Es necesario entender un poco

Dramaturgia de Griselda Gambaro. Dirección de Guillermo Ghio.

Viernes 21 hs en Pan y Arte Teatro ( Boedo 876 )

Un texto muy rico de la multipremiada dramaturga y escritora Griselda Gambaro, llega al Pan y Arte, en una potente e intensa versión dirigida por Guillermo Ghío. La autora se inspiró en un hecho histórico y lo recreó de manera libre.

El historiador estadounidense John Spence, rescata en su libro, la historia de Hue, un letrado chino, que allá por al año 1722, decide acompañar a un misionero jesuíta francés, que le propone viajar a su país, para trabajar como su asistente, para traducir del chino, antiguos textos religiosos como el I Ching. Gambaro leyó la historia en aquel libro y seducido por la pintoresca anécdota del chino que es llevado a Francia, escribió este texto atrapante.

Hue, vive en China con su madre, con la que mantiene una relación ambigua y no puede resistirse a la propuesta del sacerdote francés. Quería conocer como era el mundo lejos de su patria, experimentar nuevas culturas, llegando a la prometedora Francia, donde seguramente se viviría mejor que en su patria y no habría pobres. Su madre no está nada contenta, con la idea de que su hijo la deje sola y desconfía de la propuesta que le hizo aquel sacerdote poco confiable Un sexto sentido, tal vez sea el que le advierte, que aquella aventura no traería nada positivo para su hijo. Pero ante la decisión ya tomada de Hue, terminará aceptando a regañadientes su ida, con la promesa, que en unos años volvería a casa.

El viaje en barco hasta Francia, durará meses en aguas revueltas y será tortuoso. Ya en aquella travesía aparecerán los primeros cortocircuitos entre el ingenuo Hue y el sacerdote, que será su único interlocutor en su excursión por tierras europeas, ya que es el único que habla chino. Al llegar a tierra firme, la relación empeorará. Hue se muestra caritativo y comprensivo con los pobres, que al parecer también existen por allí, pero el sacerdote no se comporta para nada de manera cristina. Se muestra soberbio y egoísta, para sorpresa del joven chino, que comienza a dudar de las intenciones de su guía.

La desgracia de Hue se acentuará cuando el sacerdote, ya algo cansando de su compañero, decide seguir su camino sin él. Le pedirá a su sacristán que se haga cargo de su cuidado, algo que suena muy complicado ya que no hablaba una palabra de chino. En realidad nadie entiende el idioma chino en Francia.  Como se comunicarían  con aquel hombre que luce perdido y con costumbres que parecen tan extrañas para el pensamiento occidental. El sacristán, se convence que lo mejor es sacarse el problema de encima y llevar a Hue a un manicomio, que debe ser el mejor lugar para una persona que se compartan de manera tan rara y no puede hacerse comprender.

La estadía de Hue en aquel manicomio será un verdadero calvario. No vamos a contar más, para dejar que el espectador cuando vea la obra descubra que sucederá con el desdichado chino, que fuera llevado desde su hogar a tierra tan lejanas y abandonado allí a su suerte, sin ninguna consideración. Solo diremos que en la pieza se marcará con crudeza, lo que puede ocasionar el choque cultural, la ignorancia y la discriminación hacia el distinto. En vez de intentar comprender sus diferentes costumbres y aprender de ellas, se opta por lo más sencillo, marginarlo y encerrarlo. Ejercer el poder contra el más débil, es una tentación que siempre luce a mano.

En este texto atravesado por el dolor y la crueldad, debemos mencionar actuaciones muy destacadas. arrancando por Patricio Schwartz como Hue, el incomprendido, el que recibe todo tipo de humillaciones y siempre pone la otra mejilla. Composición plena de sensibilidad y emocionalidad la que nos regala Patricio. Estupendo su trabajo.

Mucio Manchini, es el padre jesuíta, un verdadero villano, ya que en vez de seguir la senda de Dios y estar a disposición de los más necesitados, elige el camino contrario. Un actor de grandes recursos Mucio, al que elogiamos en varias reseñas de este sitio, mostrando una vez más su versatilidad.

El el rubro de villanos, gran mayoría en la obra, debemos incluir a Pablo Turchi, como un cochero impiadoso y desdoblando a un personaje famoso que no queremos adelantar. Nos gustó mucho el trabajo de Marcelo Sein, como el advenedizo sacristán y también como compañero en el manicomio, en ambos papeles,  muestra un histrionismo a flor de piel. Completa el elenco masculino Nicolás Meradi, como mendigo y en otros momentos como un recto doctor, muy buena la dualidad.

Por el lado de las actrices, hay dos muy buenas labores, Liliana Moreno como la madre de Hue, aquella que aconsejó a su hijo a no viajar, respetando luego su decisión y dispuesta a recibir a otra persona unos años después. Leticia Cabeda, por su lado, dará vida a varios papeles femeninos y en todos ellos encuentra su lucimiento, con una entrega física digna de destacar.

Se hizo algo extensa la descripción del elenco, pero entendemos que la calidad de las actuaciones y el compromiso mostrado,  así lo ameritaba. Se reunieron para la ocasión, a siete actores, todos ellos con muy buena experiencia en teatro independiente y esto sin dudas es un valor agregado para la obra, algo muy bien aprovechado por la precisa dirección de Guillermo Ghio, que les deja espacio a cada uno de ellos, para el lucimiento individual.

Es muy logrado es dispositivo escénico ideado por el director, con una escenografía que los mismos actores irán montando al comienzo de cada acto, encastrando tarimas y piezas, optimizando los recursos. Otro ítem a destacar es el diseño de vestuario de Pheonía Veloz, que aporta para darle realismo a la historia.

En definitiva, estamos en presencia de un texto profundo de Griselda Gambaro, que resulta una muy buena semblanza actual de un mundo actual, que cierra sus puertas, rechazando al que llega desde lejos, al inmigrante. La discriminación y la violencia contra el distinto, es el camino más elegido, el menos trabajoso, sin pensar en lo mucho que se puede aprender de otras culturas, que tienen mucho que enseñarnos.

Disfrutamos mucho de Es necesario entender un poco, ya que pese a ser un texto duro y cruel, nos invita a reflexionar, sobre lo fundamental que es la comunicación, mostrarse receptivo y tender una mano solidaria con el recién llegado, que si bien en una primera mirada, parece tan ajeno a nosotros, agudizando la vista, veremos que aquel desdichado, se parece en mucho a nosotros y que tal vez una de las formas de salvar a esta sociedad caótica e inhumana, es que los desdichados del mundo se unan y juntos emprendan la lucha contra los poderosos, que desde hace siglos, someten al hombre común es su propio beneficio.




Pensador Teatral.

La Muerte del Croupier

Dramaturgia y Dirección de Jorge Palant.

Martes 21 30 hs en Tadrón Teatro ( Niceto Vega 4802  )

Una interesante propuesta llega de la mano del dramaturgo y psicoanalista Jorge Palant, que nos acerca una historia con muchos condimentos, ya que jugando con el absurdo y presentando un relato algo disparatado, de manera sigilosa nos irá llevando hacia la realidad, para llegar a un final, en el que se darán vuelta todas las cartas y la  cruda verdad quedará al descubierto.

La trama se inicia con el encuentro un hombre y una mujer, como podrían iniciarse cientos de historia en la vida real. En ese comienzo sabremos, que él es un fotógrafo, que el día anterior fue despedido de manera poco elegante ( como si hubiera formas elegantes ) de la revista en la que trabajaba. Estando en un bar ahogando penas, cruzará miradas con una mujer habitué del lugar y terminarán la noche, compartiendo un furtivo encuentro sexual, en un hotel de la zona.

Saldrán juntos del hotel y siguiendo a la mujer, llegarán a un viejo galpón que hace las veces de sala teatral, donde un grupo de adultos, está ensayando hace tiempo una obra de teatro, anhelando poder estrenarla pronto. Azucena la mujer en cuestión, le revelará que ella es actriz y una de las integrantes del elenco que allí ensaya

Al autor, juega hábilmente con el recurso del teatro dentro del teatro, que funciona de manera efectiva La obra que ensayan se llama La Muerte del Croupier. Al fotógrafo le parece disparatado el título y también el argumento de la pieza, que según le explican los actores, tiene que ver con el infortunado y confuso suceso, por el cual perdió la vida un trabajador de casino, en ocasión de una huelga de croupiers, que terminó de manera violenta, al ser reprimida por las autoridades policiales.

El argumento le parece algo absurdo al fotógrafo, que sin demasiado que hacer afuera y también con miedo por tener que enfrentar a un exterior hostil, terminará aceptando las insistentes invitaciones de quedarse a ver los ensayos y de manera impensada, hasta terminará siendo parte de la obra.

No vamos a contar más, para mantener el suspenso, solo diremos que el relato de los hechos argumentales de la obra, tocará la fibra del fotógrafo, que recordará un suceso vivido en ocasión de una cobertura de trabajo que realizó un par de meses antes y que revivió en los momentos previos, de manera sorpresiva.

Es tiempo de hablar de las actuaciones que presenta La Muerte de Croupier, que tienen una característica que valoramos mucho, la elección de parte del autor, de un elenco de actores de experiencia, algo que es poco usual, ya que en la mayoría de las obras vemos actores jóvenes. Desde ya que no criticamos esto, pero encontrar una pieza, que le dá espacio r a actores maduros, es algo que apreciamos y queremos destacar.

En composiciones muy destacadas, resaltamos la interpretación de Mario Malher, como ese fotógrafo, vulnerable y en estado de shock aún,  por el despido sufrido, que parece deambular perdido por las calles, buscando algún lugar de pertenencia. Manejando muy bien los silencios y mostrándose ajeno a ese mundo onírico de esos actores, Mario nos entrega una actuación cargada de sentimiento, que llega al espectador.

El otro integrante masculino del elenco es Jorge Capussotti, un viejo conocido nuestro, al que recordamos haber elogiado en Conversaciones, una entrañable del off. Jorge es un actor que nos gusta mucho, siempre con ese estilo arrabalero y tanguero que los distingue. Aquí desde un papel no protagónico, sabe encontrar sus espacios para el lucimiento.

Del lado femenino, es muy buena la actuación de Alejandra Colunga, como una desenvuelta Azucena, que sirvió de nexo para que el fotógrafo llegué allí. Beatriz Dos Santos, es Macarena, no tan afortunada en el amor como su compañera, entablará  con ella discusiones cargadas de ironía. Para el final dejamos a Dora Mils, la actriz de mayor experiencia del grupo, que con una encantadora actuación, compondrá a Catalina, un personaje muy tierno, que nos gustó mucho.

Como mencionamos antes, se reunió un elenco con muchos años de experiencia, que se encuentra cómodo, con un texto que les resulta amigable y encaja a la perfección con la atmósfera serena que presenta la trama.

No queremos contar más, para dejar que el espectador descubra el resto, solo diremos que la dramaturgia que en algunos momentos puede desconcertar, por algunos pasajes donde predomina el absurdo, terminará siendo muy profunda y sin dudas invitará a reflexionar acerca de como muchas veces, las personas buscan algún refugio, donde guarecerse, de los sinsabores de la vida,  acentuándose esta búsqueda, a medida que los años pasan y sentirse útiles puede resultar una misión complicada, más que nada, por la mirada de una sociedad, que no brinda muchas oportunidades a los mayores,

Por eso la obra, que tiene muchos momentos graciosos, irá virando, para llegar a un final reflexivo, enfocando la búsqueda esperanzada de ese resquicio, donde podamos estar a salvo y resistir los momentos aciagos de nuestra existencia. El aplauso emocionado con que los espectadores, despiden al elenco al final de la función, es el broche adecuado, para cerrar una entrañable velada teatral, donde la ruleta de la vida, estará girando, mientras los apostadores esperan ilusionados, que les canten ese pleno salvador.




Pensador Teatral.

La Wagner

Dramatugia y Dirección de Pablo Rotemberg.

Domingos 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

La Wagner, a estas alturas se ha convertido en una obra de culto, que puede tomarse como una excelente muestra de la riqueza de nuestro independiente, que ofrece espectáculos para todos los gustos, que tienen suceso no solo en nuestro país, sino que desfilan con éxito por los escenarios de todo el mundo, como es el caso de esta propuesta, que regresa de una gira por España, para cumplir su séptima temporada en cartel en Buenos Aires, logro que muy pocas obras consiguen.

Creación del talentoso músico y coreógrafo Pablo Rotemberg, La Wagner es una pieza que rompe de manera absoluta todas las convenciones teatrales establecidas. Polémica, transgresora, audaz, violenta, experimental, etc. Muchos adjetivos le pueden valer al espectáculo, algunos espectadores se pueden sentir desbordados, por la crudeza de lo que se vé en escena, pero lo que podemos asegurar, es que nadie quedará indiferente, más allá de cualquier opinión, no hay dudas que La Wagner moviliza al espectador, corriéndolo de esa zona de confort a la que está habituado.

El autor cuando concibió la obra, pensó en primer término, en cuerpos de mujeres desnudos, luego en un espacio despojado de escenografía y por último en la música del compositor alemán Richard Wagner, como marco ideal , para acompañar la explosión escénica ideada en su mente. Locura, genialidad, vanidad  ?? Nuevamente cada espectador será el que dará su veredicto. En nuestro caso adelantamos, que nos inclinamos para el lado de la genialidad, romper los conceptos establecidos, correr los límites y dejar que el arte se exprese libremente, es algo que pocos consiguen.

Las acciones arrancarán en cámara lenta, por la escaleras del Callejón, bajarán cuatro mujeres, provistas solo de zapatillas, coderas y rodilleras. Eso es todo lo que necesitan sus cuerpos desnudos, para someterse a los influjos de la música, que las pondrá en trance durante todo el desarrollo de la pieza. Danzarán, se revolcarán por el piso, se tirarán de las sillas, dibujarán bellas coreografías y simularán actos sexuales. La obra es absolutamente corporal, casi no habrá palabras en la noche, solo la presentación de los actos, del resto se encargarán los cuerpos de esas cuatro mujeres, que dejarán la piel en escena.

Las interpretaciones de Carla Di Grazia, Ayelén Clavin, Carla Rímola y Bárbara Alonso, son simplemente brillantes, con una descomunal entrega física y corporal. El derroche de energía es brutal, los físicos se estremecen, el erotismo será una constante, al igual que la violencia, el sometimiento, la sumisión y hasta el sadomasoquismo. En cada cuadro, estas cuatro actrices, con un realismo y una potencia que asombra, llevarán adelante la idea concebida por el autor.

Para destacar el compromiso y la seguridad de estas cuatro actrices, que con una presencia escénica impactante, se olvidarán de su desnudez y transcurriendo la trama lograrán que el público también lo haga, transfiriendo su atención a la estridente música de Wagner que llena el ambiente, dejando que sus cuerpos frenéticos que hablen por ellas. Espectacular la performance de las cuatro actrices, en una obra que tiene una exigencia altísima, desde lo físico y lo actoral.

La puesta tiene una adrenalina que se siente desde el comienzo, con un diseño lumínico de primera y la música que será gran protagonista de la noche. La trama es energía pura, cuerpos transpirados, jadeantes, que terminan agotados, por la exigencia física, que parece llegar al limite. La puesta es inquietante, perturbadora, enajenante por momentos, para un espectador que sigue todas las escenas, con enorme atención y un silencio que pocas veces se logra en el teatro.

No queda mucho por agregar, La Wagner es una de esas propuestas teatrales, que de ninguna manera pueden dejar pasar, es una de esas experiencias teatrales que deben vivirse, para luego sacar cada uno sus conclusiones, en nuestro caso que vemos mucho teatro por semana, la obra realmente nos impactó más de lo que pensábamos en la previa, más que nada por su crudeza y por la infernal entrega de las cuatro protagonistas, que lo decimos nuevamente, realizan un trabajo brillante.

Por todo lo mencionado, invitamos al espectador que aún no vió la obra, para que se sume a este viaje musical, sensorial y transgresor que propone al autor y para aquellos que ya la vieron, tienen una nueva posibilidad de disfrutar de las melodías de Richard Wagner y de estas cuatro valquirias dispuestas a cabalgar su música, sin guardarse nada.





Pensador Teatral.

Trashumante

Dramaturgia de Martha Billorou, Natalia Pascale, Ivana Carafa y Nancy Corrado.
Dirección de Natalia Pascale.

Sábados 20 hs en Paraje Artesón ( Palestina 919 )

Una historia mínima, intensa y profunda es la que nos acerca Trashumante, esta creación colectiva de cuatro autoras mujeres, que no casualmente nos traerán una historia que indaga en el interior del universo femenino, con el debut en la dirección de Natalia Pascale, a quien desde este humilde sitio, elogiamos en reiteradas ocasiones, por sus trabajos en el escenario y en esta oportunidad, le toca aportar desde fuera de escena.

Desde al arranque se respira una atmósfera de tensión en el ambiente, en el que dominan los silencios y las miradas vacías, entre las protagonistas. Julia ( Ivana Carafa ) , llega en tren a su pueblo, después de muchos años de ausencia. Ana ( Nancy Corrado ) su hermana mayor la espera en la estación. El reencuentro es frío, se nota una distancia entre las mujeres, principalmente en Julio, que mira con recelo a su alrededor y también a su hermana.

El espectador trata de inferir los motivos de aquella distancia, pero la trama mantiene el suspenso. Camino al hogar donde las hermanas vivían juntas hace años, el silencio predomina. Ana quiere romper el hielo, relatando lo que sucedió con viejos personajes del pueblo, pero su hermana no muestra demasiado interés. Ronda la sensación, que pese al paso de los años, el tiempo ha quedado detenido y no es tanto lo que cambió en ese pueblo.

Al ingresar a la casa, esa sensación de tiempo detenido se acentúa. Ana conservó el cuarto de su hermana, como si nunca se hubiera ido. Están allí sus lápices, sus juguetes y sus muñecas. Una infancia que dá la impresión fue interrumpida y ahora con la vuelta de Julia, quisiera retornar, como si fuera posible, arrancar algunas páginas de una historia y volver atrás.

Con el paso de las horas, las hermanas parecen animarse a hablar, de un pasado que sin dudas esconde algo. Los interrogantes se acumulan. Porque la ida repentina de Ana del pueblo siendo una adolescente ?? Su hermana siente alguna culpa por esa ida ?? Como continúo si vida en un pueblo chico en el que toda se comenta ?? Y tal vez la pregunta más importante, Porque vuelve Ana ahora ??

La obra tiene desde al arranque un componente de suspenso y no vamos a ser nosotros, quienes vamos a responder las preguntas formuladas antes. Será el espectador cuando vea la obra, quien encontrará las respuestas. Solo diremos, que muchas veces, la vida no fluye como se espera y aparecen hechos dramáticos que cambian todo. Situaciones dramáticas, que nos toman de sorpresa y nos dejan sin reacción. respondiendo como podemos y no como deberíamos. Cumplimos con nuestra palabra y hasta allí contamos.

Vamos a ocuparnos ahora de las actuaciones que presenta la obra, que realmente son destacadas. Tanto Ivana Carafa, como Nancy Corrado, están en la sintonía que pide la obra, manejando muy bien los silencios, las miradas y las palabras medidas. Ambas saben transmitir ese dolor que las atraviesa, heridas del pasado que no cicatrizaron y que repercuten en ese presente alejado de la felicidad.
Es la primera vez que vemos a Ivana y a Nancy y nos gustaron mucho sus actuaciones, ya que se incorporaron muy bien a ese paisaje opresivo que llena el ambiente y manejan muy bien sus emociones.

La dirección de Natalia Pascale, otorga a la puesta una sensibilidad que agrega valor a la pieza. Para destacar un diseño escenográfico austero de Ayelén Betti, pero con algunos elementos muy importantes para la trama, como la máquina de coser que utiliza a diario Julia para ganarse la vida y las muñecas que parecieron estar esperando ansiosas a Ana, desde el día de su partida. Fundamentales para el suspenso y la atmósfera de pesadez resultan, el diseño lumínico, el vestuario de Ana Julia Figueroa ( observen la ropa de ambos y notarán algo interesante ) y la música original de Fernando Tieghi, que ayuda al espectador a ingresar en la obra, desde su comienzo. Nos gustó mucho la puesta y sin dudas que es muy auspicioso el debut de Natalia en la faceta de directora.

En definitiva, estamos en presencia de una obra entrañable, que sin grandilocuencias y con una buscada escasez de recursos, nos ofrece una historia de dolor contenido, de silencios, de seguir adelante como se puede, tratando de no mirar para atrás o peor aún, simulando que nada ha pasado, cuando todos saben, que si ocurrió algo y que ese silencio obligado, lejos de lo que se hubiera querido elegir, se convertirá en una pesadilla que acompañará por siempre a los involucrados.

Disfrutamos de una bella velada teatral viendo Trashumante, una cálida propuesta que nos ayuda a visibilizar una problemática más común de lo que se piensa reflexionando sobre lo importante, que resulta no quedarnos callados y denunciar al poderoso, debiendo para ello superar nuestro miedos, sabiendo que el costo de denunciar puede ser muy alto, pero sin dudas, será mucho menor, que transitar un silencio obligado.





Pensador Teatral.

Brotherhood

Dramaturgia y Dirección de Anahí Ribeiro.

Miércoles 21 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

La talentosa  pluma de Anahí Ribero, nos vuelve a ofrecer un texto lúcido e inteligente, en esta ocasión,  inspirado en su propia familia y más precisamente en el ACV que sufrió su abuela, trayendo entonces una historia que resulta muy cercana en lo sentimental, en la que siete hermanos, adultos ya ellos, aparecerán frente a nosotros, para exponer sus verdades, miserias y convocados para tratar el tema en común que hoy lo une, la deteriorada salud de sus padres.

El paso del tiempo es implacable y la autora sabe tomar una realidad que se vive en muchas familias. Los padres solitos se las arreglaron para cuidar y criar a su hijos, pero cuando los años pasan, esa realidad se invierte y aquellos que cambiaron los pañales de sus hijos, ahora necesitan la ayuda de ellos, para poder sobrevivir en un mundo, que se caracteriza en ser hostil y cruel por momentos, para los más viejos.

Allí cuando los hijos, deberían estar listos y unidos para retribuir algo del amor que recibieron de chicos, es que comienzan los problemas. Aparecerá un muestrario de sentimientos humanos, en algunos casos se presentará el amor, en otros la culpa, el egoísmo y en algunos casos la indiferencia o el desprecio, cuando el hijo juzga, que de chico no recibió el amor suficiente y por lo tanto debe pagar con la misma moneda.

En familias numerosas, las diferencias entre los hermanos por lo general serán muy marcadas, estarán los que consagrados a sus propias familias manifestarán que tienen tiempo libre para ofrecer, otros estarán listos para acompañar de manera incondicional en estos momentos, también existen los que solo estarán dispuestos a ayudar económicamente, los que no tienen un peso, los que prefieren irse bien lejos, para ver todo desde la distancia, como si  lo que sucede fuera una película, de la que obviamente opinarán. Surgirán celos entre hermanos, las alianzas, las cuentas pendientes y otros sentimientos. Anahí tiene la virtud de captar todo esto y retratarlo con realismo,  en una obra que por diversos motivos, resulta muy atractiva para el espectador.

Yendo más en detalle, digamos que la pieza tiene una presentación muy particular, al entrar al teatro, veremos siete sillas en fila, situadas una al lado de la otra, en las que se sentarán siete hermanos, tres varones y cuatro mujeres, para tratar de organizarse y decidir como cuidarán a sus padres, que ya solos no pueden arreglarse. Discutirán entre ellos y también, licencia teatral mediante,  tendremos la posibilidad de conocer sus pensamientos privados, esos que no exponen en público. La obra tiene una dinámica vertiginosa y en ello influirá la puesta original y muy moderna, que sirve de marco a la trama, de la que hablaremos más tarde, porque ahora es tiempo de hacer mención a las destacadas actuaciones que presenta Brotherhood.

Se ha reunido un muy buen elenco para la ocasión, son siete actores, que con mucho realismo, compondrán personajes con características bien diferenciadas, en una obra que es exigente y requiere un alto grado de concentración, ya que además de estar todo el tiempo en escena, en la mayoría del tiempo, estarán interactuando entre ellos, cada uno desde su silla, siendo necesario un exacto manejo de los tiempos, para  intervenir en el momento justo, sin pisarse y esto es algo, que solo se logra con muchas horas de ensayo.

Hay actuaciones muy destacadas y la directora, permite que todos tengan su espacio para el lucimiento personal, sin perder en cuenta que el conjunto es lo más relevante aquí. Julia Funari, como Poly, es quien trata de llevar la batuta de la familia, tal vez por ser la mayor, logrando por ese motivo, el respeto de sus hermanos, algo que parece una misión imposible. Gran trabajo de Julia, en nuestra opinión, ofreciendo la actuación más sólida de la noche.
María Forni como La Negra, cumple muy buen trabajo, con un Edipo no resuelto, sintiendo siempre que es la preferida del padre. A María, una joven actriz con muy buen recorrido en el teatro independiente, recordamos haberla elogiado ya por su actuación en Querido San Antonio, una entrañable obra del off.

Bárbara Majnemer, es una verdadera revelación, mostrando una presencia escénica sorprendente, componiendo a la bella Yiyi, personaje explosivo por donde se lo mire, dotado de mucha personalidad. Es la rebelde de la familia, siempre frontal, estará presente en todas las peleas. Nos encantó el trabajo de Bárbara, a quien vemos por primera vez en escena y realmente nos impresionó positivamente su labor, creemos que con la vidriera que tiene aquí, seguramente la veremos pronto en nuevos proyectos. El elenco femenino lo completa, Ingrid Mosches como Tití, que declara tener poco tiempo para dedicar a sus padres, pero si lo tiene para irse de bingo. Muy buen su composición, en un personaje que navega entre la culpa y la conveniencia personal.

Por el lado masculino, hay también excelentes trabajos. Carlos Marsero, es el Gringo, figura controvertida para los demás. Vive lejos y está aliviado por ello, ya que puede tomar distancia de las responsabilidades familiares, pese a ser el preferido de la madre. Entrañable actuación de Carlos. Y completamos, el elenco, con los mellizos de la familia, el Ruso ( Gerardo Scherman ), extremadamente sensible y gobernado por su esposa y Lucho ( Mariano Sacco ), responsable y muy unido a Poly y Yiyi. Los mellizos son los personajes más graciosos y por lo tanto, los que más risas generan en la platea, teniendo ambos momentos de gran lucimiento.

Se hizo algo larga la descripción, pero entendemos que era justo dar algunas líneas de cada integrante del elenco, ya que todos consiguen composiciones logradas y muy realistas, respondiendo de muy buena manera, a una puesta que sin dudas es exigente.

Hablemos ya de la puesta de Brotherhood, que es junto con las interpretaciones, el punto más fuerte. Original y muy moderna, potencia el texto y le agrega mucho valor a la obra. No queremos contar demasiado, para no quitar sorpresa al espectador,  solo diremos que detrás de las sillas, hay una pantalla, en la que mediante el mapping, se proyectarán imágenes, que acompañarán los relatos, indicando por ejemplo, que actor debe intervenir y muchas otra sorpresas. Una de ellas, es una representación de un grupo de wasap familiar, con emoticones incluidos, escenas realmente desopilantes y divertidas. Pero cumplimos nuestra palabra y no contamos más, El reconocimiento para Euge Choque y Demián Ledesma Becerra, que supieron interpretar el pedido de la directora y colaboraron para lograr un montaje, que no pasa para nada desapercibida.


Otro ítem que debemos mencionar de esta puesta tan atractiva, es el diseño de Luces de Akira Patiño, importante para llevar a los diferentes climas que vá pidiendo la trama. Con todos los condimentos mencionados, se consiguió una puesta magnífica y mucho más para el teatro independiente, donde todo se hace a pulmón, siendo esta una gran demostración, que cuando hay talento, creatividad y por supuesto horas de trabajo, no siempre son necesarios grandes presupuestos, para conseguir una puesta de excelencia.

No queda demasiado para agregar, como el lector puede apreciar, nos gustó mucho la propuesta de Anahí Ribeiro, que nos hablará de vínculos familiares, poniendo el foco en la relación entre hermanos y lo hará con un texto lúcido, que por momentos nos hará reír, por momentos emocionarnos, y también llevarnos a reflexionar, ya que el espectador, en todo momentos sentirá que el texto es reconocible y cercano, reflejándose con facilidad en el mismo.

Recomendamos especialmente Brotherhood, una obra donde confluyen, un texto inteligente, actuaciones magníficas y una puesta estupenda. Con este combo, auguramos a la pieza un muy buen recorrido y sin dudas más de una temporada en cartel, ya que tiene un potencial enrome. En esta su primer temporada, gracias al boca a boca, agotó localidades en cada función en el Nun. Luego de ver la obra, nos quedan muy claros los motivos de esta buena recepción del público y los invitamos a que ustedes, también descubran esta muy buena propuesta que el teatro independiente nos ofrece.





Pensador Teatral.

La Monja Judía

Dramaturgia de Lázaro Droznes y Dirección de Eduardo Lamoglia.

Domingos 20 15 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Obra basada en la vida de la filósofa alemana Edith Stein, originaria de una familia judía con once hijos. Para saber de quien estamos hablando, daremos algunos datos interesantes de su biografía. Durante la Primera Guerra Mundial, se alistó en la Cruz Roja para servir como enfermera en un hospital austríaco, hasta que el mismo fue cerrado. Entrando en la adolescencia, Edith se alejó del judaísmo y comenzó a leer la biografía de Santa Teresa de Jesús.

Luego de atravesar una profunda crisis de fé, decidió convertirse al catolicismo, dentro de la orden de las monjas carmelitas, tomando el nombre de Teresa Benedicta de la Cruz.  Estando alojada en el Convento de Echt, su situación, como la  de muchos judíos que vivían en Holanda ( nos viene a la mente el nombre de Ana Frank ) , comenzó a complicarse, por lo que solicitó una visa a Suiza con su hermana Rosa, para ser transferida al Convento de Carmelitas de La Paquier, que comunicó que podía aceptarla a ella, pero no a su hermana, siendo esto inadmisible Edith, decidiendo quedarse en Holanda con su hermana.

Sin saberlo esa decisión, fue la que finalmente terminaría costándole la vida, ya que la Gestapo irrumpió en el convento y desde allí fue llevada al campo de concentración de Westerbok. El 7 de Agosto de 1942, fue trasladada en tren con otros miles, hasta Auschwitz, el mayor campo de exterminio de la Alemania nazi, ya que se calcula que allí fueron asesinados más de un millón de judios.

Creemos que la introducción fue valiosa, para conocer quien fue Edith Stein. Yendo ya a la obra, contemos que las acciones arrancarán precisamente cuando la religiosa llega a Auschiwtz, allí la espera Hans, un oficial de la SS, que fue su antiguo compañero de Universidad, cuando ambos eran veinte años más jóvenes y vivían en Alemania. El encuentro entre ambos es tenso por las circunstancias en las que se produce y reina

Hans tiene una propuesta para hacerle a su vieja compañera. El nazismo quiera sentar las bases para la fundación de una nueva religión, alemana y popular que sirva al régimen y no tiene dudas que Edith sería la persona indicada, para escribir la doctrina de ese proyecto de religión. La situación de la monja no es sencilla, tiene claro que la propuesta del ahora oficial SS, puede ser su salvoconducto en ese lugar de muerte.

Pero también tiene la certeza que aceptar lo que le pide Hans, sería traicionar sus ideales, su causa y principalmente su compromiso con Dios. Servir al régimen nazista sería algo que su conciencia no le perdonaría aún sin tener dudas que si rechaza la oferta, sus horas estarían contadas.

La obra presenta estupendas actuaciones. Marta Bianchi, interpreta a Edith un papel complejo, que una actriz de sus quilates, puede resolver con mucho oficio y con una sensibilidad que emociona.

El malvado de la historia, será Gustavo Rey, otro actor con muchas experiencia, interpretando al oficial de las SS, que intentará mostrar un costado humano, que entrará en colapso en su interior, ya que la doctrina nazi, le exige una obediencia incondicional, no dando lugar a los sentimientos, ni a los razonamientos personales.

La dupla que forman los protagonistas, es muy lograda, dejando claro los estragos que causa la guerra y como el que no piensa igual puede convertirse en un enemigo. Se generan diálogos profundos entre ambos, que invitan a la reflexión del espectador.

La puesta es íntima y asfixiante, se huele a muerte en el ambiente, el uniforme del oficial con la esvástica como distintivo, genera escozor en el espectador, que piensa y trae a la mente el recuerdo de un pasado brutal, que parece lejano en el tiempo, pero no lo es tanto.

No queda mucho más para contar, cuando vean la obra, sabrán si finalmente Edith aceptó la posibilidad de salvación que le propuso su antiguo amigo o se quedó con lo que le dictaba su conciencia y su comunión con Dios.

Daremos un dato, que seguramente, dilucidará el misterio. Stein, fue canonizada por Juan Pablo II en 1998 y hoy se la conoce como Santa Teresa Benedicta de la Cruz, recibiendo el título de mártir por amor y declarada co-patrona de Europa.

Celebramos entonces, el texto de Droznes, que nos permite conocer la historia de esta gran mujer, contando con una puesta en escena tan atractiva, como dura de Eduardo Lamoglia y las magníficas actuaciones de Martha Bianchi y Gustavo Rey. Además de pasar una rica velada teatral, la obra sirve como un alerta, para tener memoria activa de un pasado monstruoso, teniendo presente, hasta donde puede llegar la maldad del hombre, cuando la misma es incentivada por regímenes basados en en fanatismo.



Pensador Teatral.

Agamenon

Idea de Manuel Iedvabni.  Dirección de Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini.

Sábados 20 hs en Teatro La Comedia ( Rodríguez Peña 1062 )

Estupenda propuesta teatral nos ofrece Agamenon, escrita en el Año 458 A.C. por Esquilo, considerado el fundador del género de la tragedia griega. Pese a haber transcurrido más de dos mil años, el texto presenta una vigencia que sorprende. Aparecerán en la trama temas como la venganza, el odio, el amor, la política, la muerte,  la guerra y la psicología del hombre, todos temas presentes en nuestra actualidad, revelando que la humanidad en algunos aspectos no ha cambiando, ni evolucionado tanto, como podríamos inferir.

La idea y el proyecto arrancó hace más de dos años, primero en la mente de Manuel Iedvabni, contando luego con el fundamental aporte de Ingrid Pelicori, encargada de la adaptación de este clásico, realizando la misma de manera minuciosa, consultando versiones en castellano, francés e ingles, cuidando especialmente el espíritu poético del texto original, pero buscando una versión didáctica, que pese a los datos históricos que contiene, sea clara y amena para el espectador, adelantando desde ya que el resultado fue excelente.

Lograr que el proyecto se convirtiera en realidad no fue sencillo, se debieron superar muchos obstáculos, pero finalmente pudo plasmarse y se transformó en esta estupenda versión que podemos ver en La Comedia,  en la que por decisión del propio Iedvabni, se dispuso que fueran solamente dos actores, como en la época de Esquilo, los que representaran a todos los personajes, valiéndose para ellos de máscaras, otro elemento distintivo del teatro griego.

Valga una aclaración en la época de Esquilo, los actores eran siempre hombres, aquí Manuel, se toma una licencia, eligiendo un actriz para los personajes femeninos y un actor para los masculinos. Realmente era un gran desafío encontrar a los actores, que están a la altura del desafío y pudieran desdoblar la cantidad de personajes requeridas, por eso desde el arranque del proyecto se contó con Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, como los elegidos, dos verdaderos animales de teatro, que no se iban a amilanar ante la propuesta y trabajaron de manera activa, para que la obra llegue a buen puerto.

Contemos brevemente que la obra escrita por Esquilo narra el regreso triunfal de Agamenon, Rey de Micenas y Argos, a su patria luego de diez años en la Guerra de Troya. Regresa trayendo como trofeo y esclava a Casandra, la profetisa hija de Priamo, que lanzaría algunos augurios escalofriantes. En su palacio, lo espera su esposa Clitemnestra, que lo recibe con honores, debido a su mítico triunfo. 

Pero en verdad, esa supuesta alegría por el retorno de Agamenon, de parte de su esposa, era simplemente una representación, debajo de su mueca de sonrisa, algo ocultaba, sin dudas la guerra, había dejado cuentas pendientes entre ellos. Recordemos que durante su navegación a Troya, en medio de una tempestad que amenazaba con destruir toda su flota, los Dioses colocaron a Agamenon, ante una dilema trágico, ya que Ifigenia la hija de ambos, fue pedida en sacrificio, para que los barcos pudieran continuar su camino. El Rey debía optar entre el deber y su hija, decidiendo el sacrificio de Ifigenia.

Esta decisión no fue del agrado de Climnestra, que evidentemente nunca le perdonó esta decisión y pacientemente esperó el momento, para tomarse revancha y como dice el refrán, la venganza es un plato que se sirve frío. No vamos a contar más, quienes conocen la historia, conocerán ya la suerte de Agamenon y, aquellos que no, se enterarán cuando vea la obra, nosotros aunque hayan pasado más de dos mil años, vamos a mantener el suspenso.

Es momento de hablar de los extraordinarias interpretaciones que presenta la obra. Es un placer para quienes amamos el teatro poder disfrutar de actuaciones superlativas como las que nos ofrecen Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, dos actorazos de raza, que se comprometieron de manera absoluta con el proyecto y esto es algo que el espectador puede apreciar de manera clara, por la entrega de ambos.

Como mencionamos antes, solo ellos dos, representarán todos los personajes de la historia. En el caso de Ingrid, se pondrá en la piel de Climnestra y Casandra. Osmar por su lado, dará vida a Agamenon, Egisto, el mensajero y el soldado. Sorprende como cambiarán de apariencia en segundos, transformándose en el personaje que están desdoblando, variando su tono de voz, postura y gestualidad. Hay que contar con un gran talento, para lograr esto y hacerlo con la repentización que lo hacen Ingrid y Osmar. Realmente es admirable el trabajo de ambos.

Además formarán parte del coro. A que nos referimos con esto ??  La puesta nos tiene reservada una novedad tecnológica, que aporta mucha valor a la obra. Sobre el fondo del escenario, una pantalla gigante, proyectará imágenes digitales del coro o consejo de ancianos. Es el pueblo de Argos, que opinará sobre lo que acontece en la ciudad y el comportamiento de sus gobernantes. La realización audivisual mencionada es obra de Pauli Coton y realmente merece verse, más que describirse aquí, ya que es un recurso muy novedoso, que otorga potencia y belleza visual a la obra.

No queda mucho por agregar, Agamenon es una muestra fiel de que la humanidad, aunque hayan  pasado siglos, sigue teniendo problemáticas que lo atormentan, la violencia, las guerras, la venganza, la muerte y las pasiones irracionales, estaban presentes en la tragedia griega y siguen presentes hoy, en este mundo convulsionado que nos toca vivir.

Estamos en presencia de una propuesta muy valiosa que nos trae el teatro independiente, con un texto clásico, que presenta una vigencia y una cercanía que asombra, gracias a una adaptación excelente, una puesta sumamente atractiva y las las fantásticas actuaciones Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez. Por eso llena el alma, ese aplauso emocionado, con el que el público que colmó la sala, premia a los protagonistas, demuestra que apostar a un clásico griego, cuando hay tanta dedicación y talento reunido, puede resultar una empresa exitosa y convertirse en un imperdible de nuestra prolífica cartelera teatral.

Pensador Teatral.