Una Fuga de Agua

Viernes 20 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Dramaturgia y Dirección de Gonzalo de Otaola.

Una vez más nos llegamos al Espacio Callejón, que sin dudas ya se ha convertido en un sinónimo de buen teatro y de brindar oportunidades a nuevos y jóvenes autores nacionales, que encuentran un lugar cálido y un público fiel, como el Callejón, apareciendo además una nueva camada de actores que de a poco vá ganando espacio dentro de nuestro rico teatro alternativo, donde sobra el talento y la pasión.

Indudablemente en lo mencionado en el párrafo anterior, tiene una fundamental injerencia, Javier Daulte, en el año 2015, se hizo cargo de este espacio y desde esa fecha el crecimiento y la calidad de los espectáculos, que brinda el Callejón, no se detiene y los amantes del teatro off, estamos agradecidos.

Pero hablemos de Una Fuga de Agua, la obra que nos convoca, opera prima de Gonzalo de Otaola, la pieza hace foco en las relaciones familiares y en los vínculos humanos. Nunca mejor aplicada aquella frase, que dice que cada familia es un mundo y en este caso, Gonzalo muestra una admirable habilidad, para contar esta historia, que nos introduce en el universo de esta familia, que nos resulta tan cercana, con historias tan próximas, que parece estamos viendo situaciones, que podrían ocurrir en nuestra propia familia y esto provoca un sentimiento de identificación en el espectador.

La historia nos muestra, a cuatro hermanos que se encuentran en la casa donde nacieron y de entrada no sabemos, cual es el motivo de esta reunión familiar, la trama tiene una intriga muy bien lograda, que hará que el espectador siempre esté atento, tratando de develar el misterio que envuelve a estos personajes.

Con el paso de los minutos, tendremos claro, que hace tiempo que los hermanos no se veían y se están reencontrando después de un largo tiempo sin verse y no hay dudas que el pasado provocó numerosas heridas, aún sin cerrar. Abundan los reproches, los pases de facturas, pero sobre todo el desconocimiento, por la vida del otro. Al ser hermanos y tener un origen en común, existen muchos recuerdos de momentos compartidos de la infancia, cuando vivían juntos en esa casa donde nacieron, pero algo ocurrió y en un momento determinado, sus vidas tomaron caminos diferentes, se dejaron de ver, de hablar y terminaron siendo unos verdaderos desconocidos, porque queda claro, que no tenían idea de aspectos muy relevantes de la vida de sus hermanos.

En esa noche de encuentro aparecerán confesiones, revelaciones y se evocarán muchos recuerdos de esa infancia que por momentos parece muy lejana y en otros parece que fue ayer. El problema, es que los recuerdos que ellos tienen no son iguales, parece que cada uno tiene una memoria selectiva y eligen que hechos quieren recordar y cuales parecen haber sido borrados de su mente hace tiempo.

No vamos a contar mucho más, solo decir que el recuerdo de la madre y el padre que ya no están allí, era permanente durante las charlas y que esas ausencias, fueron las que determinaron el alejamiento de los hermanos, que pese a tener tantos códigos propios, tantas complicidades vividas, tuvieron la decisión para alejarse de los otros, hacer sus vidas y nunca intentar volver a rehacer ese vínculo fraternal.

Llega el momento de hablar de las actuaciones, ya que esta interesante y fuerte historia, que por momentos expone situaciones de profundo dramatismo y que en otros hace reir mucho, tiene la capacidad de fluir, sobre todo por el peso del elenco, que dá vida a estos entrañables personajes.

Arranquemos con Carolina Pfaffenbauer, ella es Claudia, pese a que no es la mayor de los hermanos, deja claro que es la que tiene más carácter y la más seria de todos. Es la que permaneció con los padres, hasta el final y la que convocó al resto, para tratar un tema importante que requería que se reunieran ( no contamos el motivo para mantener el suspenso ). Además tiene una hija ( Angie ) que comparte esta velada especial con los cuatro hermanos. Carolina muestra una presencia escénica muy fuerte, además de protagonizar un monólogo que conmueve y redondea en general, una gran interpretación.

Silvina Katz, a la que recordamos por su papel de vidente en Clarividentes ( valga la redundancia ) , aquí dá vida a Susana, es la hermana mayor, pese a que no cumple ese rol familiar. Atraviesa algunos problemas de salud y se la nota con aire despreocupado, ajena al motivo que los reunió, está como en su mundo y sin querer entrar en conflicto con el resto de sus hermanos. Muy buena composición, en un personaje complejo y difícil de descifrar.

Mara Guerra, es una Ana imprevisible, que también muestra mucha personalidad y su peso entre los hermanos, con un duelo especial con el menor de ellos y cuestionando muchos hechos del pasado. Logra un muy buen tránsito de la euforia al enojo y encarna un personaje muy manipulador. Me gustó mucho lo de Mara, con un histrionismo para destacar.

Jorge Gentile, es Sergio, el menor de la familia, el único hombre entre tres mujeres. Acusado por las demás de haberse ido a España con dinero de la madre, Formó una relación que incluye un hijo, que no anda muy bien. En la obra sufre los embates de Ana, con la que tiene una relación muy particular, donde el sometimiento,  es un rasgo que resalta. Una entrega total la de su personaje, con algunas explosiones de ira que impresionan y llevando en gran forma su papel. Tal vez la actuación más destacada de la obra, magnífica su interpretación.

Bueno ya presentamos a los cuatro hermanos, pero los actores son cinco, nos falta, Angie, interpretada por Luli Torn, la hija adolescente de Claudia. Parece ajena a la charla de mayores, pero por momentos muestra su madurez y es una de las que más empeño pone para dilucidar los misterios y los grises que envuelven los recuerdos de esta familia. Desenfadada, además monta un inquietante jueguito de seducción ( o será real ? ) con su tío Sergio, que pondrá en alerta a su madre. Hay que destacar el trabajo de Luli, también la vimos lucirse en Clarividentes, es una joven actriz con mucho ángel y le auguramos un promisorio futuro. En nuestra opinión es la revelación de la obra.

Como puede apreciar el lector, un elenco muy parejo, que muestra un gran entendimiento y se los nota disfrutar en el escenario.

La puesta es cálida, nos pareció excelente el diseño escenográfico de Esteban Siderakis, representando ese hogar familiar que en algún momento vió unida a esta familia y también destacamos el diseño de luces de Sebastián Francia acompañando los distintos estados que requiere el director.

En definitiva, un aprobado gigante, para Gonzalo de Otaola, en ésta,  su opera prima, una historia sencilla, pero profunda y con mucha intriga, que nos habla de vínculos familiares, de los secretos que se esconden dentro de cada familia, de broncas que perduran y de como muchas veces, la vida y los caminos que se eligen, lamentablemente pueden alejarnos tanto de los afectos familiares.

El prolongado aplauso que reciben los actores al final de la función, confirman que quedaron muy satisfechos con la noche de teatro vivida y que el Espacio Callejón, sigue ofreciendo espacio a nuevos autores, que tienen historias interesantes para compartir.


Pensador Teatral.

TALK ( fem,)

Miércoles 21 hs en Teatro Polonia ( Fitz Roy 1477 )

Dramaturgía y Dirección de Martín Brunetti.

Una propuesta original y muy interesante la que nos ofrece Talk ( fem ), Reflexiones Sistemáticas y Recurrentes. Comencemos señalando, que la obra que vimos en el Polonia, es una adaptación libre de " Talk 300 mg " pieza de Hernán Bongiorno estrenada en el 2013 en México y los protagonistas, eran tres hombres, uno de ellos era justamente Martín Brunetti.

Es curioso e innovador, que Martín, haya decidido que en esta, su versión,  las protagonistas, serían 3 mujeres, siendo tal vez, esta particularidad, una buena muestra, acerca de que los conflictos muchas veces, son inherentes al comportamiento humano, a la mente y no siempre se diferencia por sexo.

Pero vayamos a Talk ( Fem ) la obra que nos convoca, de entrada el espectador se vé sorprendido, ya que las acciones arrancan con tres mujeres de espaldas, que se mueven en forma extraña, murmuran palabras suelas y terminan bailando frenéticamente, por momentos parecen alienadas, perturbadas, se las nota encerradas en su mundo, sin embargo sus cuerpos están en constante movimiento y se expresan con un lenguaje particular, no quedan dudas, que tienen una historia que contar y a lo largo de la función, lo harán a su manera.

La atmósfera que envuelve a la sala es oscura, hay música de fondo y se intuye solo mirando a estas mujeres que tenemos enfrente, que hay algo que no anda bien, se las nota vacías, con las miradas perdidas, sin dudas la vida las golpeó y les dejó marcas, pero no pueden quedarse quietas, deben levantarse y seguir adelante, la vida actual no permite parar, aunque su mente parece necesitarlo.

La obra envuelta en un halo de misterio, no es para nada superficial, tiene una puesta bella y presenta un aire de nocturnidad. El espectador se sorprende por lo que vé, se siente atraído por una propuesta intensa y por momentos asfixiante, y quiere descubrir el secreto que esconden estas mujeres.

Realmente el trabajo de las tres jóvenes actrices que protagonizan Talk Fem, es muy destacable, la propuesta es muy jugada, desde el vestuario, hasta la exigencia física que presenta la pieza, obliga a las actrices a exponerse y a entregarse por completo y lo hacen en gran forma, se las nota comprometidas y no se guardan nada.

La figura más convocante de la obra es Jimena Grandinetti, también periodista, a la que muchos conocerán de las trasnoches en C5N, donde su belleza y carisma, fueron sus estandartes para lograr mucha repercusión desde la pantalla chica. Aquí la vemos en su faceta de actriz y nos quedamos gratamente sorprendidos por sus recursos, además de su natural sensualidad y su hermosa voz, le aporta muchísimo a la obra,  desde lo actoral. Enorme y sorprendente trabajo el de Jimena.

Cecilia Carabelli, una de las impulsoras del proyecto, también está estupenda, como a sus compañeras, se la nota muy compenetrada en la trama y se destaca mucho con sus caras, su gestualidad y la fuerza en sus diálogos, con mucha presencia escénica.

El trío de virtuosas, se completa con Lara Crespo, que también logra destacarse mucho, dejando su sello, con una mirada que parece perdida, en otra dimensión, sus bailes frenéticos, sus pelos al viento y su sensualidad, le permiten redondear otra gran actuación.

Si bien Jimena, por ser la más conocida, seguramente es la que recibe más miradas, de la platea masculina que suspira por ella y también de la femenina que la admira / envidia , tanto Cecilia como Lara, están a la altura, con interpretaciones muy parejas y entre las tres completan un gran trabajo en el conjunto.

La trama requiere mucha coordinación entre ellas, ya que componen monólogos compartidos, coreografías sincronizadas y permanente interacción entre ellas y resuelven bien esa exigencia.

Son tres mujeres que comparten el mismo sentimiento de dolor o son tres caras diferentes de una misma mujer ?? Podrán superar el dolor del abandono ??  Encontrarán la salida al mundo exterior o quedarán refugiadas es ese pasado y en ese dolor que tanto las ha marcado ???  Es la vida asfixiante de las grandes ciudades la que profundiza algunas patologías ??
Las preguntas son muchas y el espectador a medida que la trama avanza, intentará ir resolviendo estos enigmas junto con ellas.

Como dijimos la puesta tiene una sensibilidad y una belleza  particular, debemos destacar varios elementos que colaboran a esta riqueza, arrancando por la excelente musicalización, a cargo de Benja Martínez, factor clave en esta pieza, que otorga un sello propio a la historia,
Otro punto alto, es el  vestuario audaz que propone Gabriel Jaime,  que incluye cambios en vivos de las chicas que se irán transformando y cambiando de atuendo y aspecto, conforme avanza la obra y a la vista del espectador, que será testigo de estas mutaciones de actitudes y de estados de ánimo.
Y por último mencionar, el impecable diseño lumínico de Demian Lorenzo, donde la oscuridad se combina en forma pareja con la luz, para marcar los diferentes momentos que propone el director para la pieza.

En conclusión, estamos en presencia de una obra original, alejada del formato típico de mujeres que monologan y cuentan sus problemas al público. En este caso, el director, ofrece una propuesta muy original, que se enfoca en el interior de estas mujeres, que hablan con sus cuerpos, con algunas palabras sueltas y también con sus silencios. La pieza invita a la reflexión y también introduce una mirada a la noche y a las tentaciones que allí habitan, quedando en evidencia, esas soluciones fáciles, en envase de adicciones, como el alcohol y las drogas, que muchas veces, sirven para ocultar un problema, que parece no tener solución, siendo esta opción, que lamentablemente muchos jóvenes eligen.

Si a este guión original y jugado, le sumamos las interpretaciones magníficas de estas tres actrices, que se entregan por completo en el escenario, sin dudas estamos en presencia de una experiencia teatral diferente y muy interesante.

Invitamos a usted espectador, a que ingrese al mundo de Talk ( fem. ) y conozca lo que estas bellas e inquietantes mujeres tienen para contarle y tengan la seguridad que no quedarán indiferentes.



Pensador Teatral.

Carne de Oriente

Domingos 17 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Dramaturgia de Fernando Gabriel Rodil y Dirección de Jimena del Pozo Peñalva.

El cálido Nun Teatro, nos convoca en esta ocasión, para ver Carne de Oriente, una interesante propuesta, que en forma de unipersonal, nos contará la historia de Mirna, una joven que tiene un amor incondicional por Beto, un reconocido cantante de rock.

La acción arranca, cuando de una carpa de la que emerge Mirna, ella es una madre soltera, que ha viajado especialmente para asistir al recital de su ídolo Beto. No importa los sacrificios que haya tenido que hacer, hay que seguir al Beto, aunque no se tenga dinero y para ello haya tenido que dejar a su hija al cuidado de su abuela.

La obra presenta una importante pintura, sobre el comportamiento y las actitudes que tiene un fan en relación a su ídolo, reconocemos en Mirna, la cultura del aguante, que muchos figuras del rock, no dudan en abonar y disfrutan al ver  como un ejército de fans, los seguirá donde vayan a tocar, sin reparar en nada, lo único importante es seguir a sus ídolos. ( surge inmediata la asociación al menos a quien escribe estas lineas, con aquellos fanáticos de los Redondos que siguen incondicional al Indio Solari )

La fan, viajó sola y en ese lugar donde acampa tratará de entablar amistad con otras fanáticas. Es más inicia monólogo, ya que nunca obtiene respuesta,  dirigido hacia esa vecina de otra carpa, a la que le cuenta su amor por el Beto, sus fantasías  y también le relata muchos aspectos de su vida personal.

Si bien el argumento central de la pieza, pone la lupa, en mostrar como se porta un fan y lo hace con mucho humor, también resalta la soledad que manifiesta Mirna, ella esta sola en ese viaje y también muestra que está sola en su vida, ya que no logra conectarse con nadie, no tiene trabajo, no comprende a su madre, ni a su hija y solo encuentra en Beto, una razón de vida, se aferra a él y hasta en algún punto lo considera su Dios.

Aunque pueda parecer exagerado, este pensamiento, es el que pueden tener muchas personas, que en algunos casos se aferran en una estrella de rock, en otros casos a un equipo de fuútbol, a un trabajo, etc. Pero la característica, es que siempre se busca, alguna razón, algo a lo que aferrarse, la zanahoria, para hacer mas llevadera la vida difícil que llevan.

Llega el momento de hablar de la gran protagonista de esta pieza, ellas es Graciana Urbani, quien dá vida a Mirna, en una interpretación fantástica. Se la nota muy segura en el papel y pudiendo expresar los diferentes estados de ánimo que experimenta, la ilusión por ver a su ídolo, el fastidio por aquellos que no entienden su idolatría y la esperanza secreta de que este amor incondicional que tiene por el Beto dure para toda la vida y que en algún momento la estrella se fije en ella, ese es su máximo sueño en la vida.

Debemos destacar la gestualidad de Graciana, sus movimientos, su forma de hablar, la postura, se nota que hubo mucho trabajo previo y el resultado, es una composición impecable del personaje y a lo largo de la trama, la protagonista puede mostrar todos sus recursos artísticos, en una actuación muy destacada.

Si bien la pieza tiene formato de unipersonal, la protagonista, no estará sola en escena, la acompañará en todo momento el músico Adrián Possemato, que además de acompañar muy bien con su guitarra, será el encargado del artesanal diseño de sónido y efectos especiales que presenta la puesta, realmente muy ingeniosa su participación, que provocará muchas sonrisas en los espectadores.

Y al comienzo y al final de la función, aparecerá la simpatía y el desenfado de Sara Estefanía Córdoba, ella es vendedora de bebidas, también es fan de Beto y quiere ver el recital. Su presencia si bien es breve, aportará frescura y gracia a la puesta.

La escenografía es mínima, solo hay una carpa dominando el espacio y algunos elementos de camping, queda claro en esta pieza, que lo preponderante es el texto y el discurso que transmite Mirna.

En definitiva, una propuesta original e interesante del teatro off , que llega de la mano de un dramaturgo joven como Fernando Rodil y una directora también joven como Jimena del Pozo Peñalva, que encuentran en Graciana,  la actriz adecuada, para desarrollar un relato, que en tono de humor, sin dudas nos invitará a la reflexión.

La obra nos gustó mucho y por eso la recomendamos, lo invitamos a usted espectador a que vaya al Nun para conocer a Mirna y disfrute como nosotros de una entrañable historia y de una actuación excelente de la protagonista. Además, tal vez tenga la suerte de cruzarse al Beto y se pueda sacar una foto con tamaña figura.


Pensador Teatral.

Esperando al Zurdo

Sábados 21 hs en Teatro Corrientes Azul ( Av.Corrientes 5965 )

Dramaturgia de Clifford Odets y Dirección de Hugo Alvarez.

Una interesante propuesta de teatro documental, nos convoca en esta ocasión con Esperando al Zurdo o Waiting for Lefty, es el título original de esta obra, escrita en 1935 por el dramaturgo estadounidense Clifford Odets, nacido en el Bronx, un autor con un fuerte compromiso sociopolítico y uno de los mayores exponentes del teatro proletario estadounidense de aquella época.

Repasemos el contexto complicado que se vivía por aquellos años en el mundo, ya que luego de la Gran Depresión del Año 1929, se vivió una década del 30 compleja, caracterizada por la crisis económica y la alta desocupación reinante.

 En ese clima, el movimiento obrero comienza a organizarse y arranca un etapa donde los sindicatos comienzan a tomar relevancia y aparecen las primeras grandes huelgas generales, como respuesta a la crisis que afecta las fuentes laborales.

Un vez marcado el contexto, volvamos a lo obra de Odets, las acciones se desarrollan  en la ciudad de New York, en el año 1935, exactamente en la sede del Sindicato de Choferes de Taxi, donde una asamblea trabajadores quiere ir a la huelga, pero tienen que soportar las presiones del Secretario General del Sindicato, que en vez de apoyarlos en la medida, los acusa de  rojos ( comunistas ) a estos taxistas, que quieren defender sus derechos e ir a la huelga.

Aunque la obra fue escrita hace más de 80 años en Estados Unidos , el tema de la distancia entre las bases y los dirigentes sindicales, conservan una inquietante actualidad y la pieza, tranquilamente, podrìa haberse escrito el mes pasado en cualquier bar porteño, tal es la vigencia y la realidad del tema. Conducciones sindicales que tejen acuerdos a espaldas de los trabajadores, buscando satisfacer sus intereses personales, en vez de defender los intereses de los trabajadores, a los que deberían representar. Esta es una película que lamentablemente todos conocemos.

En el caso de este cómite de huelgas de los taxistas, la situación es acuciante ya que no pueden llevar a su casa, una recaudación mínima que permita satisfacer las necesidades básicas de sus familias, debido al poco trabajo y a la explotación a los que los somete la patronal. Están esperando la llegada de su líder el Zurdo Costello que extrañamente no llega a la asamblea, debiendo soportar solos, las presiones del secretario del sindicato y sus matones, que en vez de apoyarlos, quieren boicotear la posible huelga.

La puesta de Hugo Alvarez, director y dramaturgo de gran trayectoria, nos pareció muy acertada. Ya desde que el espectador ingresa a la sala, se respira un ambiente de asamblea de trabajadores y uno de los actores, nos reparte una suerte de panfleto / programa con el orden del día de los temas a tratar en la asamblea.

Además al haber algunos taxistas mezclados entre el público, se logra un efecto muy realista, consiguiendo que el espectador se sienta un asambleista más, derribando de esta manera la cuarta pared.

Este interesante texto y la precisa dirección, no podrían llegar a buen puerto, de no ser por las muy buenas actuaciones, en las que apoya la pieza.

Se ha reunido para la ocasión, un elenco numeroso y con una particularidad,  está integrado por una gran cantidad por actores de gran experiencia, esto es muy saludable, porque muchas veces elogiamos, a elencos jovenes y talentosos, pero en este caso poder ver en acción, actores experimentados es algo que valoramos mucho, ya que podemos apreciar la valía y los recursos que solo se consiguen a lo largo de los años en la actuación-

Corriendo el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar a alguno de ellos, seguramente algunos,  al tener más protagonismo, tienen la oportunidad de destacarse más.

Es el caso de Alejandro Hodara, como Harry Fatt, el secretario general del sindicato, que compone un gran personaje, que tanto nos hace acordar a nuestros popes sindicales, que con tono autoritario y sin escuchar a las bases, conduce la organización. Un gran interpretación.

Gustavo Bonfigli, es Joe Mitchell, uno de los taxistas que quiere ir a la huelga. Gustavo es un actorazo y aquí protagoniza, un par de escenas donde muestra sus credenciales, como cuando habla con su esposa que le reclama que no le alcanza la plata que trae a casa o cuando dirige un encendido discurso en la asamblea.

Otro taxista que se destaca, es Leonardo Odierna, el Tuerto Keller, que muestra sus agallas, para exponer las razones para ir al paro, pese a las amenazas de los jefes sindicales, en un discurso que emociona.

Por el lado femenino, hay que destacar a Tina Ottaviano, que cumple el papel de la esposa de Joe Mitchell y de novia de Peter ( Emiliano Boidi, otro de los destacados ). Tina en dos personajes diferentes, logran conmover en ambos, con una entrega y una crudeza que llegan al espectador.

Lili Muñoz, como soldado de la paz y además como cantante solista, nos regala unos momentos musicales pletóricos, ya que tiene una hermosa voz, en otro acierto que tiene la puesta.

Nombremos al resto, solo por razones de espacio y para no extendernos tanto, no vamos al detalle, pero todos cumplen muy bien su papel, Gustavo Cepeda (como el guardaespaldas y matón del secretario general ), Pablo Faletti ( el cirujano Benjamin ), Julio Pallero ( el infiltrado que llega de Filadelfia ), Hector La Porta ( es el taxista que desde la platea primero y luego desde el escenario expone sus argumentos con mucha pasión ), Lisando Berenguer ( muy acertado en el papel de Miller ) Luis Marangon ( Dr.Barnes ) y Hugo Alvarez, si,  el director, que representa y muy bien el papel de Mr. Lafayette ).

Como puede apreciar el espectador, una puesta con una gran cantidad de actores que además de lucirse en lo individual, se lucen en el conjunto.

Destacamos el muy buen aprovechamiento del espacio escénico que ofrece el Corrientes Azul, para poder aprovechar el segundo nivel y montar algunas escenas desde allí.
Otro item para destacar es el vestuario a cargo de Paula Molina, que hace lucir muy bien al nutrido elenco, con la vestimenta de época.

En conclusión, estamos en presencia de una propuesta muy interesante, que nos ofrece el teatro independiente, teatro documental, que nos retrata una época, en la cual la crisis económica era importante y los sindicatos comenzaban a tomar gran relevancia. Como mencionamos anteriormente, poder observar tantas semejanzas entre lo que ocurría en la década del 30 en los Estados Unidos y lo que ocurre en la actualidad en muchos países, pese a los años transcurridos, desde que la obra se escribió, sin dudas es algo que nos invita a la reflexión y no nos debe dejar indiferentes.

Además de este muy bien guión. en Esperando al Zurdo, podemos disfrutar de actuaciones muy destacadas de actores con muchas trayectoria en nuestro teatro, por eso celebramos el justo reconocimiento, que recibe todo el elenco al término de la función, con espectadores que de pie ovacionan a los protagonistas y agradecen el entrañable momento teatral, del que fueron partícipes.



Pensador Teatral.

Entretelones

Miércoles a Domingos en Teatro Liceo ( Av. Rivadavia 1495 )

Obra escrita por el inglés Michael Frayn y Dirección de Manuel González Gil.

Se presenta en el Teatro Liceo, reconocido por el gobierno porteño, como el teatro más antiguo de la ciudad, esta comedia, estrenada en Londres en 1982, con el nombre de Noises Off, fue traducida a 28 idiomas y estrenada en 50 países, cifras que hablan por si solo, de que estamos en presencia de una pieza de efectividad comprobada.

En Argentina, se presentó en 1984, en el Metrotopolitan, con un gran elenco, conformado entre otros por  Beatriz Taibo, Gianni Lunadei, Reina Reech, Mario Pasik y Claudia Lapacó.

A 30 años de su llegada a Buenos Aires, la obra vuelve a escena y nuevamente con un elenco lleno de figuras convocantes. Encabezado por Fabián Gianola y Georgina Barbarossa y con actores de los kilates de Ana Acosta, Chichilo Viale, Darío Lopilato, Omar Calicchio, Vanesa Butera, Sabrina Artaza y Facundo Gambandé.

Son nada menos que 9 actores en escena y la mayoría de ellos con una dilatada y exitosa trayectoria en la comedia teatral. Si unimos los pergaminos que trae la pieza y este gran elenco convocado, imaginabamos de antemano que las risas al por mayor estarían aseguradas y no nos equivocamos.

Y a que se debe el éxito que tuvo en estos países de esta obra ??  De que trata  ??  Entretelones es una pieza que presenta un formato muy original. Se trata de una comedia dentro de otra, vamos a tratar de explicarlo con más detalle-.

La historia nos muestra como un grupo de actores ensayan una comedia menor, llamada " Desnudos en el Country " . El estreno es en un par de días y las cosas no son sencillas para el director ( Fabian Gianola ), que debe luchar y enojarse mucho, con un elenco poco profesional y con muchas dudas, debiendo parar en numerosas oportunidades ese ensayo general, en el que nada parece funcionar, como se había planificado..

Para colmo, como en todo grupo humano, aparecen los roces y las discusiones, algunos que no se llevan bien y surgen secretos que se irán revelando a medida que el ensayo avanza y que no harán más que deteriorar la relación,  entre este grupo de actores, en apariencia bastante amateurs.

Es interesante, como este argumento permite ingresar en la cocina de los elencos teatrales, observando algunas escenas, que con seguridad deben ocurrir en la realidad.

Sin contar demasiado, diremos que la obra se divide en dos, en la primera parte, como dijimos tenemos todo el ensayo y la previa al estreno.

En la segunda parte, veremos de una manera muy especial, el esperado estreno que será realizado ante un grupo de jubilados, ya que todavía quedan muchas cosas para ajustar y que como podrán apreciar pese a los esfuerzos, las cosas no van a salir como el director esperaba.

Realmente, es atractivo, el argumento, que presenta Entretelones, en la adaptación de Fernardo Mallorens y Federico Gonzalez del Pino y cumple su objetivo que es hacer reír y mucho a los espectadores.

Repasemos un poco cada unos de los nombres, que tiene la puesta, entendemos que la labor más destacada es la de Fabián Gianola,  en el papel de un director autoritario y con pocas pulgas, que tiene que luchar contra un elenco desganado y cuestionador. Muy interesante su ubicación, ya que la mayor parte del tiempo, Fabián cumple su papel, no arriba del escenario, sino desde abajo, casi mezclado con el público, dando una sensación de cercanía con el espectador, extraña y original.
De Gianola, no vamos a descubrir nada nuevo, diciendo que es un actorazo, aquí se lo nota aplomado como siempre y cumpliendo en gran forma su rol de protagonista, cumpliendo en nuestra opinión con la actuación más de la noche.

La figura femenina es Georgina Barbarossa, que aquí es un ama de llaves, despistada y despreocupada. Georgina cumple como siempre, es una figura convocante y aquí ratifica sus credenciales, con un personaje muy gracioso, que muestra una vez más su carisma y llegada con el público, que siempre le demuestra su cariño.

Ana Acosta y Omar Calicchio, son los dueños de casa, que vuelven de Miami, desatando en ese momento,  todos los problemas y situaciones desopilantes dentro de ese hogar. Que decir de Ana Acosta, una actriz de raza y que se luce mucho en la comedia. Omar está genial, perseguido por los fantasmas de la AFIP, compone un personaje muy gracioso, gestual, que hace reír mucho a la platea.

Darío Lopilato, es el agente inmobiliario, que aprovecha que la casa está supuestamente sin sus dueños, para vivir un momento íntimo con una atractiva inspectora,  interpretada por Sabrina Artaza. Muy carismático Dario, mostrando que se mueve muy a gusto en la comedia y generando suspiros en la platea femenina. Hablando de suspiros, tenemos que destacar a Sabrina, que para nosotros es la gran revelación de la obra, aportando una importante cuota de belleza y frescura pero además se luce muchísimo en el papel de chica sexy y algo naif. Nos sorprendió muy gratamente su interpretación, cumpliendo y con creces,  un rol destacado en la historia.

Siguiendo con el desfile de figuras, llegamos a Chichio Viale, que la rompe con su personaje de actor afecto a la bebida. De entrada ya con su acento cordobés y toda su gracia, sin ser necesario que hable, genera las risas de todos. Cada intervención suya es festejada con risas por la platea. Es un personaje que le sienta perfecto y Chichilo lo aprovecha a la perfección.

Vanesa Butera, la asistente de producción del director, sorprende también por su carisma y desenfado en un personaje muy querible que nos gustó mucho y cuando vean la obra, verán que comparte algún amorío con otra integrante de la compañía.

Y por último, mencionar a  Facundo Gambandé, asistente todo terreno de la troupe, también con un papel muy entrañable , siempre tratando de solucionar los problemas y buscando la manera de participar en la obra, aunque sea como reemplazo. Cumple perfecto su papel y en la parte final de la obra, toma mucho protagonismo. Muy bueno lo de Facundo, que aquí en un papel secundario aporta lo suyo y sabe como destacarse.

Nos tomamos el trabajo de dar algunas lineas de cada uno se los protagonistas, ya que son el gran sostén de la obra.  Cada uno tienen su momento de lucimiento individual, en el que muestran sus condiciones naturales para la comedia y también funcionan muy bien en el conjunto, con una perfecta sincronización. Se nota el buen trabajo del director en este punto, ya que no es fácil estar tan a tiempo cuando son tantos actores en el escenario al mismo tiempo.

Además la obra requiere mucha destreza física y energía, ya que la trama es muy dinámica, los actores están en constante movimiento, la escenografía tiene escaleras y  muchas puertas, la pieza no dá respiros y tiene mucho ritmo.

Debemos destacar la puesta, donde se destaca la imponente escenografía de Daniel Fiejoo, una casa muy grande, donde se desarrolla la acción, la misma como dijimos, esta llena de escaleras, de habitaciones y de puertas.
Para la segunda parte de la obra, el diseño escenográfico nos tiene reservada una gran sorpresa, que no vamos a develar, cuando vean la obra se acordarán de este párrafo y comprenderán-
Un destacado diseño lumínico  y un lucido vestuario, son otros items que resaltamos y completan una puesta importante y acorde a la calidad de los actores elegidos.

En definitiva, Entretelones, es una comedia muy divertida, apta para toda la familia, que cumple con creces, con su objetivo de divertir y hacer reír mucho a los espectadores. En esto tiene mucho que ver el probado guión, pero más que nada, el importante elenco reunido, para la ocasión, todos ellos actores de trayectoria y con especiales condiciones para la comedia, que aquí, encuentran el espacio justo para lucirse.

La muy buena respuesta del público que colmó el Liceo y el prolongado aplauso que recibieron los protagonistas al termino de la función, confirman que quedaron muy satisfechos con lo visto y además auguran un muy buen futuro,  a esta entretenida comedia.



Pensador Teatral.

Ferdydurke

Jueves 21 30 hs en Tadrón Teatro ( Niceto Vega 4802 )

Dramaturgia de Witold Gomrowicz. Dirección y Adaptación de Alejandro Genes Radawski.

Nuestro prolífico teatro off, nunca deja de sorprendernos con las excelentes propuestas que tiene para ofrecernos. En este caso nos presenta Ferdydurke, novela del escritor polaco Witold Gombrowicz, publicada en su país en 1937, momento coincidente con la Primera Guerra Mundial y con la llegada del régimen comunista a Polonia, de la mano de Rusia.

Considerada una obra maestra del modernismo europeo, tiene un fuerte crítica a los sistemas formales de poder y cuestiona principalmente al sistema educativo y sus métodos pedagógicos.
Su publicación, de tono desafiante, como puede suponerse, no cayó nada bien al poder de la época y Gombrowicz no tuvo más remedio que exiliarse, para salvar su vida. Y el destino y el barco al que subió, lo trajo a la Argentina, viviendo en estas tierras rioplatenses por más de 20 años y sin dudas esta permanencia, dejó sus huellas en nuestro país y abonó nuestro interés por su obra.

Aquí es donde aparece, Alejandro Genes Radawski, joven dramaturgo argentino, de origen polaco, que sin dudas se sintió atraído por los textos y las historias de Gomrowicz.

Siempre las adaptaciones de obras reconocidas, representan un desafío importante, en este caso Alejandro, asumió muchos riesgos , redoblando la apuesta y talento mediante, obtuvo una versión muy potente de Ferdydurke, conservando el espíritu de la pieza original, pero también enriqueciéndola , con una puesta original, que incluye modificaciones acordes con esta época y alejándola  de las solemnidades.

Es una adaptación que arriesga y presenta rasgos propios, complementos modernos ( como por ejemplo el uso del celular o la aparición de temas musicales de autores contemporáneos ) que se introducen a una pieza escrita hace más de 80 años.
Además el director, derrumba en forma violenta esa cuarta pared que separa a los actores del espectador, provocando que el mismo se involucre en la obra y borrando las fronteras, que por convención los separan.

En nuestra opinión, hay un estupendo trabajo de adaptación, que sin dudas rinde sus frutos, ya que la versión teatral lograda de Ferdydurke presenta una fuerza y una personalidad notable, enriqueciendo mucho el texto original.

La historia de Ferdydurke, hace referencia a las peripecias de Pepe, un hombre de 30 años, que debido a la intervención de Pinko, un antiguo profesor, que al ver que no escribe correctamente, decide hacerlo volver a la escuela y de esta manera, al cuerpo de un adolescente de 16 años, para convivir con compañeros de esa edad.

Pero Pepe, ya cumplió su escolaridad. Porque debería repetirla ??  Lo lógico, sería negarse, pero no puede. Alguna fuerza interna, le impide decir que no y entre su ex profesor y un director de escuela, de estilo marcial, lo terminan de convencer para que complete la regresión que le imponen y vuelva a ser un niño, con obligaciones de tal, aunque tenga cuerpo de adulto.

La obra es soñadora, tiene mucha magia y misterio, una buena porción de locura, un humor ácido y un ritmo increíble, es como un tren que arranca y vá tomando velocidad, no sabemos bien para donde se dirige, pero lo que si sabemos, es que esta obra de genes polacos y talento argentino, no se detendrá nunca, es imparable.

Ahora, si el texto tiene una magia especial y la adaptación es potente, sin dudas una de las grandes razones, para que esto suceda, son las estupendas actuaciones, que presenta la pieza.

Son cuatro, las actrices que brillan en el escenario. Advertimos que vemos varias obras por semana, muchas por mes, pero realmente nos fuimos gratamente sorprendidos del Tadron, por las estupendas interpretaciones que vimos y por las fabulosas caracterizaciones que logran estas actrices, en algunos casos, desdoblando varios personajes.

Arranquemos, por el  protagonista de esta historia, Pepe, interpretado en forma magistral, por Natalia De Elía, que dá vida a ese hombre en cuerpo de adolescente. Es brillante la caracterización que logra, de un joven tímido y temeroso, que no puede escapar de esta realidad a lo que llevan. Sus caras, sus gestos, su forma de caminar, todo se disfruta.
El personaje de Pepe, esta prácticamente todo el tiempo en escena, es un papel muy exigente y la respuesta de Natalia es estupenda, demostrando que es una gran actriz y no me canso de decirlo con una caracterización que impresiona.

Y que decir de El Polilla, ese compañerito de 16 años, chiquito, menudito, pero bravucón y bastante compadrito, con ese tono malevo para hablar y un comportamiento siempre desafiante y por fuera de las convenciones, con algunas perversiones y una preferencia secreta por lo peones.
El Polilla es Antonela Marcello y acá nuevamente la transformación, como en el caso de Natalia con Pepe es increíble y su interpretación también es excelente. Tiene algunas partes cantadas, donde muestra su hermosa voz y sus  condiciones para el canto.
Además del Polilla, también dá vida a la desopilante Juventona, una madre muy particular.
Un talento increíble el de Antonela, que por momentos se come la obra, con su gran labor.

Llega el turno de Luján Bournot, que interpreta al tímido e inexperto Sifón, a le sexy y moderna colegiala, al marcial director Piorkski y a la entrañable tía. Desdobla cuatro personajes deliciosos con una destreza que nos sorprende. Fabuloso lo de Luján, que sin tener un personaje permanente, como en los casos anteriores, muestra una presencia y una capacidad para cambiar de personaje para destacar. Nos encantó su trabajo.

El poker de virtuosas, se completa con Bárbara Lloves Millan, como el misterioso Profesor Pinko con ese acento particular, su vestimenta negra y esa graciosa forma de caminar, además dá vida al sumiso criado Quique, que no puede resistir los embates de Polilla. Impecable en sus papeles.

Se habrán dado cuenta los lectores a estas alturas, la cantidad de elogios que ofrecimos, sin dudas, que quedamos impactados con las magníficas actuaciones y con las transformaciones que logran estas actrices ( si al término de la obra, pueden ver las caras de las actrices o las conocen de otras obras, creanme que les vá a costar creer que fueron ellas las que estuvieron en el escenario ).

Además del enorme talento individual que muestran estas actrices, funcionan muy bien en el conjunto, se nota que hay muchísimo trabajo previo y ensayo atrás, además de mucha pasión y un compromiso total con lo que les pide el director.

Hablemos de la puesta ahora.  La escenografía es mínima, solo un escritorio en el medio del escenario, que además sirve para la aparición y desaparición, casi mágica de los personajes, otro mérito del director que aprovecha al máximo, la oportunidad que brinda el sótano que tiene esta sala del Tadrón.

Se viven momentos mágicos a lo largo de la función, solo posibles en el teatro off, Uno de ellos, es cuando en determinado momento, un personaje llega a escena directo de la calle Armenia, entrando por una puerta, mientras peatones pasan a su lado sin creer lo que ven y atrás están los autos circulando y tocando bocina, totalmente ajenos al arte que los rodea.

Y lo dicho de la cuarta pared, la participación del espectador tiene buena influencia en la obra, hasta se lo provee de algún elemento cuando ingresa a a sala, no vamos a ahondar más, para conservar el suspenso, pero sin dudas que estamos en presencia de una puesta original y muy potente, con el sello distintivo de este talentoso director.

Bueno, creo que ya dijimos suficiente, este texto de Witold Gombrowicz, escrito en la década del 30 en la lejana Polonia, sin dudas tienen mucho atractivo y es explotado en gran forma, por la brillante adaptación criolla. A lo largo de la trama, veremos mucho de grotesco, de humor, situaciones desopilantes, choques de clases, críticas al sistema educativo y a los formalismos de la época.

La obra es una gran caja de sorpresas, que parece no tener fin, ya que vá mutando y tomando diferentes caminos conforme avanza la obra, de la mano de este talentoso elenco.

Mencionamos que es la tercera temporada de esta pieza, presentándose siempre con gran suceso y sin dudas que tiene que llegarán  temporadas, porque este director y estas actrices tienen mucho arte para seguir ofreciendo.

No queda mas que agregar, solo felicitar y agradecer al equipo de Ferdydurke, por la hermosa noche de teatro que nos regalaron.



Pensador Teatral.

Republiquetas

Domingos 19 hs en El Kafka Espacio Teatral ( Lambaré 666 )

Obra escrita por Francisco Civit y Francisco Yeannoteguy, con la dirección de Francisco Civit.

La cita teatral, en esta ocasión nos convoca para hablar de historia y más precisamente de la historia de Argentina, intentando reconstruir como nació el país, que hoy todos conocemos, pero que seguramente no siempre fue el mismo.

Tal vez, imaginar una obra con muchas referencias históricas, puede pensarse como algo pesado y difícil de asimilar, pero aquí es donde aparece la mano de los autores, para que esto no ocurra y lo hacen de una excelente forma, ya que logran el efecto contrario,  consiguiendo que una obra con mucho dato histórico sea entretenida, tenga una dinámica admirable y además se apoye mucho en el humor para el desarrollo de la trama.

Francisco Civit, es un joven y talentoso director, que gusta de asumir riesgos y siempre muestra su faceta creativa. En el caso de Republiquetas, 1816 Año Terrible, para lograr una trama amena y con ritmo,  presenta a tres supuestos historiadores en el escenario, que tienen como objetivo, recordar aquel glorioso 9 de Julio de 1816 y la fiesta que se vivió ese día, donde todo era alegría y reinaba un clima festivo.

Pero cuando empiezan a repasar algunos sucesos, se dán cuenta, que lo que indican los libros de historia, no reflejaban de manera exacta la realidad de aquellos tiempos y que en verdad ese año 1816, era un año terrible, donde las guerras internas, las luchas y la sangre derramada, ran la realidad reinante en nuestro territorio, muy lejos del cuento de hadas.

Entonces comienza verdaderamente la obra, un relato muy interesante, con una excelente recopilación de sucesos históricos,  que realmente no conocíamos, porque no es algo que nos hayan enseñado, cuando estudiamos historia,son hechos que no figuran en los libros, ni en los relatos oficiales.

En la pieza que nos convoca, se habla del indio y su importancia en aquella etapa decisiva para la formación del país que hoy somos, como la aparición de las Republiquetas, organizaciones guerrilleras, serán fundamentales para poder vencer a los españoles y la salida a superficie de personajes, de capital importancia en la época, pero que por algún motivo nunca tuvieron el debido reconocimiento, ni como próceres, ni siquiera, como figuras secundarias, uno de ellos fue el sacerdote tucumano Idelfonso Muñecas ( que solo tiene una calle modesta en Villa Crespo ).

El trabajo de investigación realizado para escribir esta obra, fue notable y los resultados sorprenden, ya que nos damos cuenta, que la historia que conocemos, es solo una visión parcial de la verdad, podríamos decír que es una verdad acotada. El director quiere dejar una visión optimista, aclarando que no todo lo que nos indican los libros de historia es mentira, sino que hay muchos hechos verdaderos, pero también se dejaron algunos sucesos sin contar, la historia oficial es más light, está endulzada, cuando la realidad era más cruel, mas desoladora y en particular ese Año 1816, que se toma como fecha en que nace la nación, en verdad fue un año turbulento, donde el país que somo hoy se estaba gestando y en verdad en ese momento, era muy diferente al país actual que tenemos, porque una nación, no se forma en un solo momento, sino que lleva un buen período de construcción.

Es hora de hablar de los actores, que llevan adelante el relato, la voz cantante la lleva Gabriel Yeannoteguy,  uno de los autores, que con mucha pasión, nos vá relatando los hechos en forma admirable.
Lo acompaña Fernando Migueles, que además de actuar, toca el piano, musicalizando  en muy buena forma la obra y Roberto Monzo, que muy histriónico, también le pone una energía increíble a la exposición.

En verdad, el trabajo de los tres actores es estupendo, ya que con una destreza digna de destacar, logran dar gran cantidad de datos, de manera amena y manteniendo siempre atento y enganchado al espectador, para eso se ayudan con mapas, láminas, fotos y algunos objetos que ván apareciendo en medio de las narraciones. Además como dijimos del humor, recurso que forma parte permanente de la exposición.

Sin dudas un acierto del director la forma elegida para narrar el relato, apoyándose en estos actores que captan el mensaje y lo transmiten en un formato amigable al espectador.

Como conclusión, señalar que quedamos encantados con la propuesta de Republiquetas, una excelente obra, que nos introduce en la historia de nuestra Argentina, permitiendo además de disfrutar de las excelentes interpretaciones, aprender mucho y saber que la historia oficial que nos enseñaron en la escuela, sin dudas omite algunos datos y personajes, que debemos conocer.

Obra fundamental para los chicos, para presentar en escuelas, para los amantes de la historia y para el público en general.

Felicitamos a los que idearon este proyecto, celebramos que lo hayan podido concretar y sin dudas que la recomendamos fervorosamente. Nosotros por nuestra actividad, vemos mucho teatro, por eso podemos afirmar con certeza que Republiquetas, no es una pieza más, es una obra diferente, de las mejores que vimos en el presente año y a nuestro entender de visión obligatoria.



Pensador Teatral.