El Grito Sagrado

Dramaturgia de Marcela Peidro. Dirección de Lorena Romanín.

Martes 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

El teatro independiente tiene muchas virtudes, una de sus principales, es la variedad de las temáticas que puede abarcar. Y en este caso, la elección es magnífica, ya que El Grito Sagrado elige contarnos la historia de María Remedios del Valle, una mujer totalmente olvidada por los libros de historia, pese a haber luchado con heroísmo por nuestra independiente, participando en la campaña del Ejército del Norte comandado por Manuel Belgrano.

Su valentía en el frente de batalla fue reconocida por el propio Belgrano, quien la nombró Capitana, siendo la primera mujer en recibir ese grado. Su dedicación en busca del sueño de la Independencia fue absoluta, se entregó por completo a la causa, perdiendo a su esposo y a su hijo en el campo de batalla. María Remedios fue una verdadera heroína, pero nunca, no tuvo el reconocimiento debido, en esto, sin dudas influyó,  su condición ser mujer y de raza negra.

Es oportuno el momento, para recordar la deuda que Argentina mantiene hasta la actualidad, con las personas de origen africano que tanto aportaron en la lucha por nuestra emancipación. Como dato esclarecedor, podemos recordar que el Ejército de Los Andes con que el que San Martín realizó la heroica gesta, tenía entre un 40 y 50 % de efectivos de origen afro. Y muchos historiadores sostienen que la desaparición de gran parte de la raza, se debió a la enorme cantidad de muertes ocurridas en el campo de batalla, ya que tenían un grado de compromiso y un valor, que los convertía en carne de cañón para el enemigo.

Es por ello, que la figura de María Remedios del Valle, emerge como un claro exponente de la valentía de tantos hombres y mujeres de origen afro que lucharon con abnegación, por la independencia argentina. En el caso de María Remedios, por su heroísmo y compromiso, comenzaron a llamarla Madre de la Patria, pero como muchas veces ocurre en nuestro país, de manera muy injusta,  su figura cayó en el olvido. Tanto,  que al terminar la guerra por la Independencia, tuvo que vivir en la calle, pidiendo limosnas en las escalinatas de la Iglesia de San Ignacio, para poder subsistir.

Golpeó puertas varias, pidiendo un justo reconocimiento por los servicios prestados, como el que tuvieron muchos de sus camaradas, debiendo peregrinar mucho tiempo,  presentando papeles y testimonios, porque no le creían. Vivió años en la pobreza y atormentada por la ingratitud y el olvido con que la sociedad le pagaba. Recién en 1830, Juan Manuel de Rosas, le asignó una pensión digna y le otorgó el cargo de Sargento Mayor de Caballería. Siendo este un merecido, aunque tardío reconocimiento, ya que nadie le quita los años de humillación que tuvo que soportar. 

Dayana Bermúdez Cortes, actriz colombiana y de origen afro, es quien tiene a su cargo representar a María Remedios del Valle en este potente unipersonal y de entrada vamos a anticipar que su composición es sencillamente fantástica. Con una presencia escénica imponente y una entrega absoluta, cerrando los ojos, podremos viajar en el tiempo y ver a María Remedios en el escenario, mostrando su dolor ante el olvido, llorando por haber dejado incluso a su familia en el camino, en pos de la lucha por la independencia y terminar mendigando por caridad para sobrevivir.

La composición de Dayana emociona, por su realismo y por la carga emocional que le pone a su personaje. No hay dudas que se siente identificada con la heroína a la que representa en el escenario y por evocar a tantas otras mujeres de raza negra, que la historia eligió invisibilizar como ocurrió en el caso de la Madre de la Patria. Los invitamos a que descubran esta gran interpretación de Dayana, que por momentos nos resultó hipnótica.

Tiempo de destacar la bellísima puesta que presenta la obra, mérito aquí de Lorena Romanín, una directora con gran trayectoria en el teatro independiente. Arranquemos por resaltar a los músicos en vivo , nos referimos a Pina González y Lucas Sanjurjo, que son fundamentales en el acompañamiento del relato, con diferentes instrumentos musicales, siendo la banda sonora del relato. Excelente aporte de ambos. Otro rubros destacados, son el diseño escenográfico y de vestuario de Gabriella Gerdelics, con esa túnica blanca que luce la protagonista. Hay un telón, en el fondo del escenario, donde se proyectan imágenes que acompañan el relato y suman para embellecer una puesta muy cuidada y rica en recursos.

Y hasta acá vamos a contar. En lo personal, nos gustan mucho las obras históricas, pero esta en particular, quedamos encantados, por la figura a la que se le rinde homenaje y por la calidad interpretativa de la pieza. El Grito Sagrado pone el foco en un personaje de nuestra historia invisibilizado por los historiadores y que recién en los últimos años, empezó a encontrar justo reconocimiento. Mencionar que María Remedios del Valle murió murió el 8 de Noviembre de 1847 y en honor a su figura, desde hace unos años, todos los 8 de Noviembre, se celebra en nuestro país, el Día de los Afro-argentinos y de la Cultura Afro.

Recomendamos especialmente El Grito Sagrado, una obra que consideramos imprescindible, ya todos los argentinos debiéramos conocer la historia de María Remedios del Valle, la Madre de la Patria, que no nos contaron en la escuela, invisibilizada seguramente por ser mujer y negra, siendo uno de los tantos héroes injustamente olvidados en nuestro país. Se encontrarán además con una puesta magnífica y una composición actoral superlativa, que les permitirá disfrutar de una gran noche de teatro independiente y saber más de este gran figura de nuestra historia, que hoy podemos ver en los billetes de diez mil pesos. junto a Manuel Belgrano, tratando de saldar parte de la deuda, que Argentina tiene con ella.

Pensador Teatral.

Cae la Noche Tropical

Sábados 20 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Autoría de Manuel Puig. Versión de Pablo Messiez y Santiago Loza. Dirección de Pablo Messiez.

Basada en la novela escrita en 1998 por Manuel Puig, llega esta versión teatral adaptada por Santiago Loza y Pablo Messiez, que con mucho humor y profunda humanidad, nos hablará del paso del tiempo, la vejez, la relación con los hijos, el amor y como juegan en nuestra mente, el peso de los recuerdos y nuestras experiencias en la vida, de cara a una última etapa de la vida, que muchas veces es de reflexión, en momentos donde vemos a el final, cada vez más cerca.

Las acciones se desarrollan en Río de Janeiro, allí en una casa repleta de plantas, viven dos hermanas que ya superan los ochenta años, Lucía ( Eugenia Guerty ) , que es la mayor y la más lúcida y Nidia ( Leonor Manso ) , que se demuestra más achacada, algo frágil y con dificultades para superar la reciente muerte de su hija. Ambas están contentas de estar juntas y hacerse compañía que aquella ciudad, que les regala un clima benévolo y gente mayormente alegre, por más que tengan lejos a sus afectos.

Las hermanas ya no salen tanto a la calle, prefieren pasar sus días, en el patio de la casa, rodeadas de plantas y conversando mucho. Se nota que son compinches y les gusta recordar anécdotas familiares, travesuras de cuando eran chicas y tenían amoríos varios. Eso, es mucho mejor que hablar de enfermedades y de tantas amigas que ya no están en este plano. Es más, con una muy buena dosis de humor negro, les encanta recordar algunas situaciones, donde las únicas que quedan vivas son ellas.

Pero las charlas que son dirigidas casi siempre por Lucia, tienen una temática favorita, ella es hablar de Silvia, su vecina ( Carolina Tejeda ) , que en el comienzo no aparecerá en escena, pero estará muy presente en la charla de las hermanas. Lucía parece saber todo de aquella vecina, argentina como ellas, pero mucho más joven y psicóloga de profesión. Y la lupa estará puesta en vida amorosa de la vecina, con detalles tan íntimos y precisos, que cuesta imaginar, la forma en que la narradora consiguió tal información.

Las charlas son muy graciosas y en la mismas,  las hermanas proyectan muchas de sus vivencias y Nidia es especial sus prejuicios. No vamos a dar muchos detalles, para no quitar sorpresa, pero si,  les adelantamos que se van a divertir mucho con los diálogos y poder comprobar como las hermanitas son doctoradas en chismes. Con el desarrollo de la trama, sin contar mucho, podemos adelantar que la vecina, aparecerá finalmente en escena, primero sola y luego interactuando con las hermanas, siendo un momento muy esperado de la noche, en el que no vamos a ahondar, para no spoilear.

Tiempo de hablar de la exquisita dupla protagónica conformada por Leonor Manso y Eugenia Guerty, ya que están fenomenales ambas y construyen personajes super queribles. Que decir de Leonor, una actriz de quilates y de enorme trayectoria. Resulta un lujo poder verla en escena y disfrutar su trabajo. Nos sorprendió de gran manera, Eugenia Guerty, brillante en el papel de Lucía, sin dudas el texto, hace que su personaje sea quien lleve la batuta de la obra y sea la voz cantante del relato, algo que Eugenia aprovecha de manera estupenda, luciéndose en lo personal y potenciándose mucho en la dupla que forma, con Leonor. Nos encantó su trabajo.

 Pero las actuaciones no se terminan en la dupla mencionada, debemos destacar, el muy buen aporte de  Carolina Tejeda, que tiene una tarea compleja, ya que debe acompañar a los dos personajes principales que tiene la obra, desde un papel secundario y realmente lo hace muy bien.  Además, su participación será fundamental en el cierre de la historia. Muy buen trabajo de Carolina.

La puesta es lograda y aprovecha muy bien las generosas dimensiones del escenario de Hasta Trilce, donde se destaca el bello diseño escenográfico de Mariana Tirantte. que reproduce en el mismo plano, el hogar de las hermanas y él de la vecina. Ya lo dijimos antes, pero nos encantó el verde de las plantas que le dan mucho aire y vida a la historia. También queremos mencionar el diseño de vestuario de Renata Schussheim, que suma en la caracterización de los personajes.

En definitiva, nos encontramos con una muy buena adaptación de la galardonada novela de Manuel Puig, que hace años ya se viene presentando y siempre mantiene su vigencia. El secreto del suceso a nuestro entender es la humanidad y cotidianidad de la historia, que con humor y mucha ternura, retrata el paso del tiempo y la manera que nos paramos, a la espera de lo inevitable, siendo lo mejor hacerlo con optimismo y alegría.

Disfrutamos de una noche distinguida de teatro, en un Hasta Trilce repleto como pocas veces lo vimos. Cae la Noche Tropical, es una propuesta sensible y querible, que nos invitará a reírnos de una etapa de la vida que todos vamos a atravesar y lo hace de la mano de dos hermanitas inefables, que aunque pasan los años, no pierden las mañas y emanan ternura, en una velada donde las risas y las emociones no faltarán.

Pensador Teatral.

La Curva del Tiempo

Dramaturgia y Dirección de Martina Cabanas Collell.

Domingos 17 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Un texto profundo y emotivo de Martina Cabanas Collell, es la carta de presentación para esta divertida obra, que en el arranque parecerá que retratará una historia cotidiana,  pero que a medida que la trama avanza, veremos como irá transformando su carácter, para convertirse en una gran historia de amor, pero no de un amor cualquier, sino de esos amores que perduran en el tiempo, sin importar lo que pueda suceder y además de ello, tendrá un toque fantástico en su composición.

La historia se desarrollará en un paraje solitario de un pueblito cordillerano, que aunque el relato no lo aclare, nosotros situamos en San Juan. En una casa sencilla, vive solamente Ángel ( Federico Buso ). Su única compañía es una tortuga, con la que suele entablar algún diálogo, que obviamente es en una sola dirección y también se entretiene mucho con una radio, que le acerca música y las noticias locales. Se lo nota algo torpe y muy melancólico, todavía no sabemos el motivo, pero pronto lo vamos a descubrir.

En una mañana como cualquier otra, Ángel recibirá una visita inesperada. La recién llegada es Lina ( Magela Zanotta ), una abogada porteña que tomó el auto de su esposo y se dirigió sin rumbo por alguna ruta del país, que la depósito por esas latitudes. El auto tuvo un desperfecto mecánico y tuvo que caminar varios kilómetros por la solitaria ruta, hasta encontrarse con la casa de Ángel, que la recibe sorprendido. La abogada está muy cansada por la travesía y pronto confesará que huyó de Buenos Aires, cuando decidió separarse de su marido.

Ángel en un principio se muestra reacio a entablar diálogo con aquella desconocida, pero se nota que es una persona buena y servicial, por lo que no tardará en tratar de ayudar y dar contención a Lina, que se encuentra varada, en aquella geografía cordillerana. Los diálogos comenzarán a fluir y pronto sabremos que el motivo de aquella melancolía del dueño de casa, es por la ausencia de Teresa, su pareja, que hace más de diez años, salió con el perro familiar a dar un paseo por la Cordillera y nunca regresó a casa.

Ese hecho sin dudas desestabilizó a Ángel, que todavía se muestra afectado por aquella ausencia y pese al mucho tiempo transcurrido, aún aguarda su regreso. La obra tiene una muy buena cuota de suspenso y algunas sorpresas , que no vamos a revelar acá, para que se sorprendan como nosotros. Solo vamos a decirles, que aquel relato divertido del comienzo, se irá transformando en una potente historia de amor, con toques mágicos, que harán más bello todo y hasta allí vamos a contar.

Hay que destacar los excelentes trabajos de la dupla protagónica conformada por Federico Buso y Magela Zanotta, que muestra gran química y se nota muy a gusto con la historia. Sin dudas, el gran protagonista de la noche es Federico Buso, a quien elogiamos en varias oportunidades en este sitio, pero entendemos que en esta presentación descolla , ya que con gran sensibilidad compone a un Ángel muy querible, que dialogará con otro personaje a su cargo, que no vamos a adelantar, creando una dualidad muy divertida y festejada por el público. Nos gustó mucho lo de Fede.

A Magela es la primera vez que la vemos en escena y nos encantó su trabajo. Con mucha presencia escénica y frescura, da vida a un personaje que llega de una manera a esa casa, muy verborrágica y con el correr de las horas, irá virando, a ejercer la virtud de la escucha. Muy bueno su trabajo, con un personaje que tiene la llave, para revelar los secretos de la historia y una actuación, que permite gran lucimiento propio y de su compañero de escenario.

La puesta es muy atractiva. Intima y cálida, presentando como es la vida cotidiana de muchas personas que viven solas, con los fantasmas de los recuerdos acechando y se apoyan en alguna mascota o en un mundo fantástico que ellos mismos construyen, para afrontar la soledad. Mencionar el diseño escenográfico de Ana Chung Oré y el diseño lumínico de Txell Cabanas, ya que ambos rubros agregan valor al relato y le otorgan a la pieza el carácter íntimo que pide.

Y hasta acá vamos a contar, nos gustó mucho la propuesta de La Curva del Tiempo, una historia bien humana y plena de emociones, que partiendo de una ficción trivial. se irá transformando en un texto profundo, que dejará al descubierto la complejidad de la mente humana y como muchas veces, somos capaces de construir una realidad paralela para soportar una pena que nos atraviesa por completo y nos deja paralizados, como si el tiempo no transcurriera.

Recomendamos este bello texto de Martina Cabanas Collell, que nos invitará a viajar hacia algún rincón perdido de la Cordillera, para ser partícipes de una sentida historia, que luce cotidiana en un arranque y se irá transformando en mágica con el correr de los minutos. Esto es posible, gracias a la sensibilidad de una dupla protagónica exquisita, que nos invita a reflexionar, acerca de que cuando el amor es incondicional, tenemos que estar preparados a lo inesperado, porque todo puede suceder.

Pensador Teatral.

Falsos Profetas.

Dramaturgia de Samir Muñoz Godoy y Jonas Volman. Dirección de Jonas Volman.

Martes 20 30 hs en Área 623 ( Pasco 623 )

La magia es un arte que fascina, porque se anima a desafiar lo racional y lo hace en un mundo gobernado por la lógica. El mago aparece como un artista misterioso, que logra engañar a nuestros ojos, nos sorprende y al mismo tiempo nos maravilla. La magia no se explica, se disfruta y uno se asombra con ella. Cuando éramos niños, todos recordamos haber admirado a algún mago, de adultos muchas veces tendemos a perder la capacidad de asombro, pero debemos apostar a la magia. que permite que lo imposible se haga realidad antes nuestros ojos.

Luego de esta breve introducción filosófica, vayamos ya a hablar de Falsos Profetas, este estupendo espectáculo, protagonizados por cinco magos profesionales, que fusionarán su arte, con el de la actuación, en un mix que ofrece inmejorables resultados. La propuesta de la obra, en ese arranque es mostrarnos la cocina de los magos, compartir sus charlas, la preparación de las rutinas, las variantes que tienen los trucos que presentan, anécdotas de sus actuaciones y siempre en primer plano la relación con el público, que siempre es lo que el mago tiene en la mira.

Pero no todo será charla, al contrario en breve cada uno de los magos, presentará alguno de sus trucos, ilusiones y habilidades. Aparecerán en el escenario, muchos mazos de cartas, algunas monedas que desaparecerán, aros de metal, bolitas de colores y mucho más. Pero todo estará regado con mucho humor, algo fundamental en toda presentación de un mago. La cuarta pared con el público se rompe desde el arranque, el show es interactivo, los espectadores serán parte del mismo, pero siempre con mucho respeto, nadie se sentirá incómodo, todos van a disfrutar No tengan miedo de sentarse en primera fila y lo dice alguien que justamente se sentó en primera fila y disfrutó mucho de ser partícipe del espectáculo.

Obviamente veremos excelentes trucos de magia, esos que nos dejan con la boca abierta, habrá muchos de ellos y no van a faltar los momentos divertidos, habrá partes actuadas muy graciosas, con anécdotas varias, trucos que adrede no saldrán bien, algunos disfraces y hasta seremos testigos de un juicio, con estrado y todo, donde un mago será juzgado, por engañar a la gente, apareciendo el debate entre magia e ilusión, que está muy bueno y hasta allá vamos a contar. El espectáculo tiene muchas sorpresas reservadas, así que no decimos más, el resto lo van a descubrir ustedes.

Tiempo de mencionar a los protagonistas del show teatral. Como dijimos antes, los cinco magos, además de demostrar sus habilidades y técnicas para el engaño, muestran su histrionismo para lucirse en las partes actuadas, realmente todos lo hacen bien y con características propias. Sin dudas que tienen experiencia en estar frente al público, pero no es sencillo seguir un libreto y lo hacen realmente bien, muy sincronizados siempre y logrando potenciarse al estar todos juntos en el frente.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar especialmente a dos de los magos que más nos impresionaron. En primer lugar destacar al Mago Gandalf, el único de los cinco que se presenta con su nombre artístico y lo menciona. Es, el más grande de todos en edad y también el de mayor presencia escénica, sin dudas que los años de experiencia, le dan un aplomo y un aura particular. En Gandalf y en cada uno de sus movimientos, estamos viendo al mago que todos conocimos de chico y que nos encanta disfrutar de adultos.

Y nos impresionó mucho también Tomás Sarquis, figura destacada del espectáculo, con mucho protagonismo en momentos claves del espectáculo, logra deleitar al público con su histrionismo y a nuestro entender es quien realiza los mejores trucos. Muy bueno lo de Tomás. Pero como dijimos antes, al mencionar en especial a estos protagonistas, estamos siendo injustos con Lautaro Butta. Sebastián Frógoli y Facundo Kovalink, que la rompen también, muy graciosos los tres y también mostrando que son muy buenos magos.

La puesta es realmente muy atractiva, con coreografías perfectamente sincronizadas, momentos musicales logrados y un diseño lumínico que acompaña muy bien a la trama. Para destacar la cercanía del público con los magos, que permiten observar todos los detalles, aunque no podamos descubrir nada y mencionar también que los protagonistas está siempre en escena, no hay telón, el espectáculo tiene una gran dinámica y la interacción de los magos no solo es con el público, sino también entre ellos.

Ya contamos demasiado, realmente salimos encantados del espectáculo, fue realmente una gratísima sorpresa encontrarnos con un show que cuida todos los detalles y permite al público disfrutar no solo de excelentes trucos de magia, sino también de rutinas muy divertidas, que harán vibrar a los espectadores en la platea, teniendo un público entregado reaccionará con risas, expresiones de asombro y aplausos de admiración por lo que sucede en escena.

Recomendamos especialmente Falsos Profetas, un espectáculo lleno de magia y fantasía. Los cinco magos se entregan por completo, se divierten en escena y logran que el público se siente feliz por participar de una noche tan especial. Que lindo resulta, poder olvidarnos por un momento de todos los problemas y volver a ser niños, para volver a abrir bien grandes los ojos y asombrarnos de lo que vemos, dando también permiso al adulto, para recordar magia mediante que siempre hay lugar para lo inexplicable y que nunca, pero nunca, debemos perder el placer por lo lúdico y mucho menos la capacidad de asombrarnos.

Pensador Teatral.

Localcito

Dramaturgia y Dirección de María Figueras.

Sábados 20 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Una tragicomedia con tintes fantásticos y mucho de autobiográfico, podría ser la carta de presentación de Localcito, la original y entrañable obra escrita por María Figueras, que bien puede resultar un homenaje a tantos negocios familiares, que se transmitían de generación en generación, siendo fuente de sustento, pero que con el paso del tiempo, los cambios de tendencia y la llegada de los shoppings, provocaron que ese negocio familiar sustentable, ya no sea viable, pero se siguen sosteniendo en el tiempo, en nombre un pasado cargado de buenos recuerdos, que ya quedó en el pasado.

Comentamos que el texto tiene mucho de autobiográfico, porque la autora nació en Avellaneda y vivió allí casi hasta los treinta años. Su familia tenía un local pequeño, que no venía muy bien y cayó en desgracia con la llegada del Shopping Avellaneda que cambió la lógica comercial de aquella zona. Sin dudas los recuerdos de la infancia y la adolescencia, inspiraron  e impulsaron a María para escribir esta obra, que partiendo de ese hecho de su realidad pasada,  partirá en búsqueda de una ficción de alto vuelo creativo y mucho humor.

Yendo ya a la obra, el centro está puesto en un localcito pequeño, situado en una galería de Avellaneda, cerquita del Riachuelo, en el primer cordón del Conurbano. Ese era el lugar elegido por Aleksei y Olga, que pudieron comprar aquel local, por haber ganado la lotería. Y allí se criaron, Iván y Katia los hijos de aquel matrimonio emprendedor de clase media. Pero Aleksei murió, Olga tuvo que malvender la casa y el negocio, se transformó en hogar, quedando muy poco de la librería pujante, que habían tenido hace muchos años. Hoy solo tienen algunas agendas viejas y una acumulación de cajas y muebles distribuidos en un espacio modesto.

Para colmo, hace unos años, construyeron un shopping, en la otra cuadra. Y ese fue el golpe de gracia para el negocio familiar, que ya venía en caída libre y ahora ya tenía su futuro determinado, al igual que el resto de los negocios de la galería, a la que ya nadie entra. La trama nos permitirá conocer, a los integrantes de esta desdichada familia, a dos empleados de recursos humanos del shopping y al narrador de esta tragicómica historia. Nos referimos a Localcito.  Si así como leyeron, magia del teatro mediante, el propio local, tendrá un personaje de carne y hueso, que lo represente y que será puro corazón. El corazón y el alma de un local, que luchará por permanecer abierto, aunque esto ya no tenga sentido.

La obra con mucho humor, fantasía y vuelo onírico, grafica como muchas veces nos empecinamos a mantener causas pérdidas, ya sea un negocio que no funciona, una relación sin futuro o cualquier situación que nos genera insatisfacción. El miedo al cambio y a perder lo que tenemos, es grande y muchas veces nos paraliza. El problema es que tanto acostumbramiento, parece anularnos la posibilidad de pensar con claridad y cuando finalmente nos decidimos a terminar con aquello que no funciona y cambiamos, lo hacemos fuera y tiempo y por algo peor, ya sea por no tener alternativa o porque creemos que mágicamente las cosas van a mejorar, por el solo hecho de cambiar. Y hasta allí vamos a contar, para no quitar sorpresa al lector.

Momento de hablar del elenco reunido, la mayoría jóvenes, pero con muy buen recorrido en el off. Son seis los actores, algo que siempre nos gusta destacar, en épocas en los unipersonales pueblan la cartelera del teatro independiente. Las actuaciones son muy buenas, todos los personajes tienen un aura de insatisfacción y de desdicha que los persigue, siendo algo que se puede ver en cada uno de las composiciones. El absurdo y el teatro físico, serán otra de las características que tendrán en común, cada uno de los personajes.

Y a nuestro entender, quien se lleva los mayores aplausos de la noche es Miguel Ferrería, quien lleva adelante nada menos que el personaje de Localito, el negocio con poder para hablar y expresar sus sentimientos. Miguel es el personaje clave de la historia, oficiando de presentador y maestro de ceremonias, estando siempre en escena, como no podía ser de otra manera, porque las acciones se desarrollan todas en el local y generando en efecto muy divertido, ya que el resto de los personajes no pueden verlo, ni oírlo. Estupendo el trabajo de Miguel, mostrando todo su carisma, para componer un personaje delicioso, tal vez el único que puede conservar la sonrisa, pero a lo duro de la actualidad.

Continuamos con Aymará Abramovich, como Olga, la viuda,  que aún no supera la pérdida de su compañero de vida y que tiene que recurrir a unas gotas particulares para seguir adelante y atravesar el dolor de la situación. Para destacar los momentos oníricos que nos regala su personaje, en los que si puede entenderse con Localcito, generando un ida y vuelta muy bello. Muy bueno lo de Aymará. 

Agustín Daulte es Iván, uno de sus hijos, que encuentra en el vodka el alivio, para superar la angustia que le provoca estudiar una carrera que no le gusta y llevar consigo un secreto personal que le cuesta revelar. Malena Resino, es Katia la hija, de ella no se espera mucho, pero es quien trabaja en el shopping y sustenta el hogar, con alguna relación poco clara con Walter ( Ezequiel Barquero ) un mando medio de recursos humanos del shopping, que busca sacar provecho de la necesidad familiar, Por último mencionar a Mercedes Moltedo, como Gladys, desopilante personaje, que trabaja en el shopping y es quien acerca a la familia, una propuesta bastante turbia, para cambiar el local por un departamento frente al Riachuelo. Mercedes, es una gran actriz, que hace años protagoniza La Pilarcita, obra de culto del off, por lo que es un gusto verla acá.

La puesta es muy dinámica, con personajes que entran y salen del permanentemente del espacio escénico del local. Destacar el diseño escenográfico, cargado de cajas, muebles y recuerdos, todos apilados en pocos metros cuadrados. El vestuario, con tapados y algunos toques navideños, caracteriza muy bien a los personajes y aporta frescura. Ambos rubros están a cargo de Gabriella Gerdelics, que como siempre cumple agrega valor a la puesta.  Y mencionar también, algunos momentos musicales, que le ponen color a la trama y alivian el dolor.

En definitiva, una propuesta muy interesante la de Localcito, que recurriendo al humor y al absurdo, muestra la realidad vivida en muchas familias, dueñas de un negocio familiar, que en algún momento funcionó muy bien, pero que pasado el tiempo, ingresaron en un espiral de decadencia, que concuerda con el ánimo de quienes allí viven. Desafortunados seriales, que parecen resignados a vivir en la desdicha, esperando algún guiño milagroso del destino, para que la situación cambie radicalmente.

Los invitamos a que descubran esta divertida creación de María Figueras, que de manera muy original, presenta una ficción que resulta muy reconocible para los espectadores. El paso del tiempo, los cambios de época y comprobar como muchas veces nos quedamos paralizados, sin poder surfear las olas de los cambios de tendencia, hasta que en un momento , nos quedamos sin opciones de cambio, debiendo optar por alguna alternativa que sabemos de antemano, no nos llevará a buen puerto. Una historia que los argentinos conocemos de memoria y que de manera cíclica se vuelve a presentar cada determinado período de tiempo, con diferentes caras, pero con un mismo y triste final.

Pensador Teatral.

El Cuento de Beto.

Dramaturgia y Dirección de Guillermo Arengo.

Miércoles 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Un texto profundo y sensible que nos invita a reflexionar, resulta la propuesta de Guillermo Arengo, con El Cuento de Beto, una ficción que pone el foco en la relación padre - hijo, marcando el daño que puede generarse, cuando este vínculo es totalmente asimétrico y se pone el foco solo en los errores que tiene el hijo, marcando su inutilidad y reforzando esa sensación, por lo general falsa, pero que en el otro, puede transformarse en una certeza, siguiendo la teoría de la profecía autocumplida, que lo acompañará el resto de sus días.

La obra se iniciará con el regreso de Beto ( Hernán Melazzi  ) a la casa de su padre ( Guillermo Aragones ), luego de haber estado viviendo diez años en las sierras cordobesas. El clima que se respira en aquel reencuentro es de tensión, no hay abrazos, ni ninguna muestra de alegría del padre por el regreso de su hijo. Al contrario, hay una mirada severa y cuestionadora. Después de tanto tiempo, regresás a casa ?? Para qué ? Ahora te acordás que tenés padre ?? Esa es la manifestación del progenitor y de nada valdrá algún intento del hijo para explicar la situación y expresar el dolor que sintió, cuando diez años atrás, su padre lo echó de la casa y nunca movió un dedo para revertir esa decisión.

El padre está encerrado en su mundo, recuerda permanentemente una anécdota graciosa de un viaje a Estados Unidos,  que nada tiene que ver con el  presente que está viviendo. Su narcisismo es absoluto y el desprecio por su hijo resulta incómodo y doloroso. Parece disfrutar, del maltrato verbal al que somete a su hijo, que lo soporta con estoicismo y sumisión. Se lo nota temeroso y resignado, aceptando el aura de inutilidad, que su padre le impuso desde chico y que él siente como algo justificado. La situación se torna insoportable y el hijo luce arrepentido de haber vuelto, ya que nota que su padre, no mejoró su carácter, al contrario, parece haber agudizado su ferocidad para con él.

Pero cuando todo parecía naufragar, el padre revisando el bolso de su hijo, descubre unos cuaderno con unos cuentos que escribió en la soledad de las Sierras Cordobesas. Por primera vez, tal vez en toda la vida, imagina que su hijo puede tener un talento para algo. El siempre tuvo una veta musical, pero a su hijo, lo atraen las letras. Y allí nace la esperanza. Será la escritura y la imaginación creativa, el vehículo para conectarse entre ellos ??  El padre decide apostar a ese talento oculto hasta ahora de su hijo y lo alienta a escribir. Será allí, donde aparecerá un personaje nuevo en el relato y el mismo dará un giro dramático. Entonces, la realidad se confundirá con lo onírico y la imaginación comenzará a fluir sin parar. Y hasta allí vamos a contar para no spoilear más.

Tiempo de hablar de las sobresalientes actuaciones que presenta la obra. Es imponente la presencia escénica de Guillermo Aragones, como un padre severo, narcisista y profundamente egoísta, que parece gozar haciendo sentir insignificante e inútil a su hijo. Estupenda la composición de Guillermo, un verdadero villano, pero con rasgos muy reales, ya que nos acerca un tipo de personalidad reconocible. Hernán Melazzi, es el hijo sometido, él que nunca puede dar la talla, él que siempre decepciona. Muy bueno también su trabajo, destacado en los postural, siempre retraído, con una angustia y un miedo que acompañan su recorrido escénico.

Y el trío virtuoso, se completa con Rocío Peralta, a cargo de un personaje misterioso y complejo, del que no queremos revelar demasiado. Será real ?? Será un fantasma ?? Será ambos a la vez ?? Lo concreto, es que Roció irrumpirá en escena y la obra cambiará de rumbo. Enfrentará al público y con sentida emoción, leerá un cuento que atrapa. Enorme desafío para Rocío, ingresar a la obra con buen pie, con un personaje intrigante y vaya si lo hace bien.

La puesta es íntima, arrancará en la casa del padre y luego el escenario cambiará, siendo los propios protagonistas, los que realizan ese cambio. Son pocos los elementos en escena, solo los necesarios para que el relato funcione. Y como el texto tiene una parte mágica, veremos algún truco de magia en escena. O nos pareció a nosotros ?? Cuando vean la obra entenderán de que hablamos.

 Y hasta allí vamos a contar, El Cuento de Beto es una obra que no sigue un camino recto,, en el arranque la realidad resulta dura y perturbadora. La severidad de aquel padre y la sumisión del hijo, es una imagen muy fuerte que parece definitiva. Pero aparecerán la escritura y el arte como puerta de salida. Y por allí, ingresará lo onírico, lo imaginario, lo artístico,  para romper la linealidad del texto y disparar diferentes universos e interpretaciones, para un espectador que mira asombrado a aquella mujer con casco rosa, que irrumpió en escena, cuaderno en mano y con un relato que no dará respiro.

Estamos en presencia de una inquietante y movilizante propuesta de Guillermo Arengo, que nos habla de la paternidad, de los vínculos asimétricos y del incomprensible goce por hacer sentir a un hijo, como un completo inútil, que nunca está a la altura de las circunstancias. Estupendas las actuaciones del trío protagónico, que llevan adelante este texto profundo, que dejará lugar a múltiples interpretaciones y que pese a la dureza que muestra en varios pasajes, dejará abierta una puerta esperanzadora y la llave de la misma, será una vez más el arte y el proceso creativo, que una vez más muestra su enorme poder sanador.

Pensador Teatral.

El Crimen de San Patricio.

Dramaturgia y Dirección de Elba Degrossi.

Sábados 21 hs en Tadron Teatro ( Niceto Vega 4802 )

Una de las mayores virtudes que tiene el teatro independiente, es su capacidad para rememorar algunos hechos de nuestra historia, que por algún motivo no son tan recordados, pero que deberían estar siempre presentes en nuestra historia. Y en este caso, Elba Degrossi, con una dramaturgia precisa y minuciosa, nos presenta una ficción, que recuerda el macabro asesinato de los curas palotinos ocurrido en Julio de 1976 en la Iglesia de San Patricio, situada en el paquete barrio de Belgrano R.

El país en esos momentos, atravesaba momentos de profunda violencia, la dictadura militar llevaba poco más de tres meses en el poder, cuando se perpetró el asesinato a sangre fría a tres sacerdotes y dos seminaristas de la Orden de los Palotinos, en lo que sin dudas fue un crimen conta la Iglesia Católica argentina y todo un mensaje para el resto de la sociedad. Hubo complicidad de la justicia. las autoridades eclesiásticas tampoco hicieron mucho y entonces el caso nunca se investigó con seriedad, quedando lamentablemente impune, sin que los responsables pagaran.

Testimonios de la época y un periodista valiente que años después investigó la abominable masacre, no dejaron dudas, sobre que un grupo de tareas, que respondía al gobierno militar de turno, fue el responsable del hecho. El quíntuple asesinato, era una especie de venganza de la dictadura, que quería dar una fuerte respuesta  luego de un atentado con explosivos cometido dos días antes por Montoneros, en el comedor de la Superintendencia de Seguridad Federal. Los mensajes encontrados en las paredes de la Iglesia, reforzaban lo mencionado y se refería a los religiosos, como zurdos adoctrinadores de mentes vírgenes, integrantes del Movimiento de Sacerdotes del Tercer Mundo. Sin dudas, una clara muestra de la impunidad de la dictadura y un anticipo de las atrocidades que iban a ocurrir durante su gobierno.

Luego de esta referencia histórica, que entendemos es valiosa, para aquellas personas que no recordaban el hecho o que por razones de edad, solamente lo habían oído vagamente, vayamos a la obra en sí. Elba Degrossi, encuentra un abordaje muy inteligente para introducirnos en la horrible tragedia que envuelve la historia. Y lo hará mediante la aparición del organista de la Iglesia, delicioso personaje llevado adelante por Guillermo Flores, que después de mucho tiempo regresa a la parroquia a despedirse de su órgano, estableciendo un entrañable diálogo con su querido instrumento años atrás y recordando cuantas celebraciones vivieron juntos en San Patricio.

Y además de perder la cuenta con tantos bautismos y casamientos, en los que participó junto a su fiel instrumento, llegó el recuerdo de los sacerdotes de aquella Iglesia, que siempre fueron tan buenos con él, además de enseñarle a tocar el órgano. En el mismo sentido, irrumpirá en escena, una vecina del barrio ( Melody Llarens ) que recordó la gran obra que hacían los padres palotinos. Ella era de origen humilde , trabaja por horas en casas de familia y no encajaba con el perfil alto que tenía la mayoría en ese barrio, por eso no podía olvidar el legado de aquellos religiosos, que ayudaban en el barrio a todo aquel que lo necesitará, ya sea invitando a los chicos a tomar la leche o enseñando a leer a quien lo necesitaba.

No queremos contar más, para mantener la sorpresa, solo vamos a decir que esos personajes que aparecen ahora ante el público, tuvieron activa e involuntaria participación, hace casi cincuenta años atrás, cuando el día posterior a la barbarie, entraron a la Iglesia y descubrieron la masacre. El texto arranca de manera coloquial, pero a medida que la trama avanza, irá ganando el tensión y emoción, para llegar al dramático desenlace, teniendo mucho merito la autora, por la manera en que lleva la historia.

Momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra y corresponde destacar la gran composición de Guillermo Flores, siendo un adulto que recuerdo con mucha ternura a ese niño que pasaba muchas horas en la Iglesia con el Padre Amancio y como el destino hizo que se cruzara en el camino del horror. Gran presencia escénica de Guillermo, dando a su personaje gran peso dramático y emocional. En el mismo nivel, queremos destacar a Melody Llarens, que compone en gran forma a esa vecina humilde, que pasados los años, aún mantiene el agradecimiento con aquellos sacerdotes que miraban a los ojos, a los pobres como ella. Muy buen trabajo de Melody, logrando un personaje muy sensible. 

Si bien la mencionada dupla protagónica, es la que lleva adelante la trama, en la mayor parte del tiempo, no queremos dejar de mencionar la actuación de Dolores Cano, como aquella madre, que debió padecer a la distancia, el asesinato de su hijo seminarista, que había partido a la gran ciudad, con el sueño de poder ayudar a los más pobres. Muy sentido lo de Dolores, transmitiendo todo el pesar de una madre, por la pérdida de un hijo. Resta mencionar a Julián Pardo, a cargo de los detalles judiciales del expediente, con una frialdad que es la contracara del dolor de la madre y del resto. Acertado aporte de Julián.

La puesta es íntima, algo facilitado por la hermosa sala del Tadron, que en cada espectáculo, cambia la disposición de las butacas, pero siempre con el público bien cerquita de los actores. El diseño escenográfico es despojado, una silla y el viejo órgano, son suficientes para darle color al relato. Por último, mencionar y destacar el gran trabajo de Mariano Schneier, a cargo de la música en vivo y los efectos especiales, que agregan muchísimo valor a la historia.

Y hasta acá vamos a contar, como dijimos en el arranque, celebramos cuando el teatro independiente, decide tomar la posta y recordar algún hecho de nuestra historia reciente, que por algún misterioso motivo o no tanto, no se recuerda como sería esperable. Y sin dudas la masacre que sufrieron los religiosos palatinos, es una de esas páginas oscuras que vivió nuestro país y que muchos prefieren esconder bajo la alfombra.

Recomendamos vayan al Tadron, para ser partícipes de esta segunda temporada de El Crimen de San Patricio, una excelente ficción de Elba Degrossi, que con minuciosidad y sentimiento, recuerda esta horrible masacre, que tiene autores impunes, gracias a varias complicidades de aquellos años y los siguientes. Además la pieza resulta un homenaje para aquellos religiosos y su valioso legado. Una obra de visión necesaria, que sirve para mantener viva la memoria y suena especial en estos tiempos de crispación, donde la violencia y la descalificación al que piensa diferente, está en fase creciente, presagiando horas violentas, que no deben repetirse de ninguna forma.

Pensador Teatral.