Agamenon

Idea de Manuel Iedvabni.  Dirección de Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini.

Sábados 20 hs en Teatro La Comedia ( Rodríguez Peña 1062 )

Estupenda propuesta teatral nos ofrece Agamenon, escrita en el Año 458 A.C. por Esquilo, considerado el fundador del género de la tragedia griega. Pese a haber transcurrido más de dos mil años, el texto presenta una vigencia que sorprende. Aparecerán en la trama temas como la venganza, el odio, el amor, la política, la muerte,  la guerra y la psicología del hombre, todos temas presentes en nuestra actualidad, revelando que la humanidad en algunos aspectos no ha cambiando, ni evolucionado tanto, como podríamos inferir.

La idea y el proyecto arrancó hace más de dos años, primero en la mente de Manuel Iedvabni, contando luego con el fundamental aporte de Ingrid Pelicori, encargada de la adaptación de este clásico, realizando la misma de manera minuciosa, consultando versiones en castellano, francés e ingles, cuidando especialmente el espíritu poético del texto original, pero buscando una versión didáctica, que pese a los datos históricos que contiene, sea clara y amena para el espectador, adelantando desde ya que el resultado fue excelente.

Lograr que el proyecto se convirtiera en realidad no fue sencillo, se debieron superar muchos obstáculos, pero finalmente pudo plasmarse y se transformó en esta estupenda versión que podemos ver en La Comedia,  en la que por decisión del propio Iedvabni, se dispuso que fueran solamente dos actores, como en la época de Esquilo, los que representaran a todos los personajes, valiéndose para ellos de máscaras, otro elemento distintivo del teatro griego.

Valga una aclaración en la época de Esquilo, los actores eran siempre hombres, aquí Manuel, se toma una licencia, eligiendo un actriz para los personajes femeninos y un actor para los masculinos. Realmente era un gran desafío encontrar a los actores, que están a la altura del desafío y pudieran desdoblar la cantidad de personajes requeridas, por eso desde el arranque del proyecto se contó con Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, como los elegidos, dos verdaderos animales de teatro, que no se iban a amilanar ante la propuesta y trabajaron de manera activa, para que la obra llegue a buen puerto.

Contemos brevemente que la obra escrita por Esquilo narra el regreso triunfal de Agamenon, Rey de Micenas y Argos, a su patria luego de diez años en la Guerra de Troya. Regresa trayendo como trofeo y esclava a Casandra, la profetisa hija de Priamo, que lanzaría algunos augurios escalofriantes. En su palacio, lo espera su esposa Clitemnestra, que lo recibe con honores, debido a su mítico triunfo. 

Pero en verdad, esa supuesta alegría por el retorno de Agamenon, de parte de su esposa, era simplemente una representación, debajo de su mueca de sonrisa, algo ocultaba, sin dudas la guerra, había dejado cuentas pendientes entre ellos. Recordemos que durante su navegación a Troya, en medio de una tempestad que amenazaba con destruir toda su flota, los Dioses colocaron a Agamenon, ante una dilema trágico, ya que Ifigenia la hija de ambos, fue pedida en sacrificio, para que los barcos pudieran continuar su camino. El Rey debía optar entre el deber y su hija, decidiendo el sacrificio de Ifigenia.

Esta decisión no fue del agrado de Climnestra, que evidentemente nunca le perdonó esta decisión y pacientemente esperó el momento, para tomarse revancha y como dice el refrán, la venganza es un plato que se sirve frío. No vamos a contar más, quienes conocen la historia, conocerán ya la suerte de Agamenon y, aquellos que no, se enterarán cuando vea la obra, nosotros aunque hayan pasado más de dos mil años, vamos a mantener el suspenso.

Es momento de hablar de los extraordinarias interpretaciones que presenta la obra. Es un placer para quienes amamos el teatro poder disfrutar de actuaciones superlativas como las que nos ofrecen Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, dos actorazos de raza, que se comprometieron de manera absoluta con el proyecto y esto es algo que el espectador puede apreciar de manera clara, por la entrega de ambos.

Como mencionamos antes, solo ellos dos, representarán todos los personajes de la historia. En el caso de Ingrid, se pondrá en la piel de Climnestra y Casandra. Osmar por su lado, dará vida a Agamenon, Egisto, el mensajero y el soldado. Sorprende como cambiarán de apariencia en segundos, transformándose en el personaje que están desdoblando, variando su tono de voz, postura y gestualidad. Hay que contar con un gran talento, para lograr esto y hacerlo con la repentización que lo hacen Ingrid y Osmar. Realmente es admirable el trabajo de ambos.

Además formarán parte del coro. A que nos referimos con esto ??  La puesta nos tiene reservada una novedad tecnológica, que aporta mucha valor a la obra. Sobre el fondo del escenario, una pantalla gigante, proyectará imágenes digitales del coro o consejo de ancianos. Es el pueblo de Argos, que opinará sobre lo que acontece en la ciudad y el comportamiento de sus gobernantes. La realización audivisual mencionada es obra de Pauli Coton y realmente merece verse, más que describirse aquí, ya que es un recurso muy novedoso, que otorga potencia y belleza visual a la obra.

No queda mucho por agregar, Agamenon es una muestra fiel de que la humanidad, aunque hayan  pasado siglos, sigue teniendo problemáticas que lo atormentan, la violencia, las guerras, la venganza, la muerte y las pasiones irracionales, estaban presentes en la tragedia griega y siguen presentes hoy, en este mundo convulsionado que nos toca vivir.

Estamos en presencia de una propuesta muy valiosa que nos trae el teatro independiente, con un texto clásico, que presenta una vigencia y una cercanía que asombra, gracias a una adaptación excelente, una puesta sumamente atractiva y las las fantásticas actuaciones Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez. Por eso llena el alma, ese aplauso emocionado, con el que el público que colmó la sala, premia a los protagonistas, demuestra que apostar a un clásico griego, cuando hay tanta dedicación y talento reunido, puede resultar una empresa exitosa y convertirse en un imperdible de nuestra prolífica cartelera teatral.

Pensador Teatral.

Ladies Night

Dramaturgia de Patricia Suárez. Dirección de Ulises Puiggrós.

Viernes 23 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una divertida y desopilante propuesta llega de la mano de Patricia Suárez, la prolífica dramaturga rosarina, que en esta oportunidad, nos traerá un texto, en el que nueve mujeres, pertenecientes a un grupo de lectura, se reunirán a la espera de su autor preferido. La gran novedad, es que estas mujeres, además de su pasión por la lectura, son brujas, si así como lo leen, nueve brujas que en pleno Siglo XXI, se reunirán para agasajar a un escritor y conversar de temas en común, un argumento por demás original.

Las chicas están ansiosas por la llega de Ugarte, su autor de novelas románticas favorito. Organizaron una velada nocturna, en la que no faltarán cosas ricas para comer y el champagne será la bebida oficial. Los minutos pasan y la llegada del escritor se demora, para colmo una feroz tormenta se desata sobre Buenos Aires y algunas comienzan a temer, que la lluvia puede ser un impedimento real o la excusa justa, para que Ugarte las deje plantadas, en esa noche tan especial para ellas.

Las mujeres se impacientan y para superar la espera, empezarán a tocar temas de familia, ya que la mayoría son parientes, tendremos madres, hijas y tías, todas ellas con conocimientos de brujería, que según se intuye, se han transmitido entre generaciones. Por su puesto se hablará de hechizos y de conjuros, pero también aparecerá el tema de la religión y cuestionarse porque hoy en estos tiempos modernos, en los que las mujeres han obtenido tantas reivindicaciones, no han logrado aún, penetrar, las rígidas barreras de la Iglesia Católica, que impiden por ejemplo, que una mujer pueda ordenarse como sacerdote, obispo y ni hablar de pensar en una Papa Mujer.

La espera se torna desesperante para estas mujeres, se iniciarán algunas discusiones, hay algunas cuentas pendientes en la familia y la noche parece apropiada para resolverlas. Las botellas de champagne comenzarán a descorcharse y las lenguas de las chicas, algunas bien filosas, comenzarán a soltarse. Aparecerá un petitorio, para que sea firmada por todas, donde se pide a la Iglesia por el derecho de las mujeres. Pero ese petitorio, tiene un punto que parece imporbable, ya que la idea es que lo reciba el Papa, algo imposible, si no fuera porque una de las brujas, muchos años antes, conoció a Jorge Bergoglio, cuando vìvìa en Flores y nadie podía imaginar en esos momentos, su ascendente carrera.

El entretenido texto es actual y tiene presente, la lucha de los movimientos femeninos que pugnan por el empoderamiento de las mujeres. Digamos que el texto, en algunos momentos peca de ser algo ambicioso, queriendo abordar demasiados temas a la vez, sin poder darle un desarrollo principal a alguno de ellos, pero no debemos perder de vista, que la autora presenta una propuesta desopilante y bizarra, por eso es que se permiten ciertas licencias creativas, no teniendo que buscar el espectador, un texto linealmente estructurado.

El punto fuerte de la obra, en nuestra opinión son las actuaciones. Se reunió un muy buen elenco para la ocasión. Son nueve actrices, todas ellas con muy buen recorrido en el teatro independiente, con características y edades heterogeneas. Las chicas están la mayoría del tiempo todas juntas en escena, por lo que el espectador, deberá estar siempre atento, ya que es mucho lo que sucede en el escenario y serán varios los centros de atención, que de manera simultánea, se estarán desarrollando.

Como señalamos, las interpretaciones son el corazón de la obra y por ello vamos a dejar algunas lineas del elenco que presenta la pieza, con el riesgo de ser injustos, resaltando aquellas que a nuestro entender más se destacaron, aclarando de entrada que el gran valor aquí está en el conjunto, por sobre lo individual.

Alicia Muxo, es quien parece llevar la batuta en la noche, respetada por las brujas más chicas, por su experiencia y por su ascendencia en la familia. Gran trabajo de Alicia. Otro bruja de experiencia, es María Nydia Urso-Ducó, no vamos a descubrir aquí las condiciones de esta gran actriz, a la que muchas recuerdan, por su trabajo en Un Hombre sin Suerte. Acá se destaca en el grupo e imagina como sería un encuentro íntimo con Ugarte. Siempre es un deleite ver a Nydia en escena. Silvia Petri, parece la bruja más profesional de todas las reunidas y nos ofrece una lograda composición, conjurando hechizos y algunas maldiciones, consiguiendo los momentos más esotéricos de la noche.

Seguimos con Débora Longobardi, que además de bruja, es una valiente abogada, que busca defender los derechos de los más débiles. Destacamos su gestualidad, frescura y ese bello tono de voz, que es un sello que la distingue. Débora, es una de nuestras actrices preferidas del off,  y siempre que la vemos, destacamos sus trabajos. Aquí una vez más, muestra su enorme talento y versatilidad.  Natalia Imbrosciano es una bruja, con mucho carácter, se muestra competitiva y estará involucrada en muchas disputas dialécticas con sus colegas. A Natalia, también la vimos varias veces y siempre se destaca en sus papeles por su carisma y credibilidad.

Nos sorprendió gratamente la composición de Catalina Motto, a quien recordamos haberla elogiado mucho por su trabajo en Dos una Desconexión y aquí la vemos como una bruja atractiva y sensual, que vestida de amarillo, ahuyentará la envidia de los demás. Muy bueno lo de Catalina. Magalí Meliá es otra excelente actriz, que acá compone a una bruja especialista en remedios homeopáticos. Griselda Sanchez, con un look informal, es la más seductora de todas las brujas, logrando horrorizar a las mayores, por su desparpajo. Karina Hepner, por su parte es una bruja muy histriónica, capturada por las redes sociales y por una relación amorosa clandestina que la atormenta.

Se hizo algo larga la descripción, pero como mencionamos antes, la calidad del elenco reunido y la calidad de las actuaciones, creemos lo ameritaban. Párrafo especial para Ulises Puiggrós, el director de la obra, coordinando esfuerzos, para que las nueves actrices estén prácticamente todo el tiempo juntas en escena. logrando armonía y que cada uno de ellas puede encontrar su espacio para el lucimiento.

Ulises demás consigue una puesta realmente atractiva, desde lo visual, logrando varios focos de atención simultáneos. Hay un diseño lumínico que juega en buena forma con la oscuridad en varios pasajes ( en especial cuando se nombra a alguien ) y queremos destacar el colorido vestuario de Fernanda Díaz, que viste otorga glamour a las nueve protagonistas.

En definitiva, Ladies Night, es una divertida y original propuesta del teatro independiente, que entre brujerías y charlas de mujeres, tocará temas actuales como la inclusión de las mujeres y lo complicado que resulta, conseguir la igualdad de oportunidades, en ciertos ámbitos, que se resisten a los cambios que la sociedad experimenta en estos años, siendo la Iglesia, uno de los mejores ejemplos de instituciones, que quieren demorar este avance.

Por todo lo mencionado, la invitación para que concurran a El Tinglado está cursada, la cita es cerca de la medianoche, allí los esperan nueve talentosas brujitas, que recurrirán a sus poderes mágicos y a todos sus hechizos, para que los espectadores, disfruten de una velada teatral a pura risa.



Pensador Teatral.

Las Cuñadas

Dramaturgia de Florencia Naftulewicz. Dirección de Pilay Boyle y Florencia Naftulewicz.

Martes 21 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Una propuesta fresca y muy divertida aparece con Las Cuñadas, comedia desopilante, que revelará hasta donde, pueden estar dispuestas a llegar dos mujeres de clase alta, para conservar la buena reputación de la familia y mantener a salvo el negocio familiar.

Gynette y Gyselle se encuentran para la habitual sesión de belleza a domicilio que comparten todas las semanas, en las que tratan los típicos temas que pueden ocupar dos distinguidas damas de la alta sociedad, el trabajo de sus esposos, las mujeres de sus esposos, amigas, carteras,  zapatos, los últimos tratamientos estéticos disponibles y rememorar los días de shopping en Miami, la meca que toda persona bien, tiene siempre a mano, vuelo mediante, para sus compras.

Gynette ( Florencia Naftulewicz ) y Gyselle ( Mercedes Moltedo ) son más que amigas, son familia, más precisamente cuñadas, ya que Gyselle está casada con Roberto, el hermano de Gynette. La charla entre ellas venía relajada como siempre, hasta que surge un secreto a voces, la relación de la pareja, viene barranca abajo y el motivo es contundente, Roberto está saliendo de viaje muy seguido con un amigo, que es más que un amigo. Todavía no se animo a salir del closet, pero sus preferencias amorosas, se están tornando en algo difícil de ocultar.

Las cuñadas en el medio de una sesión de manicura y de los tragos que preparan para amenizar el momento, llegan a la terrible conclusión, que si las inclinaciones sexuales de Roberto, llega a ser conocidas, la financiera que maneja se iría a la bancarrota. Ninguno de los conocidos, seguiría confiando en aquel hombre y el imperio familiar se derrumbaría en poco tiempo, algo que sería un catástrofe económica para ambas mujeres, ya que sus ingresos y posición social, dependen del buen funcionamiento del negocio.

La tensión comienza a ganar espacio, Gynette es la que toma la iniciativa y se muestra dispuesta a todo para salvar el matrimonio de su hermano, por eso maquina un plan tan arriesgado, como disparatado, en el cual Miriam, la manicura y circunstancial acompañante de esa jornada hogareña de belleza, será la gran protagonista. La idea será que ante su círculo de conocidos, se haga pasar por la amante de Roberto, cualquier recurso es válido, con tal de evitar el escarnio público, que sufriría la familia si trascendiera su verdadera identidad sexual.

Al principio, el plan de Gynette no convence a su cuñada, pero su insistencia y fuerte carácter, provocará que Gyselle, acepte la idea que además de ser disparatada, la convertirá en cornuda al instante. Y convencer a la manicura sería sencillo ?? Ambas piensan que si, que con algún incentivo económico y alguna promesa de viaje, el camino estaría allanado y contarían con la total colaboración de esa mujer de origen paraguayo, que pese a pertenecer a un clase social, tan lejana a ellas, sería una pieza clave, para salvar el imperio familiar. Hasta allí contaremos. Si la idea fue buena o no, los lectores, lo descubrirán cuando vean la obra, pero les adelantamos, que muchas veces, el diablo mete la cola y lo que parece una buena idea en un comienzo, se puede convertir en una pesadilla.

La trama es muy dinámica y fluye, el público se engancha desde el principio, con un texto muy divertido escrito por Florencia, que creemos tiene tan buena recepción, porque resulta cercano para los espectadores, que si bien encuentran una caracterización exagerada adrede, se reflejan en la trama y en el comportamiento de alguna de las protagonistas.

Nos gustaron mucho las actuaciones que presenta la obra. Tres jóvenes y talentosas actrices, que se sienten a gusto con el texto, se nota se divierten en escena y a partir de allí pueden lucirse mucho. Florencia Naftulewicz, es la gran protagonista de la obra, en su triple función, ya que además de ser la autora y dirigir la pieza junto a Pilar Boyle, nos regala una interpretación magnífica, componiendo a una dama de la high society, manipuladora y de fuerte carácter, mostrando estar decidida a todo, con tal de salvar el buen nombre de la familia. Nos encantó el trabajo de Florencia, una joven actriz a la que sobra talento y carisma, mostrando en ese caso, sus condiciones para la comedia.

Mercedes Moltedo, la acompaña en gran forma. Con modales muy finos y algo más calmada que su cuñada, aunque al principio, muestra algunas dudas con el plan ideado, finalmente lo apoyará de manera abierta. A Mercedes, la elogiamos mucho por su actuación en La Pilarcita, una obra casi de culto del off. Aquí en un papel diametralmente opuesto, muestra toda su versatilidad.

Completan el triángulo virtuoso, Julia Galeano en el papel de la manicura. Tímida al principio, casi sin hablar, irá ganando en confianza a medida que avanza la trama y comienza a darse cuenta, que puede sacar tajada, ante la desesperación de esas dos mujeres,, mostrándose en final, con unas ínfulas que descoloca a las cuñadas. Una verdadera revelación Julia, que compone un personaje muy divertido-

Las tres actrices, se lucen mucho y saben reírse de si mismas,  algo que redunda en el bien de una obra, con la que el público se engancha desde el comienzo. Con mucha química entre ellas, consiguen darle mucha fluidez a la trama.

La puesta como dijimos es muy entretenida y fresca. Las actrices juegan mucho hablando en verso y esto le otorga un atractivo adicional al desarrollo del espectáculo. Destacamos el diseño de luces y escenográfico, a cargo de Leandro Crocco.

Nos divertimos mucho viendo Las Cuñadas, una propuesta, que en tono satírico, además de generar muchas risas, nos invita a reflexionar acerca de temas, como la hipocresía, el conflicto de clases y como muchas veces, aquellos que pertenecen a una clase acomodada, toman como algo normal, discriminar, a los que no pertenecen a su clase y poder cometer abusos de todo tipo, como si el dinero sirviera para justificar algunas conductas.

Una comedia para reír y mirar hacia nuestro interior, con un texto tan entretenido como cercano y actuaciones magníficas, redondean esta desopilante propuesta del teatro independiente, que gracias a la fuerza, del boca a boca, esté teniendo un gran suceso de público, que demuestra agotando localidades desde su estreno, algo que muy pocas obras consiguen, mostrando que la risa, siempre es una buena receta.




Pensador Teatral.

Trastorno

Dramaturgia de Pompeyo Audivert. Dirección de Pompeyo Audivert y Andrés Mangone.

Viernes y Sábados 20 hs - Domingo 19 hs.

El genial Pompeyo Audivert, nos presenta esta versión libre de El Pasado, obra escrita en 1906, por por el dramaturgo uruguayo Florencio Sánchez, que sorprende por su vigencia, en una puesta donde el autor intensifica los diálogos y los vínculos familiares, dando un tono de grotesco a la pieza, característica, que ya es un sello distintivo en las obras de Pompeyo.

La obra nos mostrará a una familia oligarca de Buenos Aires de algunas décadas atrás, cuyos integrantes muestran un profundo desprecio por las clases populares. El conflicto social estará presente a lo largo de toda la trama y ese aire de superioridad, que otorga tener una buena posición social y económica, concede un poder que parece darle a todos los integrantes de la familia, una impunidad sin límites.

No vamos a contar demasiado para conservar el suspenso, solo diremos que en esta familia particular, las apariencias resultarán lo primordial, lo importante es guardar la imagen y para conseguir ese objetivo, cualquier medio es aceptable. La tierra se esconde abajo de la alfombra, la mentira puede llegar a límites insospechados, siempre aparecerá un recurso adicional y una nueva mentira, que ayudarán a que la verdad no salga a la luz. En el caso de esta familia en particular, hay un secreto guardado bajo siete llaves, que si trascendiera, causaría un verdadero terremoto.

Para que este estilo de grotesco y sainete, que propone el autor, se proyecte con éxito, es necesario contar con muy buenos actores, que lleven adelante la puesta y esto aquí se consigue de la mano de un muy buen elenco.

La gran figura de la noche, es el propio Pompeyo Audivert, que compone con brillantez a Rosario, la jefa de familia, la gran tiritera, que dará una clase magistral de manipulación, encontrando siempre la forma, de que todos estén pendientes de ella y dispuestos a no contrariarla. La interpretación de Audivert, es hipnótica, sin dudas de las mejores actuaciones que vimos a lo largo del año. Con un histriónismo admirable, resulta un placer disfrutar cada uno de sus gestos, miradas, tonos de voz y desplegar todos sus recursos, para adueñarse de la escena. Un verdadero lujo, poder ver a Pompeyo en este papel, generando risas y admiración en la platea.

La figura descollante de Pompeyo, brilla tanto,  que por momentos parece minimizar el resto de las actuaciones, pero no hay que ser injustos, ya que si la obra se caracteriza por algo, es por las excelentes interpretaciones que presenta, si bien es cierto que la mayoría de los personajes, se perfilarán, de acuerdo a la relación que tienen con Rosario, la que corta el bacalao en esta familia.

Son muy buenas las actuaciones, de sus hijos en la ficción, por un lado Juan Manuel Correa como Ernesto, el hijo menor, que sufrirá el desprecio de la familia Arce y ese será el disparador para una serie de enredos. Por otro lado, tenemos a Pablo Díaz, como José Antonio. En su caso abandonó el hogar familiar, cometiendo una traición en el medio, que nadie parece perdonarle, pero en verdad Rosario, lo sigue teniendo como el hijo de confianza, cómplice de su secreto y dispuesto a seguir sus pedidos. Estupendo trabajo el de ambos.

Del elenco femenino, mencionar a Ivana Zacharski, la hija mujer de la familia, que se debate entre su soltería y apuntalar a su madre. Nos gustó mucho el trabajo de Ivana. Julieta Carrera, como Tití, es tal vez quien más risas genera con su personaje desopilante, es la encargada de cuidar a Rosario y le encanta meterse y opinar en los asuntos familiares. De apariencia inofensiva, habrá que seguirla de cerca, ya que su lengua tiene un filo peligroso. Gran composición la de Julieta.

Completan el elenco Fernando Khabie, como la abuelita, muy buena caracterización de una anciana, que camina muy despacito, expresando su desprecio visceral por las clases bajas y gozando de la impunidad que otorgan los años. El elenco se completa con Fernando Naval, como Arce, el jefe de otra familia poderosa, que aparecerá promediando la obra,  su presencia no pasará desapercibida, pero no vamos a contar demasiado de su personaje, para mantener el suspenso.

La puesta es muy atractiva, son pocos los elementos que ocupan el amplio escenario del Centro Cultural de la Cooperación, apenas un escritorio, un par de sillas y un piano son suficientes elementos para configurar la historia. Interesante como por momentos se amplia el espacio escénico, con alguno de los actores caminando por los pasillos de las butacas y dialogando con los actores que permanecen en el escenario.Destacamos el diseño lumínico de Leandra Rodríguez colaborando con ese clima de penumbra que tiene la obra. Párrafo especial para la música en vivo de Claudio Peña, agregando valor a la puesta.

Disfrutamos mucho de Trastorno, un culebrón familiar, en el que se darán situaciones desopilantes y grotescas, se tejerán alianzas y batallas entre los diversos integrantes del clan, apareciendo mentiras que se sostienen hasta límites impensados, siempre con el objetivo, que el afuera no se entere, lo que realmente sucede puertas adentro de la casa.

La obra se viene presentando, hace meses ya y con gran suceso, a sala llena y sumando funciones desde su estreno, debido a la buena respuesta del público, que encuentra en esta pieza, un muy buen motivo para ver teatro con sello rioplatense, una trama que resulta cercena y actuaciones magníficas, en especial la de Pompeyo Audivert, que sin dudas podemos incluirla en el podio, entre las mejores interpretaciones que vimos en el corriente año, de la mano de su inefable Rosario. Nos gustó mucho Trastorno y por eso la recomendamos. Una propuesta para reír, reflexionar y ser testigos de lo que puede suceder, hasta en las mejores familias, cuando la mentira se apodera de las relaciones.




Pensador Teatral.

El Dogma

Dramaturgia y Dirección de Daniel Teveles.

Jueves 20 hs en El Tinlglado ( Mario Bravo 948 )

La obra de Daniel Teveles está basada en El Dios de la Venganza, escrita por el novelista y dramaturgo polaco Sholem Asch, uno de los grandes escritores judíos del Siglo XX, nominado para el Premio Nobel de Literatura en 1935. La pieza mencionada fue escrita en idish, idioma derivado de la lengua judía, una mezcla de alemán, hebreo y arameo, era hablado por los judíos que habitaban Europa Central y Oriental y luego por sus descendientes en todo el mundo.

Teveles decide homenajear al desaparecido teatro idish, traduciendo la obra original al español, tomando la idea central de la pieza de Asch y adaptándola de manera muy interesante al conectarla con nuestra historia, ya que la mayor parte de la trama se desarrollará en la Argentina de 1920.

Pero vayamos de a poco, las acciones se iniciarán en una convulsionada Polonia zarista, allí Yankel el principal protagonista de esta historia, se enamorará perdidamente de Sara, una prostituta a la que conoce en una de sus visitas al prostíbulo que frecuenta. Le propone casamiento y deciden escapar de una Europa en conflicto, buscando mejores horizontes en un lejano país de América del Sur, llamado Argentina,  que en los papeles, es una verdadera tierra de oportunidades.

Yankel, se afincará con su esposa Sara, en una Buenos Aires con mucha presencia judía, con la intención de ganarse el respeto de la comunidad local. Para ello tratará de aceitar sus contactos, con un conocido rabino y además con el intendente de la ciudad, colaborando con contribuciones monetarias, que le permitan desarrollar su negocio sin ser molestado, en una Argentina profundamente antisemita, gobernada en aquellos años por Hipólito Irigoyen.

Yankel o Jacobo, nombre que adopta aquí, tiene como propósito central, críar a su hija en la mayor virtud, cumpliendo todos los preceptos religiosos, para que llega casta y pura al matrimonio, proyectado con algún buen candidato de la comunidad local. Para asegurar su propósito se acercará a la religión, visitando asiduamente la sinagoga, a cargo del Rabino Elie.  No dudará en invertir, una importante suma de dinero, para adquirir unos rollos de la Torá, el Libro más antiguo y sagrado de los judíos, para obsequiar a su querida hija Rivkele.

El problema para Yankel radica en que pese a ufanarse de cumplir los preceptos de su religión, la manera de ganarse la vida en Buenos Aires, no era precisamente la más santa, ya que regentea un prostíbulo, que funciona en el subsuelo de su propio hogar.
La hipocresía y la doble moral, puede apreciarse en su máxima expresión, ya que aboga, para que su hija viva bien alejada del pecado y al mismo tiempo, explota mujeres, que estaban bajo su tutela, cumpliendo el oficio más antiguo del mundo.

No vamos a contar mucho más, para conservar el suspenso, solo diremos que su hija Rivkele, descubrirá la existencia del prostíbulo, situado casi en su mismo hogar y con toda su inocencia a cuestas, se hará amiga de una de las trabajadoras que allí cumple tareas y a partir de ese momento, todo el plan maquinado por su padre, empezaría a derrumbarse. Cumplimos nuestra palabra y no contamos más, dejamos que el espectador, cuando vea la obra, descubra que sucederá con esa ñiña pura e inocente, solo adelantaremos, que la paz del hogar de los Chapchovich, cederá paso a tempestades.

La obra encuentra actuaciones para destacar y hay un despliegue escénico importante, ya que serán once los actores, que serán parte del espectáculo, un número poco habitual para el teatro independiente, que en épocas de vacas flacas, presenta muchos unipersonales o piezas con muy pocos actores, es por ello que debemos destacar el esfuerzo, que resulta reunir un elenco numeroso, que permite la aparición, de muchos personajes y un generoso desarrollo de la trama.

Muy lograda la composición de Charley Rappaport, como Yanke, mostrando de muy buen manera esa dos caras que mencionamos, por un lado la pretendida obediencia a los mandatos religiosos y al mismo tiempo, la prostitución como medio de vida y la denigración en general para con las mujeres. Gaby Barrios, se luce mucho en el papel de Sara, una mujer que quiere olvidarse de su pasado en Polonia y solo enfocarse a su nueva vida en Argentina, A Gaby, la elogiamos en anteriores trabajos y aquí vuelve a lucirse.

María Ventura como Rivkele, la hija prisionera en ese hogar en el que reina la doble moral y Ximena Di Toro como Manke, además de cumplir muy buenas actuaciones, tendrán juntas un par de escenas que se destacan por la belleza visual y la sensibilidad. Destacamos las tareas de ambas. Silvina Trawier se destacará en un rol de presentadora, marcando con buena cadencia, el comienzo y final de la historia. Otra actuación femenina destacada es la de Lucrecía Rodríguez como Madam Bashia.

Oscar Sanabria es el histriónico y pragmático Rabino Elie, Federico Andés un político chanta y con tintes antisemitas, Javier Ulises es el solemne Schloime. Completan el elenco, Manuela Castel y Juliana Ianniccillo, que aportan frescura y juventud a una puesta más bien dura.

Creemos que fue un acto de justicia, mencionar aunque sea de manera breve a cada integrante del elenco, ya que todos hacen su aporte importante, para este todo que es El Dogma. Hay un trabajo importante del director para manejar un elenco numeroso y heterógeneo.

La puesta tiene algunos elementos para resaltar, como la realización de vestuario de época de Tamara Olivencia y María Carcaño, que se luce a lo largo de toda la trama, el diseño escenográfico de la misma Tamara junto a Edgardo Ocampo Orozco y debe mencionarse la música original de Daniel Schnock. Una puesta atractiva y con muchas matices es la que nos presenta el director.

En definitiva, el espectador se encontrará con una propuesta muy interesante, que servirá para la reflexión, dejando al desnudo la doble moral y la hipocresía que muchas veces reina en la sociedad, donde los que quieren dar clases de moral, muchas veces,  tienen una vida oculta,  miserable y despreciable. El autor además deja en claro, como el fanatismo, no es una virtud, por el contrario, es una manera de tratar de imponer ideas, sin dar espacio, al pensamiento propio. Y además el texto, deja en claro, como muchas veces, el querer imponer mandatos familiares o sociales, a nuestros hijos, puede ser una idea muy arraigada, pero que no encontrará buena recepción, más en estos tiempos, de cambios que afortunadamente vive la sociedad.

El Dogma, es sin dudas, una obra que tiene muchos elementos de interés y una vigencia absoluta, por eso, no sorprende el interés del público en ver la obra, algo que pudimos comprobar al ver colmada como pocas veces la amplia y cómoda sala de El Tinglado. Un tributo al teatro idish, una historia fuerte, de amores e imposiciones familiares, con actuaciones muy destacadas, es el combo que Daniel Teveles nos ofrece, en esta muy buena propuesta del teatro independiente.





Pensador Teatral.

La Decisión

Dramaturgia de Pacho O´Donnell . Dirección de Gerardo La Regina.

Lunes 20 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una cita con la historia política argentina, nos propone Pacho O´Donnell, escritor e historiador, reconocido por su búsqueda permanente, por echar luz sobre aspectos desconocidos de nuestra historia, en base a investigaciones realizadas siempre con mucha disciplina y por ello, sus trabajos son siempre respetados por la opinión pública.

En esta oportunidad Pacho, imagina un encuentro entre Leandro N. Alem y Lisandro de la Torre, dos dirigentes radicales, políticos honestos, que entendieron a la política, como una manera de solucionar los problemas de la gente y no satisfacer intereses personales, estando siempre en contra de la corrupción y del fraude. Ambos coincidieron en su hombría de bien, pero lamentablemente perdieron la batalla contra los poderosos de turno, este hecho es incontrastable, ya que ambos se suicidaron.

El arranque de la obra no podía ser más prometedor, ya que veremos como el fantasma de Alem ingresará a escena, para tratar de convencer a Lisandro de la Torre, de que no concrete su suicidio. Parece contradictorio, que justamente Alem que se quitó la vida, intente disuadir a su colega, que no cometa un acto, que el mismo llevó a cabo. Sin embargo, las razones que esgrime son valederas, ya que lo invita, a no repetir su error, ya que pensaba que el suicidio sería un mensaje fuerte contra los corruptos, por el contrario, ese acto se vería como un triunfo del poderoso, que disfruta viendo como los hombres honestos, quedan fuera del camino.

Una de las virtudes del texto es humanizar a estos dos políticos de raza, reconocidos por su honestidad y por entender a la política como un servicio. A lo largo de la trama se establecerá un diálogo muy interesante entre estas dos referentes radicales, en el cual hablarán de sus principios, sus enemigos, la lucha contra la oligraquía, los acierto y errores que cometieron en su carrera, aparecerán además personajes históricos como Hipólito Irigoyen,  los vericuetos y chanchullos de la política, siempre alejada de los intereses del pueblo. Pero también hablarán de sus pasiones como hombres, sus miedos y de sus vidas solitarias, en las que no encontraron el amor verdadero.

Las actuaciones que presenta la obra, son magníficas, Aldo Pastur interpretará con maestría a un temperamental Lisandro de la Torre y Daniel Dibiase realizará una composición soberbia de Leandro N Alem. El duelo actoral que mantendrán ambos, a lo largo de la trama, será apasionante y las discusiones políticas alcanzarán una temperatura alta, que le darán mucho realismo al debate político que establecen.

Tanto Aldo Pastur, como Daniel Dibiase, tienen una vasta experiencia en las tablas y eso se traduce en un manejo de los tiempos y una fuerte presencia escénica, que generan un enorme disfrute en los espectadores. Además, el texto, permitirá que cada uno de ellos, tenga su momento de lucimiento individual, llevando a cabo algún monólogo y discurso.

La puesta que propone Gerardo La Regina es más bien desprovista desde lo escenográfico, alcanzan una mesa y dos sillas, como marco escénico. Indudablemente en esta pieza, la palabra es la que tiene preponderancia. Destacamos la bella música original de Bernardo Fingas que acompaña la puesta y párrafo especial para Daniel Durso, para colaborando con las logradas caracterizaciones de ambos personajes. ( para no perderse la chiva de Leandro )

Nos enganchamos mucho con la propuesta, siempre nos atrae el teatro histórico / político y más cuando de refiere a una época contemporánea de Argentina. La obra nos permite repasar los aspectos centrales de dos personajes centrales de la política del siglo pasado, dos dirigentes honestos, que no traicionaron sus convicciones y prefirieron quitarse la vida, antes que adoptar prácticas comunes en la política, pero reñidas con la moral. El texto de Pacho además, resulta una crítica manifiesta y certera, a las miserias y mezquindades de nuestra clase política, que aunque pasen los años, siguen con las mismas mañas, sin darse cuenta que Argentina, es un país cada vez más pobre.

Valoramos mucho que obras como La Decisión encuentren espacio en la cartelera porteña, ya que el espectador al verla siente, que quiere conocer más de la historia política del país, reconociendo hechos que no están incluidos en nuestra educación. En suma, estamos en presencia, de un texto muy interesante, que hace justicia con dos verdaderos ejemplos de políticos de bien, como Leandro Alem y Lisandro de la Torre, permitiendo disfrutar de dos actuaciones magníficas y reflexionar acerca de como la mayoría de las veces, los buenos pierden la batalla y son los malos los que tienen el poder y rigen nuestros destinos.




Pensador Teatral.

Cabo Verde

Dramaturgia de Gonzalo Demaria y Dirección de Ezequiel Sagasti.

Viernes 20 30 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Cabo Verde nació hace más de una década, gracias a la pluma talentosa del prolífico Gonzalo Demaría y regresa a escena, con mucha actualidad, en una atractiva puesta, dirigida por Ezequiel Sagasti, que reúne para la ocasión a un elenco de fuste para el teatro independiente.

La obra es un verdadero trhiller, donde el terror y lo siniestro estarán presentes a lo largo de una trama oscura y cruel por momentos, donde el autor recurrirá al humor en varios pasajes, para descomprimir un poco el ambiente asfixiante que tiene la trama y es algo que se logra. Este es un recurso que Gonzalo, utiliza en muchos de sus textos y siempre con buenos resultados.

Ambientada a fines de la década del veinte, las acciones se desarrollan en el consultorio / laboratorio de un doctor de carácter fuerte y autoritario. Sus ideas adhieren a la la teoría Lombrosiana, que recibe el nombre por el científico y antropólogo italiano Césare Lambroso, que desarrolló una teoría, que enuncia que algunos rasgos físicos de las personas, como por ejemplo, el tamaño y tipo del cráneo, podría determinarse si un individuo podía podía nacer criminal o no. Esto que ahora puede sonar inverosímil, fue una corriente con muchos adeptos, que influyó en la medicina, el derecho y la educación por muchos años.

Lambroso aún hoy, es considerado por muchos, como uno de los padres de la criminología, siendo su clasificación, por mucho tiempo la principal herramienta para establecer el perfil de los delincuentes.  Su clasificación de los criminales, fue durante tiempo, la principal herramienta para establecer el perfil de los malechores. Su pensamiento estuvo influenciada por la teorías de Darwin y en tal sentido llegó a postular que los criminales, eran el eslabón perdido, es decir, un ser que estaba en un punto intermedio entre el simio y el hombre. Encontrándose en el sur de Sudán, hombres con los rasgos antes mencionados. Aparece allí en la ficción del autor, Cabo Verde, país africano que dá el título a la obra.

Yendo ya a la obra, contemos que un doctor con aires policiales, interpretado de manera notable por Edgardo Moreira, busca en su laboratorio y siguiendo aquellos criterios, seleccionar un niño sano y con rasgos arios, que pueda ser adoptado la viuda del presidente Saenz Peña, que se sentía sola y algo deprimida, por eso buscaba alguien que la acompañe, para vivir con ella en su imponente mansión.

Allí aparecerá Roque, un chico que vive en la calle, quien podría ser el candidato ideal para cumplir con el encargo de la viuda. Pero algo no cierra allí, ese chico tiene algunos antecedentes delictivos, que el doctor prefiera ocultar y además la madre del niño, anda dando vueltas en su búsqueda. Cuál es entonces la razón por la que el doctor escoge a ese niño que sabe puede traerle problemas ?? La obra como dijimos tiene un componente alto de suspenso, por eso no vamos a contar más y dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra las razones que tiene el doctor, para tan extraña selección.

La trama no dá respiro, el autor deja en claro en el texto, la violencia y la prepotencia del poderoso, los prejuicios de la clase dominante, que siente pueden oprimir al más debil, por derecho propio, con una impunidad y un mesianismo, que si indagamos en nuestra historia, veremos varios ejemplos de gobernantes, que ejercieron el poder, sin escrúpulos.

La dramaturgia como dijimos, tiene una muy buena elaboración, pero podría quedar desdibujada, de no contar con un elenco fuerte, que logre darle credibilidad y fuerza al mensaje, algo que aquí se logra con creces. La figura central de la historia, es Edgardo Moreira, que parece estar hecho a medida para interpretar a este doctor autoritario y perverso, debido a su imponente presencia escénica, tanto desde lo actoral, como desde lo físico. Magnífica actuación la de Edgardo, que está cerrando un año lleno de logros, pudiendo mostrar una vez más, su enorme versatilidad, en esta oportunidad para afrontar un nuevo protagónico y componer a un villano, al que, por le cuesta mantener su equilibrio emocional.

Las mujeres de la obra, se destacan muchísimo, arrancamos por Flor Cappiello, la Rusita, la joven y bella asistente del doctor, que se debate entre la lealtad a su despótico jefe y una humanidad, que la lleva a salirse del bando de los malos. Seguramente el maltrato y el machismo del doctor, colaboran para ello. Nos gustó mucho lo de Flor. Silvina Katz, es la otra dama de la noche y cumple una actuación magnífica. Hija de anarquista, achurera de oficioy con una vida muy sufrida, no dudará en irrumpir en aquel consultorio del terror, en búsqueda de su hijo, pese a los peligros que esto conlleva. Una actriz de mucho oficio Silvina, que aquí puede mostrar sus credenciales y resolver en gran forma un papel complejo.

Para el final dejamos a Matías Recalt, una verdadera revelación, ya que con 17 años, hace su debut teatral, sin que esto se note en ningún momento, ya que actúa con un desparpajo y una soltura que sorprenden. Su papel es el de Roque, el niño que vive en la calle y sera reclutado por el doctor, para darlo en adopción a la viuda del presidente. Indudablemente recibió el respaldo del director y de un elenco de experiencia, redondeando un debut para el aplauso.

Las interpretaciones que son uno de los puntos fuerte de la obra, que encuentran también apoyo en una puesta opresiva y asfixiante, hay un diseño de luces muy interesante de Leonardo Kreimer, que colabora con ese clima de suspenso que acompaña al texto y un logrado vestuario de época de Calandra Hock. Otro ítem a destacar es el diseño escenográfico de Tadeo Jones, que nos presenta este consultorio tan sombrío, donde ocurren hechos bastante siniestros.

No queremos contar más, el resto de la historia la descubrirá el espectador cuando vea la obra, como adelantamos se encontrarán con un texto crudo que reflejará una realidad que vivió el país, casi un siglo atrás. Y si bien ahora el mundo evolucionó y muchas situaciones que se ven en la pieza, parecen anacrónicas, hay otras que se mantienen, tal vez con otra cara, pero manteniendo ese statu quo, en el que los poderosos se sienten con la autoridad y la impunidad para cometer cualquier atrocidad, en nombre de un supuesto bien común.

Por todo lo mencionado recomendamos Cabo Verde, una historia fuerte, que invita a la reflexión y que nos regalará magníficas actuaciones. La obra ha agotado las localidades del Nun, desde su estreno, por eso no sorprende, ese aplauso sostenido que el público le regala a los protagonistas, al final de la función, reconociendo en lo visto, algunas situaciones que resultan peligrosamente familiares.




Pensador Teatral.