Fausto y lo femenino eterno

Autoría Johann Wolgang Von Goethe. Adaptación de Rubén de León. Dirección de Juan Manuel Correa.

Sábados 20 hs en Espacio Experimental Leónidas Barletta ( Diagonal Norte 943 )ES

Estupenda adaptación de Rubén de León, de la celebre tragedia de Johann Von Goethe Goethe, el escritor y poeta alemán, considerado una de las figuras más importantes de la literatura universal, que encuentra en Fausto, su obra más importante. Inspirada en antiguas leyendas alemanas del Siglo XVI, la reconocida pieza nos habla de un hombre que hace un pacto con el diablo, vendiendo su alma a cambio del conocimiento infinito y la juventud eterna.

La obra es un verdadero clásico de la literatura mundial y una creación monumental, en la que Goethe logra elevar una antigua leyenda a una reflexión sobre el alma humana. logrando trascender su época y siendo una referencia del pensamiento occidental, que reflexiona sobre las ambiciones del hombre moderno, abordando el tema de la ética y la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. No es la primera vez, que vemos traer a Fausto a escena al teatro independiente, pero podemos afirmar que esta adaptación, sin dudas es la que más refleja la estructura original de la obra de Goethe.

De inmediato queremos destacar el enorme trabajo de Rubén de León, traduciendo y adaptando este extenso y complejo texto, que completo tendría siete horas de extensión, en una síntesis teatral de casi noventa minutos, que logra conservar el espíritu de la obra maestra de Goethe, logrando darle una mirada contemporánea a la misma y aquí hay que darle mucho mérito también a Juan Manuel Correa desde la dirección, ya que el desafío era realmente grande y gracias al esfuerzo del equipo y del elenco, los resultados son excelentes.

Yendo a la obra en sí, decir que se respetan las dos partes que tiene el texto, algo que no es habitual, ya que por lo general se representa solo la primera que es la más conocida, dejando de lado la segunda parte, que es más compleja, al estar cargada de alegorías y simbolismos. Por eso en el párrafo anterior, mencionábamos y destacábamos el gran esfuerzo de todo el equipo de Fausto y lo Femenino Eterno, para arriesgar y presentar la historia completa, algo que el público sin dudas agradece, ya que permite apreciar la obra en toda su dimensión.

En el comienzo, veremos al Dr Fausto ( Darío Levy ) un hombre atormentando y algo aburrido, que ambiciona trascender los límites del conocimiento, buscando la sabiduría, experimentar los placeres, el poder y la juventud eterna. Y allí es donde aparece Mefistófeles ( Juan Manuel Correra ), un enviado del Diablo, que se presenta en forma de perro y le ofrece todo aquello que estaba buscando, siempre y cuando este dispuesto a vender su alma al mismísimo Satanás, firmando un pacto con su sangre, Es así como Mefístófeles lo lleva a un bar, donde una bruja amiga, le acercará la pócima que luego de beberla, le otorgará la eterna juventud.

Es así como Fausto, se enamorará y conquistará el corazón de Margarita ( Pilar Fridman ), una bella y casta mujer, que sucumbirá antes los encantos de aquel hombre, sin saber que esto llevaría la tragedia a su vida. La trama romperá las barreras temporales, para la segunda parte de la obra, la menos conocida y más compleja, en la que Fausto, viajará por diferentes mundos, buscando el poder y extendiendo los límites de su codicia, apareciendo en la trama Helena de Troya, un emperador del Sacro Imperio Romano, Cortes Imperiales y demás alegorías que incorporan a la política y a la historia al relato de Goethe. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, el resto lo descubrirán cuando vean la pieza.

Momento de hablar de las estupendas actuaciones que presenta la obra y arrancamos por celebrar el numeroso elenco, en épocas donde los unipersonales son moneda corriente en el teatro independiente. Acá tendremos a siete actores en escena y la mayoría de ellos, representando a más de un personaje, una muestra del despliegue escénico que requiere la obra y la exigencia que tiene la pieza que es una de esas, que deberíamos ver más de una vez, para poder apreciar en toda su dimensión las actuaciones, ya que son muchos los estímulos visuales y sensoriales que tiene el espectador.

Y arrancamos por los dos grandes protagonistas de esta historia. En primer lugar resaltar, el enorme trabajo de Darío Levy, a cargo de Fausto, un personaje que a lo largo del relato, irá sufriendo diversas transformaciones. Darío muestra estar a altura de un protagónico muy exigente, con una entrega absoluta y dando gran tenor dramático a su personaje. Y en el mismo nivel de destaque, debemos mencionar a Juan Manuel Correa, que además de tener a cargo la dirección, interpreta nada menos que al Diablo, en sus diferentes presentaciones. Impactante su composición, mostrando el poder maléfico y la manipulación que detenta el satánico. Juan Manuel es un gran actor, al que recordamos haber elogiado mucho, en Coronado de Gloria, una entrañable obra del off, que versaba sobre la creación del Himno Argentino. Acá en un papel, muy diferente, vuelve a mostrar todo su carisma y sus grandes recursos actorales. La rompe Juan Manuel.

Pero si hablamos de protagónicos, no podemos dejar de mencionar a Pilar Fridman, que en una historia, donde la mujeres tienen una especial significación, realiza magníficas composiciones de Margarita primero y de Helena de Troya luego, consiguiendo mostrar la sensibilidad de ambos personajes tal como pide el texto. Pilar es una joven actriz con gran proyección, a quien elogiamos mucho el año pasado, por su jugado papel en Aguafuerte, confirma aquí sus credenciales, protagonizando un clásico que exige mucho.

Pero no seamos injusto con el resto del elenco, que ya que para el relato fluya, es muy importante el aporte de todos. Sigamos con las actrices, para destacar el trabajo de Verónica Intile, que representa a Marta, a Coreuta y otros personajes, desplegando desparpajo y chispa. Victoria Cipriota, se luce mucho con Forcida y la Bruja, con gran presencia escénica y una destacada corporalidad. Nos gustaron mucho las composiciones de Verónica y Victoria, que desde personajes secundarios, agregan mucho valor. Y lo mismo podemos decir de Miguel Sorrentino, otro actor al que siempre elogiamos y que el año pasado recordamos por su performance en Una puerta, un hombre y otra puerta, aquí tiene a su cargo al hermano de Margarita, al Emperador y otros personajes más, mostrando en todos ellos su valía. Por último mencionar a Juan Salmeri, el benjamín del elenco, que tiene muy buena presentación con Wagner y otros personajes.

Como mencionamos ante, la obra es muy exigente y requiere un elenco comprometido absolutamente con el relato, algo que se logra con creces y permite el lucimiento de los siete integrantes del elenco. aunque podríamos agregar en las menciones también a Rubén de León, quien tuvo a su cargo la adaptación, que es la voz en off de la historia y aparece tras bambalinas, siendo importante en partes claves del relato.

Elogiar la titánica labor de Juan Manuel Correa, que más allá de ser el representante de Satán en la obra, tiene a su cargo le dirección de la obra, logrando coordinar un elenco numeroso y gran cantidad de personajes. Items a destacar, el excelente diseño de luces de Horacio Novelle, clave para para el desarrollo de una historia, que tiene un diseño escenográfico minimalista y muy ingenioso de Carlos Di Pascuo, que juega con telones en los extremos del escenario, dejando el centro del mismo para las acciones. Muy importante el aporte de Paula Molina, en el diseño de vestuario, clave para la caracterización de tantos personajes Y así podríamos seguir, destacando puntos alto de una puesta muy rica.

Y hasta aquí vamos a contar, realmente queremos valorar el enorme desafío y los riesgos que implican presentar una obra tan exigente como Fausto y lo Femenino Eterno y hacerlo yendo a fondo, tomando las dos partes que tiene este clásico de la literatura, para llevar al escenario en una puesta que enorgullece a todos los que gustamos del teatro independiente, ya que permite apreciar en todo su dimensión, la vigencia de un clásico escrito dos siglos atrás, aunque si nos decían que se escribió el año pasado, lo podíamos creer.

Por todo lo mencionado, solo queda recomendar la obra, van a disfrutar de una gran adaptación de un texto complejo y de varias capas, que nos habla de la lucha del hombre por alcanzar el sentido más profundo de la vida, confrontando sus deseos con los límites éticos, de la mano de una puesta magnífica y exquisitas actuaciones, que se encargan de mostrar que la eterna tensión entre el bien y el mal, está más vigente que nunca.

Pensador Teatral.

AL LEÓNIDAS BARLETTA

Ellas ( Ficción Adjunta )

 Dramaturgia de Dora Milea. Dirección de Andrea Giglio.

Martes 20 30 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Una propuesta sensible y plena de poesía es una buena definición para Ellas ( Ficción Adjunta ), texto escrito por Dora Milea, que nos invitará a viajar por el mundo de la poesía y de la creación teatral, navegando con pericia entre lo real y lo onírico, jugando con la temporalidad y poniendo el foco en el amor, los deseos a flor de piel y como muchas veces los impulsos deben ser reprimidos, para no dejar las filas de lo políticamente correcto.

Las acciones se iniciarán con la visita de una directora teatral ( Ana Rodríguez Arana ) a la casa de una poeta ( Sylvia Tavcar ) con el objeto de pedirle el guión de obra que teoriza sobre el amor, para representarla en el teatro. Pero la poetíza, que había citado a la directora en su casa, se muestra reticente y algo perturbada. Niega la existencia de aquella obra que le reclaman y afirma que nunca pudo escribir un texto teatral, aunque le gustaría hacerlo, con tal de complacerla. En esa primera escena, ya se vislumbra la atracción entre esas dos mujeres.

La directora se enoja con la actitud de la anfitriona y en un par de oportunidades amaga irse, pero no puede hacerlo. La poetiza la quiere retener allí y ella no quiere irse. Hay un conexión particular entre ambas mujeres, miradas furtivas y deseos que surgen de sus miradas. Se intuye una relación amorosa entre ambas mujeres. El arte las une y la pasión se percibe. Pero será real aquel sentimiento o será la imaginación de la poetiza que crea un relato en su mente ??. Ficción y realidad se van a fundir, las palabras brotan, los deseos quedan expuestos y la poesía se adueñará de la noche.

Tiempo de hablar de las magníficas actuaciones que tiene la obra. La dupla protagónica logra transmitir una conexión y una intimidad, que se transmite a la platea. Arranquemos por Ana Rodríguez Arana, la directora decidida a llegar al interior de aquella mujer, a convencerla de su arte y ser socias de la vida además. Elogiamos el trabajo de Ana, hace muy poco en Juramos No Morir de Amor, entrañable obra del off, que vimos en Itaca también. Aquí vuelve a destacarse, dando vida a una mujer sensible y audaz, que no tiene miedo en seguir sus impulsos. Magnética composición de Ana.

Turno ahora de Sylvia Tavcar, que lleva adelante el papel de una poetiza con miedo a seguir sus verdaderos deseos. Se muestra dubitativa y algo incómoda ante la insistencia de la directora, pero sus palabras, no concuerdan con su mirada, que responde a sus verdaderos sentimientos. Para destacar su monólogo en la parte final de la obra, que desborda de poesía. Es la primera vez que vemos a Sylvia en escena y nos gustó mucho su trabajo. La dupla protagónica muestra gran química y se luce mucho, dando excelente forma a los personajes muy exigentes que tienen a cargo, porque tienen parlamentos muy extensos.

La puesta de Andrea Giglio, es un punto muy alto, ya que desde el arranque se crea una atmósfera de calidez e intimidad, acorde con el relato. Ítems a destacar, el diseño lumínico de Damián Monzón y la música de Valeria Pelka, claves para el clima intimista que adquiere la relación de ambas mujeres. Y también queremos mencionar el vestuario de Luciana de Pinto, caracterizando muy bien a los personajes.

Y hasta acá vamos a contar, para mantener el suspenso, Ellas ( Ficción Adjunta ) es una obra muy particular, con una estética muy bella y cuidada, que pone el foco en las palabras y la pasión, viendo como ambas se entrelazan, jugando con los silencios, los cruces de miradas y al arte de la seducción, mostrando como muchas veces no hace falta hablar para expresar un sentimiento.

Los invitamos a que descubran la historia de estas dos mujeres, unidas por el teatro y la poesía, que explorarán los límites de sus deseos , dejando al descubierto que una atracción amorosa, se huele a lo lejos, pudiendo relegarse por el miedo y la opinión de los otros. Un texto profundo y sensible, una puesta cargada de poesía y actuaciones exquisitas, se unen, para que seamos testigos de una bella historia, que late con intensidad y nos muestra que el poder del amor siempre es más fuerte.

Pensador Teatral.

Irreverentes

Dramaturgia y Dirección de José María Muscari.

Sábados 20 hs y Domingos 18 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Un espectáculo que lleva el sello de Muscari en su ADN y se ha transformado en uno de los mayores sucesos del teatro off, es la carta de presentación de Irreverentes, esta original y disruptiva propuesta, que reivindica a las personas mayores, mostrando que también se puede hablar con alegría y desparpajo de aquella etapa de la vida, disfrutando de cierta impunidad que otorgan los años, para exponer sin filtros las emociones, miedos y deseos que atraviesan los mayores.

El proyecto nació una vez más con una idea de José María Muscari, que luego de un interesante proceso creativo, logró llegar a buen puerto. El autor ya había tenido muy buenas experiencias, trabajando con actores y actrices muy conocidos de la tercera edad, a los que el medio los había expulsado, precisamente por sus años, recordando al instante Extinguidas, un hermoso espectáculo que recordamos haber visto años atrás en el Picadilly, donde nueve mujeres que habían sido divas y sex simbols en la década del 80, volvían a la Calle Corrientes, mostrando su vigencia.

En este caso José María, se preguntó que sucedía con aquellos actores y actrices que nunca llegaron a ser famosos y ya entraban en la tercera edad. Alguien los llamaría ?? Tendrían chances de volver al ruedo ?? Se acordaría alguien ellos ?? Sabiendo las respuestas negativas a aquellos interrogantes, Muscari supo que él, era el encargado de aquella misión y realizó un casting, al que se presentaron 500 actores y actrices. Debían cumplir 2 requisitos, no haber sido famosos y el más importante ser mayores de 60 años. 

Luego de 2 semanas, ya había elegido a los 27 integrantes del elenco que formarían parte de Irreverentes y se alumbraba este nuevo fenómeno, que ya lleva una temporada agotando localidades y recibiendo elogios por doquier. La obra funciona como una verdadera celebración y así lo sientes los actores que llevan adelante la propuesta, con un público muy activo, que con alegría y emoción, se predispone para disfrutar de una propuesta muy original, atrevida y políticamente incorrecta, que hablará de la vejez, desde un punto de vista totalmente desacartonado y bien diferente al que estamos acostumbrados. 

No queremos contar demasiado, para que se sorprendan como nosotros, solo vamos a comentar que el escenario ofrecerá un derroche de alegría, creatividad, talento y emociones. Los 27 actores estarán siempre juntos en escena, así que ya pueden adivinar la energía tan particular  yla dinámica que tendrá el espectáculo, en el que tendremos momentos musicales desopilantes, con temas de Duki, Trueno o Carol G. Siendo testigos además  de los efímeros momentos de fama que tuvieron algunos de los integrantes del elenco, que serán muy celebrados por el público.

Y más allá del show, la obra nos contará historias de vida, relacionadas con las actividades paralelas que tuvieron además de la actuación, recuerdos de aquellos años donde todo estaba por venir y la manera de tomar con alegría esta etapa de la vida, donde no todo son visitas a los médicos y el listado de los remedios que deben tomar cada día. La edad también es propicia, para hacer confesiones inauditas, ya que a esta altura poco importa la opinión de los otros, hablar del sexo en la tercera edad y de todo aquello, que los invita a celebrar cada nuevo día de vida, Pero cumplimos con nuestra palabra y hasta allí vamos a contar. El resto lo descubrirán cuando vean la obra.

Yendo al elenco, como se imaginan si nombráramos a los 27 protagonistas, esta reseña seria muy larga, pero sería un acto de justicia hacerlo, ya que cada integrante del elenco se destaca por su variedad y porque cada uno tiene un momento de lucimiento, sin dudas que el casting resultó muy exitoso y deben haber quedado muchos que merecían estar, mencionamos esto al notar la riqueza de los que forman parte de Irreverentes. 

Siendo injustos seguramente, vamos a hacer algunas menciones. Arrancando por Alejandra Rubio, que oficia como una especie de maestra de ceremonias, de este inclasificable grupo. Con su vestido blanco y sexy escote, se encargará de recordar al resto, que ella tuvo un momento de fama no tan fugaz, con recordadas participación en programas exitosos de la TV. Nos gustó mucho lo de Alejandra. Sigamos con Mónica Alessandría, que participó como La Pocha, en Esperando la Carroza, una de las películas más emblemáticas del cine argentino, siendo un verdadero hallazgo, poder recordarla allí cuando era joven.

Y así podríamos seguir con Daniel Toppino, que se destacó en la Serie Monzón como el Cartonero Baez, Ricardo Streiff al que recordamos por su participación en Sin Codificar y así podríamos seguir. Muchos participaron en obras del off, publicidades y además de la parte artística se contarán experiencias de vida. La participación de Malvinas de un integrante del elenco, recuperación de adicciones en otro caso, un experto en boleadoras, una historia de adopción, desengaños amorosos, etc. Cada uno de los protagonistas, tiene una historia de vida y un talento que los acompaña, aunque si caminan por la calle nadie los reconocería. En el escenario de despliega un abanico variopinto, que se disfruta mucho.

La puesta de la obra tiene mucho para destacar. Arrancando por la previa al inicio de la función, donde los actores reciben al público en la fila para el ingreso, con una copa de vino, una flor o un aromatizante, adelantando que será una noche muy especial la que vivirán pronto. Ya en el escenario destacar, el despliegue escénico que se consigue, ya que no es sencillo, ni mucho menos habitual, tener tantos actores, todos juntitos frente al público. Pero Muscari, que es un experto en el manejo de elencos numerosos lo consigue, logrando ordenar el caos escénico y desplegando coreografías muy logradas, porque dejemos esto en claro, el desorden y el caos es supuesto, porque todo está coordinado y sincronizado a la perfección.

Siguiendo con la puesta, es magnífico el vestuario del elenco. Se visten fiesta para la ocasión, hay mucho brillo, mucho glamour y cada una de las vestimentas tiene un toque particular y personal. El vestuario en sí es ya un show aparte. Destacar también la pantalla gigante, donde se reproducen algunas imágenes y consignas, que complementan muy bien el relato. Y por último reiterar esa energía bien arriba, que desde el escenario se proyecta a la platea, con un público que disfruta ser parte de esta propuesta.

Y hasta allí vamos a contar. Irreverentes está transitando su segunda temporada, llenando en cada función, la sala mayor del Teatro del Pueblo y además del reconocimiento del público, hay que mencionar que la obra fue Nominada a los Martín Fierro 2025, como Mejor Obra del Off, algo que sin dudas resulta muy merecido, ya que la propuesta de José María es tan arriesgada, como valiosa y bien ejecutada, porque muchas veces las ideas pueden ser brillantes ,pero luego no se consiguen buenos resultados. Esto no pasa aquí, ya que se parte de una gran idea y la realización es magnífica.

Solo queda invitarlos a que sean parte de esta ceremonia de emociones desbordadas y sin filtros, donde un grupo de actores que nunca alcanzaron la fama, tienen la posibilidad de mostrar su talento, su vigencia y sus ganas de actuar y de vivir. Lo consiguen, gracias a un Muscari auténtico, que además de hacer arte, reivindica y homenajea a artistas talentosos, que desafían al calendario, en un espectáculo que divierte, emociona y además nos brinda un espejo, donde podemos imaginar como nos veremos dentro de algunos años, donde esperamos tener al menos parte la cuerda y la energía que tienen estos verdaderos Irreverentes.

Pensador Teatral.

Casa Oscura

Autoría de Ariel Cortina y Chelo Margal. Dirección de Karina Bazan Carpintero.

Sábados 18 hs en Teatro El Pasillo ( Colombres 35 )

Una obra perturbadora y cruda, es la carta de presentación de Casa Oscura, adaptación de la pieza " Vi Viendo en penumbras ", que bajo la dirección de Karina Bazan Carpintero, muestra le peor cara de los vínculos familiares, que muchas se vecen se traducen en relaciones tóxicas y crónicas, que muestran como en muchas ocasiones, el resentimiento y las frustraciones que llevamos dentro, se vuelvan contra quienes tenemos cerca, sin importar el daño que ocasionamos.

La historia nos presenta a Amanda ( Adriana Cuerda ) , una mujer ciega a causa de un accidente, que pasa sus días encerrada en su casa, sin salir a calle, teniendo como único pasatiempo ver películas clásicas en la televisión. La acompaña a diario, su sobrino Mariano ( Mariano Peque ), un muchacho con problemas en el habla y con un notorio retraso madurativo, que además de hacerle compañía, a desgano le hace algunos mandados.

La convivencia entre ellos es muy mala y ninguno se siente a gusto de compartir tiempo juntos. Las discusiones son permanentes, por lo general iniciadas por la tía, que parece disfrutar menospreciando a su sobrino de manera constante y con una crueldad sin límites. El sobrino detesta a su tía y trata de defenderse con sus armas,  de acuerdo a las limitaciones que tiene, pero por lo general pierde las batallas y termina sucumbiendo ante la letal lengua de Amanda. 

Las peleas y los cruces dialécticos, cada vez se vuelven mas virulentas, tanto que en algunos momentos la violencia verbal, deja espacio a las agresiones físicas, entrando ya en un terreno peligroso. Las humillaciones de la tía hacia su sobrino son cada vez más fuertes y la paciencia del muchacho parece agotarse. Un incidente con una vecina, será el detonante, para exponer una situación que ya no tendrá retorno. Y hasta allí vamos a contar, porque el suspenso es uno de los mayores capitales del relato.

A nuestro entender, lo más destacado de la obra son las estupendas actuaciones de la dupla protagónica. Adriana Cuerda compone a una auténtica villana, enojada con la vida y con todo lo que la rodea, encuentra en su sobrino, la salida fácil para descargar sus frustraciones y mostrar que podrá haber perdido la vista, pero no su mal carácter, ejerciendo una violencia verbal, que no tiene límites. Muy bueno el trabajo de Adriana.

Y que decir de Mariano Peque, como un muchacho que trata de hacerse fuerte ante las andanadas de palabras y la mala energía de aquella mujer. No es sencillo su personaje y la personificación que realiza es realmente lograda, dando a su Mariano una gran credibilidad y generando empatía con la platea, que sufre con él, por el maltrato y las humillaciones. Magnífico lo de Mariano.

La puesta de Karina Bazan Carpintero, es muy atractiva, logrando darle al relato una atmósfera de tensión y sordidez, acorde con el tono de la historia. Un ítem a destacar es el diseño escenográfico de Xaviera Mondragón, que reproduce un living frío e impersonal. El vestuario también a cargo de Xaviera, colabora en la muy buena caracterización de los personajes.

En definitiva, disfrutamos de una muy buena tarde de teatro, viendo esto perturbadora y cruda historia, que nos habla de vínculos familiares rotos y de furia acumulada, que estalla contra quienes más cerca tenemos, siendo esto una salida cómoda, pero cobarde, ya que no enfrenta el verdadero origen de nuestras frustraciones. Casa Oscura, es un relato descarnado, con una puesta asfixiante y magníficas actuaciones, que invitan a reflexionar, dejando al descubierto, los riesgos de volcar nuestras miserias humanas contra el más débil, ya que además de exponer que clase de persona somos, puede tener graves consecuencias.

Pensador Teatral.

Carnada

Dramaturgia de Susana Torres Molina. Dirección de Cintia Miraglia.

Lunes 20 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1062 ) 

Un texto potente y perturbador de Susana Torres Molina es la carta de presentación de Carnada, una pieza que bucea en la complejidad de la mente humana, poniendo el foco en la negación, como mecanismo de defensa, donde las personas se rehusan a aceptar una realidad dolorosa y por lo tanto inaceptable, eligiendo crear una barrera que nos protege del sufrimiento, apareciendo también la disociación, un proceso por el cual elegimos desconectarnos de ciertas emociones o recuerdos de pasado, para no vernos desbordados.

La historia sucede en la casa de Frida ( Ingrid Pelicori ), ella se encuentra sola en su hogar, cuando recibirá la inesperada visita de dos mujeres jóvenes, que visten de negro y lucen demacradas. La dueña de casa se sorprende y se asusta  a la vez con la llegada de esas extrañas, que le avisan que están cansadas porque vienen de muy lejos y no se muestran muy amistosas. Se las nota enojadas y con sed de venganza, algo que inquieta mucho a Frida.

Pronto revelarán el motivo de su visita, vienen a reclamar justicia y a recuperar lo que les arrebataron.  La mujer les dice que no sabe de que le hablan y allí le indicarán que es su esposo, el que les causó el daño, el arrebatador. Casualmente hace unos días, el esposo de Frida salió detenido de aquella casa. La dueña de casa, les implora que se vayan, que ella quedó sola y que no tiene idea de lo que su marido hacía. Pero las jóvenes, lejos de claudicar, se van a poner insistentes e intimidantes, refrescando algunos hechos del pasado, que van a poner muy incómoda a la mujer, que a medida que la trama avanza se irá sintiendo más acorralada.

La trama es intensa, inquietante y con un aura de misterio que acompañará todo el relato Los interrogantes van en aumento. Quienes son aquellas chicas vestidas de negro que allí se presentan ?? Pertenecen a este plano ?? Son reales o producto de la imaginación de aquella mujer ?? Es posible que Frida desconozca por completo las andanzas de su esposo ?? Nunca sospechó ?? Y más allá, es posible que una persona tenga dos caras tan opuestas, siendo en casa un ser adorable y fuera de ella un ser abominable ?? O en realidad es una percepción falsa que nosotros mismo nos creamos como mecanismo de defensa de un ser querido ?? No vamos a ser nosotros quienes revelemos los interrogantes, porque como dijimos uno de las mayores virtudes que presenta la pieza, es el suspenso que mantiene desde el arranque.

Y cuál es la mayor virtud de la obra ?? No tenemos dudas de ello. Son las magníficas actuaciones que presenta La protagonista central de la historia y figura convocante, es Ingrid Pelicori, una actriz exquisita y de enorme trayectoria. Resulta un verdadero lujo verla en escena, manejando con maestría los tiempos del relato, mostrándose incrédula ante lo evidente, intentando despegarse de lo ocurrido, queriendo pasar como una víctima más, Magnífica composición de Ingrid, siendo un privilegio para el público, disfrutar sus recursos actorales, su sensibilidad y la profundidad que logra darle a su personaje.

Pero no queremos que la interpretación de Ingrid, eclipse los estupendos trabajos de Anahí Gadda y Carolina Guevara, dos actrices jóvenes talentosas y con muy buen recorrido en el teatro independiente. Tienen a su cargo, llevar adelante dos personajes complejos y oscuros, que en su sed de venganza, esconden un dolor por las heridas sufridas. Ambas se lucen mucho, Anahí además de lo actuado, muestra también sus virtudes en el canto y Carolina destaca por su gran expresividad y fantasmagórica presencia, siendo personajes que infunden terror. Sobresalientes ambas, ya que no es sencillo seguirle el paso a Ingrid y ellas lo logran a la perfección, creando un trío protagónico muy virtuoso.

Tiempo de hablar la puesta Cintia Miraglia, que logra darle a la historia, una atmósfera que mezcla suspenso y terror, el soporte justo que pide el relato y lo hace muy atractivo. Varios aspectos a destacar de la puesta. Arrancando por el logrado vestuario dark que lucen las visitantes. Nos gustó el diseño escenográfico de Víctor Salvatore, que nos entrega un hogar inquietante. El diseño de luces de Matías Noval, con una penumbra casi permanente, crea muy buenos climas, al igual que la música que separa los diferentes cuadros.

Y hasta allí vamos a contar, como mencionamos en el comienzo, uno de los mayores capitales que tiene la obra, es la cuota de suspenso que ofrece, por eso queremos ser cuidadosos y no spoilear mucho. Si podemos anticipar, que se van a encontrar con una historia atrapante, que arrancará de manera de tranquila, casi inocente y a medida que la trama avanza, irá ganando en intensidad, creando un escenario de horror y de violencia, que resulta muy reconocible en estos tiempos.

Una original y atrapante propuesta la de Carnada, poniendo el foco en la complejidad de la mente humana, dejando en evidencia como muchas veces, pese a las evidencias, optamos por mirar para el costado y elegimos negar la realidad, aunque la misma tenga una fuerza arrolladora. Un texto inquietante, una puesta perturbadora y actuaciones sobresalientes, son la marga registrada de una obra que se adentra en zonas incómodas, interpelándonos y llamándonos a la reflexión.

 

Pensador Teatral.

La Perichona

Dramaturgia y Dirección de Raúl Ríos.

Domingos 18 en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

El teatro independiente, entre sus múltiples virtudes. tiene una que nos gusta de manera particular, nos referimos a rescatar figuras de la historia argentina, que fueron olvidadas por los historiadores y pocos conocen de su existencia. Sin dudas, que este es uno de esos casos, ya que la dramaturgia de Raúl Ríos, rescata a Marie Anne Périchon, conocida popularmente como La Perichona. una aristocrática francesa, que llegó a Buenos Aires, en el año 1797, acompañando a su esposo Thomas O´Gorman, un oficial irlandés al servicio de Francia.

Anne Marie, decir que fue una mujer audaz, pasional y libertina, que no dudó en romper todos los mandatos de la época. Maestra del secreto y la intriga, fue partícipe de varios escándalos farandulescos de aquellos años y recibió el mote de la " Mata Hari del Virreinato " por su habilidad para manipular políticos y penetrar en los secretos de la Corona. Además fue la amante del Virrey Santiago Liniers, con quien mantuvo una relación apasionada y escandalosa para el época. Su vínculo trascendió lo íntimo y ella desde las sombras logró influir en decisiones políticas relevantes.

Luego de esa pequeña y entendemos que útil introducción, porque muchos seguramente no conocían a Anne Marie, vayamos a la obra que nos convoca. Con habilidad, Ríos toma su enigmática e inquietante figura, partiendo de algunos hechos verídicos, para construir una ficción que navega con pericia, entre lo real y lo onírico, para traer un relato donde el grotesco, el humor negro y lo disparatado, tendrán un lugar central, sembrando la duda en el espectador acerca de que hechos son verídicos y cuales parte de una ficción. Nosotros obviamente no lo vamos a adelantar, para no quitar sorpresa y mantener una intriga que juega muy favorablemente para el desarrollo de la historia.

Pero como muchas veces decimos, se puede tener una buena idea, escribir un texto interesante, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados, las buenas intenciones pueden naufragar en la orilla. Para que se queden tranquilos, esto no fue lo que ocurrió aquí, todo lo contrario diríamos, porque el autor encontró en Malena López, la actriz ideal para adueñarse de este atractivo personaje. La composición de Malena, es simplemente fenomenal. Su trabajo es minucioso, emocional y con una gestualidad para poner en un cuadrito.

Marcando en cada palabra ese delicioso acento francés que debía tener Anne Marie, nos deleitará con una interpretación brutal, cargada de desparpajo, erotismo y pasión. Mostrando gran presencia escénica y sintiéndose muy a gusto con el personaje, le da una fluidez admirable a la francesa,  dándose el lujo de romper la cuarta pared varias veces, buscando complicidad en la platea. La habíamos visto un par de veces Malena y ya la habíamos elogiado mucho, pero aquí vaya que nos sorprendió con este gran trabajo y con una composición que resulta hipnótica.

Malena se lleva los grandes elogios de la noche por su interpretación y por la potencia de su personaje, pero no está sola en escena y no queremos ser injustos con Daira Escalera, a cargo de la Negra Esculapia, la asistente-esclava de La Perichona, que deberá soportar los improperios y pedidos de su ama, que son una constante. Su trabajo se destaca mucho desde lo corporal y su participación será fundamental en el desenlace de la obra, cuando dará cuenta de sus dotes de hechicera. Nos gustó mucho lo de Daira, formando una dupla explosiva con Malena. 

La puesta es un punto altísimo de la obra con muchos aspectos para resaltar. Arrancando por las impresionantes pelucas que llevan ambas protagonistas y los imponentes vestidos de época que lucen, siendo fundamentales para las excelentes caracterizaciones de ambos personajes, al igual que el maquillaje. Nombramos entonces a Patricia Mizraji, MG y Adam Efron, responsables de cada uno de esos rubros. El diseño lumínico de José Pigu Gomez, a cargo del diseño lumínico y hacedor de esa atmósfera de penumbra y humareda, que marca el ritmo del relato. Párrafo especial para Agustín Martino, músico en vivo, que acompaña en gran forma a las protagonistas y agrega mucho valor a una puesta llena de virtudes.

Y hasta acá vamos a contar, la obra es realmente muy atractiva, rescatando del olvido a un personaje fascinante como el de La Perichona, que sacó pecho en una época donde las mujeres estaban absolutamente relegadas a los mandatos patriarcales que reinaban en aquellos tiempos coloniales. La dramaturgia de Raúl Ríos, tiene la valentía de animarse a jugar al fleje, dándole al relato un alto vuelo creativo, saliendo de lo convencional y sin temor a tomar riesgos, para pivotear entre lo histórico, lo fantástico y el delirio.

Con todo lo que comentamos, solo nos queda recomendar La Perichona. Les aseguramos que van a conocer a un personaje fascinante como el de Anne Marie, una mujer inteligente, pasional y sexual, que los historiadores decidieron ignorar, pero que el teatro recupera, gracias a una dramaturgia potente, una puesta riquísima en matices y actuaciones brutalmente exquisitas. Todo ello se conjuga, para que disfrutemos de una gran velada teatral, que nos deja como mensaje que el amor tiene una fuerza tan arrolladora, que hasta puede imponerse a la muerte.

Pensador Teatral.

Soñé con Ellas

Dramaturgia y Dirección de Gustavo Moscona..

Sábados 21 hs en La Gloria Espacio Teatral ( Yatay 890 ) 

Entre muchas de las virtudes que tiene el teatro independiente, una de las más valiosas es dar visibilidad a las problemáticas más urgentes de nuestra sociedad. Por ello abordar el tema da la violencia de género y los femicidios desde el escenario, permite que el arte se convierta en denuncia y memoria. Y Soñé con Ellas se inscribe en esa línea, invitando a reflexionar y no dejando que semejantes atrocidades caigan en el olvido.

La propuesta de Gustavo Moscona tiene como gran mérito, abordar este tema espinoso, desde un punta de vista particular, presentando tres casos emblemáticos que conmocionaron a nuestra sociedad y tuvieron mucha repercusión en los medios de comunicación por un tiempo, ya que como lamentablemente ocurre siempre, debido al vértigo informativo, los casos son desplazados por nuevos hechos o por algún escándalo político o del mundo del espectáculo, que ofrece más rating, naturalizando la violencia y silenciando a las víctimas.

Los casos que exponen en este segundo ciclo de la obra, son los de Marita Verón, María Cash y Micaela García. La pieza, nos recordará los casos, desde las perspectiva de las víctimas, algo que sin dudas le otorga fortaleza y un sentimiento muy particular a cada historia, ya que en una habitación tendremos ante nosotros a esas tres mujeres, víctimas de la la violencia, que se reunirán allí sin saber muy bien en que lugar se encuentran, aunque lo intuyen.

La vuelta de tuerca de la obra, es hablarnos de la muerte desde la vida. Ya que elige mostrar fragmentos de la vida de aquellas jóvenes mujeres. Sus anhelos que quedaron truncos, sus miedos, momentos divertidos que vivieron, los recuerdos de su primer beso y por sobre todas las cosas veremos esa energía y esas ganas de experimentar la vida que tenían como tantas mujeres jóvenes, pero que en sus casos, la violencia les quitó todo futuro de manera cruel e inesperada.

La obra es fuerte y moviliza al espectador, sin tener que recurrir a los golpes bajos, ni a relatos morbosos. La potencia del texto radica en la juventud de aquellas mujeres, que gracias a los sensibles trabajos de las tres jóvenes actrices en escena, pueden tener la voz, que en la vida real ya no tienen y entonces su silencio forzado, exige que otras personas hablen por ellas, en este caso, las actrices, en una noche especial que compartirán juntas.

Tiempo entonces, de hablar de las tres protagonistas. Arrancamos por Laura Moretti como Marita Verón. Su personaje es quien está desde el arranque de la obra y será quien reciba a las otras dos chicas. Laura muestra una gran presencia escénica y será la más sería de todas. Con su gesto adusto, es quien muestra mayor enojo con la situación, portando una bronca que la envuelve. Además como plus de su trabajo, contará un cuento misterioso, que los espectadores seguirán en absoluto silencio. Gran composición de Laura.

Sigamos con Yanina Manfredi, como María Cash. Con una mirada melancólica y triste. Su caso es emblemático, porque nunca se aclaró que pasó con ella, la tierra parece haberla tragado. Se muestra conmovida y recuerda al padre que dió su vida buscándola. Sensible composición de Laura. Y nos queda hablar de Paz Velázquez, como Micaela García. Ella era una militante social, que fue violada y asesinada, cuando volvía de bailar, cuando solo tenía 21 años. Y en el escenario, se vé esa plena juventud. Es una chica que simplemente quiere jugar y divertirse, quedando claro el contraste entre su alegría y el horror de su muerte. Muy bueno el trabajo de Paz.

La puesta que presenta la obra, tiene componentes impensados para una pieza que trata una temática tan dura como esta, ya que ofrece momentos musicales muy tiernos y también deja espacio para la poesía. Con esto se logra dar aire a un tema tan denso, pudiendo remarcar la injusticia del horror que se quedó con tanta vida. Le damos mérito aquí, a la dirección de Gustavo.

Y hasta acá vamos a contar. Soñé con Ellas es una obra muy necesaria para estos tiempos. En su segundo ciclo y cuarta temporada, la obra y las actrices siguen dando voz a mujeres asesinadas que ya no pueden hablar, convirtiendo en el escenario en un acto de memoria y denuncia, posibilitando que el teatro sea un espacio donde el dolor se transforma en conciencia colectiva.

Por todo lo mencionado, recomendamos vean Soñé con Ellas, una valiosa y premiada propuesta del teatro independiente, creación de Gustavo Moscona, que sabe como llegar al corazón del espectador, con una propuesta que nos interpela en forma individual y como sociedad, de la mano de tres jóvenes actrices, que con sensibilidad y compromiso,  la dan voz a tres mujeres. que sufrieron la violencia en carne propia y tuvieron el peor final, representando además a tantas otras mujeres anónimas que fueron víctimas de la misma violencia y su dolor fue invisible a nuestros ojos. La obra conmueve por su crudeza y nos recuerda que mientras haya injusticias, el teatro seguirá siendo una forma de lucha y de memoria.

Pensador Teatral.