Del Barrio La Mondiola

Texto: Jorge Lorenzo. Dirección de Mecha Fernández.

Viernes 19 30 hs en EL Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una brisa de aire fresco es la aparición en la cartelera porteña, de propuestas como la del Barrio La Mondiola, un sainete musical escrito por Jorge Lorenzo, ambientado en la década del 40, que nos invita viajar a aquellos años para disfrutar de la atmósfera tanguera que se respiraba en las casas, no existía la televisión y la radio era quien traía las novedades y el entretenimiento a las casas.  Eran tiempos de guapos y compadritos, de mujeres que se emperifollaban para ir a la milonga, con la ilusión de encontrar al más rana con quien pasar al zaguán.

La historia estará cargada de imágenes de la época y de algunas palabras que ya cayeron en desuso, siendo esto un atractivo adicional para esta obra llena de encanto y de poesía. En el relato se mezclarán escenas de la realidad, con otras pertenecientes al mundo onírico, quedando claro que la premisa principal es disfrutar de los personajes, los tangos, los bailes y los momentos muy divertidos que tendremos a lo largo de la trama. Aquí la historia es la excusa y el marco necesario, para que podamos disfrutar de este sainete de época que tiene todos los condimentos.

En la misma veremos a Leopoldo ( Carlos Ledrag ), un humilde empleado municipal, con sangre tanguera en su venas, ya fue su padre fue un reconocido cantor de la época. Está enamorado hace mucho tiempo de Rosaura ( Jesica Livorsi ), una bella chica de barrio, que sufre la timídez de Leopoldo, que no se anima a dar el paso adelante para conquistarla. Las cosas no serán sencillas para nuestro héroe, ya que en el trabajo deberá lidiar con un jefe bastante villano ( Jorge Lorenzo ) y una compañera ( Silvia Geijo ) que un poco por celos y otro poco por pura maldad buscarán obstaculizar su conquista.

La situación no era sencilla para Leopoldo, pero por suerte, contaba con un arma secreta a la que podía recurrir y esa era soñar aquello que deseaba. En sus sueños, los deseos se cumplian y allí se convertía en un eximio y seductor cantor de tangos que generaba los suspiros de las mujeres, entre ellas su amada que en el mundo de sus sueños puede tener otro nombre y también los  suspiros de Alma su compañera de trabajo, que en los sueños caerá bajo sus encantos. Y para completar el combo, su jefe aquí será Rigoberto y sufrirá las burlas del resto.

La trama tiene muchos enredos y es muy entretenida, lo onírico se mezclará con la realidad, para ofrecernos un relato muy divertido, que nos hará viajar en el tiempo, para conocer a los deliciosos personajes que la historia nos ofrece, con la música bien presente y esos fragmentos de tangos que serán parte importante de un relato que se disfruta desde el principio. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo dejamos para que ustedes los descubran cuando vean la obra, ya que hay varias sorpresas.

Momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra, ya que son el alma de la misma y se destacan muchísimo. Arranquemos por Carlos Ledrag, el gran protagonista de la noche y quien a nuestro entender se lleva los mayores elogios. Esto sucede por su presencia escénica y por sus grandes condiciones como cantante, algo que capitaliza muy bien aquí, ya que es quien tiene a cargo los mejores momentos musicales de la noche, cantando fragmentos de tangos reconocibles para todos como Cuesta Abajo, Garufa y Nada por mencionar solo a algunos. A Carlos lo habíamos elogiado el año pasado por su trabajo en La Falcón, pero a nuestro entender aquí encuentra mayor espacio para su lucimiento y el espectador lo agradece. Un trabajo estupendo.

Pero no seamos injustos con el resto del elenco. Encantadora composición de Jésica Livorsi, dotando de ternura y candidez a sus personajes, además de lucirse mucho en las partes cantadas, por su bella voz. Nos gustó mucho lo de Jésica. Y sigamos con Silvia Geijo, la más divertida de la noche, con un histrionismo a flor de piel, fue quien más risas generó a la platea. Además de eso, para destacar su entrega, muy bueno lo de Silvia. Y cerramos el elenco con Jorge Lorenzo, el autor de la obra, que participa de la misma con un personaje muy divertido.

Realmente cuatro trabajos muy buenos en la actuación, todos muy comprometidos con la obra y con actuaciones que se disfrutan mucho en todos los casos, desde lo individual y en el conjunto. Pero no solo ellos estaban en el escenario, no podemos dejar de mencionar a los músicos en vivos, que guitarra en mano acompañaron en gran forma los momentos musicales. Nos referimos a Moncho Santos y Juan Lorenzo, que además acompañarán la historia, con algunas muecas y gestos cómplices con los actores, siendo algo gracioso.

La puesta de Mecha Fernández tiene varios puntos altos para destacar, entre ellos la música original de Esteban Morgado, el bello y funcional diseño escenográfico de Vanesa Abramovich, el distinguido vestuario de época de Arnaldo Mario Pera Ochoa y el diseño lumínico de Horacio Novelle colaborando con los diferentes climas del relato. Por último, un párrafo especial para las pelucas de Myriam Manelli, nos encantó en especial la del cantor, seguro coinciden conmigo cuando vean la obra.

No queda mucho para agregar, Del Barrio La Mondiola está arrancando con muy buen suceso su segunda temporada, repitiendo el éxito del primer año, donde obtuvo gran respuesta del público y de la crítica especializada, recibiendo 4 Nominaciones a los Premios Ace 2002, mostrando que un género como el sainete musical, siempre muestra vigencia y es del agrado del público, más aún en propuestas tan logradas como esta.

Solo queda recomendar la obra, como dijimos antes en este caso la historia queda en un segundo plano y la premisa es disfrutar de un hermoso y divertido sainete de época, con personajes exquisitos y melodías tangueras llenando el aire de El Tinglado, para regalarnos una festiva noche de teatro. Por eso no sorprenderá ese emocionado y prolongado aplauso, con que los espectadores merecidamente despiden a los protagonistas al final de la función.

Pensador Teatral.

María, es Callas.

 Dramatutigia de Adriana Tursi. Dirección de Tatiana Santana.

Llega a la cartelera porteña, este texto escrito por Adriana Tursi, que indaga en la intimidad de María Callas, la soprano de orígen griego nacida en Estados Unidos, considera una de las cantantes más influyentes del Siglo XX, dejando una huella imborrable en el mundo de la ópera. Su voz única, su intensidad emocional y su personal forma de abordar la interpretación de los personajes en escena, la convirtieron en una artista legendaria. 

También ayudó a la gestación del mito, su desdichada vida privada y su prematura muerte. Y la obra que nos convoca, precisamente es allí adonde apunta, al interior de " La Divina ", dejando de lado sus momentos más gloriosos en diferentes escenarios del mundo y poniendo el foco en el último tramo de su vida, cuando venía en declive, estaba perdiendo la voz y se encontraba fuera de eje, debido a la traición de Aristóteles Onassis que sin dudas fue su gran amor.

La obra se iniciará precisamente con una María desbordada, hablando por teléfono con el magnate griego que la había abandonado y ahora estaba noviando nada menos que con Jackie Kennedy, una de las mujeres más populares de los Estados Unidos. Callas recordó en ese momento cuando estaba con Ari viendo la tele y asesinaron a Jonh Kennedy, un foto de ese instante mostró una mueca de alegría en el rostro de Onassis, como festejando que Jackie quedara disponible.

Callas la estaba pasando muy mal, su cabeza parecía estallar cada vez que veía en las noticias como la nueva pareja viajaba y pasaba sus días  en lugares que le eran familiares y le traían recuerdos de una hermosa etapa de su vida. Y la ira llegó a su máxima expresión, cuando se enteró que Onassis y Jackie se casarían. No podía concebir que aquel hombre ya no la quisiera y estuviera con otra mujer. Pese a haber sufrido malos tratos y humillaciones de su parte, amaba a Ari y no tenía reparos en suplicarle para que volvieran a estar juntos, mostrando que el amor muchas veces es un sentimiento inexplicable.

La célebre cantante estaba en el ocaso de su carrera y de su vida, debido a un amor fatal, por el cual se entregó de manera incondicional, pero no fue correspondida. Cada vez más eran más las pastillas que debía tomar para calmar un dolor que la atravesaba. Apenas superaba los 50 años, pero los disgustos que acompañaron su vida amorosa, le pasaron factura y un final trágico la esperaba a la vuelta de la esquina, pero hasta allí vamos a contar.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. No era sencillo encontrar a la actriz indicada para el papel de María Callas y vaya si acertaron en la elección con Natalia Cociuffo para este protagónico. La composición de de Natalia es genial, con una presencia escénica imponente y pudiendo mostrar sus enorme recursos, ya que es una una excelente actriz y una estupenda cantante, algo indispensable en una obra con un alto componente musical.

Todavía recordamos la interpretación de Cociuffo en Los Monstruos, una obra de teatro musical que tuvo un gran reconocimiento de público y de crítica. Aquí en un protagónico muy desafiante, la actriz cordobesa muestra su enorme talento y carisma. Para quienes no a conocen, descubrirán a una gran actriz y se van a sorprender por la belleza de su voz y lo lindo que canta. Genial su trabajo.

Sin embargo este lluvia de elogios para la protagonista, no debe hacernos perder de vista, el gran aporte que realiza el trío que la acompaña en escena, haciendo de coro de ella misma y de otros personajes, dando a la obra un gran dinamismo. Arranquemos por Pedro Frías, que se luce muchísimo, especialmente en una parte cantada que protagoniza. Verónica Pacenza aporta belleza y plasticidad a la puesta, en cuanto que Sol Aguero, a quien habíamos elogiado ya por su trabajo en Verde Agua, aquí muestra todo su histrionismo, jugando un papel de presentadora en varios pasajes de la obra. Nos sorprendieron muy gratamente las composiciones de estos tres jóvenes actores, que desde roles secundarios, agregan muchísimo valor a la obra y colaboran al lucimiento de la protagonista.

La puesta de Tatiana Santana es otro punto muy alto, ya que no pensamos que en el Cultural San Martín podríamos ver una puesta que supera a muchas del teatro comercial. Analicemos el porque de esta afirmación. En primer lugar, destaquemos las excelentes coreografías creadas por Valeria Narvaez, sigamos por la dirección musical de Rony Keselman que se apalanca en el potente sonido que tiene la pieza, la bella iluminación de Iván Nirich que crea los diferentes climas que tiene la historia y también un párrafo para el vestuario de Uriel Cistaro que otorga glamour a los personajes, en especial con el imponente vestido azul que luce la protagonista.

En definitiva, estamos ante un espectáculo que se disfruta mucho, ya que nos permite recorrer el lado emocional de una artista de excelencia como María Callas, considerada la cantante de ópera más influyente de todos los tiempos. Siendo una gran idea, traer su personaje a escena, celebrando el centenario de su nacimiento y recordando parte de su vida.

Fumos testigos de la función despedida de la obra del Cultural San Martín, que la despidió a sala llena, en una temporada que termina siendo corta, seguramente por motivos contractuales con el espacio, ya que la obra tiene mucho trabajo y sin dudas tendrá un largo recorrido en un nuevo teatro. La agudeza del texto, la potencia de la puesta y en particular la genial composición de Natalia Cociuffo, como La Divina que recibe una hermosa ovación al final de la función.

Pensador Teatral.

La que Limpia

Dramaturgia de Mariana del Pozo y Lali Fischer, Dirección de Lali Fischer.

Domingos 18 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 ) 

Nuestro teatro independiente se caracteriza por la riqueza y variedad de sus propuestas, siendo La que Limpia, un claro ejemplo de ello, ya que otorga voz a un personaje invisibilizado por la sociedad, pese al importante rol que ocupan, en tantos hogares de clase media y alta, nos referimos a las empleadas domésticas, a las que algunas personas de manera despectiva la llama a secas la que limpia.

Lo habitual es que se quiera deshumanizar a quien realiza este trabajo, la convención dicta no involucrarse con sus problemas y mucho menos indagar en los sentimientos de las personas que ingresan a la intimidad de nuestro hogar. Y la obra precisamente eso es lo que propone, darle entidad a las empleadas domésticas, indagando en la persona que habita en aquel cuerpo que se calza el delantal para hacer la limpieza, mirando hacía su interior, para ver que piensan y como se sienten por tener que realizar una tarea que algunos directamente relacionan con la servidumbre.

La que Limpia, está basada en la novela Manual para Mujeres de la Limpieza escrita por la estadounidense Lucia Berlín, que con humor e ironía busca retratar la labor diaria de aquellas miles de mujeres que se ganan la vida limpiando casas ajenas. El mérito de las autoras, es extraer la esencia del texto y traerla al Conurbano Bonaerense, más precisamente a la Zona Norte, allí donde se mezclan barrios cerrados, algunos de renombre como Nordelta, con barrios de clase media y villas de emergencia, en ese contexto se irán desarrollando las historias.

La protagonista de este unipersonal, es Laura una mujer que se encuentra cansada y triste, la vida la golpeó duro y la transformó en una sobreviviente que todas las mañanas sale temprano de su casa, para tomarse los diferentes colectivos que recorren el Conurbano y la llevaran a las diferentes casas donde trabaja. Cada viaje será un punto de contacto con otras colegas de profesión y con diversos personajes que habitan el Conurbano y que todos conocemos.

La narración cautiva, porque la protagonista además de contar como es su relación con las diferentes patronas, recorrerá los códigos y algunos de los mitos de la profesión. Es verdad que las empleadas domésticas saben todo lo que ocurre en las casas donde trabajan ?? Y que hay de cierto en que siempre se quedan con algún souvenir de las casas ?? Es algo real o pura leyenda ?? Hay casas donde casi no tienen que limpiar porque está todo ordenado ?? Hay patronas que llaman a la noche para preguntar donde guardaron ese indispensable objeto que no encuentran ?? Esas son algunos de los tópicos que el texto irá recorriendo.

El relato es atrapante y el espectador seguirá sin perder detalle,  la intimidad de una trabajadora decidida a desnudar los secretos de su profesión, para confirmar o desmentir todo lo que siempre pensamos, pero nunca nos atrevimos a preguntar. En aquel relato habrá momentos divertidos y otros bastante duros. Mechando lo que sucede día a día en cada casa, la protagonista irá revelando a cuentagotas aspectos de su vida que nos ayudará a entender su realidad y sus pensamientos. 

Momento de hablar de la estupenda composición de Mariana del Pozo, la protagonista de este unipersonal, que además la tiene como una de sus autoras. Debemos destacar en primer lugar la presencia escénica de Mariana, que se para en el escenario con mucha autoridad, logrando dar total credibilidad a su personaje, que en todo momento busca mostrar un carácter fuerte y ofreciendo un relato cargado de detalles, pero despojado de emociones, siendo lo más descriptiva posible.

Nos encantó el trabajo de Mariana, que nos ofrece una composición minuciosa, que nos acerca el lado B de una actividad, mostrando esa cara que la mayoría de las personas prefieren no conocer, nos referimos al costado humano de estas mujeres que realizan una tarea tan necesaria como sacrificada. Muy bueno lo de Mariana, llevando en gran forma los tiempos del relato, haciendo muy creíble el mismo y con una entrega para destacar.

La puesta de Lali Fischer es íntima y logra recrear los diferentes hogares donde Laura trabaja. Es muy interesante observar como en el inicio el piso del escenario luce poblado de objetos desperdigados y como esto irá cambiando a medida que se acerca el final. Un punto importante para mencionar es el diseño lumínico de Soledad Ianni, que marca los diferentes climas de la historia y otro la música original de Santiago Ascaso.

No queda mucho más para agregar, La que Limpia es una original propuesta de nuestro teatro independiente, que transita su segunda temporada en cartel con muy buen suceso de público, algo que creemos ocurre, por el interés de la temática que trata, que resulta muy cercana al espectador que en muchos momentos se siente identificado con el relato y en otros disfruta por descubrir algunos secretos que desconocía.

Recomendamos la obra, que además de otorgarle voz a un personaje al que la mayoría de las personas enfrascadas en su propia realidad prefiere ignorar, nos dará una pintura muy actual del Conurbano, mostrando ese micromundo y dejando al descubierto una realidad social y una diferencia de clases muy vigente. Un texto que atrapa, una puesta muy atractiva y una composición estupenda, se unirán para que disfrutemos de esta valiosa, en un teatro como el Moscú, donde ver buen teatro, ya se ha transformado en una sana costumbre.

Pensador Teatral.

Cartas de la Ausente

Dramaturgia de Ariel Barchiloni. Dirección de Néstor Amarilla.

Jueves 20 hs en Teatro Multiescena ( Av. Corrientes 1764 )

Una entrañable y poética propuesta llega de la mano Cartas de la Ausente, texto escrito por el dramaturgo Barchiloni, que se estrenó en el 2014 en el Teatro Cervantes, con Daniel Fanego como protagonista, teniendo un gran éxito de critica y de público, obteniendo además varios premios. Pasados diez años, llega al Multiescena, en esta versión dirigida por Néstor Amarilla, que manteniendo la idea central de la historia, introduce un cambio fundamental en la obra, que no queremos adelantar acá, pero que está en sintonia con los cambios de época y de pensamientos que se experimentó en la sociedad.

Pero vayamos ya a la historia que nos convoca, que arrancará en la casa de Roberto ( Rolo Sosiuk ) un hombre maduro y algo amanerado en sus formas, que está muy compenetrado viendo una novela, en la tranquilidad de su hogar, cuando lo sorprende el timbre y una visita tan inesperada como impactante. Quien llega es Rufino ( Julio Chiorazo ), recién salido de la cárcel, luego de cumplir su condena y pagar su pena con la sociedad. Su visita a aquella casa, es Luli, aquella joven mujer que con quien mantuvo correspondencia mientras duró su condena, entablando una relación tan profunda, que lo motivó a seguir adelante, soportando las adversidades de la prisión.

Rufino poco antes de salir de prisión se enteró que Luli había muerto, pero igual sintió la obligación de ir a su casa, sin saber muy bien porque, tal vez para reclamar una última carta que nunca pudo ser enviada o ver una foto de ella, ya que no conocía su rostro. El dueño de casa, se siente conmovido por aquella visita y manifiesta que estaba muy al tanto de aquella relación entre Luli y aquel hombre. Tanto que luego de unos minutos, se atreverá a confesar que luego del accidente en la vista que tuvo la mujer, él era quien leía a Luli las cartas que le llegaban y también escribía las cartas que ella enviaba, debido a que ella ya no veia.

El visitante se ruboriza y sorprende. Las cartas tenían un grado de intimidad y de afecto que no esperaba aquella revelación. Es más Luli nunca le había hablado de un accidente en la vista. La verdad comienza a entrar en crisis y empiezan a aparecer algunos fantasmas. A medida que la trama avanza, seguirán las dudas, más cuando Rufino revelerá que el no sabe leer, ni escribir. Y entonces como escribía las cartas que mandaba y leía las que llegaba ?? Un compañero de celda libertario y con muy buena prosa, era quien lo ayudaba con la tarea y lo impulsaba a seguir con aquella relación epistolar.

Cuántos otros secretos quedarán revelados ?? El relato se transformará en una verdadera caja de sorpresas, pero no vamos a ser nosotros los que vamos a develar que sucederá luego de estas primeras revelaciones, que adelantamos no serán las últimas. Cartas de la Ausente es una historia que nos hablará del amor, como tabla de salvación para mantenerse a flote en las agitadas aguas de la vida. Roberto y Rufino son dos hombres profundamente solos y la figura de Luli parece ser la llave que puede abrir la puerta de la soledad, pero animarse a meterla en la cerradura, puede requerir mucho coraje. Pero cumplimos nuestra palabra y hasta allí vamos a contar, para descubrir que sucede con estos dos hombres, deberán ver la obra.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra, que son realmente muy buenas. En particular nos encantó la composición de Rolo Sosiuk, un actor de enormes recursos, aquí como Roberto, un hombre sensible, encerrado en aquella casa y con la televisión como única compañia. Recordamos haber elogiado a Rolo, hace ya varios años, por su gran actuación en El Hombre de la Nariz Rota, obra de su autoría y luego de ello lo vimos en otras piezas, mostrando su versatilidad. Pero aquí, nos sorprendió muy gratamente, por este personaje pleno tan querible, pleno de sensibilidad y con un interior muy rico. Gran trabajo de Rolo.

Pero no seamos injustos con Julio Chiorazo, a cargo de un Rufino que quiere mostrarse recio, como debería serlo alguien que estuvo en la cárcel y reconoce haber matado. Pero también descubriremos que en el interior, se esconde un hombre vulnerable, que pide afecto a gritos. Muy buena composición de Julio, histriónico y rompiendo la cuarta pared con la platea en varias oportunidades. Es muy lograda la dupla protagónica, ya que componen personajes divertidos, que disfrutan con lo lúdico, tal vez como táctica, para disimular el dolor que llevan dentro.

La puesta que propone la obra es íntima y la música que acompaña el relato además de colaborar con ese clima, agrega valor. Aquí lamentablemente debemos mencionar algo negativo, que sentimos atentó contra la puesta y nos referimos al ruido que llegaba desde fuera de la sala. El complejo de Multiescena, tiene otras salas y en una de ellas seguramente se estaba realizando una función, con música muy alta que se colaba en nuestra sala atentando contra el clima de la obra. Sin dudas el profesionalismo de los actores, hizo que este inconveniente no fuera impedimento para disfrutar la obra y por suerte en el final de la trama, los ruidos se acallaron. Desde ese sitio, siempre tratamos de enfocarnos en los puntos positivos de las obras en este caso, pero sentíamos la obligación de mencionar este punto, para realzar los trabajos de la dupla protagónica, que hizo que el hecho mencionado quedará como una anécdota y un punto que ojalá el teatro corrija, por respeto al público y más que nada  a los actores.

Pero no salgamos del foco, una propuesta atrapante la de Cartas de la Ausente, una obra que nos habla del amor como una creación del propio deseo, pudiendo estar alejada de la realidad. Y como la profunda soledad que muchas personas atraviesan en sus vidas, puede llevarlas a entablar relaciones virtuales que contienen emociones fuertes y genuinas, sin estar seguros quien está del otro lado, algo que en tiempos de auge de las redes sociales cobra una vigencia inquietante. La ilusión, el deseo y la soledad, muchas veces pueden ser motores de amores fuertes, donde la verdad puede estar en peligro y hacerse cargo luego de la realidad, puede ser una tarea compleja.

Por todo lo mencionado, recomendamos Cartas de la Ausente, una obra que arrancará con mucho humor y situaciones hilarantes, pero que a medida que la trama avanza irá ganando en profundidad y emociones, logrando llegar al corazón del espectador, gracias a los trabajos de una dupla protagónica, que se entrega por completo en el escenario, invitándonos a reflexionar acerca de la soledad, el amor y la importancia de animarse a dar el paso adelante, siguiendo nuestros sentimientos y sin importar el que dirán.

Pensador Teatral.

Fiesta Flamenca

 Libro y Dirección General de Jorge Mazzini.

Miércoles 25/7, 29/8 y 19/9 a las 20 30 hs en Teatro Astral ( Av. Corrientes 1639 )

Una gran presentación de la Compañía Flamenca de Arte Español en el Teatro Astral, que nos acerca un espectáculo de primer nivel, como es Fiesta Flamenca, una representación de este hermoso género de origen andaluz, que llega en una versión moderna escrita por Jorge Mazzini, que fusiona el flamenco, con el tango, el folklore y la rumba, generando un show de una riqueza visual y escénica que sorprende.

Fiesta Flamenca, es un espectáculo musical potente, que no tiene miedo en correrse de los límites  tradicionales del género, ya que si bien el flamenco es el centro de atención y a lo largo de la noche, viviremos sus emociones intensas, como el amor apasionado y la tristeza más profunda, se incluirán bulerias, el toque de la guitarra flamenca, cantaores y bailaoras, que nos deslumbrarán con su arte, dando al público lo que fue a buscar al Astral.

Pero el espectáculo va por más y gracias a su apertura, podremos disfrutar de logrados cuadros tangueros, malambos, guajiras y rumbas, todo esto en maridaje con el flamenco, mostrando la influencia de la cultura latinoamericana y afro en el género. El público se irá sorprendiendo por los cambios y las destrezas de los artistas, que desplegarán coreografías con mucho color y ritmo.

Son más de veinte los artistas en  escena, entre músicos, cantaores, baialaoras, cantantes y bailarines, en un despliegue escénico imponente. Cada espectador elegirá su artista preferido, porque el talento es grande y variado. En nuestro caso y con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar  especialmente el trabajo en particular de Baldomero Cadiz, el cantaor principal, con una presencia escénica abrumadora y una potencia en la voz y en el canto, que pone la piel de gallina. Nos encantó lo de Baldomero, con gran carisma y una entrega que conmueve.

Pero el de Baldomero, es solo un ejemplo, ya que como dijimos son muchísimos los trabajos destacados. Los músicos en vivo son un punto altísimo llevando los diferentes ritmos a lo largo de la noche. Las bailarinas cautivan con su gracia y sensualidad con coreografías muy bellas. Y la sorpresa la marcan los tangueros y los bailarines de malambo, que hacen un cuadro magnífico, que tal vez no esperábamos encontrar en el espectáculo.

Hay que destacar especialmente la puesta de Fiesta Flamenca. Montar un espectáculo en la calle Corrientes, en un teatro de la importancia del Astral, no es algo sencillo y la puesta realmente está a la altura de la exigencia. Para destacar la música original de Gabriel Espósito, el magnífico diseño lumínico de Paco Urdiales, una potencia sonora a la altura del show y tal vez el ítem mas destacado sea diseño de vestuario de Mario Pera Ochoa. Impacta la belleza y variedad del vestuario, con tantos cambios y un glamour que viste a tantos artistas-

En definitiva, celebramos la idea de Jorge Mazzini, que presenta un flamenco en movimiento y en sintonía con otros géneros musicales, de la mano de la Compañia Flamenca de Arte Español, que con talento y pasión, muestra su total compromiso con una entrega que contagia al público, que se prende con la propuesta cantando desde sus butacas y parándose para bailar en los pasillos ante la arenga de Baldomero y su banda flamenca.

Recomendamos agenden la próxima fecha de esto ciclo de Flamenco en el Teatro Astral, que presenta tres títulos, siendo Fiesta Flamenca, el más musical de todos. Es una oportunidad de poder ver un espectáculo de envergadura en la Calle Corrientes, en una propuesta con más de veinte artistas en el escenario, talentos al por mayor y una puesta de calidad, que en lo personal nos sorprendió por su potencia y despliegue. Esta es sin dudas, una cita obligada para los amantes del flamenco y también para los que no lo son, porque es una fiesta gitana a la que todos estamos invitados.

Pensador Teatral.

El Doctor René, la Tierra y el pedestal.

Dramaturgia y Dirección de Guillermo Salz.

Viernes 20 30 hs en La Gloria Espacio Teatral ( Yatay 890 ) 

Llega a la rica cartelera del teatro independiente, este estupendo texto de Guillermo Salz, que funciona como un sentido homenaje al Doctor René Favaloro, un héroe olvidado de nuestra patria, neurocirujano reconocido en el mundo entero por ser el creador del bypass, técnica que cambió la historia de la enfermedad coronaria, logrando salvar gracias a su descubrimiento miles de vidas al año y mejorando además la calidad de vida de los pacientes de esta patalogía.

Pero Favoloro, fue mucho más que aquel invento revolucionario. René fue un médico íntegro, preocupado por el sentir del paciente y el respeto a la persona enferma, estableciendo el diálogo y la educación como horizonte y no la imposición de tratamientos. Además de esto, Favoloro fue un baluarte de ética y de honestidad, valores que chocaban con la corrupción de los políticos y los sindicalistas, que atentaban contra el sistema de salud.

La obra se presenta en formato de unipersonal, con una enorme composición de Nestor Villa de la que hablaremos luego, donde se presentarán algunos momentos centrales de la vida del Doctor nacido en el barrio El Mondongo de La Plata, hablando de sus pasión por Gimnasia, sus inicios en el Policlínico como practicante mientras cursaba la carrera de medicina, donde pasaba muchísimas horas, para ganar experiencia obteniendo un panorama general de todas las patalogías y tratamientos, aprendiendo más alla de ello, la importancia de respetar a los enfermos que concurrían al Políclino, que en su mayoría eran personas de condición humilde.

En el momento de recibirse, justo se produjo una vacante para médico auxiliar, accediendo al puesto de manera interina, pero al momento de quedar fijo, lo llamaron para completar su ficha de ingreso. Al final de aquel formulario, debía firmar indicando que aceptaba la doctrina del gobierno peronista de turno. Sus excelentes calificaciones eran mérito para obtener el puesto, pero aceptar este requisito, resultaba inadmisible para él y una traición a sus principios.

Aunque ponía en riesgo su futuro se negó a firmar, sabiendo que esto lo obligaría a dejar el Policlínico. Y en la obra veremos su exilio a Jacinto Aráuz, un pequeño pueblo de la Pampa. El único médico que atendía la población estaba enfermo y sabía que lo necesitaban. En la salita de aquel pueblo, no había remedios, insumos,  ni equipamiento, debió luchar para equiparla y además de curar a los enfermos, tomó la misión de educar a los pobladores en materia de salud. El relato del protagonista, dará cuenta de varias anécdotas, vividas en los doce años que estuvo allí, debiendo luchar contra el poder de la Iglesia, la policía y los poderosos del lugar.

También se dará cuenta de su viaje a los Estados Unidos, donde se especializó en la cirugía cardiovascular, descubriendo la técnica del bypass. Su prestigio era enorme y tenia todo para quedarse en el Norte, pero el sentía que su país lo necesitaba y debía volver para enseñar a los médicos nuestros y salvar vidas aquí. Sin saber en ese momento que su patriotismo, fue al mismo tiempo su sentencia de muerte, ya que acá lo esperaba una maquinaria corrupta, que le terminó arrebatando la vida.

La trama tiene un carga de emotividad muy alta y esto en gran parte es responsabilidad de Nestor Villa, que abraza al personaje de Favaloro, con una pasión y una carga emotiva que debemos señalar. La responsabilidad de representar a un personaje de tanta valía es muy grande y más en un unipersonal de este tipo con tanto texto. Por eso, queremos destacar el enorme trabajo de Néstor, poniendo toda su experiencia al servicio de un personaje, al que sin dudas admira y esto se nota en lo emotivo de su trabajo. Nuestras felicitaciones para Néstor.

La puesta íntima que presenta el relato, se ve favorecida por una sala de dimensiones reducidas como la de La Gloria a tono con lo confesional del relato. No queda demasiado por agregar, nos gustó mucho la propuesta de El Doctor René, la Tierra y El Pedestal, mérito grande del autor y director Guillermo Salz, de traer al teatro una obra que recuerda el gran aporte que hizo Favaloro al país y que triste resulta su final, sin que nadie pudiera darle una mano, ante el agobio económico que sufría su Fundación, fruto de la crisis del sector, motivada por el desmanejo de un sistema de salud quebrado.

Recomendamos especialmente la obra, que resulta tan justa como necesaria, para conmemorar la vida de un hombre íntegro y con altísimos valores, que debiera ser recordado como una de las grandes hombres que tuvo este país, en contraste con la mediocridad y la corrupción de tantos políticos que hace años se dedican a robar y a hundir el país en la pobreza. Favaloro fue un héroe silencioso y contemporáneo, por eso valoramos mucho este hermoso homenaje que el teatro independiente le ofrece al Doctor, intuímos que desde el cielo seguramente habrá sonreído con ese aplauso emocionado y merecido que el público le tributa al final de la función.

Pensador Teatral.

La Noche se está Muriendo

Dramaturgia y Dirección de Martín Ortíz.

Sábados 20 hs en Teatro El Crisol ( Malabia 611 )

El teatro muchas veces nos permite encuentros imaginarios y mágicos, algo que sucede en este caso con La Noche se está Muriendo, gracias a la creativa dramaturgia de Martín Ortíz, que nos invitará a viajar a la Buenos Aires de 1945, más precisamente al Teatro Avenida, en el momento en que Margarita Xirgu recibe la ovación del público, tras el estreno de La Casa de Bernardo Alba, una de las piezas más reconocidas de Federico García Lorca.

Margarita ingresa emocionada a su camarín y allí de píe, vestido de impecable traje la está esperando el mismísimo Federico para felicitarla. El pequeño gran detalle, es que el poeta granadino había sido asesinado nueve años antes por el franqusimo. Se pueden imaginar la sorpresa de la Xirgu, que no puede creer que su gran amigo esté allí. Su gran actuacíón, sirvió como invocación para que Lorca llegara a ese camarín y gracias a ello podremos disfrutar de este mágico reencuentro.

La gran actriz catalana y el notable poeta granadino, vuelven a estar cara a cara, soñando lo lindo que hubiera sido, que Lorca hubiera podido estar sentado en el teatro aquella noche, pero el fascismo franquista tuvo otos planes. Hay algunos reproches de Margarita, que muestra su pena porque Federico, no se fue de España antes que la barbarie del franquismo lo condenara a muerte por rojo y marica. Pero Federico, está en paz y no vino a recibir sermones, pero si aprovecha para advertir a Margarita, que ella no cometa su mismo error y que no regrese a su tierra, mientras Franco siga en el poder.

Pero el tiempo es escaso y hay que aprovecharlo al máximo, por lo que los amantes del arte, decidirán jugar al teatro, con ellos como protagonistas, actuando fragmentos de las obras más tradicionales de Lorca, como Yerma o Doña Rosita y otras menos representadas como El Público o Así que Pasen Cinco Años. Gran idea y hermosos momentos ver a Federico, actuando sus propias obras.

La dramaturgia tiene la lucidez de incorporar al relato, a personalidades famosas de la época, que estuvieron presentes aquella noche en el Teatro Avenida y que merecerán los comentarios de estos artistas de lujo. Aparecerán en las charlas, Jorge Luis Borges que no admiraba demasiado a Lorca, Lola Membrives rival de Margarita, las hermanas Silvina y Victoria Ocampo, un General llamado Perón que había asistido al estreno con su nueva pareja, una actriz llamada Eva Duarte a la que pocos conocían y más nombres que descubrirán cuando vean la obra. Está inclusión de personajes de época, además de ponernos en contexto histórico, agregan encanto a un relato que además tiene tiempo de advertirnos sobre los riesgos del fascismo, que muchas veces en la historia reaparece con diferentes caras.

Y si hablamos de encanto, tenemos que ir ya, a las enormes actuaciones que nos regala la dupla protagónica conformada por Lorena Szekely y Mario Petrosini, con composición fantásticas.

Arranquemos por Lorena, que tiene el gran desafío de representar a la gran actriz catalana y vaya que lo resuelve en gran forma. Sabe como darle el brillo y el glamour al gran personaje que tiene a cargo. La habíamos elogiado mucho, el año pasado por su trabajo en Pajarita, aquí vuelve a mostrar que es una actriz con grandes recursos, en continuo crecimiento y ratifica lo mencionado con este gran trabajo. Nos encantó lo de Lorena.

Y que decir de Mario Petrosini, simplemente la rompe como Federico, con una presencia escénica impactante. Su composición es realmente descomunal. Estamos en presencia de unos de esos trabajos imperdibles, que como público se disfruta muchísimo. La manera de caminar, el tono de voz, sus gestos, todo es preciso y munucioso. Por este trabajo, Mario recibió el Premio Luisa Vehil, como mejor actor y luego de ver la obra, no tenemos dudas que llegarán más premios este año.

Pero más allá de los destacados trabajos individuales, queremos resaltar la química de la dupla protagónica que con enorme pasión abrazan a sus personajes y permiten que la exquisita dramaturgia de Ortiz pueda volar, porque como nos gusta decir, podemos tener un excelente texto, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados, todo puede naufragar. Aquí ocurre todo lo contrario, las excelentes interpretaciones y el compromiso que muestran ambos actores, potencian este gran texto.

La puesta resulta muy atractiva y se logra una atmósfera de intimidad, favorecida por las reducidas dimensiones de la sala. Para destacar el vestuario de época que agrega belleza a las caracterizaciones y el diseño escénico del coqueto camarín cargado de detalles, con esos vestidos que cuelgan de los percheros, ambos rubros responsabilidad de Jorgelina Herrera Pons. Otro punto a resaltar, es el diseño lumínico de Eduardo Safigueroa, a tono con la puesta intimista que dá marco al relato.

No queda mucho más para agregar, La Noche se está Muriendo es una estupenda propuesta del teatro independiente y el público está dando cuenta de ello, ya que está transitando su segunda temporada en cartel y lo hace siempre con localidades agotadas, algo que habla de la calidad de la pieza, que consigue este logro,  gracias al boca a boca, potente arma con la que cuenta el teatro independiente.

Por ello, solo nos queda recomendar esta hermosa obra que nos permitirá ser testigos de un encuentro pleno de emociones y poesía entre dos enormes artistas que dejaron su huella y que gracias a la magia del teatro, la esplendida dramaturgia de Martín Ortiz y actuaciones fantásticas, nos permitirán disfrutarán de un momento teatral exquisito, de esos que no debemos dejar pasar.

Pensador Teatral.