrogatorio y a una terapia bastante particular, para tratar de conocer los motivos que llevaron al empleado a ese comportamiento tan violento.

Se genera un contrapunto muy interesante, el obrero piensa que lo llaman para despedirlo y no imagina la idea que tiene en mente la psicóloga. El encuentro muestra además, el choque de la clase baja contra la clase media, son dos personajes con distinto lenguaje, con diferente nivel educativo, un obrero y un profesional, que manejan códigos totalmente contrapuestos.
Se puede apreciar con claridad, como muchas veces la clase media, ejerce su poder sobre la clase baja, pero perdiendo de vista, que ambos son parte del mismo engranaje y sirven a los intereses de la dirección que los utilizará a ambos, hasta que sean de utilidad.

Este texto tan rico, se potencia, con las magníficas actuaciones que presenta la obra, ya que la dupla protagónica que Rosa Celentano, la directora, eligió para la obra, evidentemente fue un gran acierto.

Roberto Romano, un actorazo, interpreta al operario sometido al interrogatorio de la psicóloga, componiendo en gran forma su personaje, un trabajador humilde, auténtico y que por momentos muestra su lado violento, generalmente cuando la psicóloga provoca sus reacciones.
 Acostumbrados a verlo a Roberto Romano, en papeles de villano, aquí sorprende, ya que muestra una veta muy graciosa, no tan conocida, pero en la que demuestra su virtuosismo y versatilidad . Excelente su actuación.

Y que decir de Sofía Gala, aquí componiendo a una psicóloga intimidante y muy segura, que parece disfrutar de su posición dominante en aquel encuentro, donde parece jugar al gato y al ratón con Nuñez. La presencia escénica de Sofia es imponente, pese a su juventud, sorprende con el oficio y la personalidad, con la que camina el escenario. logrando darle la impronta que su personaje requiere.

Dimos testigos de dos excelentes actuaciones, personajes bien opuestos los que componen ambos, mostrando ademas una química y una afinidad que sorprende, ya que pertenecen a dos generaciones diferentes, pero esto en vez de ser un inconveniente, parece potenciar sus actuaciones.

Es una puesta íntima y minimalista, la que nos propone la directora, con una escenografía que recrea el consultorio de la psicóloga, con moderno mobiliario decorado con un cuadro del dueño de la empresa, pra destacar también el diseño lumínico, que enriquece la puesta.

La obra si bien, invita a la reflexión, tiene muchos momentos graciosos y una trama muy fluida, que consigue que la atención del espectador, no decaiga nunca.

En definitiva, La Empresa siempre Perdona, es una muy interesante propuesta, un texto rico que explora en las relaciones laborales y que expone como muchas veces las empresas manipulan a sus empleados, sin dudar en recurrir a cualquier artilugio para conseguir sus objetivos.

Y para la reflexión, el hecho de que para ello, se vale de otros empleados que sin darse cuenta o en algunos casos, aún a pesar de darse cuenta, disfrutan jugando ese papel de poderosos y son los mayores defensores de los intereses de los dueños, perdiendo de vista, el costado humano de sus pares y que en algún momento pueden ser ellos, los sometidos por la empresa.

Invitamos al espectador entaonces a que se llegue al renovado y confortable Tinglado, para presenciar esta excelente pieza y disfrutar de las actuaciones de esta gran dupla protagónica, que los hará reír, reflexionar y conmoverse con un final emocionante.


Pensador Teatral.

Te voy a matar Mamá

Jueves 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Dramaturgia de Eduardo Rovner y Dirección de Rubén Ramírez y Lorena Lemos.

Un texto inteligente y perturbador el que nos presenta Eduardo Rovner, reconocido dramaturgo, con más de 35 obras de su autoría y ganador los más importantes premios que otorga teatro en nuestro país ( ganó Premios ACE, Konex, Estrella de Mar, Argentores, etc )

La obra explora desde un ángulo muy particular, la relación entre madre e hija, que algunas veces resulta idílica, pero que en otras casos es sumamente conflictiva.

Aquí claramente se dá esta última posibilidad ya que la protagonista, planea matar a su madre, en su casa y con una pistola, espera su llegada, planificando de que manera la asesinará.
El autor instala la inquietante idea del matricidio y eso provoca un doble efecto en el espectador, por un lado, lo incomoda mucho y por el otro, hace que se interese por conocer los motivos, que pueden llevar a una hija a cometer semejante acto.

Te voy a matar mamá, nos cuenta la historia de Flor, una joven de profesión actriz, que se encuentra sola en su casa, repasando su decisión de matar a su madre.
En esta hija, hay muchas frustraciones y el blanco de las mismas es su madre, ella es la culpable de su insatisfacción, su presente poco feliz y además de haber perdido a su padre.

Estamos en presencia de una historia de amor y también de desamparo. Flor tiene muchos reclamos para su madre y aunque ella no está presente, siente la necesidad de descargarse y convencerse a si misma, que su decisión de matar a su madre, tiene justificativos.

Esta obra unipersonal, llega a buen puerto, por la magnífica actuación de Laura Ledesma, una joven actriz, que resuelve en gran forma este complejo papel, que exige mucho.
Interpreta a una mujer amante del fenshui, que gusta de practicar posiciones de yoga, indudablemente busca un estado interno de paz, que no concuerda con sus intenciones asesinas.

Destacable su gestualidad y como transita los diferentes estados de ánimo que debe transitar su personaje, dotándolo de una sensibilidad muy particular y causando empatia en el espectador, que la observa casi con compasión. Nos gustó mucho la interpretación de Laura, que demuestra estar a la altura de todo lo que exige el protagónico, ya que se la vé muy relajada en escena, disfrutando de su personaje. Seguramente en esta buena perfomance, tiene su cuota parte, Rubén Ramírez, uno de los directores, que la conoce de trabajos anteriores y confío en ella para este importante desafío.

Una escenografía sencilla, pero muy cálida, que nos sitúa en el pequeño departamento de Flor y una buena musicalización, contribuyen a generar esa atmósfera íntima, que el director propone para la puesta.

En definitiva, una inmejorable oportunidad de conocer este inteligente y movilizador texto de Rovner, que ya tuvo otras puestas anteriores y que vuelve en esta ocasión, con una muy interesante versión, hecha a puro pulmón, que nos acerca Rubén Ramírez y Lorena Lemos, de la mano de la histriónica Laura Ledesma, que se luce muchísimo y nos regala una entrañable actuación.

Con este mismo equipo, la obra viene de presentarse en Madrid, donde tuvo muy buen suceso de crítica y de público. Por eso sin tener que irse a España, ahora tenemos la chance de ver la obra en Buenos Aires y además de disfrutar de una gran interpretación, vamos a reflexionar mucho, con este inquietante thriller psicológico.


Pensador Teatral.

El Círculo de Tiza Caucasiano

Martes 20 hs en Teatro IFT ( Boulogne Sur Mer 549 )

Dramaturgia de Bertolt Brecht y Dirección de Manuel Iedvabni

El teatro nos convoca para ver este clásico del escritor y poeta alemán Berthold Brecht. Considerado uno de los dramaturgos más destacados e innovadores del Siglo XX, sus obras siempre buscaron la reflexión del espectador y tuvo una posición antiburguesa, contraria a la hipocresía y a las reglas sociales injustas.

El Círculo de Tiza Caucasiano fue escrita en 1944, momentos en que Brecht estaba exiliado en Estados Unidos y recién es estrenada en Alemania en 1954.
La relación de este obra y el Teatro IFT, tiene su historia, ya que en este mismo espacio se estrenó la pieza en Argentina, en el año 1959 de la mano del grupo teatral El Galpón de Montevideo y en los umbrales de la democracia en 1983, se presentó una nueva versión de El Círculo, con dirección de Manuel Iedvabni. Pasaron 30 años, para que de la mano del mismo director la obra volviera al IFT con esta magnífica puesta. Como dato de color, aportar que Iedvabni, un estudioso de la obra de Brecht, con más de 60 años de trayectoria en la profesión, en el 2014, fue reconocido con el título de ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, por su importante aporte a nuestra cultura.

Creo que la breve introducción histórica y cronológica, sirve para dimensionar el significado que tiene esta obra y la increíble vigencia de este clásico escrito hace más de 70 años por la pluma visionaria del dramaturgo alemán.

Siempre es un riesgo adaptar estos clásicos y lograr versiones que se aggiornen a estos tiempos, ya adelantemos que en este caso, el desafío fue superado con creces y la puesta lograda además de ser virtuosa, tiene mucho a vigencia.

Brevemente digamos que la obra inspirada en un cuento chino, para muchos críticos, puede ser considerada una versión moderna del pasaje bíblico en que dos madres se pelean por un hijo y para definir el pleito deben recurrir a la decisión del Rey Salomón.

En la obra, la historia se desarrolla en Georgia, cuando en el marco de una rebelión, los subversivos logran apresar y dar muerte a Georgi Abashwili, el gobernador de la ciudad. Su esposa Natella, debe huir y en vez de salvar a su hijo Michael, prefiere llevarse sus vestidos y joyas, dejando a su hijo recién nacido abandonado a su suerte.
El arrojo de Grusha, una humilde criada, hace que tome al niño y trate de escapar con él, buscando alguna aldea segura, debiendo pasar por muchas peripecias, ya que los rebeldes buscaban con desesperación a ese niño heredero del trono para matarlo. Pero su determinación y apego por el niño, le permitió protegerlo y salvarle la vida, además de criarlo con mucho amor.

Pasado un tiempo y acabada la rebelión, la esposa del gobernador regresará para buscar a su hijo, con el objetivo de cobrar la herencia que dejó su marido, que fuera decapitado por los revolucionarios, pero Grusha ya siente al niño como propio y no quiere devolverlo. Por eso quien decidirá el conflicto, será el particular juez Azdak, que utilizando el método del circulo de tiza ( que no revelaremos aquí ) , que dá en nombre a la pieza, determinará quien se quedará con el niño.

No vamos a contar más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, puede ver cual es el fallo del juez y cual será el destino de estos personajes.

La puesta tiene el enorme mérito de contar en forma amena y con mucho humor, esta historia de época, donde con un mensaje esperanzador, nos ilustrará, sobre como no siempre el poderoso puede imponer sus designios y como algunas veces el humilde, con amor y dedicación, puede conseguir lo que se propone. La pieza mademás pone la lupa sobre la justicia, la religión y las relaciones de poder que rigen en la sociedad.

Es hora ya de hablar de las magníficas actuaciones que tiene la obra, un elenco conformado por nueve actores, algo muy destacable en una obra del off, la mayoría de ellos, dando vida a más de un personaje. Y del elenco, hay que decir, que en su mayoría, está conformado por actores y actrices de experiencia, con muchos años en las tablas y si bien, siempre es bueno ver nuevos valores, en nuestra opinión cuando se reúne un elenco con experiencia, hay un valor agregado, que se nota positivamente en las sólidas actuaciones y permite un disfrute extra del espectador.

Vamos a ser justos y dedicarles unas lineas a cada uno de ellos, ya que sus trabajos lo merecen.
 En primer lugar mencionar a la talentosa María Marta Guitart, que con su voz privilegiada ( es locutora ), será la relatora de la historia y además se lucirá muchísimo en las partes cantadas. Muy destacada su labor, siempre con una sonrisa y con una entrega absoluta, nos regala una de las mejores interpretaciones de la noche.

Una de las protagonistas principales de la pieza es Roxana del Greco, como Gruche, dando vida a esa madre, con tanto amor para dar y con un espíritu de lucha admirable. Un personaje muy querible y una estupenda actuación.

Siguiendo con las mujeres del elenco, Dana Basso es la esposa del gobernador, una gran actriz, que se luce mucho aquí y Cristina Sallesses como campesina y esposa del hermano de Gruche, mostrando también su valía.

Del lado masculino, quien se destaca mucho, es Pablo Flores Maini, como el Juez Azdak, una exquisita composición de personaje, que hace 60 años interpretó Juan Manuel Tenuta, en un papel consagratorio. Aquí, Pablo hace honor, a ese recuerdo y cumple una excelente actuación, con una gran presencia escénica.

Matias Tisocco, es Simón, el soldado enamorado de Gruche, una de las caras jóvenes del elenco, que aporta mucha frescura a la pieza..

Gustavo Siri como el cura, Ariel Levenberg como el Duque, Juan Manuel Romero, como soldado moribundo y Gabriel Dopchin como el cabo, por mencionar solo cuatro de los personajes que componen, son claros ejemplos, de como la experiencia en la profesión, permite brindar actuaciones sólidas, que el espectador disfruta enormemente.

Tal vez se hizo algo larga la descripción, pero creo que fue un acto de justicia, ya que son actuaciones merecían destacarse, hay mucho talento y pasión en el escenario, para una obra muy exigente, ya que además de actuar, todos cantan, algunos tocan la guitarra, realmente para aplaudirlos a todos, ya que en lo individual y en el conjunto brindan una magnífica actuación.

Otro aspecto fundamental de la obra y que le otorga gran riqueza, es la música original a cargo de Esteban Morgado, son muchos los temas compuestos especialmente para la obra y se disfrutan muchísimo, ya que las letras son muy alegres y encuentran muy buen eco en los intérpretes.

La escenografía es más bien desprovista, queda claro aquí que la prevalencia la tiene el texto. Otro ítem muy destacado es del vestuario a cargo de Nereida Bar y Verónica Segal, son numerosos los trajes de época y lucen muy bien, hay un gran trabajo en este rubro.

En definitiva, estamos ante una gran versión de este clásico de Brecht, algo que se consigue gracias a la dirección general de Iedvabni y musical de Esteban Morgado, sumado al riquísimo elenco reunido para la obra.

El Círculo de Tiza Caucasiano, es una excelente propuesta, un verdadero lujo para nuestro teatro independiente y una cita imperdible para los amantes del buen teatro.
El prolongado y cálido aplauso que reciben los protagonistas, al final de la función, es un justo reconocimiento de los espectadores, por la gran noche de teatro vivida en el IFT.


Pensador Teatral.

La Semilla

Sábados 20 hs en Abasto Social Club ( Yatay 666 )

Autoría de Edgar Chías y Dirección de Cristian Drut.

Interesante la posibilidad de ver esta obra autoría del reconocido dramaturgo mexicano Edgar Chias, que llega con el muy buen antecedente, de haber sido una de las piezas ganadoras del Premio ARTEI 2017, que se otorga a las producciones del teatro independiente.

La Semilla, es una obra profunda y en la que el director, le otorga prevalencia al texto, en una muy interesante y original puesta, en la que los actores además de representar la historia, serán los relatores de la misma, valiéndose para esto de recortes periodísticos, grabaciones y otros recursos.

La historia, se inicia con una joven llamada Olinda que es encontrada caminando desnuda y sin rumbo al costado de una ruta. De esta situación tan extraña es rescatada por la doctora Ríos, quien la lleva a un especie de consultorio, para poder interrogarla y conocer que motivos llevaron a la chica, a este inusual comportamiento.

Olinda está confundida, cuenta que vuelve a su país después de muchos años de estar en el exterior, pero sin saber los motivos de su retorno. Está perturbada.  No tiene claro porque estuvo tantos años fuera, sin volver ni siquiera para las Fiestas. Y ahora porque retorna ?? Tampoco lo sabe. Está confundida, agobiada, sin saber muy bien que está haciendo allí.
La única certeza que tiene es que está embarazada y que quiere ser madre, sin importar su pasado, se aferra, a su maternidad y a esa semilla que lleva adentro.

La trama tiene mucho de misterio, el espectador de a poco irá conociendo detalles de Olinda y de su origen, ya que aunque ella no lo reconoce, ese retorno a su tierra, tiene mucho que ver con una búsqueda propia, por conocer su identidad.

No vamos a contar demasiado, para conservar el suspenso, solo contaremos que el autor, se inspiró para escribir este texto, en una noticia real aparecida en un diario, que daba cuenta de la historia de amor, entre una abuela llamada Lala y su nieto Roger, que no se conocían y al hacerlo se enamoran y deciden tener un hijo, alquilando un vientre a través de un aviso clasificado. De esa relación calificada de monstruosa por algunos y de ese pacto, nacerá una niña, que dejaremos sea el lector, cuando vea la obra, descubra de quien se trata.

La historia es compleja, con mucho texto, el espectador tiene que estar muy atento y se engancha en la propuesta de ir uniendo las piezas de este rompecabezas que se le presentan por partes, para tratar de conocer que verdad se esconde debajo de la superficie.

Realmente el desafío que tienen tanto el director como los actores, no es sencillo, ya que tienen que darle dinamismo a la historia y hacerla entretenida, algo que el director con una puesta original consigue y en esto mucho tiene que ver el elenco elegido.

Arranquemos por Denise Quetglas, ella es Olinda, la jóven que quiere se madre por sobre todas las cosas, que mira al futuro, pese a tener un pasado oscuro, que la inquieta y un origen que no conoce del todo y que tiene miedo de descubrir. Una muy buena interpretación la de Denise, componiendo un personaje muy humano, expresando su dolor, su sufrimiento, pero también un deseo superior por ser madre. Logra transmitir mucha sensibilidad y empatía con su personaje.

Liliana Weimer, cumple un doble papel, como la Dra.Rios que intenta con su interrogatorio romper esa coraza que tiene Olinda y como Lala, la mente que ideó el pacto tan difícil de juzgar de tener un hijo con su nieto. Es la actriz de más experiencia del grupo y muestra su valía con una estupenda actuación, con gran presencia escénica, siendo para nosotros  con riesgo de ser injustos con el resto, la actuación más destacada de la pieza.

En un mismo nivel, está Carolina Tejada, también con múltiples personajes, como asistente de la Dra.Rios, como Sonia y como Marie, que fue la mujer que alquiló su vientre y como ella misma dice fue el recipiente de aquel extraño pacto. Resolviendo con mucha solvencia, la dificultad de cambiar en segundos de personaje y con momentos de gran lucimiento, en especial en un monólogo como Marie, que conmueve por su crudeza..

Por último mencionar a Emanuel Parga, el único hombre de la historia, destacándose mucho como Roig y protagonizando muy buenas escenas, en ese triángulo formado como Lala y Marie. Muy bueno su aporte.

En definitiva, cuatro interpretaciones muy destacadas, en una obra difícil, por la cantidad de personajes a interpretar y por el texto profuso que tiene cada uno. Se nota que hubo mucho trabajo previo, mucho ensayo, para lograr una exposición tan fluida.

La puesta tiene un carácter íntimo, lúgubre, misterioso, con unas cortinas de plásticos transparentes, que parecen definir distintos espacios temporales, un diseño lumínico con mucho protagonismo en la trama y el recurso de los cassettes, en diferentes grabadores, para dar sonido ambiente o escuchar alguna declaración, sin dudas, un recurso diferente, que otorga otro rasgo de originalidad y distinción a la obra.

En definitiva, una propuesta muy interesante, que llega desde México, posibilitando poder apreciar a un autor latinoamericano de renombre, un director y docente de trayectoria como Cristian Drutt, con la habilidad para poder adaptar la historia y hacerla amena, con una puesta que entretiene al espectador y sabiendo elegir a un grupo de actores, comprometidos con la historia, que logran una destacada interpretación individual y potenciada en el conjunto.

Lo invitamos entonces a descubrir esta propuesta original, un texto rico y que debemos estar atentos para seguir al detalle , una pieza potente y muy actual, que habla de la búsqueda de la identidad y de nuestros orígenes, una historia de amor oscura y por momentos trágica, que deja sus secuelas, pero también el mensaje de una nueva vida por venir y la oportunidad de sembrar una semilla, que permita reconciliarnos con nosotros mismos y vislumbrar un futuro esperanzador.



Pensador Teatral.