Hermanos Siralmik

Dramaturgia y Dirección de Ricardo Larrama.

Domingos 20 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 ) 

Una propuesta entrañable y humana nos acerca Ricardo Larrama, con Hermanos Siralmik, somos los que recordamos, obra que nos habla de la vejez y como llegamos a esta etapa de la vida, poniendo el foco en el vinculo filial, entre dos hermanos que ya pasaron los setenta años, tomaron caminos diferentes y ahora por circunstancias de la vida, están viviendo juntos en la casa que fuera de sus padres.

La historia que resulta cercana y reconocible, nos presenta a Daniel ( Enrique Amido ) el hermano mayor, con 75 años cumplidos, que luego de separarse, tuvo que volver a la casa de los padres, allí donde vivió siempre Emilio ( Isaac Jorge Lisorki ) el hermano menor, soltero empedernido e idealista por naturaleza, que tuvo que aceptar la llegada de su hermano y con la misma el pase de facturas permanentes que sufrirá,

El vínculo entre los hermanos es conflictivo, en especial por la le belicosidad de Daniel, que es quien dirige la batuta y no se cansa de lanzar dardos a Emilio, con agresiones verbales de amplio espectro, quejas de todo tipo, algunas triviales,  como el reclamo porque no se encarga de hacer las compras o porque pasa mucho tiempo en la casa, pero también trayendo sucesos pesados del pasado que son fáciles de digerir.  Emilio trata de hacer caso omiso a los reclamos y a las acusaciones que recibe, prefiere ignorar lo que escucha, pero los ataques son constantes y casi es obligado a defenderse.

Sus vidas fueron muy diferentes, Daniel se casó y tuvo 2 hijos, viviendo un tiempo largo lejos de los padres, en cambio Emilio, tuvo una vida más bohemia, dedicada cuando era joven a la militancia política y más tarde al cuidado de los padres. Con personalidades opuestas y pensamientos disímiles, podrían tener una vejez en paz, pero Daniel no puede con su genio y siempre tendrá un reclamo que hacer, ya sea por algo del presente o algún asunto del pasado.

La trama por momentos es muy divertida, los hermanos se llevan la contra y discuten por cualquier cosa, porque se usan la ropa del otro, por que no se ponen de acuerdo en el año del casamiento de los padres o por cualquier otra cosa. Así pasan su tiempo y sus dias.  Pero esa tarde algo cambiará, porque Emilio anuncia con evasivas que tiene que salir a hacer un trámite, Daniel para variar se burla del hermano, pero cuando vá descubriendo que Emilio se viste de manera demasiado elegante, se empieza a poner nervioso.  Y mucho más cuando tras varios minutos de querer conocer cual es ese importante trámite, Emilio por cansancio le confesará que tiene una cita con una mujer.

Y hasta allí vamos a contar, solo diremos que la ofensiva de Daniel a partir de ese momento se incrementará notablemente y recurrirá a todos los recursos posibles para arruinarle la salida a su hermano. La trama tiene un par de sorpresas reservadas que no queremos revelar, por ello van a tener que ver la obra para descubrir si finamente Emilio puede concretar su cita y que consecuencias puede tener aquella salida.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra que nos encantaron. Arranquemos por Enrique Amido, como un Daniel implacable, malhumorado y agresivo, con una personalidad muy fuerte, es un experto en ver los errores del otro, pero nunca los propios. Gran trabajo el de Enrique, con un personaje furibundo, que siempre quiere tener la razón y tendrá siempre listo el talonario de facturas para pasarle a su hermano.

Isaac Lisorki como Emilio, es su contracara, calmado y cansado de las peleas con su hermano, trata de evitar el diálogo y estar en estado zen,  porque sabe que aunque la charla luzca inofensiva, siempre llegará un conflicto. Tratará en todo momento de poner paños fríos a la situación, pero su hermano es un verdadero torbellino. Muy buena la composición de Isaac. 

Celebramos mucho que actores de experiencia tengan su lugar en el teatro independiente, aquí el texto lo ameritaba, pero muchas veces se eligen a actores jóvenes que toman los papeles de la gente mayor, algo que aquí no ocurre.  En esta ocasión no hace falta caracterización alguna y los protagonistas desempeñan sus papeles de gran forma y con una credibilidad muy alta. Gran elección de Larrama y gran prestación de Isaac y Enrique.

La puesta de la obra es austera pero muy efectiva. Destacamos el diseño escenográfico de Marcela Rodriguez recreando el hogar paterno y la música original de Fepo Forciniti. La preponderancia en la pieza la tiene la palabra y los filosos diálogos que mantienen los hermanos, pero desde la puesta se crear una atmósfera familiar que colabora con el texto.

Nos sedujo la propuesta de Hermanos Siralmik, más que nada por su humanidad y cercanía, ya que combina en muy buenas dosis, el humor con la tensión dramática  para hablarnos del vínculo fraternal que en este caso particular se caracteriza por el conflicto y la toxicidad, mostrando como muchas veces al llegar a la vejez, en vez de aprovechar el tiempo libre que se tiene, las personas prefieren enfrascarse en discusiones estériles, trayendo los peores recuerdos del pasado y retomando situaciones que no tiene sentido tratar a estas alturas.

Como dijimos en el comienzo, la obra resulta divertida y profunda a la vez, en más de una oportunidad nos vamos a reír de las ocurrencias de Daniel y Emilio, pero en otras oportunidades se vivirán situaciones tensas que nos llevarán a reflexionar y muy seguramente veremos en estos dos entrañables viejitos a algún familiar nuestro. Felicitamos a Ricardo por este bello texto y a los protagonistas por sus sentidas actuaciones, coronadas al final de la función por el merecido y prolongado aplauso de los espectadores, que agradecen el sentido momento teatral que disfrutaron.

Pensador Teatral.

Seríamos una Familia

Dramaturgia y Dirección de Marigela Ginard.

Viernes 21 hs en Teatro Anfitrión ( Venezuela 3340 )

Una muy buena adaptación teatral del cuento Dentelladas de Tigre de la escritora norteamericana Lucia Bertin llega a la cartelera porteña de la mano de Marigela Ginard, que se nutre del universo de esta autora redescubierta en los últimos años y calificada con el secreto mejor guardado de las letras estadounidenses, no alcanzó a vivir el tiempo suficiente para conocer el impacto de sus obras.

La protagonista de esta fuerte historia es Lou, una joven de vida algo desordenada, que decide aceptar la invitación del tío Tyler y viaja junto a su pequeño hijo Ben a Texas, para pasar una Navidad en familia. La idea esa poder reconciliarse con sus padres, que estaban furiosos porque su marido la había dejado y ahora debería lidiar ella sola con la crianza de  su hijo.

Al llegar a la estación de tren, la estaba esperando su prima Bella Lyn, que se alegra mucho de volver a verla y de conocer al pequeño Ben. Se suben al descapotable y allí la prima les advierte que no espere mucho espíritu navideño, porque en una discusión familiar, su madre se había cortado las venas, no fue algo extremadamente grave, pero la internaron en un hospital psiquiátrico cercano y estará allí unos días, porque lo no estará presente en la fiesta navideña y tampoco será de la partida su padre, que sigue furioso por su divorcio. En uno segundos los deseos de reconciliación familiar se esfumaban en el aire.

La prima le cuenta que ella tampoco estaba bien de amores, porque luego de dos meses, también se separó de su marido, debido a que su propia familia le había dado una paliza por revelación sobre un hábito sexual que ella reveló a su madre. Evidentemente tenían en común familias muy explosivas y de armas tomar. En tren de confesiones, Lou reveló que estaba algo preocupada, porque para ir a aquella fiesta navideña, como en el trabajo no le daban franco, decidió renunciar al empleo sin más.

La prima se alarmó por aquella decisión, ya que sin trabajo no tendría dinero para mantener a su hijo. Y allí llegará la revelación que cambiará todo en la obra, ya que Lou confiesa que no es un hijo al que debe mantener, son dos, porque está embarazada de cuatro meses, Y hasta allí vamos a contar, para mantener la sorpresa solo diremos que aquella noticia, cambiará por completo el rumbo de la historia, volviéndose todo más oscuro a partir de allí, apareciendo en primer plano el tema del aborto en toda su dimensión, no solo desde el punto psicológico.

Momento de hablar de las protagonistas de la obra, que tiene una estructura muy particular, ya que las tres actrices interpretarán a Lou de manera intercalada y también a la prima, jugando también en los diálogos entre ellas, en un recurso ingenioso y original que propone Marigela Ginard, que le dá un condimento particular a las actuaciones, ya que las tres actrices siempre están juntas en escena, compartiendo el mismo personaje, mencionando también que hay diferencia de edad entre las actrices, que le aporta un matiz especial a las interpretaciones.

Nos gustaron mucho los trabajos de Evelia Romero, Valeria Franchi y Pilar Pacheco, mostrando muy buenos trabajos individuales y gran coordinación entre ellas, para entrar y salir de los personajes en los momentos justos. Evelia Romano la más experimentada, muestra mucho carisma y transmite paz con su composición. Valeria Franchi la del medio, es quien conduce la mayor parte del relato y destacamos su gestualidad y su bella voz. Por su parte Pilar Pacheco, la más joven de las tres, aporta frescura y se luce en las partes cantadas que tiene la obra. Exquisitos y sensibles composiciones del trío protagónico.

La puesta de Marigela tiene varios puntos para destacar. En primer lugar, la gran cercanía que tiene el público con las actrices, esto se debe a que las sillas se ubican a los dos costados del despojado espacio escénico, que es una estrella franja vertical que las actrices recorren. Esta disposición, permite que el espectador no se pierda detalle de los movimientos y gestos de las protagonistas, algo que se disfruta mucho. El diseño lumínico de Ricardo Sica, contribuye a la atmósfera íntima que tiene la obra y gran destaque el vestuario de Lara Risatti, con jeans y sombreros vaqueros para las mujeres en sintonía con la locación del relato.

No queremos contar más, para que descubran más cuando vean la obra, sin dudas es una gran chance de conocer la pluma esta autora estadounidense, que con este cuento nos traslada al paisaje de frontera entre los Estados Unidos y México, para hablarnos de vínculos familiares rotos que pueden provocar que nos sentimos desamparados, debiendo decidir y actuar en soledad, algo que muchas veces no trae buenas consecuencia, con el plus que no debemos perder de vista los mandatos sociales que siempre están presentes.

Seríamos una Familia nos relata una historia cruda y reconocible, que arrancará de manera relajada y a medida que la trama avanza el camino se irá oscureciendo, para entrar en una temática sensible y controversial,  que se hace eco de la realidad de muchas muchas mujeres en el mundo entero. La original puesta de Marigela Ginard y las muy buenas actuaciones de las tres protagonistas, se abrazan con sensibilidad al texto de Lucia Bertin y el teatro lo agradece.

Pensador Teatral.

Las Descartadas

Dramaturgia de Florencia Farias y Gustavo Roza Pereyra.

Miércoles 21 hs en Nun Teatro Bar ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Título interesante para esta propuesta, que con mucho humor y una trama muy dinámica nos presentará a seis mujeres que están cursando el último año de la carrera de psicología y que por decisión de la facultad,deberán presentar una tesis final grupal para recibirse. Ellas no decidieron esta metodología, ni tampoco quienes integrarían el grupo, pero no les queda alternativa, si quieren recibirse deberán unir fuerzas.

La trama se presentará con la presentación de las seis alumnas y ya en ese momento nos daremos cuenta, lo complicado que será que juntas consigan el objetivo. El grupo a simple vista aparece como muy heterogeneo, por las diferentes edades de las integrantes de aquel grupo, que cuenta con mujeres maduras y otras adolescentes, pero además se ven algunas diferencias de clase, de pensamientos y la coincidencia, es que ninguna tiene muchas ganas de integrar aquel grupo con cinco desconocidas.

Tardarán bastante en acordar el día en que se podrían reunir para trabajar en la tesis, así que pueden imaginarse lo difícil que sería ponerse de acuerdo para hacer el trabajo. Finalmente se encuentran un fin de semana en la casa de una de las chicas y tendrán la difícil misión de ponerse de acuerdo en el tema que va a tratar la tesis. Como buenas estudiantes del último año de psicología, en los diálogos aparecerán muchas citas de Lacan y Freud , como disparadores para que surja algún tema en común, pero el tiempo pasa y no logran ponerse de acuerdo.

La diversidad de las mujeres reunidas, dificulta mucho la armonía del grupo y que se enfoquen en el trabajo que deben hacer. De a poco irá apareciendo el desanimo y los conflictos personales de cada una de ellas. Todas ellas tienen una historia que las angustia, algún vinculo familiar roto, un amor enfermizo, no goce de la sexualidad, trabajos precarios, entre otras problemáticas y de a poco irán contando algo de su realidad. Además irá surgiendo un hilo conductor en cada una de las historias personales,  hay baja autoestima, situaciones de competencia,  rechazo y discriminación, que las hace sentir descartadas por el otro, siendo amplia esa figura del otro.

La trama con mucho humor y situaciones bastantes bizarras, expondrá las problemáticas que sufren a diario estas mujeres, que enseguida el espectador reconocerá y notará como muchas veces somos rechazados por la sociedad, por no cumplir una moda, un mandato o simplemente por no seguir el camino esperado que nos marcan a seguir. Y hasta allí vamos a contar para no adelantar más, cuando vean la obra, podrán descubrir, si entre todas, podrán limar asperezas y cambiar la agresión por la ayuda, para revertir un estado de angustia que aunque quieran ocultar está presente y además sabrán si finalmente encontrarán el tema en común y podrán presentar la tesis.

Vayamos ya a las actuaciones que presenta la obra, que a nuestro entender son el punto más alto de la propuesta, ya que la diversidad y la energía de las protagonistas logran suplir algún bache que la dramaturgia puede presentar en algún pasaje.. Realmente debemos valorar que haya seis actrices en escena, en tiempos donde el teatro independiente, se caracteriza por presentar mayoría de unipersonales, encontrar una obra con tantas actrices, que están todo el tiempo juntas en escena, es algo que valoramos y además representa un gran desafío por la coordinación requerida.

La diversidad de las actrices, también puede mostrar algunas diferencias en los registros actorales, aunque a nuestro entender, las seis superan el desafío. En nuestra opinión, la composición más lograda la consigue Mariel Rueda como Mercedes, con un personaje lleno de tocs, muy religiosa y con una historia de vida sufrida. A Mariel la vimos hace unos años en Quiela, un hermoso unipersonal y nos impactó su trabajo. Aquí llevando adelante un personaje muy diferente, puede mostrar su versatilidad, su veta humorística y una gran presencia escénica. Muy bueno lo de Mariel.

Otra actuación que se destaca mucho es la de Yamila Mayo como Victoria, con un histrionismo a flor de piel y una energía muy arriba que contagia al resto. Tiene un fuerte conflicto con su madre y en la parte final de la obra, sorprenderá con su transformación, pero no adelantaremos más. También con mucha presencia escénica, se lucirá en un lindo momento musical que tiene la obra. Florencia Farías coautora de la obra y licenciada en psicología en la vida real, será Melina una militante por la causa feminista, que aportará la mirada de género que tiene la historia y será un líder natural del grupo.

Nos gustó mucho el trabajo de Erica Ruiz como Agustina, es quien ostenta la mejor posición económica del grupo y no tiene problemas en que las demás se enteren. Lourdes Prenafeta, es una de las actrices más jóvenes del elenco y su personaje Abril, es el más divertido de la historia, parece estar siempre con la cabeza en cualquier cosa y eso enoja mucho al resto. Nos reímos mucho con Lourdes. Para el final dejamos a Helga Marinich como Ana, junto con Lourdes entre las más jóvenes del elenco, el personaje mala onda del grupo, ese que nunca falta, que no soporta nada, ni a nadie y que lleva sobre sus espaldas, una relación amorosa tóxica. Al final de la obra, nos enteramos que Helga estaba haciendo un toro, por la ausencia de la actriz que lleva de manera habitual el papel y nos sorprendimos mucho, ya que su trabajo fue muy bueno y no se notó para nada la situación. Nuestras felicitaciones para Helga.

Se hizo un poco larga la descripción, pero entendemos que el trabajo de las actrices merecían las menciones, ya que no es fácil coordinar esfuerzos siendo tantas en el escenario, como dijimos hay algunas diferencias en lo registros actorales, por las diferencias de edad y de experiencia en los escenarios, pero esa diversidad precisamente es la que enriquece la historia y logra maquillar cualquier desajuste.

Hay un muy buen trabajo de Alejandra Mistral en la dirección, logrando darle rumbo al guión y coordinando esfuerzos, es mucho lo que ocurre en el escenario y habrá que estar atento para no perder detalle. Puntos a destacar el diseño escenográfico de Gisela Budesky, quien además tiene a cargo un vestuario logrado que suma en las caracterizaciones de los personajes, las luces de Miguel Angel Madrid y la música original de Carla Haffar son otros ítems a resaltar. Todo lo mencionado aporta para el colorido y el atractivo que tiene la puesta.

En definitiva, Las Descartadas resulta una propuesta muy divertida, que elige el humor como medio, para presentar la problemática que muchas mujeres y también hombres sufren en el día a día, ya que son descartados por la sociedad en general y por distintos integrantes de la misma, pudiendo caer la figura del descartador en algún familiar, en un empleador, en nuestra pareja o en cualquiera que sienta la forma de imponer su poder sobre nosotros, con el objetivo de hacernos sentirnos personas inútiles y sin capacidad para conseguir logros.

Por eso más allá de cualquier mirada, celebramos el objetivo de Las Descartadas que con una mirada psicológica, alienta a superar los obstáculos que se cruzan en el camino, apareciendo el concepto de resilencia que es la capacidad que tiene una persona de superar acontecimientos adversos de forma constructiva, adaptarse a ellos y buscar salir fortalecido luego de pasar por algún suceso traumático. 

Con Las Descartadas, además de reírse con los personajes tan diversos que presenta la historia, seguramente se identificarán con alguna de las protagonistas y al final de la función se irán reflexionado y luchando por lograr una sociedad que nos trate mejor a todos y que en vez de descartar al otro, lo incluya.

Pensador Teatral.

La Vida sin Ficción

Dramaturgia y Dirección de Francisco Lumerman.

Viernes 20 30 hs y Sábados 21 15 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Un texto profundo, que moviliza y emociona nos presenta La Vida sin Ficción, la última creación de Francisco Lumerman, joven y talentoso dramaturgo, con muchas obras reconocidas en el teatro independiente en su haber como El Amor es un Bien, El Río en Mi, Te Encontraré Ayer, por nombrar solo algunas. En esta ocasión se involucra de manera total en esta obra que escribió en la pandemia, decidiendo estar en escena, porque sentía que la misma era la obra más personal de las que escribió.

Y digamos ya que La Vida sin Ficción, no es una pieza que pase desapercibida, todo lo contrario, es una propuesta inteligente y ambiciosa, que indaga en los vínculos personales y familiares, para mostrar como reacciona el ser humano ante la inminente llegada de la muerte. Es posible aceptar la muerte de alguien a quien queremos ?? Existe ese sentimiento de resignación o hasta último momento luchamos contra lo inevitable ?? Y cuando la muerte llega, es posible transitar el duelo sin sentir el peso de la ausencia casi a diario ??

El tema de la muerte es un gran disparador, pero la obra de ninguna manera se queda anclada en ese lugar, ya que nos hablará de la amistad, del amor, de vínculos familiares rotos, de la mentira y del miedo a quedarnos solos. Y aparece la idea de la ficción, como símbolo de unión entre los vivos, como una tabla a la que nos aferramos en el mar, para mantenernos a flote, creando nuestro propios universos paralelos, para abrazarnos a la vida, aunque sepamos que la muerte está agazapada, esperando el momento preciso para darnos el zarpazo

La obra son tres historias en una, con tres actores que desdoblarán nueve personajes. Las historias y los personajes están entrelazados y tienen como hilo conductor una novela llamada La Vida sin Ficción, que trata sobre un mundo donde no existen la ficción, ni la mentira, con la particularidad de no tener final, porque su autor muere de manera repentina. Su hijo encontró el borrador y la publicó, logrando que el libro se vuelva un récord de ventas.

En una de estas historias un grupo de amigos de la adolescencia se reencuentra y tienen como proyecto de filmar un documental acerca del libro, en otra una actriz que está filmando una película basada en la novela, vuelve a ver su hermano discapacitado luego de varios años y en la última un escritor se recluye en una cabaña frente a mar, para intentar terminar el guión de su nueva obra de teatro. Los tres relatos tienen puntos en común, vemos seres vulnerables que buscan la mejor manera de transitar sus tragedias personales y con la muerte como certeza o amenaza marcando terreno.

Nuestra recomendación es dejarse llevar por lo que sucede en el escenario, disfrutar las actuaciones y las historias de las que seremos testigos. La obra a nuestro entender tiene múltiples interpretaciones y deja mucho espacio para el debate. Por ello, la premisa que sugerimos es subirse a la montaña rusa de emociones que proponen la trama y los personajes. Estamos seguros que cuando salgan del teatro, se van a quedar largo rato debatiendo con todo lo que vieron, tratando de atar cabos sueltos.

Y llega el momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra, como dijimos antes son tres los protagonistas y nueve los personajes que veremos en acción. En cada una de las historias que se irán intercalando, los actores se transformarán según el papel a representar. Todo ello ante la vista del espectador y sin cortes, lo que obliga a los actores a estar con todas las luces, listos para la ocasión.

Y en actuaciones muy parejas por lo buenas, entendemos que quien se lleva los mayores elogios es Rosario Varela, que está genial en sus tres personajes, con gran presencia escénica, enorme sensibilidad y un carisma enorme. Es quien lleva los hilos de las historias y quien más se destaca. A Rosario recordamos haberla elogiado hace unos años por su actuación en Las Cosas de Mabel, pero lo que hace aquí es fenomenal. Por este trabajo Rosario, fue nominada a los Premios María Guerrero, en el rubro de mejor actuación protagónica y luego de ver la obra, coincidimos totalmente con la mención, ya que sin dudas la de Rosario es una de las mejores actuaciones que vimos en todo este año y vemos varias obras por semana.

Sigamos como Francisco Lumerman, que por primera vez protagoniza un texto de su autoria. Y su trabajo es estupendo, nos gustó mucho su personaje del escritor solitario que recibe al fantasma de su padre y la rompe como Marcos, el chico que está en silla de ruedas, que como el mismo dice nació fallado y recibe la visita de su hermana que hace tiempo no lo visitaba. Es un personaje fascinante y el más fuerte de la obra, tremenda la composición de Francisco, que además de escribir esta hermosa, se dá el gusto de actual en ella y lo hace de la mejor manera.

Completa el elenco Ignacio García, que se suma al elenco en esta segunda temporada y lo hace realmente muy bien. Destacando sus trabajos como el cuidador de Marcos y también como el amigo que recibe una mala noticia por una enfermedad que retorna.  Muy bueno su trabajo y el bonus track, la imitación de Sandro que realiza. Muy bueno lo de Ignacio.

Las tres actuaciones son excelentes, dando la talla en una obra que tiene mucha exigencia, todos se muestran muy identificados con el proyecto y con mucha química entre ellos. Y todavía no hablamos de la gran puesta que tiene La Vida sin Ficción, original, creativa y a tono con las nuevas tecnologías. El director quiere dejar claro al espectador que esto es teatro y no esconde el truco, al contrario lo expone en todo momento. Los personajes cambian su vestuario a las vista del público, mueven los paneles móviles que sirven de escenografía y hasta la asistente de dirección entrará en escena, para acomodar algunos elementos y darle continuidad a las acciones.

La puesta tiene una dinámica vertiginosa y los estímulos son múltiples. Hay proyecciones de imágenes grabadas de los protagonistas, filmaciones en vivo, una pantalla gigante que reproduce lo que escribe una computadora, videojuegos y mucho más. Punto a mencionar, el ingenioso diseño escenográfico de Micaela Sleigh, con esas estructuras móviles que separan los ambientes y las cortinas que se abren y se cierran según la necesidad. La iluminación de Ricardo Sica tiene la calidad que acostumbra sus trabajos y mencionar por último la realización vestuario de Florencia Tutusaus, fundamental para la caracterización de los diferentes personajes.

Bueno no queda más para agregar, esperemos no haber adelanto mucho en esta reseña, porque una de las virtudes que tiene la obra es su capacidad de sorprendernos, ocurre mucho en el escenario y a muy buen ritmo, por lo que hay que estar muy atentos para no perder detalle y esperemos sigan nuestro consejo y se dejen llevar por la corriente de emociones que tiene la obra,  no traten de entender todo en el momento, ya a la salida tendrán tiempo de reflexionar y debatir, en la sala disfruten

Solo nos queda recomendar La Vida sin Ficción, que está transitando su segunda temporada con gran suceso de público y de crítica. Una obra fuerte, que entre muchas temas nos habla de la muerte y las diferentes formas de reaccionar ante ella. El texto conmueve y emociona, pero también tiene momentos divertidos y perlitas musicales que enamoran. Vayan al Moscú, disfruten de un texto inteligente, una puesta muy original y de actuaciones geniales, además de reflexionar sobre si es posible que exista la vida sin ficción.

Pensador Teatral.

Del Barrio La Mondiola

Texto: Jorge Lorenzo. Dirección de Mecha Fernández.

Viernes 19 30 hs en EL Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una brisa de aire fresco es la aparición en la cartelera porteña, de propuestas como la del Barrio La Mondiola, un sainete musical escrito por Jorge Lorenzo, ambientado en la década del 40, que nos invita viajar a aquellos años para disfrutar de la atmósfera tanguera que se respiraba en las casas, no existía la televisión y la radio era quien traía las novedades y el entretenimiento a las casas.  Eran tiempos de guapos y compadritos, de mujeres que se emperifollaban para ir a la milonga, con la ilusión de encontrar al más rana con quien pasar al zaguán.

La historia estará cargada de imágenes de la época y de algunas palabras que ya cayeron en desuso, siendo esto un atractivo adicional para esta obra llena de encanto y de poesía. En el relato se mezclarán escenas de la realidad, con otras pertenecientes al mundo onírico, quedando claro que la premisa principal es disfrutar de los personajes, los tangos, los bailes y los momentos muy divertidos que tendremos a lo largo de la trama. Aquí la historia es la excusa y el marco necesario, para que podamos disfrutar de este sainete de época que tiene todos los condimentos.

En la misma veremos a Leopoldo ( Carlos Ledrag ), un humilde empleado municipal, con sangre tanguera en su venas, ya fue su padre fue un reconocido cantor de la época. Está enamorado hace mucho tiempo de Rosaura ( Jesica Livorsi ), una bella chica de barrio, que sufre la timídez de Leopoldo, que no se anima a dar el paso adelante para conquistarla. Las cosas no serán sencillas para nuestro héroe, ya que en el trabajo deberá lidiar con un jefe bastante villano ( Jorge Lorenzo ) y una compañera ( Silvia Geijo ) que un poco por celos y otro poco por pura maldad buscarán obstaculizar su conquista.

La situación no era sencilla para Leopoldo, pero por suerte, contaba con un arma secreta a la que podía recurrir y esa era soñar aquello que deseaba. En sus sueños, los deseos se cumplian y allí se convertía en un eximio y seductor cantor de tangos que generaba los suspiros de las mujeres, entre ellas su amada que en el mundo de sus sueños puede tener otro nombre y también los  suspiros de Alma su compañera de trabajo, que en los sueños caerá bajo sus encantos. Y para completar el combo, su jefe aquí será Rigoberto y sufrirá las burlas del resto.

La trama tiene muchos enredos y es muy entretenida, lo onírico se mezclará con la realidad, para ofrecernos un relato muy divertido, que nos hará viajar en el tiempo, para conocer a los deliciosos personajes que la historia nos ofrece, con la música bien presente y esos fragmentos de tangos que serán parte importante de un relato que se disfruta desde el principio. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo dejamos para que ustedes los descubran cuando vean la obra, ya que hay varias sorpresas.

Momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra, ya que son el alma de la misma y se destacan muchísimo. Arranquemos por Carlos Ledrag, el gran protagonista de la noche y quien a nuestro entender se lleva los mayores elogios. Esto sucede por su presencia escénica y por sus grandes condiciones como cantante, algo que capitaliza muy bien aquí, ya que es quien tiene a cargo los mejores momentos musicales de la noche, cantando fragmentos de tangos reconocibles para todos como Cuesta Abajo, Garufa y Nada por mencionar solo a algunos. A Carlos lo habíamos elogiado el año pasado por su trabajo en La Falcón, pero a nuestro entender aquí encuentra mayor espacio para su lucimiento y el espectador lo agradece. Un trabajo estupendo.

Pero no seamos injustos con el resto del elenco. Encantadora composición de Jésica Livorsi, dotando de ternura y candidez a sus personajes, además de lucirse mucho en las partes cantadas, por su bella voz. Nos gustó mucho lo de Jésica. Y sigamos con Silvia Geijo, la más divertida de la noche, con un histrionismo a flor de piel, fue quien más risas generó a la platea. Además de eso, para destacar su entrega, muy bueno lo de Silvia. Y cerramos el elenco con Jorge Lorenzo, el autor de la obra, que participa de la misma con un personaje muy divertido.

Realmente cuatro trabajos muy buenos en la actuación, todos muy comprometidos con la obra y con actuaciones que se disfrutan mucho en todos los casos, desde lo individual y en el conjunto. Pero no solo ellos estaban en el escenario, no podemos dejar de mencionar a los músicos en vivos, que guitarra en mano acompañaron en gran forma los momentos musicales. Nos referimos a Moncho Santos y Juan Lorenzo, que además acompañarán la historia, con algunas muecas y gestos cómplices con los actores, siendo algo gracioso.

La puesta de Mecha Fernández tiene varios puntos altos para destacar, entre ellos la música original de Esteban Morgado, el bello y funcional diseño escenográfico de Vanesa Abramovich, el distinguido vestuario de época de Arnaldo Mario Pera Ochoa y el diseño lumínico de Horacio Novelle colaborando con los diferentes climas del relato. Por último, un párrafo especial para las pelucas de Myriam Manelli, nos encantó en especial la del cantor, seguro coinciden conmigo cuando vean la obra.

No queda mucho para agregar, Del Barrio La Mondiola está arrancando con muy buen suceso su segunda temporada, repitiendo el éxito del primer año, donde obtuvo gran respuesta del público y de la crítica especializada, recibiendo 4 Nominaciones a los Premios Ace 2002, mostrando que un género como el sainete musical, siempre muestra vigencia y es del agrado del público, más aún en propuestas tan logradas como esta.

Solo queda recomendar la obra, como dijimos antes en este caso la historia queda en un segundo plano y la premisa es disfrutar de un hermoso y divertido sainete de época, con personajes exquisitos y melodías tangueras llenando el aire de El Tinglado, para regalarnos una festiva noche de teatro. Por eso no sorprenderá ese emocionado y prolongado aplauso, con que los espectadores merecidamente despiden a los protagonistas al final de la función.

Pensador Teatral.

María, es Callas.

 Dramatutigia de Adriana Tursi. Dirección de Tatiana Santana.

Llega a la cartelera porteña, este texto escrito por Adriana Tursi, que indaga en la intimidad de María Callas, la soprano de orígen griego nacida en Estados Unidos, considera una de las cantantes más influyentes del Siglo XX, dejando una huella imborrable en el mundo de la ópera. Su voz única, su intensidad emocional y su personal forma de abordar la interpretación de los personajes en escena, la convirtieron en una artista legendaria. 

También ayudó a la gestación del mito, su desdichada vida privada y su prematura muerte. Y la obra que nos convoca, precisamente es allí adonde apunta, al interior de " La Divina ", dejando de lado sus momentos más gloriosos en diferentes escenarios del mundo y poniendo el foco en el último tramo de su vida, cuando venía en declive, estaba perdiendo la voz y se encontraba fuera de eje, debido a la traición de Aristóteles Onassis que sin dudas fue su gran amor.

La obra se iniciará precisamente con una María desbordada, hablando por teléfono con el magnate griego que la había abandonado y ahora estaba noviando nada menos que con Jackie Kennedy, una de las mujeres más populares de los Estados Unidos. Callas recordó en ese momento cuando estaba con Ari viendo la tele y asesinaron a Jonh Kennedy, un foto de ese instante mostró una mueca de alegría en el rostro de Onassis, como festejando que Jackie quedara disponible.

Callas la estaba pasando muy mal, su cabeza parecía estallar cada vez que veía en las noticias como la nueva pareja viajaba y pasaba sus días  en lugares que le eran familiares y le traían recuerdos de una hermosa etapa de su vida. Y la ira llegó a su máxima expresión, cuando se enteró que Onassis y Jackie se casarían. No podía concebir que aquel hombre ya no la quisiera y estuviera con otra mujer. Pese a haber sufrido malos tratos y humillaciones de su parte, amaba a Ari y no tenía reparos en suplicarle para que volvieran a estar juntos, mostrando que el amor muchas veces es un sentimiento inexplicable.

La célebre cantante estaba en el ocaso de su carrera y de su vida, debido a un amor fatal, por el cual se entregó de manera incondicional, pero no fue correspondida. Cada vez más eran más las pastillas que debía tomar para calmar un dolor que la atravesaba. Apenas superaba los 50 años, pero los disgustos que acompañaron su vida amorosa, le pasaron factura y un final trágico la esperaba a la vuelta de la esquina, pero hasta allí vamos a contar.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra. No era sencillo encontrar a la actriz indicada para el papel de María Callas y vaya si acertaron en la elección con Natalia Cociuffo para este protagónico. La composición de de Natalia es genial, con una presencia escénica imponente y pudiendo mostrar sus enorme recursos, ya que es una una excelente actriz y una estupenda cantante, algo indispensable en una obra con un alto componente musical.

Todavía recordamos la interpretación de Cociuffo en Los Monstruos, una obra de teatro musical que tuvo un gran reconocimiento de público y de crítica. Aquí en un protagónico muy desafiante, la actriz cordobesa muestra su enorme talento y carisma. Para quienes no a conocen, descubrirán a una gran actriz y se van a sorprender por la belleza de su voz y lo lindo que canta. Genial su trabajo.

Sin embargo este lluvia de elogios para la protagonista, no debe hacernos perder de vista, el gran aporte que realiza el trío que la acompaña en escena, haciendo de coro de ella misma y de otros personajes, dando a la obra un gran dinamismo. Arranquemos por Pedro Frías, que se luce muchísimo, especialmente en una parte cantada que protagoniza. Verónica Pacenza aporta belleza y plasticidad a la puesta, en cuanto que Sol Aguero, a quien habíamos elogiado ya por su trabajo en Verde Agua, aquí muestra todo su histrionismo, jugando un papel de presentadora en varios pasajes de la obra. Nos sorprendieron muy gratamente las composiciones de estos tres jóvenes actores, que desde roles secundarios, agregan muchísimo valor a la obra y colaboran al lucimiento de la protagonista.

La puesta de Tatiana Santana es otro punto muy alto, ya que no pensamos que en el Cultural San Martín podríamos ver una puesta que supera a muchas del teatro comercial. Analicemos el porque de esta afirmación. En primer lugar, destaquemos las excelentes coreografías creadas por Valeria Narvaez, sigamos por la dirección musical de Rony Keselman que se apalanca en el potente sonido que tiene la pieza, la bella iluminación de Iván Nirich que crea los diferentes climas que tiene la historia y también un párrafo para el vestuario de Uriel Cistaro que otorga glamour a los personajes, en especial con el imponente vestido azul que luce la protagonista.

En definitiva, estamos ante un espectáculo que se disfruta mucho, ya que nos permite recorrer el lado emocional de una artista de excelencia como María Callas, considerada la cantante de ópera más influyente de todos los tiempos. Siendo una gran idea, traer su personaje a escena, celebrando el centenario de su nacimiento y recordando parte de su vida.

Fumos testigos de la función despedida de la obra del Cultural San Martín, que la despidió a sala llena, en una temporada que termina siendo corta, seguramente por motivos contractuales con el espacio, ya que la obra tiene mucho trabajo y sin dudas tendrá un largo recorrido en un nuevo teatro. La agudeza del texto, la potencia de la puesta y en particular la genial composición de Natalia Cociuffo, como La Divina que recibe una hermosa ovación al final de la función.

Pensador Teatral.

La que Limpia

Dramaturgia de Mariana del Pozo y Lali Fischer, Dirección de Lali Fischer.

Domingos 18 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 ) 

Nuestro teatro independiente se caracteriza por la riqueza y variedad de sus propuestas, siendo La que Limpia, un claro ejemplo de ello, ya que otorga voz a un personaje invisibilizado por la sociedad, pese al importante rol que ocupan, en tantos hogares de clase media y alta, nos referimos a las empleadas domésticas, a las que algunas personas de manera despectiva la llama a secas la que limpia.

Lo habitual es que se quiera deshumanizar a quien realiza este trabajo, la convención dicta no involucrarse con sus problemas y mucho menos indagar en los sentimientos de las personas que ingresan a la intimidad de nuestro hogar. Y la obra precisamente eso es lo que propone, darle entidad a las empleadas domésticas, indagando en la persona que habita en aquel cuerpo que se calza el delantal para hacer la limpieza, mirando hacía su interior, para ver que piensan y como se sienten por tener que realizar una tarea que algunos directamente relacionan con la servidumbre.

La que Limpia, está basada en la novela Manual para Mujeres de la Limpieza escrita por la estadounidense Lucia Berlín, que con humor e ironía busca retratar la labor diaria de aquellas miles de mujeres que se ganan la vida limpiando casas ajenas. El mérito de las autoras, es extraer la esencia del texto y traerla al Conurbano Bonaerense, más precisamente a la Zona Norte, allí donde se mezclan barrios cerrados, algunos de renombre como Nordelta, con barrios de clase media y villas de emergencia, en ese contexto se irán desarrollando las historias.

La protagonista de este unipersonal, es Laura una mujer que se encuentra cansada y triste, la vida la golpeó duro y la transformó en una sobreviviente que todas las mañanas sale temprano de su casa, para tomarse los diferentes colectivos que recorren el Conurbano y la llevaran a las diferentes casas donde trabaja. Cada viaje será un punto de contacto con otras colegas de profesión y con diversos personajes que habitan el Conurbano y que todos conocemos.

La narración cautiva, porque la protagonista además de contar como es su relación con las diferentes patronas, recorrerá los códigos y algunos de los mitos de la profesión. Es verdad que las empleadas domésticas saben todo lo que ocurre en las casas donde trabajan ?? Y que hay de cierto en que siempre se quedan con algún souvenir de las casas ?? Es algo real o pura leyenda ?? Hay casas donde casi no tienen que limpiar porque está todo ordenado ?? Hay patronas que llaman a la noche para preguntar donde guardaron ese indispensable objeto que no encuentran ?? Esas son algunos de los tópicos que el texto irá recorriendo.

El relato es atrapante y el espectador seguirá sin perder detalle,  la intimidad de una trabajadora decidida a desnudar los secretos de su profesión, para confirmar o desmentir todo lo que siempre pensamos, pero nunca nos atrevimos a preguntar. En aquel relato habrá momentos divertidos y otros bastante duros. Mechando lo que sucede día a día en cada casa, la protagonista irá revelando a cuentagotas aspectos de su vida que nos ayudará a entender su realidad y sus pensamientos. 

Momento de hablar de la estupenda composición de Mariana del Pozo, la protagonista de este unipersonal, que además la tiene como una de sus autoras. Debemos destacar en primer lugar la presencia escénica de Mariana, que se para en el escenario con mucha autoridad, logrando dar total credibilidad a su personaje, que en todo momento busca mostrar un carácter fuerte y ofreciendo un relato cargado de detalles, pero despojado de emociones, siendo lo más descriptiva posible.

Nos encantó el trabajo de Mariana, que nos ofrece una composición minuciosa, que nos acerca el lado B de una actividad, mostrando esa cara que la mayoría de las personas prefieren no conocer, nos referimos al costado humano de estas mujeres que realizan una tarea tan necesaria como sacrificada. Muy bueno lo de Mariana, llevando en gran forma los tiempos del relato, haciendo muy creíble el mismo y con una entrega para destacar.

La puesta de Lali Fischer es íntima y logra recrear los diferentes hogares donde Laura trabaja. Es muy interesante observar como en el inicio el piso del escenario luce poblado de objetos desperdigados y como esto irá cambiando a medida que se acerca el final. Un punto importante para mencionar es el diseño lumínico de Soledad Ianni, que marca los diferentes climas de la historia y otro la música original de Santiago Ascaso.

No queda mucho más para agregar, La que Limpia es una original propuesta de nuestro teatro independiente, que transita su segunda temporada en cartel con muy buen suceso de público, algo que creemos ocurre, por el interés de la temática que trata, que resulta muy cercana al espectador que en muchos momentos se siente identificado con el relato y en otros disfruta por descubrir algunos secretos que desconocía.

Recomendamos la obra, que además de otorgarle voz a un personaje al que la mayoría de las personas enfrascadas en su propia realidad prefiere ignorar, nos dará una pintura muy actual del Conurbano, mostrando ese micromundo y dejando al descubierto una realidad social y una diferencia de clases muy vigente. Un texto que atrapa, una puesta muy atractiva y una composición estupenda, se unirán para que disfrutemos de esta valiosa, en un teatro como el Moscú, donde ver buen teatro, ya se ha transformado en una sana costumbre.

Pensador Teatral.