Secretos a la Luz

 Dramaturgia de Gilda Bona. Dirección de Francisco Civit.

Sábados 19 30 hs en Andamio 90 ( Parana 660 )

Un policial en tono de comedia, con enredos familiares y secretos guardados bajo siete llaves, es la carta de presentación de esta original propuesta que llega al Andamio 90, con dramaturgia de Gilda Bona y dirección de Francisco Civit, dupla que ya trabajó juntos antes, con muy buenos resultados y que seguramente con ese impulso y entendimiento, se vuelven a unir para presentar esta obra, que escapa a la habitualidad de las piezas que se presentan en el teatro independiente y esto entendemos es una de las llaves del suceso que está teniendo Secretos a la Luz, desde su estreno.

Para que puedan entender a que nos referimos en cuanto a la originalidad de la propuesta, arranquemos contando que la obra tiene nada menos que dieciséis actores en escena, si leyeron bien, un rara avis ante tantos unipersonales en cartel. Pero los actores además, son músicos, ya que son los encargados de llevar adelante la banda de sonido y la musicalización de la obra, que resulta crucial en un policial de suspenso, donde la música incidental juega un papel importante en el acompañamiento de la historia y con una muy buena dinámica, ya que los actores tocan el instrumento que tienen asignado y lo dejan cuando forman parte de las acciones.

El misterio y el suspenso son parte fundamental de esta historia desopilante y con toques sobrenaturales, por eso tenemos que ser muy cuidadosos de lo que podemos contar acá. Si vamos a decir, que toda la trama, se estructura sobre el crimen de Elena ( Daniela Delgado ), amante de la pizza fría y con una misión por cumplir, que obviamente no vamos a relevar. Su actual novio Roco ( Ariel Cortina ) tal vez sea el principal sospechoso, pero Esteban ( Juan Pablo Maicas ), su ex, también tiene sobrados motivos, pero tampoco deberíamos descartar a Inés ( Violeta Federman ) , la ex de Roco, a la que varios escucharon maldecir a la mujer que le quitó el novio. Pero a medida, que la historia avanza, vamos a descubrir más personajes, secretos familiares, traiciones y celos, todos motivos suficientes para cometer un crimen.

Y otro motivo que hace muy original a la propuesta, más allá de la cantidad de actores y personajes, es la particular forma en que se cuenta la historia, donde no hay un relato lineal en el tiempo, es decir los hechos no se presentan en orden cronológico y se juega permanente con los flashbacks ( retornos al pasado ) , logrando mantener la atención del espectador, que irá cambiando su percepción de los hechos y los personajes, a medida que el autor de manera inteligente le vaya brindando pistas.

Por eso, en el arranque de Secretos a La Luz, veremos a Esteban llegando en plena noche a la casa de Luz ( Luciana Serio ) y Mariano ( Gabriel Yeannoteguy ) a pedir ayuda por un grave hecho que ha acontecido. Es allí cuando anuncia la muerte de Helena y que va a necesitar a la abogada de Mariano para salir del entuerto en el que se encuentra. A partir de allí la historia se empezará a desarrollar, analizando lo que sucedió de manera detallada, con muchos flashbacks que recrean los hechos. Nos hizo mucho recordar a aquellas películas, que luego del inicio con un cuerpo en primer plano, un cartelito indica seis meses antes ... Bien,  acá los viajes en el tiempo serán continuos y no solo a la noche fatídica del hecho. Y hasta aquí vamos a contar, para no adelantar más y que ustedes vayan desentrañando el misterio paso a paso, como es la idea de la autora.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra, siendo tantos los actores en escena, se complica mencionar a todos, pero haremos lo posible, ya que las interpretaciones son realmente destacadas. La dramaturgia tiene algo de complejidad, ya que al ser muchos los personajes y detrás de la historia principal del asesinato, hay varias historias paralelas, que tendrán un final común, el espectador deberá estar muy atento para seguir el hilo del relato y no perderse con tanta información. Bueno, hay que decir que esto se consigue gracias a la pericia del elenco, que abraza con gran compromiso la historia.

Y si de actuaciones destacadas hablamos, arranquemos por Juan Pablo Maicas, como Esteban, quien relata en primera persona lo sucedido y lleva el hilo conductor de la historia. Muy bueno el trabajo de Juan Pablo. Quienes escuchan su relato y tratan de ordenar todas las pistas son Luciana Serio como Luz y Gabriel Yeannoteguy como Mariano, una pareja divertida y llena de secretos, que anuncia a los cuatro vientos que ya no se pelean más. Estupendos están Luciana y Gabriel. Ariel Cortina es un temperamental Roco, personaje clave ya que estuvo con Elena la noche de su muerte y luego de ello fue a ver a su amigo Esteban. Muy bueno el trabajo de Ariel. Y  en estas menciones de protagónicos, no podemos dejar de mencionar a Daniela Delgado, en el papel de Elena, ya que si bien en el comienzo sabemos que está muerte, gracias a los flashbacks comentados, la veremos mucho en acción, muy expresiva y será tal vez el personaje que más misterios y secretos acumula.

Estamos siendo injustos con muchos otros actores que tienen una participación menor en minutos, pero que también son importantes para la historia, que se completa con la participación de todos. Sepan que la historia tiene mujeres despechadas, una vecina alterada, una abogada, primas que deben resolver secretos familiares, un trompetista rompe corazones y hasta una presencia sobrenatural. Por eso debemos mencionar a Violeta Federman, Natalia Chiesi, Vanesa Cardella, Mar Bel Vázquez, Cristina Blanco, Diego López, Graciela Barreda,  Cintia Trobbiani, Alejandro Faggioni y Gisella Crimi. Todos ellos con más y menos minutos, contribuyen al todo que es la obra.

Destaquemos ahora la puesta de Francisco Civit, que tiene como gran mérito coordinar tantos recursos actorales en escena, algo nada sencillo y que se resuelve de muy buena manera, aprovechando la profundidad del espacio escénico del Andamio 90, ya que los actores están todo el tiempo en escena,, ya sea actuando o a cargo de la música. Un rubro importante a destacar es el vestuario de Cecilia Zuvialde, que colabora con la caracterización de tantos personajes.

Y hasta aquí vamos a contar, desde este sitio siempre celebramos la aparición de las propuestas que se animan a salir de lo habitual y arriesgan, siendo este el caso de Secretos a la Luz, que ofrece una obra que tiene un estilo cinematográfico por la manera que se cuenta la historia, explorando el género de la comedia policial, donde el suspenso y los secretos familiares estarán a la orden del día, para que el espectador pueda armar la hoja de ruta que le permita descubrir al asesino.

Por eso, sepan los espectadores que deberán asistir con los ojos bien abiertos y los oídos atentos. Son muchas las pistas que deberán procesar para poder cumplir con éxito la tarea de detective que la obra les propone. Pero más allá del suspenso y misterio, la pieza permite al público reírse de una historia desopilante y de muchos personajes que juegan con música y suspenso, para unirse a la ceremonia teatral, que la obra nos propone.

Pensador Teatral.

Fausto, Tragedia Musical.

Dramaturgia: Juanjo Stringa, Dirección General: Gastón Brian Gliksztein.

Miércoles 21 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

El teatro independiente se vista de gala, para recibir esta potente y bellísima adaptación de Fausto, texto escrito a comienzos del Siglo XIX por Wolfgang von Goethe, uno de los escritores y pensadores de la literatura alemana, que se inspiró en una leyenda popular, para escribir esta obra, que fue las más reconocida de su bibliografia, que reflexiona sobre la desmedida ambición de hombre, los limites morales y de manera más global, sobre el conflicto eterno entre el bien y el mal, que muestra una inquietante vigencia.

En esta lucida versión, autoría de Joaco Stringa, veremos a un Fausto ( Charley Rappaport ) sediento de conocimiento, que reniega de su vejez. Desilusionado con la vida que lleva, desea volver a ser un hombre joven, con poder, conocimiento ilimitado y merecedor de poder disfrutar de los placeres terrenales. Está dispuesto a dar cualquier cosa para lograrlo y es así como decide hacer un pacto con Mefístoles ( Emannuel Degracia ), el mismísimo Demonio, al que le venderá su alma. Aquel encuentro se produce, gracias a los oficios y a las artes de seducción de Lilith ( Aimará Vazquez ), primera esposa de Adán en la mitología judía, que fue expulsada del Edén debido a su rebeldía , encontrando refugio en el Infierno, el lugar donde reina Mefistófeles.

Las acciones se desarrollan en la noche de Walpurgis, celebración pagana y de lujuriosa, donde la brujería y lo sobrenatural se hacen presentes. Y allí un Fausto rejuvenecido, conocerá a la bella e inocente Gretchen ( Maia Barrio ) , una joven creyente y virgen, que en principio trata de resistir al cortejo de Fausto, pero la tentación finalmente la vencerá y se entregará a su pretendiente. Si bien el amor parece genuino, esta relación dará lugar a una serie de tragedias, que serán el principio del estado de arrepentimiento que sentirá Fausto, tras su borrachera de emociones. Y hasta allí vamos contar, aquellos que conocen la historia, recordarán que sucede y quienes no la conocen, deberán imaginar lo que sucede cuando se firma un pacto con el Diablo y al tiempo queremos desconocerlo.

La obra tiene muy buena dinámica, ya que las partes actuadas, se entremezclan con los muy excelentes momentos musicales que presenta. Números realmente logrados, con coreografías bien ejecutadas y destacadas, principalmente por la destreza de los actores, ya que no solo actúan bien, sino que también cantan en gran forma. Y algo para resaltar, es el impecable sonido que tiene la obra. Sucede en muchos musicales, inclusive dentro del teatro comercial, que las voces quedan en segundo plano tapadas por la música o no se entiende bien lo que cantan. Bueno acá nada de eso sucede, las partes cantadas se disfrutan a pleno y son momentos que el público disfruta muchísimo.

Momento entonces de hablar de las actuaciones que presenta la obra, siendo este este un punto muy alto. Son cinco los actores en escena y todos consiguen destacarse, por su entrega y talento. Quienes nos leen habitualmente, saben que siempre nos gusta elegir la mejor actuación, para ver si ustedes coinciden. pero en este caso caso sinceramente la tenemos difícil porque los trabajos son realmente sobresalientes en el conjunto,  Pero vamos a arrancar por Emannuel Degracia, en el papel de Mefistófeles, mostrando una presencia escénica impactante, para un villano con todas las letras, que muestra su condición en cada movimiento y en cada gesto. Destacando nítidamente en las partes cantadas, Emannuel redondea una interpretación estupenda.

Nos deslumbró también la bella voz de Aimara Vázquez, con una composición sobresaliente de Lilith, un persona misterioso y mágico. Aimara le da mucho encanto al personaje y se luce muchísimo. Es la primera vez que la vemos en escena y para nosotros fue la gran revelación de la obra. Pero no seamos injustos con los demás. Charley Rappaport, un actor al que ya habíamos elogiado por anteriores trabajaos, se muestra a la altura del protagónico que tiene, cumpliendo una gran labor, como Fausto. Y para dar muestras de su prestación, contamos antes que Fausto tiene un momento inicial donde se lo vé avejentado y en otro, donde tras firmar el fatídico pacto con el diablo se muestra rejuvenecido. Charley es el actor en ambos momentos de Fausto, pero en nuestro caso tuvimos dudas de esto, al ser tan buenas las personificaciones, llegamos a pensar que eran dos actores, con eso creo decimos todo.

Toca mencionar ahora a Maia Barrio, a cargo de la bella y virginal Gretchen. Impresiona la entrega de Maia, que abraza con gran pasión su personaje y muestra a flor de piel sus emociones. Además da cuenta de su bella voz, redondeando una gran trabajo. Resta mencionar a Diego Soler como Azazel, fiel ladero de Mfistofeles. No queremos adelantar mucho de su personaje, solo diremos que es una gran muestra, de como de manera silenciosa se puede dar mucho en escena y destacarse en gran forma, desde un papel donde esto parece imposible. Esto es algo que consigue Diego al que felicitamos y cuando vean la obra, terminarán de entender a que nos referimos.

Rebobinamos y cuando líneas atrás dijimos que eran cinco los actores en escena, nos estábamos olvidando del gran aporte de Ariadna Alegre y Evgenia Lisina, a cargo de los coros de la obra. Disfrutamos mucho de sus bellas voces, aportando ambas glamour a la puesta. Se hizo algo larga la descripción, pero creemos que es un acto de justicia, ya que pocas veces encontramos un elenco tan parejo por lo bueno, con tanta entrega y tan buena química entre ellos. Todos factores que sin lugar a dudas,  explican el gran despliegue actoral que tiene la propuesta.

Y si hablamos de despliegue, toca ya hablar de la fantástica puesta de Gastón Brian Gliksztein, original y con una belleza estética superlativa. Para destacar, el impactante diseño lumínico a cargo del mismo Gastón, aprovechando las posibilidades de la hermosa y moderna sala de Itaca. Aplausos para el vestuario de Carla Liguori, que se luce en las caracterizaciones de los personajes ( en especial en Mefistófeles y Lilith. ) No podemos dejar de nombrar la música original de Ale Dolina y la dirección musical de Damian Henquin.

La puesta de Fausto, Tragedia Musical, resulta un verdadero lujo para el teatro independiente y estará sin dudas entre las mejores que veremos en el año . Vemos muchas obras al año, pero cuando encontramos una joyita escondida como esta, nos gusta gritarlo a los cuatro vientos, porque son obras realmente estupendas, que muchas veces por falta de prensa y visibilidad no tienen el eco que merecen y por eso es nuestra misión, levantar el brazo y llamar la atención de los espectadores.

No queda más para agregar, estamos en presencia de una gran adaptación musical del clásico de Goethe, que muestra una vigencia inquietante, ya que nos habla de las desmedidas ambiciones del hombre, que sin medir las consecuencias, quiere ir por todo, aún si para ello debe vender su alma el diablo, imaginando que dicha osadía, puede terminar sin castigo. Para disfrutar y reflexionar, recomendamos esta bella obra, que los impactará por la potencia de su puesta, por el despliegue actoral y por todos los recursos puestos en escena, para que el teatro independiente se vista de gala.

Pensador Teatral.

La Paciencia

Dramaturgia y Dirección de Macarena García Lenzi.

Sábados 20 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Entre las tantas virtudes que tiene el teatro independiente, una de ellas es lograr traer a escena temas de actualidad e interés social que habitualmente no se tienen en cuenta para representar por ser densos y poco amigables, como sería en este caso el tema del colapso en el sistema de salud que atraviesa Argentina hace años y que en los últimos años se ha acentuado de manera alarmante por la falta de presupuesto, lo que tiene como consecuencia, hospitales sin insumos, profesionales de la salud reciben sueldos miserables y pacientes que no reciben la atención adecuada.

Ante ese panorama desalentador, Macarena García Lenzi, joven dramaturga y directora, realizó un muy buen trabajo de investigación, sobre las cosas que suceden puertas adentro de clínicas y hospitales, para escribir una ficción muy bien elaborada, que con una gran dosis de humor negro, describe el descalabro que comentamos anteriormente, poniendo el foco de manera muy inteligente en el trabajo que a diario realizan las enfermeras. Ocupando un lugar central en el sistema de salud, ellas, son la primera línea de contacto para los pacientes, debiendo tener una dedicación y un compromiso, que no se limita a la atención y los cuidados médicos, ya que además deben brindar apoyo emocional a los pacientes y a sus familias en momentos de vulnerabilidad extrema.

Todos coincidimos entonces, en la importante labor que tienen a su cargo las enfermeras, pero como dijimos el sistema está en crisis y entonces parece normal, que deban cumplir jornadas agotadoras, debiendo hacer malabares, para suplir las carencias y a cambio reciban sueldos paupérrimos que no les alcanza para nada. La dramaturgia hábilmente toma este tema e introduce una pata de reclamo sindical en la trama, que le aporta mucha actualidad a la historia, con marchas de trabajadores que luchan por sus derechos y salarios dignos.

Esperemos que la introducción haya sido de su agrado, vayamos ya por fin a la obra, que nos transporta a Honrar la Vida, un centro de cuidados intensivos que atiende pacientes terminales. Y allí conoceremos a Ludmila ( Noelia Prieto ) y Silvia ( Valeria Giorcelli ) las enfermeras del turno noche, que están cumpliendo su jornada como cualquier otro día, esperando la llegada de Gloria ( Karina Elsztein ), la Jefa de Enfermería, que se encuentra demorada ya que aquella tarde, estuvo participando en una protesta sindical que terminó en represión para los manifestantes. Ludmila y Silvia, mientras cumplen su tarea, luchan contra la débil señal de internet, para poder seguir las noticias sobre la protesta.

La noche transcurría de manera normal, uno de los pacientes pedía por la presencia de su hermano, otro cumplía años ese día sin recibir visitas y otro no quería dejarse atender, ya que reclamaba la llegada de Gloria. Situaciones habituales con las que las enfermeras lidiaban a diario. Pero, en un trabajo en el que permanentemente hay que luchar contra los imprevistos y cualquier descuido puede traer graves consecuencia, muchas veces todo se puede complicar en un instante. No vamos a contar que es lo que sucede, pero Ludmila y Silvia quedan en shock, sin saber que hacer, ya que que algo ocurrió y deberán preparar alguna coartada, antes que llegue Gloría y quiera averiguar que lo que sucedió y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso.

Momento de hablar de las magníficas actuaciones que tiene la obra. Y algo para decir de entrada, los espectadores no vemos actrices en el escenario, vemos tres enfermeras con sus uniformes cumpliendo su turno. Esto no es algo fácil de conseguir y acá se logra gracias a las excelentes composiciones que realizan las protagonistas. Creando personajes muy bien caracterizados y con un realismo que impacta, la muy buena puesta que tiene la obra, sin dudas colabora con lo mencionado, pero corresponde felicitar a las tres actrices por sus trabajos.

Y vamos a nombrarlas a las tres, ya que las interpretaciones así lo ameritan. Arranquemos con Noelia Prieto, que compone a una Ludmila muy verborrágica, que además de tocar la guitarra para alegrar las jornadas de los pacientes, es especialista en llevar y traer chismes y stalkear a los pacientes, mostrando su tendencia a escapar a los procedimientos. Desopilante el personaje de Ludmila y muy reconocible para el espectador. En el mismo gran nivel, debemos mencionar a Valeria Giorcelli, como Silvia. Ella luce más responsable y se muestra preocupada por esas cámaras que las enfocan en todo momento. Tiena algunas penurias económicas y por eso quiere cuidar su trabajo, a pesar de tener también sus cositas. Nos gustó mucho su trabajo. Y realmente son muy divertidos, los intercambios que tiene con Ludmila, en el comienzo de la historia, chocando mucho por las diferentes personalidades.

El elenco se completa con Karina Elsztein. como Gloria. Es la que se incorpora más tarde al relato y tiene la complicada misión de supervisar a unas enfermeras poco dóciles y coordinar la atención de los pacientes, con un doctor que brilla por su ausencia. Con gran presencia escénica, Karina compondrá a un personaje recto, que se apega al reglamento. Pero a lo largo que la historia mostrará su costado humano y sorprenderá con algunas confesiones. Buenísimo también lo de Karina. Realmente las tres actuaciones resultan superlativas y muy empáticas, mostrando algunas intimidades de la profesión, esos trapitos al sol que generalmente se lavan en casa sin que los ajenos al sistema se enteren y además en el relato hábilmente se ponen al descubierto las internas que existen en todos los grupos humanos de trabajo, sin importar la profesión.

La puesta de Macarena García Lenzi resulta atractiva y muy lograda, ya que como dijimos logra darle mucha credibilidad a la historia. Hay un ingenioso dispositivo escénico de Duilio Della Pittima, que nos ofrece en primer plano, la vista de la sala de enfermería y deja para la imaginación, lo que sucede atrás, en las habitaciones, detrás de las cortinas. El diseño lumínico de Julián Alerta Mujica, genera un ambiente de penumbras acorde con la trama. Y otro ítem a destacar es el diseño de vestuario de Laura Ohman, que agrega valor a las caracterizaciones de los personajes. Todos estos elementos, muy bien coordinados por la dirección de Macarena, explican la efectividad de la puesta.

Y creemos que ya contamos lo suficiente. La Paciencia, Fatídica Sindical transita su segunda temporada en cartel, con muy buenas criticas y agotando localidades en cada función. Las razones del suceso, como ya contamos, se explica por varios motivos, como abordar por el lado del humor, la problemática de la crisis en el sistema de salud, confirmando que la satirización, y el grotesco, siempre es un excelente método de entrar en las profundidades de un tema complejo, es por ellos que no sorprenden, esas risas tímidas y nerviosas del público, que se replican en la sala.

Nos gustó mucho la obra y por eso la recomendamos, se van a encontrar con una dramaturgia muy bien elaborada, que se basa en situaciones tristemente reales, a los que se les agrega un toque de actualidad, otorgándole aún mayor credibilidad. A esto le sumamos una puesta tan atractiva como realista y excelentes actuaciones de las tres actrices enfermeras reunidas. Todos estos factores se unen, para que disfrutemos de una gran velada teatral, donde una vez más nos reímos de nuestras tragedias cotidianas y nos iremos reflexionando a casa, pensando si podemos hacer algo para dejar de normalizar aquellos comportamientos que contribuyen a la degradación de nuestra sociedad.

Pensador Teatral.

Ava Gardner

Dramaturgia y Dirección de Caro Angeu.

Jueves 19 hs en Espacio Polonia ( Fitz Roy 1477 ) 

Sentido homenaje a una de las actrices más icónicas y deslumbrantes de la era dorada de Hollywood, llega al teatro independiente de la mano de Caro Angeu que en su opera prima como dramaturga, sorprende con este atractivo texto que repasará momentos fundamentales de la vida de Ava Gardner, la actriz estadounidense, conocida por su fascinante belleza, una personalidad avasallante y por su talento que le permitió convertirse en una de las estrellas más glamorosas de Hollywood durante las décadas de 1940 y 1950

Ava nació en Carolina del Norte en 1922, fue críada por una familia modesta en una granja de tabaco y nadie imaginaba que podía tener una carrera como actriz. Pero muchas veces un hecho fortuito puede cambiar todo. Y en el caso de la Gardner, ese golpe de suerte, llegó cuando con apenas 18 años, cuando visitaba a su hermana en New York y su cuñado le sacó unas fotos para su estudio fotográfico. Una cazatalentos de la MGM de casualidad vio su foto y cautivado por su belleza, le ofreció firmar un contrato con el estudio, si saber que estaba fichando a quien unos años después, se convertiría en una de las mayores estrellas que Hollywood alumbró.

A su belleza física Ava, le sumaba un carisma y una rebeldía, que le daban un atractivo único, ya que por momentos se mostraba como una mujer con una fuerte personalidad, segura de si misma y en otros era una dama vulnerable y frágil. que inspiraba ternura. Ava fue conocida por una carrera llena de éxitos, que incluyó más de 60 películas filmadas, en cuatro décadas diferentes, pero también por una vida privada llena de romances apasionados y tormentosos, que incluyó sus matrimonios con Mickey Rooney, Artie Shaw y el más celebre de todos Frank Sinatra, que capturó la atención del público, los medios y se convirtió en parte de la historia de Hollywood, ejemplificando el glamour y los excesos de las estrellas de aquellos años dorados.

Creemos que este breve resumen de la vida de Ava Gardner, pudo haber sido de utilidad para aquellos lectores, que por un tema generacional no la conocían,  puedan dimensionar de la actriz que hablamos. Y volviendo a la obra que nos convoca, toca hablar de Caro Angue, joven mendocina que hace unos años de manera casual se topó con un libro que contenía biografías de actores de Hollywood y allí vió el nombre de Ava Gardner, a quien hasta ese momento no conocía. Leyó su historia y de inmediato sintió una conexión especial con ella y se enamoró de su personalidad y su espíritu indomable. Su admiración por la actriz estadounidense crecía y en su mente ya afloraba la idea y el sueño, que algún director la iba a convocar para protagonizar una obra sobre ella.

Pero el tiempo pasaba, el director no aparecía y Caro decidió que sería ella quien escribiría la obra, la dirigiría y además la protagonizaría. Un desafío enorme, difícil de imaginar para muchos, pero ella no se achicó, todo lo contrario le gustó el reto y se tiró con todo a la pileta. Con un arduo trabajo de investigación, seriedad y mucha pasión, armó un rompecabezas de la vida de la actriz y a partir del mismo escribió un virtuoso texto que además de mostrar momentos claves de la historia de Ava, muestra su sentimiento y filosofía de vida.

Momento de hablar de la gran composición de Caro Angeu, que en su primer unipersonal, brilla en el escenario, abrazando con amor al icónico personaje y conectando mucho con el sentir de la actriz, transmitiendo su vivacidad y alegría, mostrando además una presencia escénica que impacta. La interpretación de Caro es magnética y cargada de energía, el público sigue embelesado su trabajo y se sorprende por la fluidez que logra darle a una trama, que tiene momentos muy divertidos y otros de profunda emoción.

Caro transita en gran forma los diferentes momentos emocionales de la vida de Ava. Con un histrionismo a flor de piel, una sensualidad inquietante y un desparpajo absoluto, se mete en la piel de la diva y disfruta cada momento en escena, algo que el público reconoce y agradece. La entrega de Angeu es descomunal, dibuja logradas coreografías y bellos bailes, se arrastrará por el piso, reíra, gritará y llorará. Sabiendo la responsabilidad del protagónico que representa, no se guarda nada y deja todo en escena, para redondear una composición genial. Les aseguramos que cuando vean la obra, comprobarán la justicia de nuestros elogios.

La puesta que presenta la obra, es sumamente atractiva y bella desde lo estético. Rubros a destacar la gran banda sonora que tiene la obra, con temas de aquella época que acompañan el relato y recorrerán desde el jazz, hasta el flamenco. El vestuario es sobresaliente. Caro realiza cinco cambios de vestuarios a la vista del público, dando a la puesta el glamour, que la diva en cuestión merece. Y hay también un muy buen diseño lumínico de Pedro López, que está a cargo también del diseño sonoro, logrando una atmósfera donde reina la oscuridad y el humo del cigarrillo. 

Y no queremos contar más, vamos a dejar que el resto lo descubran ustedes cuando vean la obra. En lo personal es una satisfacción, descubrir como nuestro teatro es una máquina de generar nuevos talentos y este es el caso de Caro Angeu, una joven mendocina, que cuando leyó ese libro sobre Ava, supo que algún día la iba a representar y no se quedó esperando para que le llegara la propuesta. Ella mismo la generó, se animó a escribir su primer texto largo, no tuvo miedo en ser ella mismo la directora y mucho menos de subirse al escenario, para fundirse en la piel de Ava, con talento y pasión, Un ejemplo de constancia y de ir en busca de los sueños, por más difíciles que parezcan.

La obra nos gustó mucho y por eso la recomendamos. Es una gran oportunidad, para aquellos que quieran conocer más a una de las actrices más icónicas de los años dorados de Hollywood, de la mano de un texto basado en hechos reales de la vida de Ana, una puesta bella y un trabajo fenomenal de Caro Angeu, que resulta una verdadera revelación, pisando muy fuerte en su primer unipersonal, que nos permite volar con la imaginación, cerrar los ojos y al abrirlos magia del teatro mediante, descubrir a una diva de Hollywood en nuestro querido off.

Pensador Teatral.

Esas que no

Dramaturgia de Brenda Bonotto. Dirección de Antonella Scattolini Rossi.

Lunes 20 30 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 ) 

Llega al Teatro del Pueblo, un texto entrañable y sensible de Brenda Bonotto, que nos transporta hacia la Buenos Aires de la déçada de1930, para conocer a las encantadoras Betty y Nelly, hermanas inmigrantes italianas, que como muchos en esos años llegaron en barco a Argentina, en busca de un futuro mejor que el que tenían en Europa.

Por lo general, el teatro captura las vidas de aquellas personas que se destacaron y llagaron a ser famosas. Pero que ocurre, con tantas otras que pese al esfuerzo y a los sueños no lograron trascender ?? El mundo artístico, como la vida, muchas veces es injusta, y este texto tiene la virtud de homenajear a aquellas personas que trabajaron muy duro, pero no obtuvieron el reconocimiento público. Artistas anónimos y talentosos que se esforzaron mucho pero nunca la fama.

Betty y Nelly eran muy unidas y se acompañaban en todo, pese a que tenían personalidades diferentes. Nelly ( Sol Montero ) era quien más se obsesionaba por el tema, a que obligaba a Betty ( Brenda Bonotto ) a que practicaran juntas las coreografías de manera incansable y la que golpearía las puertas de Sono Films, para que les dieran una chance, que no iban a desaprovechar. La situación en la casa no era sencilla, ya que tenían que cuidar a la mamma que a esas alturas estaba ya muy enferma y casi no hablaba,

Las hermanas compartían casa y también amores.  Relaciones forzadas que les servían para ganarse algún regalito del pretendiente. Tenían una mentalidad adelantada a la época, en la que las mujeres eran postergadas. Ellas no querían caer en el mandato social que marcaba que lo correcto era trabajar en la casa y esperar que el marido volviera del trabajo para atenderlo. Ellas querían ser artistas independientes, llegar a la pantalla grande y que sus nombres sean recordadas en la posteridad. La tarea no era sencilla, pero iban a hacer todo lo posible para cumplir ese sueño.

La obra tiene momentos muy divertidos y otros plenos de emoción. La música tendrá un rol fundamental en la trama, apareciendo tangos y milongas cantados por Betty y Nelly, que además dibujan logradas coreografías. Había muchos obstáculos en el camino de las hermanas,  pero también muchos deseos. Una tarde Nelly pudo finalmente presentar su idea en Sono Films y la misma causó mucho interés. En ella contaba la historia de esas hermanas que llegaron de Italia y querían triunfar. La promesa que pronto las llamarían, las llenó de entusiasmo. El sueño de ver sus nombres en la marquesina y que la mamma, fuera testigo de aquello, ya no sonaba como algo imposible y las llenaba de orgullo. Y hasta allí vamos a contar, para saber si finalmente esto se concreta, deberán ver la obra.

Momento de hablar de la estupenda dupla protagónica que conforman Sol Montero y Brenda Bonotto, que nos regalan ambas hermosas composiciones. Sol es una Nelly que no se rinde nunca. Tiene muy claro que deben llegar a ser artistas reconocidas y que para llegar hay que trabajar duro y golpear muchas puertas . Brenda en cambio es una Betty, más rebelde,  que acompaña a su hermana porque no la quiere dejar solo en su sueño, pero es menos ilusa.  Las hermanas se adoran, pero no siempre coinciden en los pensamientos y eso hace más rica la relación. 

Nos encantaron los trabajos de Sol y de Brenda, ambas con voces hermosas que se lucen sobremanera en las partes cantadas y que con mucha pasión llevan adelantes sus personajes, mujeres aguerridas y solas que tratan de hacer pie en el país que las recibió. Deben ganarse el pan para pagar la olla y además buscar tener un lugar en el mundo artístico. Son jóvenes, bellas y talentosas, pero no son las únicas que buscan la fama, por lo que deberán ser fuertes, para sortear los obstáculos y las desilusiones que adornan el camino.

La obra tiene una belleza estética sobresaliente, son muchos los detalles que se ven en el escenario y que enriquecen la puesta de Antonela Scattolini Rossi. Impresionante el vestuario de época que presentan las protagonistas, con muchísimos cambios de vestuario y un despliegue escénico que debemos destacar. Mención especial aquí para Camila Ciccone a cargo de ese rubro y también del diseño escenográfico que tiene la obra, que reproduce un cálido hogar. La dirección musical de Agustín Scala también merece la mención, ya que es componente importante de una puesta muy atractiva y rica en recursos.

Es oportuno mencionar que Esas que no, está agotando localidades desde su estreno, con el boca a boca como gran aliada. Es una obra entrañable que nos recuerda aquellos años dorados, en que Argentina era un país que recibía inmigrantes que llegaban a forjarse un futuro en una tierra prometedora, Además nos habla de la familia, de lo importante que son los vínculos familiares, como punto de anclaje para todo lo demás. Y principalmente nos habla de los sueños, de la pasión que le ponemos a nuestras ilusiones, buscando dejar un registro que trascienda nuestras vidas.

Solo nos queda recomendar la obra e invitarlos a que conozcan la historia de Nelly y Betty, inmigrantes italianas que a fuerza de talento y esfuerzo se quieren ganar un lugar en el ambiente artístico porteño de aquellos años. Vengan a descubrir este texto sensible, una puesta muy rica y actuaciones exquisitas de dos actrices que riegan talento en escena, para que disfrutemos una noche distinguida de teatro, música e ilusiones.

Pensador Teatral.

Un Beso en el VIdrio dejó marcado el Rouge.

Dramaturgia de Sonia Novello. Dirección de Claudia Mac Auliffe.

Jueves 20 hs en Area 623 ( Pasco 623 )

Un texto humano y sensible podría definir a Un Beso en el Vidrio dejó marcado el Rouge, bella obra escrita por Sonia Novello, que nos presenta una historia que resulta cercana y reconocible para el espectador, ya que nos contará la historia de Fernando, un muchacho normal de un barrio del Conurbano, que está orgulloso por al fin haber pegado un trabajo de verdad, de esos que todos quieren tener y pocos consiguen.

Ferchu tiene la sonrisa dibujada. Es chofer de un poderoso empresario mexicano, tiene un maletín y maneja una auto de alta gama. Se siente observado arriba es de ese auto como nunca le había pasado, En el barrio no pueden creer, que ese hombre de traje que maneja esa nave es Ferchu el pibe de barrio, al que todos conocen. Las mujeres que antes lo ignoraban, ahora le sonríen. Los amigos y la familia celebran su logro y lo comentan como propio a sus vecinos. Pero la alegría no es completa, porque hace unos meses falleció Rosa, su madre.

Pero el espíritu de Rosa no lo deja solo. Se le aparece a Fernando, en los momentos de soledad en el auto, mientras espera que su jefe termina las reuniones y le habla, le recuerda aquellos principios que le transmitió cuando era chico y le machacó en la adolescencia. Se preocupa además porque consiga una novia que valga la pena, una chica que lo cuide. Porque a Rosa nunca le gustaron las novias que su hijo le presentó. Le gustaría la novia actual ??  Es una de las preguntas que Fernando se hace de manera repetida.

Los momentos de soledad en el auto abundan. Tiene tiempo para reflexionar y pensar que haría con la plata que va a ganar con el actual trabajo. Su sueño máximo es hacerse la piecita en el fondo del terreno, pero también comprarle un televisión nuevo para su padre que ya está grande y luego de la partida de Rosa, pasa mucho solo tiempo viendo TV. Lo preocupa trabajar tantas horas y llegar tarde a casa, para encontrarse y cenar con viejo. Pero el sacrificio vale la pena, tiene que trabajar muchas horas extras, para poder cumplir tantos proyectos postergados.

Una noche mientras esperaba que su jefe regrese al auto, conocerá a Ludmila, una trabajadora de la calle, que habla muy lindo y que le pide subir al auto, para pasear juntos. Es una locura. Con el trabajo que pegó, quien piensa en salir a pasear. Pero el diablo metió la cola, Ludmila le resulta muy atractiva y cuando el amor toca la puerta, las emociones de afectan, las barretas se derriban y las rutinas se desestabilizan. La primera vez que Ludmila se insinuó fue uno no, pero que pasará si hay una segunda. La mente de Fernando es un mar de dudas, los mandatos sociales y las obligaciones entran en colisión con los deseos del corazón y hasta allí vamos a contar. Cuando vean la obra, descubrirán que camino tomará Fernando, con la nave del mexicano y con sus obligaciones.

Momento de hablar de las actuaciones y sin dudas quien se lleva los mayores elogios es Raúl Antonio Fernández como Fernando, el gran protagonista de la historia, ese sencillo chico de barrio que se sacó la grande y ahora maneja un auto lujoso, cosechando las miradas de los demás. Muy lograda su composición, desde lo gestual, concentrado en ese volante imaginario que maniobra de manera ampulosa, para evitar los baches y también desde actoral, mostrando los diferentes estados emocionales que transita su personaje. Es la primera vez que vemos a Raúl en escena y nos gustó mucho su trabajo, estando bien a la altura de un protagónico, que no era sencillo.

Pero Raúl no está solo en escena. Hay un muy buena participación de Osqui Ferreiro, como Ludmila, esa mujer especial y misteriosa, que encandila con su vestido rojo y la labia que tiene. Muy bueno lo de Osqui. que tiene a su cargo al personaje disruptivo de la obra. Layc es Amilcar, el empresario mexicano, que parece tener negocios algo turbios y que compartirá alguna historia íntima con su chofer, para descargar alguna angustia atravesada. Layc es mexicano y encaja justo con el papel, mostrando entusiasmo y una energía bien arriba.

Y el elenco se completa con Sonia Novello, propia la autora de la obra, que además es una actriz que nos gusta mucho y que aquí gracias a la mano de la directora Claudia Mac Auliffe, jugará un papel original y multifacético en la trama. Ya que por momentos será la relatora de la obra, en otros será Rosa, la madre que aparece en la mente de Ferchu, pero también será la radio del auto y los temas musicales, los chats de wasap que Ferchu cambia con su novia y más roles que no vamos a anticipar. Jugando como un comodín en su propia obra, Sonia realiza un excelente aporte a la trama, con momentos muy divertidos.

La puesta es minimalista y juega a la perfección con las convenciones teatrales. La participación de Sonia que mencionamos antes le dá un estilo muy particular a la atractiva puesta que presenta Claudia, con varios puntos a destacar. Entre ellos, el ingenioso diseño escenográfico, con esa butacas que imaginación mediante, será el auto de gama donde la historia se desarrolla y crece. Otro ítem destacado es el vestuario, con la elegancia trajeada de Fernando, las botas de Amilcar y el rojo pasión de Ludmila. Ambos ítems, el diseño escenográfico y el vestuario están a cargo de Gabriella Gerdelics, a quien venimos elogiando seguido por su trabajo y le agregan valor a una puesta despojada y muy atractiva.

Y no queremos contar más, para no spoilear. Es la segunda obra escrita por Sonia que vemos, la anterior fue Más Bello que la Muerte, una obra que nos gustó mucho y nos llegó al corazón. Acá nos vuelve a sorprender la autora, con otra pieza sensible, que tiene como una de sus grandes virtudes, resultar cercana al espectador, con historias de vida que resultan reconocibles, logrando que el público se sienta identificado con lo que sucede en escena.

Disfrutamos de una muy bella noche de teatro independiente, Un Beso en el Vidrio Dejó Marcado el Rouge, largo título que nos remonta al tema de Virus, es una obra que nos habla de amor y de mandatos sociales. De aquellos principios y valores que nos inculcan de chicos y que en la edad adulta buscamos satisfacer, aunque en realidad deseamos otra cosa. La dupla de Sonia Novello y Claudia Mac Auiliffe, vuelve a mostrar su efectividad, con esta pieza sensible que nos invita a viajar con Ferchu y su nave, para  juntos recorrer los caminos del amor, las obligaciones y los sueños.

Pensador Teatral.

Bela Vamp

Dramaturgia y Dirección de Alfredo Arias.

Lunes 20 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378)

Llega a El Extranjero este texto de autoría de Alfredo Arias, que forma parte de una trilogía de monólogos referido a diferentes estrellas del cine, vistas en el ocaso de su carrera y en este caso el elegido es Bela Lugosi, el actor húngaro que llegó a lo más alto de Hollywood, por su  icónica interpretación del Conde Drácula. 

Su gran actuación, definió la imagen popular del vampiro, con su marcado acento húngaro, mirada hipnótica y la capa negra, que todos tenemos en nuestra mente. El problema para Lugosi, fue que su carrera quedó profundamente asociada con el personaje de Drácula, lo que provocó que las ofertas de trabajo que recibió luego de ese gran éxito, siempre se limitaron al género de terror y a menudo en roles similares al del Conde. Este encasillamiento llevo al actor a enfrentar dificultes financieras y personales, incluyendo una lucha contra las adicciones que lo golpearon fuerte,

La obra que aclaramos no es una biografía de Lugosi, precisamente parte de aquellos momentos en que el actor lucía desanimado, ya que luego del éxito de Drácula, no recibía ofertas para ser un actor normal, nunca estuvo en una película donde su personaje tenía una familia o paseaba un perro por el parque. Su carrera entró en declive y fue allí cuando recurrió al alcohol en primer término para esconder ese dolor interno y cuando no fue suficiente eso, se hizo adicto a la heroína.

Hasta ese momento la historia se ajustaba a la realidad, pero Arias deja claro que se trata de una ficción al introducir en la historia a un personaje inventado, nos referimos a la psicóloga Dorothy Couch, famosa en el ambiente de Hollywood, por sus fracasos como profesional, incluyendo cuatro suicidios de estrellas del medio que llegaban a su consultorio por estar en el declive de sus carreras, Con semejantes antecedentes, que motivación tendría Bela para tomar tratamiento con Dorothy ?? Precisamente esos funestos antecedentes, fueron claves para la elección, ya que Lugosi ya no tenía ganas de vivir, entonces nada mejor que tomar terapia con una profesional que sabía como conducir a sus pacientes a la muerte.

A partir de allí, la historia virará en tragicomedia por los absurdos proyectos de Dorothy, que quiere devolverle al actor las ganas de vivir, pensando más en revertir su nefasta reputación que en el bien del actor. Primero buscará levantar su ánimo, despertando su apetito sexual y luego proponiendo un guión realmente delirante, apareciendo en escena el nombre de Ed Wood el peor director de Hollywood que se interesaría en aquel guión, pero para una película cómica. Realidad y ficción, se mezclan en buena forma, en esta original propuesta, que tiene a Lugosi y al Conde Drácula como eje central. 

Hemos escrito unos cuantos párrafos y aún no nombramos al gran protagonista de la noche, nos referimos a Marcos Montes, que nos regala una composición fabulosa, con una presencia escénica que impacta, por el peso de su actuación y por la excelente caracterización del Conde Drácula que realiza, completa por donde se la mire. Desde el impecable vestuario,  negro coronado por la típica capa, el maquillaje, el peinado y un acento extranjero bien marcado, que el protagonista sostiene durante toda la obra, algo que no resulta nada sencillo.

Pero Marcos no solo será Drácula en escena, también será Dorothy, llegando a ella, simplemente cambiando el tono de voz y su gestualidad. El simplemente es irónico, porque resulta muy rico ese juego actoral, donde el actor hace dialogar a ambos personajes, mostrando gran repentización. A Marcos lo habíamos elogiado mucho en este sitio, por su gran labor en El Hombre de Acero, unipersonal que tuvimos la suerte de ver en Espacio Callejón.  Aquí Montes vuelve a mostrar sus condiciones en el género de los unipersonales, con una gran composición del actor húngaro y de su personaje icónico.

La puesta de Arias tiene muchos toques cinematográficos, uno de ellos, es el impecable diseño lumínico de Matías Sendon, con varios reflectores repartidos en el escenario, tal set de filmación. Menciones especiales para Matías López y Soraya Ceccherelli en diseño y realización de maquillaje y Julio Suárez en el vestuario, ítems fundamentales para la gran caracterización del personaje. También la puesta tendrá momentos musicales logrados, mostrando un carácter general minimalista pero muy efectiva.

Bela Vamp, como mencionamos al comienzo, forma parte de una trilogía de monólogos de Alfredo Arias que rescata a diferentes estrellas del cine mostrándolas en el ocaso de sus carreras. presentando el dilema de lo que sucede cuando algún artista toca el cielo con las manos y luego debe volver a la normalidad. Es posible esto o no ?? Viendo la caída estrepitosa que tuvo la caída de Lugosi, la respuesta sería un no rotundo, pero la idea de Arias es plantar la duda y que el espectador sea el que busque las respuestas.

La obra se viene presentando a sala llena desde su estreno y esto habla de la convocatoria que tiene una figura popular como el Conde Drácula, pero también habla de la calidad del espectáculo que se ofrece, ya que esta tragicomedia en formato de unipersonal, presenta un texto de Arias, que navega hábilmente  entre el drama y el humor, una puesta muy vistosa y una composición superlativa de Marcos Montes, todos elementos que confluyen, para que podamos disfrutar de una excelente propuesta del teatro independiente y magia mediante poder ver al Príncipe de las Tinieblas, deambulando con su capa negra por las calles del Abasto.

Pensador Teatral.