La Decisión

Dramaturgia de Pacho O´Donnell . Dirección de Gerardo La Regina.

Lunes 20 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una cita con la historia política argentina, nos propone Pacho O´Donnell, escritor e historiador, reconocido por su búsqueda permanente, por echar luz sobre aspectos desconocidos de nuestra historia, en base a investigaciones realizadas siempre con mucha disciplina y por ello, sus trabajos son siempre respetados por la opinión pública.

En esta oportunidad Pacho, imagina un encuentro entre Leandro N. Alem y Lisandro de la Torre, dos dirigentes radicales, políticos honestos, que entendieron a la política, como una manera de solucionar los problemas de la gente y no satisfacer intereses personales, estando siempre en contra de la corrupción y del fraude. Ambos coincidieron en su hombría de bien, pero lamentablemente perdieron la batalla contra los poderosos de turno, este hecho es incontrastable, ya que ambos se suicidaron.

El arranque de la obra no podía ser más prometedor, ya que veremos como el fantasma de Alem ingresará a escena, para tratar de convencer a Lisandro de la Torre, de que no concrete su suicidio. Parece contradictorio, que justamente Alem que se quitó la vida, intente disuadir a su colega, que no cometa un acto, que el mismo llevó a cabo. Sin embargo, las razones que esgrime son valederas, ya que lo invita, a no repetir su error, ya que pensaba que el suicidio sería un mensaje fuerte contra los corruptos, por el contrario, ese acto se vería como un triunfo del poderoso, que disfruta viendo como los hombres honestos, quedan fuera del camino.

Una de las virtudes del texto es humanizar a estos dos políticos de raza, reconocidos por su honestidad y por entender a la política como un servicio. A lo largo de la trama se establecerá un diálogo muy interesante entre estas dos referentes radicales, en el cual hablarán de sus principios, sus enemigos, la lucha contra la oligraquía, los acierto y errores que cometieron en su carrera, aparecerán además personajes históricos como Hipólito Irigoyen,  los vericuetos y chanchullos de la política, siempre alejada de los intereses del pueblo. Pero también hablarán de sus pasiones como hombres, sus miedos y de sus vidas solitarias, en las que no encontraron el amor verdadero.

Las actuaciones que presenta la obra, son magníficas, Aldo Pastur interpretará con maestría a un temperamental Lisandro de la Torre y Daniel Dibiase realizará una composición soberbia de Leandro N Alem. El duelo actoral que mantendrán ambos, a lo largo de la trama, será apasionante y las discusiones políticas alcanzarán una temperatura alta, que le darán mucho realismo al debate político que establecen.

Tanto Aldo Pastur, como Daniel Dibiase, tienen una vasta experiencia en las tablas y eso se traduce en un manejo de los tiempos y una fuerte presencia escénica, que generan un enorme disfrute en los espectadores. Además, el texto, permitirá que cada uno de ellos, tenga su momento de lucimiento individual, llevando a cabo algún monólogo y discurso.

La puesta que propone Gerardo La Regina es más bien desprovista desde lo escenográfico, alcanzan una mesa y dos sillas, como marco escénico. Indudablemente en esta pieza, la palabra es la que tiene preponderancia. Destacamos la bella música original de Bernardo Fingas que acompaña la puesta y párrafo especial para Daniel Durso, para colaborando con las logradas caracterizaciones de ambos personajes. ( para no perderse la chiva de Leandro )

Nos enganchamos mucho con la propuesta, siempre nos atrae el teatro histórico / político y más cuando de refiere a una época contemporánea de Argentina. La obra nos permite repasar los aspectos centrales de dos personajes centrales de la política del siglo pasado, dos dirigentes honestos, que no traicionaron sus convicciones y prefirieron quitarse la vida, antes que adoptar prácticas comunes en la política, pero reñidas con la moral. El texto de Pacho además, resulta una crítica manifiesta y certera, a las miserias y mezquindades de nuestra clase política, que aunque pasen los años, siguen con las mismas mañas, sin darse cuenta que Argentina, es un país cada vez más pobre.

Valoramos mucho que obras como La Decisión encuentren espacio en la cartelera porteña, ya que el espectador al verla siente, que quiere conocer más de la historia política del país, reconociendo hechos que no están incluidos en nuestra educación. En suma, estamos en presencia, de un texto muy interesante, que hace justicia con dos verdaderos ejemplos de políticos de bien, como Leandro Alem y Lisandro de la Torre, permitiendo disfrutar de dos actuaciones magníficas y reflexionar acerca de como la mayoría de las veces, los buenos pierden la batalla y son los malos los que tienen el poder y rigen nuestros destinos.




Pensador Teatral.

Cabo Verde

Dramaturgia de Gonzalo Demaria y Dirección de Ezequiel Sagasti.

Viernes 20 30 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Cabo Verde nació hace más de una década, gracias a la pluma talentosa del prolífico Gonzalo Demaría y regresa a escena, con mucha actualidad, en una atractiva puesta, dirigida por Ezequiel Sagasti, que reúne para la ocasión a un elenco de fuste para el teatro independiente.

La obra es un verdadero trhiller, donde el terror y lo siniestro estarán presentes a lo largo de una trama oscura y cruel por momentos, donde el autor recurrirá al humor en varios pasajes, para descomprimir un poco el ambiente asfixiante que tiene la trama y es algo que se logra. Este es un recurso que Gonzalo, utiliza en muchos de sus textos y siempre con buenos resultados.

Ambientada a fines de la década del veinte, las acciones se desarrollan en el consultorio / laboratorio de un doctor de carácter fuerte y autoritario. Sus ideas adhieren a la la teoría Lombrosiana, que recibe el nombre por el científico y antropólogo italiano Césare Lambroso, que desarrolló una teoría, que enuncia que algunos rasgos físicos de las personas, como por ejemplo, el tamaño y tipo del cráneo, podría determinarse si un individuo podía podía nacer criminal o no. Esto que ahora puede sonar inverosímil, fue una corriente con muchos adeptos, que influyó en la medicina, el derecho y la educación por muchos años.

Lambroso aún hoy, es considerado por muchos, como uno de los padres de la criminología, siendo su clasificación, por mucho tiempo la principal herramienta para establecer el perfil de los delincuentes.  Su clasificación de los criminales, fue durante tiempo, la principal herramienta para establecer el perfil de los malechores. Su pensamiento estuvo influenciada por la teorías de Darwin y en tal sentido llegó a postular que los criminales, eran el eslabón perdido, es decir, un ser que estaba en un punto intermedio entre el simio y el hombre. Encontrándose en el sur de Sudán, hombres con los rasgos antes mencionados. Aparece allí en la ficción del autor, Cabo Verde, país africano que dá el título a la obra.

Yendo ya a la obra, contemos que un doctor con aires policiales, interpretado de manera notable por Edgardo Moreira, busca en su laboratorio y siguiendo aquellos criterios, seleccionar un niño sano y con rasgos arios, que pueda ser adoptado la viuda del presidente Saenz Peña, que se sentía sola y algo deprimida, por eso buscaba alguien que la acompañe, para vivir con ella en su imponente mansión.

Allí aparecerá Roque, un chico que vive en la calle, quien podría ser el candidato ideal para cumplir con el encargo de la viuda. Pero algo no cierra allí, ese chico tiene algunos antecedentes delictivos, que el doctor prefiera ocultar y además la madre del niño, anda dando vueltas en su búsqueda. Cuál es entonces la razón por la que el doctor escoge a ese niño que sabe puede traerle problemas ?? La obra como dijimos tiene un componente alto de suspenso, por eso no vamos a contar más y dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra las razones que tiene el doctor, para tan extraña selección.

La trama no dá respiro, el autor deja en claro en el texto, la violencia y la prepotencia del poderoso, los prejuicios de la clase dominante, que siente pueden oprimir al más debil, por derecho propio, con una impunidad y un mesianismo, que si indagamos en nuestra historia, veremos varios ejemplos de gobernantes, que ejercieron el poder, sin escrúpulos.

La dramaturgia como dijimos, tiene una muy buena elaboración, pero podría quedar desdibujada, de no contar con un elenco fuerte, que logre darle credibilidad y fuerza al mensaje, algo que aquí se logra con creces. La figura central de la historia, es Edgardo Moreira, que parece estar hecho a medida para interpretar a este doctor autoritario y perverso, debido a su imponente presencia escénica, tanto desde lo actoral, como desde lo físico. Magnífica actuación la de Edgardo, que está cerrando un año lleno de logros, pudiendo mostrar una vez más, su enorme versatilidad, en esta oportunidad para afrontar un nuevo protagónico y componer a un villano, al que, por le cuesta mantener su equilibrio emocional.

Las mujeres de la obra, se destacan muchísimo, arrancamos por Flor Cappiello, la Rusita, la joven y bella asistente del doctor, que se debate entre la lealtad a su despótico jefe y una humanidad, que la lleva a salirse del bando de los malos. Seguramente el maltrato y el machismo del doctor, colaboran para ello. Nos gustó mucho lo de Flor. Silvina Katz, es la otra dama de la noche y cumple una actuación magnífica. Hija de anarquista, achurera de oficioy con una vida muy sufrida, no dudará en irrumpir en aquel consultorio del terror, en búsqueda de su hijo, pese a los peligros que esto conlleva. Una actriz de mucho oficio Silvina, que aquí puede mostrar sus credenciales y resolver en gran forma un papel complejo.

Para el final dejamos a Matías Recalt, una verdadera revelación, ya que con 17 años, hace su debut teatral, sin que esto se note en ningún momento, ya que actúa con un desparpajo y una soltura que sorprenden. Su papel es el de Roque, el niño que vive en la calle y sera reclutado por el doctor, para darlo en adopción a la viuda del presidente. Indudablemente recibió el respaldo del director y de un elenco de experiencia, redondeando un debut para el aplauso.

Las interpretaciones que son uno de los puntos fuerte de la obra, que encuentran también apoyo en una puesta opresiva y asfixiante, hay un diseño de luces muy interesante de Leonardo Kreimer, que colabora con ese clima de suspenso que acompaña al texto y un logrado vestuario de época de Calandra Hock. Otro ítem a destacar es el diseño escenográfico de Tadeo Jones, que nos presenta este consultorio tan sombrío, donde ocurren hechos bastante siniestros.

No queremos contar más, el resto de la historia la descubrirá el espectador cuando vea la obra, como adelantamos se encontrarán con un texto crudo que reflejará una realidad que vivió el país, casi un siglo atrás. Y si bien ahora el mundo evolucionó y muchas situaciones que se ven en la pieza, parecen anacrónicas, hay otras que se mantienen, tal vez con otra cara, pero manteniendo ese statu quo, en el que los poderosos se sienten con la autoridad y la impunidad para cometer cualquier atrocidad, en nombre de un supuesto bien común.

Por todo lo mencionado recomendamos Cabo Verde, una historia fuerte, que invita a la reflexión y que nos regalará magníficas actuaciones. La obra ha agotado las localidades del Nun, desde su estreno, por eso no sorprende, ese aplauso sostenido que el público le regala a los protagonistas, al final de la función, reconociendo en lo visto, algunas situaciones que resultan peligrosamente familiares.




Pensador Teatral.

Un Susurro de Alas

Dramaturgia de Sandra Franzen y Dirección de Graciela Pereyra.

Miércoles 21 hs en El Método Kairos ( El Salavador 4530 )

Ambientada en nuestras vastas pampas, llega esta intensa historia de amor no correspondido, entre Trabucco, un veterano patrón de estancia y Elenita, una bella joven de 16 años. Terciando entre ellos, aparecerá Torito, un peón que además de ayudar a su patrón, en las tareas generales del campo, servirá de mensajero entre su jefe y la adolescente.

Este texto obtuvo el Primer Premio del Concurso Roberto Arlt, organizado por la Universidad Nacional del Arte en 2018 y luego de ver la obra, rápidamente podemos imaginar las razones de dicho premio. La pieza se caracteriza por describir con gran lujo de detalles, esas imágenes visuales que nos remiten al campo, con sus animales de cría, los pájaros, las flores, el Sol abrasador en el día y la Luna alumbrando en las noches.

En la historia escrita por la talentosa pluma de Sandra Franzen, aparecerá el machismo y la prepotencia de un hombre de campo, de buena posición económica y poeta frustrado tal vez, que pasa sus horas, tratando de escribir poemas, que resulten la llave para abrir el corazón de una Elenita, mucho menor que él, que no solo no lo rechaza, sino que parece odiarlo, por su insistencia.

En el medio de este amor, que suena imposible, aparecerá la figura del Torito, el joven peón de Trabucco, que de tanto llevarle cartas a la niña, establecerá una amistad con ella. Elenita cuando está con él, no es esquiva, al contrario, es verborrágica y  disfruta su presencia. Se muestra muy locuaz, hablando de su amor por los pájaros y en especial por los colibríes, de los cuales adora su inteligencia y belleza.

La figura del triángulo amoroso sobrevuela la escena, con los peligros que esto conlleva, ya que el poderoso patrón de estancia, no tolera siquiera la idea, que esa joven mujer a la que desea sin suerte, puede entregarse a otro hombre y que encima, encima sea su pobre peón que nada tiene nada para ofrecerle. Sería un verdadero despropósito aquello y de ninguna manera lo podría permitir.. Pero esta relación ocurre en la realidad o solo en su imaginación ? Sucede algo realmente entre Elenita y el Torito ?? No vamos a contar más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra que sucede en aquellas pampas, con esa indescifrable niña/mujer, que despierta pasiones.

La obra tiene un plus importante, que son las magníficas actuaciones que presenta, dándose un lujo enorme, como es contar con un actor de los kilates de Osvaldo Laport, como protagonista, interpretando a Trabucco, un hombre de campo, cansado de estar solo y que hará todo lo que está a su alcance para conquistar a la mujer, que anhela sea la madre de sus hijos. El papel parece hecho a medida de Laport, que se muestra muy cómodo con el mismo y mostrando una presencia escénica imponente, llevando el ritmo de la obra, con un relato articulado de manera admirable, para que el espectador lo disfrute mucho. Magnífica interpretación de Osvaldo.

Las condiciones de Laport, un actor de gran trayectoria y talento son conocidas, pero nos llevamos una sorpresa gratísima con María Gaddi, a quien es la primera vez que vemos en escena, aquí interpretando a la jóven Elenita, con una potencia y una energía, que sorprenden. Para nada se amilana de acompañar a un actor de la talla de Osvaldo, por el contrario, parece potenciarse, para redondear una actuación estupenda y una composición genial, de una adolescente, que quiere ser libre de elegir con quien estar, algo complicado por esas latitudes y tiempos. Buenísimo lo de María, demostrando mucha personalidad, para un papel que no era sencillo.

Estamos siendo injustos con Franco Marani, el Torito, que prefiere estar con los animales, antes que con humanos. Temeroso y respetuoso de las órdenes de su amor, buscará acallar sus sentimientos, sabiendo los peligros que implicarían seguirlos. Muy bueno lo de Franco, mostrando dos caras, una al estar con su patrón y otra cuando piensa en esa joven, que indudablemente lo atrae.

La puesta de Graciela Pereyra es sensible y presenta varios aciertos, el más importante, saber combinar la experiencia de Laport, con la juventud de María y Franco, para que ellos también encuentren su espacio de lucimiento, algo que se facilita por la generosidad de Osvaldo el en escenario. Hay un diseño escenográfico logrado y útil para la historia, que divide el escenario en dos partes y otro elemento a destacar es el vestuario de Cecilia Bruck. La música original  y en vivo de Carlos Irigoyen, eleva el valor de la puesta y es un punto a resaltar de manera especial.

Disfrutamos mucho de Un Susurro de Alas, una historia de amores y de soledades, de pasiones y traiciones, no exenta de violencia, que atrapará al espectador desde el arranque, con una historia sensible y plena de poesía. Es por ello, que recomendamos emprender este viaje, que nos propone la autora, hacia el campo profundo, disfrutarán de un texto muy rico y de magníficas actuaciones.

El aplauso que los espectadores que colmaron el Kairos le tributan a los protagonistas al término de la función, es un justo reconocimiento, por la hermosa velada teatral vivida, con otra muy buena propuesta que el teatro independiente nos regala.





Pensador Teatral.

Besame Mucho

Dramaturgia de Javier Daulte y Dirección de Gonzalo Urtizberea.

Lunes 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Bésame Mucho se estrenó en el Teatro del Pueblo allá por el 2002, obteniendo numerosos premios y reconocimientos, entre ellos el Premio ACE a la Mejor Obra Argentina y el Premio Guerrero al Mejor Autor. Traducida al francés, polaco y al sueco, la obra se presentó en diversos escenarios del mundo y ahora Daulte, la trae a su querido Callejón, en esta versión dirigida por el reconocido Gonzalo Urtizberea,

Con semejante carta de presentación, teníamos muchas ganar de ver esta disparatada comedia, que se desarrolla en una comisaría, muy especial que nos trae a la memoria a Locademia de Policía, la recordada película estrenada en los 80, que batió todos los éxitos de taquilla. En Bésame Mucho, tendremos nada menos que once actores en escena, hecho que le otorga a la trama una dinámica y un ritmo que no decaerá en ningún momentos, obligando al espectador a estar siempre atento a lo mucho que sucede en escena, ya que las acciones se multiplican y ocurren en varios planos en simultáneo.

La trama nos permitirá ver lo que sucede puertas adentro de la comisaría, donde como ocurre en cualquier trabajo, existe una diaria cotidiana, existiendo,  relaciones amistosas, gente que se lleva mal, amores, traiciones y los radios pasillos que se difunden, en todos los sitios, donde trabajan muchas personas, como es caso de esta dependencia policial.

No vamos a contar demasiado del argumento, para conservar el suspenso, solo diremos que la obsesión de una mujer policía, por una compañera de fuerza, desatará una serie de hechos desafortunados y enredos al por mayor, con situaciones desopilantes, que despertarán muchas risas en los espectadores, que se divertirán mucha con esta satirización, que el autor monta acerca, sobre lo que ocurre puertas adentro de una comisaría.

Como mencionamos son once los actores / policías que protagonizarán la obra y en muchas ocasiones están todos al mismo tiempo en escena, lo que representa un gran desafío para el director, al tener que coordinar tanta energías sobre el escenario. Para la ocasión, se reunió a un elenco joven y entusiasta, en su mayoría con una muy buena experiencia el en off. Notamos que se divierten en escena, siendo esto algo que el público advierte y al tratarse de una comedia, este hecho, sin dudas es un plus.

Las composiciones de los personajes, cada uno con características particulares, son muy buenas y hay trabajos que no podemos dejar de destacar, así que con el riesgo de extendernos un poco, por lo numeroso del elenco, haremos justicia, dando algunas líneas sobre las interpretaciones.

Sofía González como la Agente Costa, es una de las grandes protagonistas de la historia. Intensa y necesitada de afecto, será la que desatará la cataratas de enredos, originados en su obsesión por la bella e inteligente Agente Paluzzi. A Sofía la hemos elogiado mucho por anteriores trabajos, viniendo a nuestra mente, su exquisita interpretación el años pasado, en La Patada del Camello, entrañable obra del off, de la que también fue autora. Aquí la veremos uniformada y componiendo a una policía muy querible, que no puede consigo mismo y terminará bastante desquiciada. Nos encantó la composición de Costa.

Jimena Grandinetti, es la sagaz y bella Paluzzi, envidiada y odiada por sus compañeros, deberá soportar el acoso de su compañera y los celos del resto de la dependencia. Nos gustó mucho el trabajo de Jimena, la figura más convocante de la obra y con mucho magnetismo, responde a las expectativas, muy buena interpretación,

Siguiendo con actrices, que se destacan mucho, continuamos con Laura Acetta, como Philips, la autoridad máxima de la comisaría, trata de imponer su autoridad y algo de cordura, entre un plantel bastante revoltoso. A Laura la recordamos por sus trabajos en El Ojo Teatro hace unos años y aquí la notamos más madura como actriz y con mucha presencia escénica.

Del lado masculino, destacamos especialmente los trabajos de Diego Gallardo ( Agente San Juán )  y German Buá ( Agente Yoyo ). Ambos trabajan como encubiertos y forman el eslabón más bajo del escalafón de la dependencia. Campechanos ambos y con su torpeza a cuestas, tratarán de respetar sus códigos de amistad. Muy buena la dupla formada.

Sebastián Dataryete, otro muy buen actor, interpreta a Reuter que sufrirá el bulyng de sus compañeros, en especial de parte del fachero y fanfarrón Agente Martínez, interpretado por Federico Donofrio, que despertará suspiros y situaciones peligrosas, entre el plantel femenino de la comisaría. Gustavo Castellano, es el policía de mayor experiencia, más cerca del retiro que de las acción, compone un personaje querible y muy divertido.

Guillermina de Zabaleta es la atractiva Agente Ingrid, Florencia Laval, es la perspicaz Agente Alonso y dejamos para el final a Juan Manuel Rotz, como el enigmático Fabio Farias, del que no vamos a contar demasiado, para conservar la sorpresa, solo diremos que es el único de los once actores, que no es policía y será clave en el desenlace de la trama.

Se hizo algo larga la descripción, pero como mencionamos antes, la calidad de los trabajos y de las composiciones, creemos merecían al menos unas líneas de nuestra parte. Pese a que se respira un ambiente descontracturado en el ambiente al tratarse de una comedia, se nota que hubo meses de ensayos previos y la buena dirección de Gonzalo Urtizberea, ya que no es nada sencillo y habitual, coordinar a tantos actores,

La puesta tiene muy buen ritmo  y resulta muy atractiva, ocupándose todos los espacios del escenario del Callejón, que parece ampliado. Hay un muy destacado diseño escenográfico de Sandra López Hovhannessian que con escritorios, computadoras, mobiliario gastado y muchos expedientes, reproducen con fidelidad el interior de una comisaría. El diseño lumínico de Caio Senicato tiene mucha relevancia, jugando con la luz y la oscuridad, para separar algunos actos. Por último resaltar el diseño de vestuario de Caro Boverini que luce mucho en el elenco.Y no dijimos nada de la música que acompañará a la obra y que jugará de manera cómplice con el título de la misma.

Bésame Mucho es una comedia delirante imaginada por Javier Daulte, que otorga una mirada humana al mundo policial, mostrando en clave de absurdo como en ese universo, donde suceden las mismas cosas, que ocurren en cualquier trabajo. Generándose entre los compañeros, amores permitidos y prohibidos, celos profesionales, envidias, traiciones y amistades sin límites.

Es una buena idea arrancar la semana con una sonrisa, con esta divertida propuesta, que nos remonta a una versión argentina de Locademia de Policia, con un texto que juega con la sátira y el grotesco, de la mano de estos jóvenes agentes, que están firmes al servicio de la comunidad.





Pensador Teatral.

Negra

Dramaturgia y Dirección de Dennis Smith.

Sábados 19 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Unipersonal creado y actuado por el multifacético Dennis Smith, actor, director y músico, que reedita este espectáculo que tiene mucho de autobiográfico y no resulta fácil de clasificar. Podemos decir que es una comedia, una historia de amor, una despedida o más bien una celebración, el recuerdo de una persona a la que echamos de menos.

Dennis escribió la obra en el 2007 y se decidió a estrenarla recién en el año 2012. Desde ese momento la obra se presentó con gran suceso en numerosos festivales, obteniendo varios reconocimientos, entre ellos tres nominaciones a los Premios Hugo, retornando este año al Camarín de las Musas, a ocho años de aquel estreno, mostrando su atemporalidad e intacta vigencia.

Las acciones de desarrollan en la sala de espera del Aeropuerto de Miami, donde nuestro protagonista, espera ansioso la llegada del misterioso Sr.Winston, para cumplir con el servicio contratado ( que no tenemos claro cual es ) . La pieza irá brindando pistas de lo que sucede allí y el espectador irá armando de a poco el rompecabezas, de una obra que arranca como una comedia y de a poco se irá transformando, ganando en sensibilidad y emocionalidad, a medida que la trama avanza.

El espectáculo, tiene un alto componente musical. Dennis Smith, como dijimos al comienzo es multifacético y la música es una de sus caras más exitosas, ya que fue finalista del Latin American Idol y líder de la banda Fascninarios. Por eso se mecharán segmentos actuadas y cantados, pudiendo disfrutar de un repertorio de temas muy variado y de la potente voz de Dennis que tiene personalidad y un estilo muy propio.

La presencia escénica de Smith impresiona, se lo nota muy a gusto, cumpliendo el papel de hombre orquesta de la noche, con un histrionismo y una simpatía que transmite con naturalidad, a un público que al principio lo mira algo extrañando, tratando de descubrir para donde irá a parar la trama, algo que quedará aclaro promediando la noche,  por eso preferimos no contar demasiado, para que el público se sorprenda, como sucedió con nosotros.

La puesta tiene varios elementos para destacar, en principio mencionar el excelente y potente sonido que presenta el espectáculo, algo fundamental para un musical, que no siempre se cumple. Igualmente el diseño de luces de Sandra Grossi que agrega mucho a valor a una puesta moderna y muy cuidada.

Párrafo especial dedicamos a Agustín Buquete, que acompaña a Dennis en el escenario, jugando muy bien su papel de partenaire, resultando muy gracioso, con sus caras de póker y a cargo de la música en vivo con su guitarra. Muy bueno el aporte de Agustín.

En definitiva, una muy buena propuesta la de Negra, una obra con mucho recorrido en el off, siendo una excelente oportunidad, para aquellos que aún no la vieron o también para aquellos que la quieren volver a ver, tengan la certeza que se encontrarán con una obra que los hará reír, emocionar y también disfrutar de momentos musicales muy logradas.

Negra resulta un hermoso homenaje familiar que Dennis Smith pone en escena, buceando es su biografía, logrando una indudable empatía con el espectador, que reconoce la historia del protagonista y se vé reflejada en ella, seguramente recordando con emoción y alegría, a algún ser querido, que desde hace un tiempo, nos mira desde el cielo.




Pensador Teatral.

Las Vidas Probables

Dramaturgia y Dirección de Pablo D'´Elia.

Jueves 20 30 hs en La Carpintería ( Jean Jauures 858 )

Una propuesta atractiva y muy humana llega con Las Vidas Probables, obra escrita y dirigida por Pablo D´Elia, un talentoso autor y director, que pese a su juventud, ya tiene un carrera con varios reconocimientos y sucesos en su haber.

Digamos de esta entrada, que esta obra fue el Proyecto de Graduación de la Licenciatura en Actuación de la Universidad Nacional de las Artes ( UNA ) en el 2019 y esto se traduce en un grupo de actores jóvenes en escena, que se entregan por completo por el espectáculo, conscientes de la posibilidad de mostrarse en un escenario importante para el off, como La Carpintería, mostrando sus condiciones.

La propuesta tiene un despliegue poco usual para el teatro independiente, ya que son catorce actores en escena, con una característica distintiva, como estar juntos al mismo tiempo en el escenario, algunos protagonizando el relato central y los otros, formando las escenografías u el ensamble, que dán marco a las historias,  colaborando con coreografías muy bien ejecutadas.

Esto que mencionamos le otorga a la pieza una dinámica y una continuidad, que enriquece mucho el espectáculo,obligando al espectador a estar siempre muy atento, para no perder detalle de lo mucho que pasa en el escenario.

La obra arranca con un ángel ( femenino ) que llega a la Tierra, más precisamente a Argentina, siguiendo a María, una joven camarera, que quedará marcada por aquel encuentro. En ocasión del encuentro, la angelita perderá sus alas y deberá tratar de recuperarlas en una ciudad repleta de situaciones cotidianas. En su búsqueda, irá una monja francesa, que enterada de esta venida angelical, no dudará en viajar hacia estas tierras, soñando con encontrarla.

El universo de Las Vidas Probables, se compone de historias urbanas y variedad de tópicos,  jornadas tediosas en una oficina, matrimonios que no se llevan del todo bien, trabajos aburridos y rutinarios, pasiones que se dejan de lado, vidas sin rumbo, amores imposibles, familias ensambladas, la sombre amenazante de la muerte como contraposición, esa búsqueda permanente de la felicidad, el poder encontrar a esa media naranja, que todos tenemos.

La pieza es coral y presenta un guión con condimentos cinematográficos, con historias que son independientes, pero en algún momento encontrarán un punto de conexión. El director estructura la puesta de manera muy inteligente, ya que las historias se irán intercalando, yendo y viniendo, consiguiendo esa dinámica que mencionamos al comienzo, siendo fundamental para ello, el aporte de un elenco, absolutamente comprometido con la propuesta y atento a los cambios.

Las actuaciones que presenta la obra, son su punto fuerte, tenemos nada menos que catorce actores en escena, la mayoría mujeres, once actrices y tres actores. Quedamos gratamente sorprendidos por la riqueza de las interpretaciones, un elenco joven, que comprendió que la fuerza de esta obra se encuentra en el conjunto, potenciando el  trabajo en equipo y aprovechando los momentos, que todos tienen, para el lucimiento individual.

Bien, acá vamos a correr el riesgo de ser injustos, ya que partimos de la base, que la obra presenta excelente actuaciones, pero vamos a resaltar algunas de ellas, que nos impactaron de manera especial. Arrancamos mencionando a Agostina Innella, que destaca por su presencia escénica, componiendo de manera genial a una Francis, peleada con el mundo, que trabaja en un parque de diversiones, operando una montaña rusa. Estupenda labor la de Agostina, a quien esperamos ver pronto en una nueva obra. Seguimos con Macarena Suárez, la ángel, que llega a la Tierra enamorada y será testigo de muchas historias urbanas. Muy histriónica Macarena, aportando frescura y mucha energía. Nos gustó mucho su trabajo.Y cerrando el podio imaginario, mencionamos a María Eugenia Insúa, que pese a trabajar en una morgue, trata de ponerle buena onda y apostar por la vida. Se destaca en cada aparición María Eugenia.

Una vuelta a la infancia, nos remiten las entrañables actuaciones de Marcos Ayala Ortíz ( Tocho ) y Victoria Duarte ( Jacinta ) dos hermanitos que qudaron huérfanos y que deberán dejar su casa en el campo, para ir a la casa de la tía Leticia ( Martina Kobrinsky ) quien luchará contra sus miedos y su inexperiencia, para criarlos. Muy buenas las interpretaciones de los tres.
No podemos dejar de mencionar, la composición de Julia Pinedo, como una monja curiosa y enamoradiza, que nos deleita con su exquisito acento francés. Malena Salicru, muestra también su presencia escénica y mucha energía, siendo una escritora que se inspira con su entorno.

En un elenco con mayoría de mujeres, resaltan los trabajos de Guillermo Llauradó como Santiago y Alan Bray como Marcelo. Ambos componen personajes queribles, que tienen algunas coincidencias, ambos trabajan en la misma compañia de seguros y viven relaciones de parejas poco satisfactorias, con Belén Spenser, que pinta ángeles en sus tiempos libres y Mariana Alonso, una arquitecta hiper ocupada, que reflejan muy bien los conflictos de muchas parejas jóvenes de hoy.

Completamos las menciones, con una expresiva Merlina, trabaja con Francis en el parque de diversiones y sus momentos más felices, los pasa viendo películas. Dejamos para el final a Fernanda Narvaez, como María, la camarera con la que arranca la obra. Nos gustó mucho su actuación y conmovieron sus emocionadas palabras al término de la función, haciendo un llamado de atención, por la difícil situación que se está viviendo en Chile, su país natal.

Se hizo extensa, la mención de cada integrante del elenco, pero creemos que era justo hacerlo, ya que el tenor de las actuaciones así lo ameritaban. Son todos jóvenes actores, la mayoría haciendo sus primeras armas en el teatro independiente y para quienes amamos el teatro, es realmente una satisfacción, ver como permanente siguen apareciendo jóvenes promesas,

La puesta que propone el director es realmente rica y muy atractiva. La obra tiene momentos musicales, coreografías logradas y un derroche de energía permanente en un escenario siempre poblado, que ofrece múltiples estímulos al espectador. Párrafo especial para el diseño de vestuario de Jorgelina Herrero Pons, fundamental en la pieza y maximizando los recursos, ya que todos los integrantes del elenco llevan un mameluco, que se irán quitando y poniendo, en función de sus participaciones.

No vamos a contar más, Las Vidas Probables es una gratísima y fresca sorpresa que el teatro independiente nos ofrece, una obra cercana para el espectador, que sin dudas, se reflejará en alguna o varias de las historias que se presentan.

Recomendamos la obra, disfrutarán de una dramaturgia muy bien elaborada, una puesta con alto vuelo creativo y actuaciones muy destacadas, de un elenco muy joven que se entrega por completo y nos confirma que con semejante semillero, el teatro independiente, tiene el futuro asegurado.




Pensador Teatral.

Después de Casa de Muñecas

Dramaturgia de Lucas Hnath . Dirección de Javier Daulte.

Jueves a Domingo en Paseo La Plaza ( Av, Corrientes 1660 )

Casa de Muñecas escrita a fines del siglo XIX por Henrik Ibsen, es una obra que marcó todo una época, siendo un texto absolutamente adelantado para el pensamiento del momento  ya que mostraba como Nora, la protagonista de aquella historia, luego de una serie de hechos desafortunados, toma coraje y decide abandonar la casa conyugal, dejando atrás, a su esposo Torvald y a sus tres hijos.

Aquel portazo dado por Nora, fue recordado por mucho tiempo y Casa de Muñecas, fue conservada como una pieza vanguardista y feminista, algo inédito para aquellos tiempos. En el 2017, más de un siglo después, el autor estadounidense Lucas Hnath, decide imaginar como siguió la vida de aquella emblemática mujer, escribiendo esta secuela, llamada Después de Casa de Muñecas.

En su historia, Nora ( Paola Krum ) retorna al hogar conyugal, luego de quince años de ausencia, para sorpresa de todos. La recibe el ama de llaves ( Julio Calvo ) quien no sale de su asombro por aquel inesperado regreso. La vida de aquella mujer, cambió por completo, se convirtió en una exitosa escritora, que bajo un seudónimo, publicó varios libros en los que expone lo desgraciado que es el matrimonio, alentando a muchas mujeres lectores, a tomar coraje para que dejen sus casas y a sus maridos. Según su pensamiento, la institución del matrimonio es arcaica ya y atenta contra la libertad y los deseos de las personas.

Nora regresa por un tema puntual que debe resolver y no vamos a revelar acá pero sin mostrar ningún remordimiento, por haberse ido quince años antes, dejando a su esposo y a sus hijas, para emprender una nueva vida. Se nota que es una mujer libre, que creció mucho en lo personal, mostrando una seguridad y una independencia que exhibe con orgullo.

La obra tiene una vigencia absoluta, ya que aparece en una época donde el empoderamiento femenino y las reivindicaciones de las mujeres, están tomando vuelo en todo el mundo, siendo Argentina uno de los países, en que más puede apreciarse el crecimiento de este movimiento.

La obra presenta actuaciones notables, con un elenco encabezado por Paola Krum, que se adueña del protagónico de manera soberbia, logrando una actuación fantástica, con una presencia escénica que impresiona. Con energía y una potencia actoral absoluta, compone a una Nora, valiente y autosuficiente. Resulta un verdadero lujo, ver a Paola en acción, sacándole jugo a un personaje riquísimo y cosechando las mayores ovaciones de la noche.

Jorge Suárez, un verdadero animal de teatro, es Torvald, el ex marido de Nora. Dolido aún por aquella ida intempestiva, no logra aún superar aquel mal trago y muestra que sus heridas siguen en carne viva, mostrando un gran manejo de sus emociones, pasando por la ira, la tristeza y otros estados con estupendos registros.. Un actorazo Jorge, que puede mostrar aquí toda su experiencia en las tablas, dando mucho valor a su personaje y sosteniendo un duelo actoral de dimensiones con Paola Krum.

Julia Calvo, otra exquisita actriz de gran trayectoria, es Anne Marie, el ama de llaves de la familia. Fue quien se encargó de criar a los hijos de Nora y apuntalar a Torvald en  aquellos momentos difíciles. De ideas conservadoras, no concuerda con el pensamiento de avanzada de Nora, que denosta al matrimonio. Estupendo trabajo de Julia.

Por último mencionar a Laura Grandinetti, una joven actriz con un enorme futuro, que aporta su frescura y muestra estar a la altura del desafío, para componer a una tempera mental Emmy, la hija menor, que casi no tiene recuerdos de su madre y decide enfrentar la situación de su aparición con mucha valentía.  A Laura recordamos haberla elogiado por un par de actuaciones en Espacio Callejón y por ello es una alegría, ver su crecimiento y su llegada al teatro comercial, desde el teatro off.

La puesta que propone Javier Daulte,es minimalista, la palabra de los actores es la que manda aquí. Queremos destacar el distinguido vestuario de época de Ana Markarian y el recurso ingenioso de la puesta en escena con parte del público, ubicado en un estrado sobre el escenario, como si fuese un especie de jurado, que evalúa el comportamiento de aquella mujer. Tuvimos el privilegio de estar ubicados en esa zona especial y pudimos disfrutar la obra desde un ángulo diferente, teniendo de frente a toda la platea y por la cercanía, pudiendo apreciar cada gesto de los actores, algo que con interpretaciones de excelencia, es un plus.

Después de Casa de Muñecas, es una propuesta oportuna, que muestra una vigencia brutal, invitando a la reflexión al espectador, que nota que pese al paso de los años, algunas situaciones se mantienen, a pesar del cambio de época y la mujer siempre es observada, siendo natural por ejemplo, que un hombre abandone su casa, en el caso de una separación. Ahora, si es la mujer quien decide irse, tendrá una mirada recriminadora de la sociedad y ni hablar,  si deja hijos en esa casa. Son temas de patriarcado que vienen de lejos y que pese a los esfuerzos, no son sencillos dejar atrás.

La obra nos hablará de la libertad individual y de la fidelidad con el propio pensamiento, siendo esto algo muchas veces complicado de llevar a cabo, ya que cuesta demasiado dar la espalada a los mandatos familiares y costumbres muy arraigadas en la sociedad.

Al ver la pieza, no quedan dudas, porque Después de Casa de Muñecas, está considerada como uno de las mejores estrenos del teatro comercial este año, obteniendo un gran suceso de público y de crítica, confluyendo una dramaturgia muy inteligente, que partiendo de un clásico emblemático, escrito hace más de un siglo, imagina su continuidad, teniendo en cuenta el actual contexto mundial, donde el empoderamiento de la mujer, es una realidad imparable.

Por eso solo queda recomendar la obra, se encontrarán con una trama potente y cruda, con una dirección precisa de Javier Daulte y actuaciones exquisitas de un elenco estupendo, encabezado por una brillante Paola Krum.  El aplauso emocionado y prolongado, con que el público despide a los protagonistas, es el merecido corolario, para la intensa noche de teatro vivida.




Pensador Teatral.