Padre Pedro

Dramaturgia de José Serralunga y Dirección de Matías Gómez,

Domingos 20 30 hs Espacio Callejón ( Humhuaca 3759 )

Una propuesta valiente y muy potente, llega de la mano de Padre Pedro, obra escrita por el autor santafesino José Serralunga, que pone el foco, sobre una institución arraigada y muy poderosa como la Iglesia, que pese a atravesar una actualidad de crisis, debido a la pérdida de fieles a manos de otras religiones, sigue teniendo mucho poder e influencia sobre un gran número de personas que confía en ella y en sus representantes de manera incondicional.

La historia se desarrolla en una parroquia de un pueblo indeterminado de la Provincia de Buenos Aires, a cargo del Padre Pedro ( Jorge Fernández Román ) y donde Dante ( Ricardo Torre ) es su monaguillo. El Domingo luego de una mesa, el sacerdote y su ayudante, charlan sobre temas triviales, el monaguillo cuenta que llevará a su casa, los manteles usados en la misa y manchados con la sangre de Cristo, no con vino como el dijo.Hablan sobre la necesidad de llamar a un electricista, para revisar el cableado eléctrico de la capilla, que anda con problemas y así el el post misa, transcurre sin que hablen de nada relevante.

Es más Dante, que es un muchacho humilde y con una baja educación, se muestra gracioso por sus torpezas y recibe los retos del Padre Pedro, que no puede dedicarse a leer la Bibila, por las continuas interrupciones que recibe y por los pedidos de confesión,que el monaguillo solicita, ante faltas muy menores, generando risas en los espectadores.

Pero al muchacho se lo nota nervioso, parece ocultar algo, le habla al Padre Pedro, de malos pensamientos que tiene, de una pesadilla que lo atormenta y de a poco ese clima trivial y naif, que generaba la charla, irá virando y comenzando de a poco, pero sin pausa a partir de ese momento a ganar en tensión, tomando desprevenido al espectador, por el giro que irá tomando el relato.

No vamos a contar demasiado, porque la obra tiene una cuota de suspenso muy alta que es saludable mantener, solo diremos que la charla entre el acólito y el cura, se irá haciendo cada más íntima e íncómoda para ambos, hasta que el monaguillo, visiblemente alterado, le revela al Padre, que su esposa ángeles, que no había ido a la misa de ese día, debido a la tramenda paliza, que el mismo le propinó el día anterior.

Justifica su reacción, en su certeza de que la esposa le estaba siendo infiel y el polvorín estalla, cuando ella le cuenta que estaba embarazada. La noticia en vez de poner contento a Dante, lo enfurece, ya que sostiene que debido a su esterilidad, no hay chance que él sea el padre. A partir de ese momento, su obsesión, sería conocer la identidad, del amante de su esposa.

Cumpliremos nuestra palabra y no contaremos más, adelantaremos que desde ese instante, una atmósfera de tensión creciente, llenará la escena y ese diálogo inofensivo que mantenían al comienzo el monaguillo y el cura, cambiará de tenor de manera dramática.

La historia tiene un solo acto, es decir todo ocurrirá de manera continua, sin cortes de luz, ni salidas de escena de los actores, que no darán respiro al público, que seguirá las acciones con un silencio absoluto, muestra clara de la tensión, que transmite un texto que atrapa,

La dramaturgia como dijimos es directa y muy potente, siendo fundamental para la dinámica que tiene la puesta, las excelentes actuaciones que presenta la pieza, ya que ambos protagonistas, componen en forma magistral sus personajes.

Jorge Fernández Román, es el Padre Pedro, el representante del Señor en la Tierra, quien transmite la palabra de Dios, con mucha autoridad. A Jorge lo conocemos de El Amor es un Bien, una entrañable obra del off y aquí demuestra su enorme valía, interpretando en gran forma, un personaje complejo, que sin dudas tiene dos caras, una ante los fieles y otra oculta de las miradas. Superlativa su interpretación.

A Ricardo Torre es la primera vez que lo vemos y para nosotros fue toda una revelación. Teniendo que llevar adelante un papel difícil, que exige una gran entrega, debido a los notables cambios de registro que requiere su personaje, ya que por momentos vemos a un muchacho bonachón e ingenuo y en otros momentos asomará persona extremadamente violenta y peligrosa.

Ambos protagonistas se destacan mucho en sus papales y además del lucimiento individual, muestran un entendimiento y una química, que además de darle mucha credibilidad al relato, le agregan mucho valor al texto.

La puesta de Matías Gómez, es de carácter minimalista, con un espacio escénico reducido y delimitado por unas sogas, contribuyendo ello, al carácter íntimo que presenta la pieza. En el mismo sentido, colaborando el diseño lumínico de Ricardo Sica, un verdadero especialista en estas lides.

Padre Pedro, se presentó en escenarios de España, Chile, Venezuela y Puerto Rico, ya que su texto tiene una universalidad y una actualidad, sustentada por la influencia y el poder que tiene la institución eclesiástica dentro de nuestra sociedad. Entre otros reconocimientos, la obra obtuvo la Mención Especial en el Concurso Nacional de Obras de Teatro en el marco del 50 aniversario del Fondo Nacional de las Artes.

En su segunda temporada con este equipo de trabajo, Padre Pedo, se presenta ahora en el cotizado Espacio Callejón, que en los últimos años, se convirtió en sinónimo de buen teatro y referencia para jóvenes autores nacionales.

No queda más para agregar, estamos en presencia de una valiosa propuesta, que se atreve a poner la lupa en un tema muchas eludido, como los cuestionamientos que existen hacia la Iglesia en sentido amplio y al comportamiento de los hombres de carne y hueso que la representan, apareciendo dentro de la trama, temas diversos como el celibato, los abusos de confianza, las tentaciones, las crisis de fé y hasta la violencia de género, todos tópicos de candente actualidad.

Recomendamos especialmente la obra, valiente, intensa y con actuaciones superlativas que no se guardan nada, todos condimentos, que nos permites avizorar una temporada con mucho suceso para Padre Pedro en el Callejón,ya que es una obra movilizante y que no deja indiferente al espectador, que además de disfrutar de una estupenda noche de teatro, se irá reflexionando sobre el poder de la religión y el rostro oculto que pueden presentar muchas personas.

Pensador Teatral.

Diciembre

Dramaturgia de Mariana Armelin y Diego Leske. Dirección de Diego Leske.

Viernes 20 30 hs en Nun Teatro Bar ( Juan Ramírez de Velasco 416 )

Diciembre en la mayoría de los países, es un mes de balances, consagrado a las fiestas navideñas y a despedir el año que se vá. Pero en la Argentina desde el 2001, Diciembre ha pasado ha ser un mes complejo, desde lo social, lo político y principalmente desde lo económico, generándose un escenario de crisis, donde las corridas financieras y la aparición de dolar como invitado sorpresa en una fiesta para pocos.

Por eso, cuando Armelin y Leske, se reunieron en Marzo del 2017, para escribir esta comedia negra financiera, seguramente se inspiraron en aquel fatídico Diciembre del 2001, pero como nuestro país, se especializa en las crisis financieras, el texto presenta una actualidad absoluta y si los autores, nos contaran que la escribieron de manera premonitoria, por lo que sucedería el año pasado, no dudaríamos un minuto, en creerles.

Las acciones transcurren en una pequeña cueva financiera del microcentro, manejada por Alfredito ( Diego Leske ) , que heredó el negocio familiar de su fallecido padre, quien le trasmitió su pasión por la divisa verde y la bicicleta financiera. Lo acompañan en la cueva, su joven y bella secretaria Selva ( Florencia Sacchi ), con quien mantiene una relación más allá de lo laboral y Pajarito ( Matías Corradino ), quien será la pieza clave del negocio.

No vamos a contar demasiado, para mantener el suspenso y permitir que el espectador descubra lo que sucede, cuando vea la obra. Solo diremos que Pajarito, es una especie de genio matemático, que con un método solo conocido por él, entre otros cálculos, puede predecir, cual será el comportamiento del dolar. Alfredito no se iba a perder a alguien con este don, por eso no dudó en reclutarlo de manera poco ortodoxa y lo retiene el la financiera, de manera tampoco muy clara.

Hasta allí contaremos, la trama atrapa desde el arranque, porque la temática resulta absolutamente cercana al espectador, que se encuentra con personajes que reconoce y una historia muy creíble, que tiene humor, una historia de amor que la traviesa y siempre como marco, una ambición desmedida por ganar millones en minutos, solo levantando un teléfono, fórmula que lamentablemente nos resulta muy conocida.

En la credibilidad de la historia, tienen fundamental incidencia, las magníficas actuaciones que presenta la obra. arrancando por el propio Diego Leske, en el papel de Alfredo, el típico chanta portador de apellido, integrante de una supuesta elite que se dedica a la especulación financiera y piensa que se las sabe todas. Nos gustó mucho su interpretación, como un financista sin escrúpulos y con una codicia, que no tiene límites.

Florencia Sacchi, se destaca muchísimo en su papel, ella es Selva, una chica nacida en Bella Vista, Corrientes y que se ganaba la vida haciendo las manos en una peluqueria, hasta que conoció al viejo Alfredo, que la llevó a la financiera como su secretaria. Devota de la Virgen de Itatí, con muy buena mano para hacer chipás y un acento típico de sus pagos, compondrá de manera magnífica su personaje. Nos gustó mucho el trabajo de Florencia.

Y por último mencionar a Matías Corradino, que será Pajarito, un personaje enigmático y nada sencillo de representar. Será clave en el desenlace de la  historia, conservarndo un halo misterioso, que recién en la parte final de la trama se develará. Muy bueno también lo de Matías.

Como puede apreciar el lector, nos gustaron mucho las actuaciones, los tres con mucha química entre ellos y aquí debemos mencionar la labor de Flavio Nardini, a cargo de la dirección actoral, en su debut en el mundo teatral, ya que hasta aquí siempre se había desempeñado en el cine. Auspicioso su estreno, con un aporte importante, que se cristaliza en la dinámica de las actuaciones.

La puesta tiene varios elementos para destacar, como por ejemplo el diseño escenográfico siempre efectivo de José Escobar, que en este caso nos permite ver,  una típica oficina de la city, con un fichero muy especial y una ventana, por la cual los protagonistas, pueden ver y oir, el reclamos de los ahorristas, que cacerolas en mano, recorrer las calles del microcentro, una imagen muy fuerte, que todos tenemos grabada. Además debemos destacar la iluminación de Ricardo Sica y la música original que presenta la pieza. Todo estos ítems, realzan el valor de una puesta atractiva, que muestra que cuida todos los detalles.

Para ir concluyendo, nos resultó muy interesante la propuesta de Diciembre, Algoritmo del caos, que de manera inteligente y con una muy buena cuota de humor, pone la lupa, sobre un submundo, como el financiero,  muchas veces oculto y responsable de corridas crisis financieras, que lamentablemente los argentinos estamos acostumbrados a sufrir.

Solo nos queda recomendar Diciembre, se encontrarán con un trhiller negro atrapante, con excelentes actuaciones y la posibilidad de descubrir, si la célebre máxima que señala, que quien apuesta al dolar pierde, en este caso se cumplirá o no.



Pensador Teatral.

Nina

Dramaturgia de Patricia Suárez y Dirección de Jorge Diez.

Miércoles 20 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Patricia Suárez, la talentosa y prolífica dramaturga rosarina, en esta oportunidad nos sorprende con un texto sensible, que con humor y poesía, nos propone viajar en el tiempo, a la Rusia pre revolucionaria de principios del Siglo XX, con el teatro en primer plano y con personajes como Tolstoi, Stanislavski y Chejov, entre otras celebridades, que coincidieron una época dorada, que dejó su huella.

La obra es un unipersonal que nos traerá a escena a Nina Sarechnaia, personaje proveniente de La Gaviota de Chejov, aunque la autora parece situarla unos años más adelante. Enseguida aclaramos que no es necesario, conocer la obra chevjoviana, para seguir la historia, ya que la misma tiene autonomía propia, claro que quien la conozca, valorará aún más el texto.

La Nina que se presenta en esta coqueta sala del Hasta Trilce, trabaja en el guardarropas del gran Teatro de Moscú, acomodando y custodiando los abrigos del público, que esa noche asiste a una función de Tres Hermanas, uno de los clásicos más conocidos de Antón Chejov.

Nina, abrirá su corazón y esa noche, elegirá confesarse, trayendo recuerdos de su infancia, adolescencia y ya,  cuando era una bella mujer, hará revelaciones sombre sus amores prohibidos, amantes,  el rol de la mujer en aquellos años y siempre rondando el relato, se manifestará su pasión por no haber sido una actriz reconocida y su frustración, por estar allí abajo recluida entre abrigos y fantasmas, cuando su lugar, sin dudas arriba del escenario, interpretando a alguna de las hermanas.

Elogiamos mucho el libro, pero no caben dudas, que la gran protagonista de la noche, es Ana Padilla, una enorme actriz, que se enamoró del texto de Patricia Suárez apenas lo leyó y desde ese precisamente, se abrazó con pasión al proyecto.

Es un placer ver a Ana en escena, absolutamente compenetrada en el personaje de Nina, tomándolo con un amor y una entrega que conmueven. Todos sabemos las exigencias que presentan los unipersonales y en este caso Padilla, resuelve el desafío con maestría y nos regala una interpretación exquisita, consiguiendo transmitir cada una de las ímágenes que relata y transportando a cada uno de los espectadores, a la fría y bella Moscú.

La puesta que propone el director Jorge Diez, es de carácter minimalista, logrando un ambiente íntimo, que resulta ideal para el relato de Nina. Colabora mucho también la elección de esta particular y señorial sala del Hasta Trilce, poblada de cuadros, espejos, una araña hermosa y hasta un piano, todos elementos que le otorgan glamour a la puesta. Además la disposición particular de las sillas, dejando casi un cuadrado en el medio, permitiendo que la protagonista, se desplace por toda la sala,  camine entre los espectadores y hasta pueda mirarlos a los ojos, algo que colabora muchísimo con ese clima de complicidad que el relato pide.

Destacamos el vestuario de Pepe Uría, en la vestimenta de La Gaviota y también en esos abrigos que resaltan en escena y que nos trasladan al pasado moscovita, al igual que la música original de Rony Keselman, que acompaña el ritmo y los vaivenes de la trama.

En definitiva, Nina es una obra que presenta una dramaturgia fina y sensible, que nos hará viajar hacia la edad de oro de la literatura y el teatro ruso, del que mágicamente, emergerán grandes autores que dejaron un legajo que perdurará por siempre. A este texto tan refinado , se le suma una puesta atractiva y muy cuidada, que le permite a Ana Padilla, hacer gala de todo su talento y oficio sobre las tablas, para brindarnos una interpretación magnífica.

Los aplausos emocionados, con que los espectadores despiden a la protagonista al final de la función no dejan dudas, que la obra gustó mucho y que el alma de Nina Sarechnaia, esa noche, se sentirá orgullosa, por esa merecida ovación, que el público le brindó, como premio a su actuación.



Pensador Teatral.

Pulmones

Dramaturgia de Duncan Macmillan y Dirección de Jennifer Aguirre Woytkowski.

Lunes 21 hs en El Método Kairos ( El Salvador 1530 )

Un texto profundo e inteligente llega de la mano del jóven dramaturgo inglés Duncan Macmillan, que estrenó Pulmones en Londres en el 2013. Por esta pieza el autor recibió unánimes elogios de los críticos y obtuvo varios premios, entre el de Mejor Obra para el Off West End Award.

Luego del suceso en el Reino Unido, la obra llegó a más de quince países, siendo posible tal expansión, debido a un guión moderno y en sintonia con los tiempos que se viven, donde una pareja joven replanteará su presente y también su futuro.
La versión local, dirigida por Jennifer Aguirre, transita ya su segunda temporada y respeta las pautas particulares, que el autor establece para contar su historia.

Cuales son esas pautas, que hace que esta obra que nos presenta a una pareja joven, culta y consciente del contexto social y ambiental que los rodea, tenga una puesta tan particular. El autor establece algunas normas, solo habrá dos actores sobre un escenario desnudo, no hay escenografía, no hay elementos de utileria y tampoco habrá cambios de vestuarios, ni algún indicadores que explique el paso del tiempo o el cambio de acto.

Estarán solamente los dos actores, en un cuadrado blanco, sin ningún artificio escénico, que los acompañe, serán sus voces, sus gestos y sus cuerpos los que llevarán adelante un texto exigente e inteligente, que los obligará a estar concentrados y a entregarse por completo, para estar a la altura de lo que requiere el libro.

La joven pareja parece tener una vida normal, el es músico, ella prepara un doctorado y sus rutinas parece seguir el camino habitual de cualquier pareja, hasta que un día como cualquier otro y en la cola de un supermercado, surge una pregunta, que será el disparador de todo lo que vendrá luego : Y si tenemos un hijo ?

El interrogante parece simple y normal en cualquier pareja, pero desde ese momento el horizonte se llenará de dudas, pensarán si es el momento adecuado para ejercer la paternidad. Y que pensar del mundo que lo recibirá, donde la superpoblación es una realidad que agobia. Llegaran los miedos a no estar preparados para ser padres, a no tener una relación tan sólida como sería conveniente. Dudas, miedos y culpas, una trilogía muy peligrosa, que puede paralizar a cualquiera y más a estos jóvenes, leídos e informados, que ya no quiere hacer cosas, simplemente por respetar un mandato social.

Los diálogos entre los novios, tendrán humor, ironía, momentos divertidos y otros muy tristes. Se reirán, se pelearán y llorarán juntos, tal como ocurre en la vida real, algo que sin dudas el público reconoce, ya que una de las características de este texto, es resultar cercano.

Siempre decimos, que puede haber un texto muy lúcido y una dramaturgia muy elaborada, pero luego es fundamental encontrar los intérpretes adecuados, que sepan transmitir el mensaje y más en este caso, donde como dijimos antes, no hay escenografía, no hay artificios teatrales que acompañen.

Y es hora de decirlo ya, nos encontramos con las fantásticas actuaciones de Lucien Gilabert y Lionel Arostegui, que saben como jugar la partida, con sus tonos de voz, sus miradas, sus movimientos, todo ello puesto al servicio de la obra, para hacer creíble el texto y las situaciones que se relatan.

Lucien es intensa, enérgica y extremadamente emotiva. En cambio Lionel, parece más calmado, algo relajado y siempre tratando de ser componedor. El contrapunto luce muy atractivo y los dos protagonistas, muestran un entendimiento y una química, que sorprende. Tienen que estar siempre concentrados, ya que la acción es continua y les exige muchísimo desde lo actoral y desde lo físico, brindando dos interpretaciones exquisitas.

La puesta como dijimos es de carácter minimalista, solo la iluminación por momentos acompaña a los actores, por eso también debemos destacar a la directora, que apelará a los movimientos corporales de los protagonistas, para enlazar las escenas y darle agilidad a la puesta.

Nos gustó mucho la propuesta de Pulmones, al autor cumple su objetivo de plantear preguntas y no bajar línea. El espectador reflexionará junto a estos jóvenes, sobre del amor en la pareja, la difícil decisión de ser padres, las presiones familiares y como los miedos, muchas veces son los que conducen nuestra vida.

Por todo lo mencionado, solo nos queda recomendar la obra, que con un texto muy actual y de la mano de dos actuaciones fantásticas, nos regalarán un noche a puro teatro. La capacidad desbordada de la sala del Método Kairos y los aplausos prolongados, con que los espectadores, despidieron a los protagonistas al final de la función, auguran que esta segunda temporada de Pulmones será muy exitosa.




Pensador Teatral.

Los Árboles mueren de Pie.

Dramaturgia de Alejandro Casona . Dirección de Claudio Salama.

Sábados 20 30 hs y Domingos 19 hs en Teatro Columbia ( Av.Corrientes 1537 )

La obra escrita en 1949 por el dramaturgo español Alejandro Casona, considerado uno de exponentes más importantes de la literatura española del Siglo XX. Sus ideas fueron consideradas como muy radicales, en años previos a la guerra civil y fue forzado al exilio con la llegada del General Franco al poder. Residió en Argentina hasta 1962, cuando finalmente puede regresar a su país.

Los Árboles mueren de Pie, que puede considerarse una de sus obras más destacadas, sino la más, con el correr de los años, se ha convertido en un clásico,  que se presentó en escenarios de todo el mundo y tuvo también su versión cinematográfica.

El autor en una atmósfera de ensueño, concibe una organización misteriosa, dirigida por un filántropo, que tiene como objetivo, simular situaciones que generen felicidad en personas que no la tienen, siempre en la búsqueda de un mundo más alegre.

En esas circunstancias, llegará a su reducto, el Sr.Balboa, que requerirá de manera urgente los servicios de aquella compañia, en una empresa nada sencilla. Resulta que hace muchos años, luego de mantener una fuerte discusión expulsó de la casa a su nieto Mauricio ( su único descendiente ). Su esposa, quedó muy mortificada por este suceso y sintió mucho la falta del nieto. Fue por ello, que su esposo, decidió llenar esa ausencia, escribiendo cartas falsas simulando que las escribía el nieto, donde le relataba una ficticia vida feliz en el Canadá, donde se había convertido en un exitoso arquitecto y además había conocido a Isabel, una bella mujer, con la que había contraído matrimonio.

Sin entrar en detalles, contaremos que luego de veinte años, la abuela iba a cumplir el sueño reencontrase con su exitoso nieto que viajaría desde Canadá con su esposa, solo para volver a verla. No había escapatoria, la única salida es que entrara en acción, el falso Mauricio, con su esposa Isabel, para montar una farsa, que haga creer a la abuela, que es su verdadero nieto, quien regresó para verla.

La historia, hasta allí con humor y mucha ternura, parecía ser una cuento de hadas, pero la situación se complicaría, cuando el verdadero Mauricio, llegaría a aquella casa, dispuesto a contar toda la verdad y a arruinar todos los planes, sin importar que rompería el corazón de la abuela.

Hasta allí vamos a contar, cuando vean la obra, verán que sucede finalmente en esa casa. El disparador del autor, nos lleva a reflexionar, sobre si en algunas circunstancias, es preferible una mentira que puede traer felicidad, en vez de una verdad dura que nos provoca una enorme tristeza y desilusión. Es admisible esa licencia y mediante un engaño, dar vuelo a una ilusión ?  O siempre hay que presentar la verdad, aunque la misma a veces provoque mucho daño.

La adaptación de Claudio Salama, pese a quitar algunos personajes del libro original, logra conservar con mucha fidelidad el espírítu que el autor le dió a la obra, ambientándola en los años cincuenta, pero consiguiendo que la historia tenga una vigencia absoluta.

Enseguida debemos mencionar, las lucidas actuaciones que presenta la obra, que transita su tercera temporada, algo que ya habla de la buena respuesta que tiene la pieza de parte del público y este año se presenta con un elenco que tiene muchas caras nuevas.

Claudio Salama, además del director de la obra, es el gran protagonista de la noche, ya que interpreta al jefe de la compañia de ilusiones y será el falso Mauricio, debiendo ser lo suficientemente convincente, para que la abuela, no tenga dudas. Con gran presencia escénica y un histrionismo que debemos destacar, se luce muchísimo y es quien lleva la batuta de la historia.

Su falsa esposa Isabel, es interpretada por Silvana Coppini, una jóven y talentosa actriz, a la que elogiamos el año pasado por su brillante protagónico en Yerma, entrañable obra del off. Aquí será una dulce esposa, que sabrá dotar a su personaje una sensibilidad y una dulzura, que el espectador agradece. Nos gustó mucho el trabajo de Silvana.

La pareja de los viejitos, es simplemente encantadora, Eduardo Ezon, es el abuelo que hará lo imposible para que su amada esposa sienta orgullo por su nieto y pase unos días fabulosos. Graciela Pérez, es esa abuelita dulce y aparentemente ingenua, que se compra a la platea con su ternura. Nuestro aplauso para Eduardo y Graciela, ambos con entrañables composiciones.

El elenco se completa con una actriz de mucha experiencia como Nonnel Nhoj, en el papel de Genoveva, el ama de llaves de la casa. Gabi Branda es el personaje más gracioso de la noche, animando la velada, desde antes que comience la obra. Por último mencionar a Sergio Theaux, el villano de la historia, con gran presencia escénica y muy convincente en su papel de desalmado.



En resumen, la obra presenta un elenco nutrido y con muchos actores de experiencia, algo que nosotros disfrutamos especialmente, porque generalmente esto  se traduce en actuaciones que lucen muchísimo, siendo este uno de sus casos.

La puesta es cálida y logra envolver al espectador en un clima ameno. Nos gusto mucho el diseño escenográfico que presenta esa casa bien familiar. Y también queremos destacar el vestuario, que nos remite a los años cincuenta.

En definitiva, vivimos una muy linda noche de teatro viendo Los Árboles mueren de Pie, una historia sencilla, pero que sabe como llegar al espectador y conmoverlo, reflexionando además sobre como muchas veces, una mentira inofensiva y que no daña, puede ser gratificante y traer felicidad, aunque sea ilusoria, como contracara de una verdad que muchas veces despiadada, causa infinito dolor.

El aplauso emocionado, con que el público que colmó la sala del Teatro Columbia en el reestreno de la obra, es una muestra clara, de la vigencia de este clásico, que gracias a notables actuaciones, nos regalaron una noche de muy buen teatro independiente.




Pensador Teatral.

Atracción Fatal

Basada en el film de James Dearden. Dirección de José Maria Muscari,

Jueves a Domingos en Multitabaris ( Av. Corrientes 831 )

Llevar al teatro un guión cinematográfico generalmente es una idea compleja de llevar a cabo, pero Muscari ya demostró que no se achica ante los desafíos y redoblando la apuesta, elige una película que rompió todos los records de taquilla, a fines de los 80´, como Atracción Fatal, trhiller psicológico, protagonizado por Michel Douglas y Glenn Close, que tuvo seis nominaciones al Oscar, incluida la de Mejor Película.

Muscari le imprime su sello personal a la adaptación, en primer lugar le dá un espacio importante al humor, manteniendo la línea argumental, pero dosificando el dramatismo y la violencia que tenía el film original. Por otro lado, juega mucho con la temporalidad de la historia, incorporando a la historia, los teléfonos celulares, que tanta importancia tienen en los vínculos personales actuales, sabiendo que no existían en los años de la película.

Además una de las claves en la buena dinámica de la obra, es la incorporación de Esther Goris, que sin adelantar mucho, digamos que hará las veces de relatora, marcando el ritmo de la historia, haciéndola teatral y siendo un enlace de lujo, para los diferentes cuadros.

Hasta allí las diferencias, compartiendo la película original, tendremos una pareja tradicional, con una bella hija, una buena posición económica y una vida donde todo parece color de rosa, como en los cuentos. Pero un fin de semana, el esposo quedará sola en la casa y decide salir a un bar con un amigo para tomar un trago, pero ocurrirá lo inesperado, ya que allí se cruzará con una atractiva mujer, con la que comenzará a hablar, conectarán y de manera inesperada, terminara pasando el fin de semana juntos con sexo y pasión, en la casa de la mujer,

El Lunes, la esposa vuelve con su hija a la casa y la vida de aquel hombre, un abogado exitoso, parece volver a la normalidad. En su mente, aquella infidelidad, ya formaba parte del pasado o al menos el quería borrarla. Pero su compañera de aventura, no tenía la misma intención y se obsesionará, con aquel hombre. No puede tolerar estar sola, mientras él, vive con su mujer y su hija, sin jugarse por ella.

Bueno hasta allí contaremos, los que vieron la película, seguramente sabrán por donde irá la historia, pero les adelantamos, que el relato tendrá variantes, que le darán a la obra teatral , una intriga y un suspenso, que el espectador agradece y hará que se enganche desde el arranque con la propuesta.

Hasta allí tenemos un clásico del cine, aggiornado y con una temática siempre vigente, como es el amor y la crisis de la monogamia, en épocas donde el poli-amor y las posibilidades que abren las redes sociales de conocer gente, son factores de debate. La obra interpela, sobre el particular, marcando como muchas veces una aventura, que puede parece aislada, puede acarrear riesgos y consecuencias impensadas, que pueden modificar el rumbo de una vida, que parecía fijado.

Una de las características de Muscari, es ser siempre un gran seleccionador de elencos, sabe formar grupos y los actores pocas veces se resisten a sus propuestas, sabiendo que es un director exitoso.

Atracción Fatal, no caben dudas era un proyecto muy atrayente para todo actor. Pablo Rago será nuestro Michel Douglas y Sofia Gala, la Glenn Close vernácula. Nos gustó mucho la dupla, hay muy buena conexión entre ellos, algo necesario para la historia, que incluye complicidades y escenas muy jugadas.

Pablo Rago, cumple con solvencia, el papel de protagonista, siendo en un elenco muy parejo, en nuestra opinión, quien más se destaca, con una composición magnífica de su personaje, que irá cambiando su comportamientos, a medida, que la situación se le irá complicando.

Sofia Gala, encaja justo en el papel, una mujer decidida y arrolladora, pero profundamente inestable desde lo emocional, algo que la vuelve, extremadamente peligrosa. La vimos varias veces a Sofia y siempre tenemos palabras de elogios para ella, es una joven actriz muy talentosa, que en muchos no es valorada, como se debiera.

Cuando hablábamos de la riqueza del elenco, no exageramos, en el papel de la esposa engañada, tenemos nada menos que a Laura Novoa, una excelente actriz, que aquí sabe como darle a su personaje, la sensibilidad que el papel requiere.

Y que decir de Ana María Picchio, encantadora como siempre, aquí es la madre de la esposa engañada, aportando toda su experiencia y dotando de mucho humor a su personaje. Un privilegio verla en escena en plenitud.

Nicolás Pauls desde un rol secundario, como amigo del marido, le aporta frescura y humor a la puesta. Y por último mencionar a Esther Goris, que ya comentamos tiene un rol muy particular, como narradora, siendo fundamental para la buena dinámica del relato. Nos encantó la actuación de Esther, muy gestual y logrando una empatia absoluta con la platea, siendo una gran maestra de ceremonias.

Como puede aprecia el lector, son seis actores de mucho oficio los que conforman el elenco, siendo esta una de las razones, por los que la obra funciona tan bien, consiguiendo un vértigo y un ritmo, que crece a medida que las acciones avanzan.

La puesta tiene varios elementos para destacar, como por ejemplo el diseño escenográfico de Rene Diviu, que resuelve muy bien los distintos espacios que requiere el relato, se luce el vestuario de Pablo Battaglia y nos gustó mucho el recurso, por el cual  los actores, siempre se mantienen a la vista del espectador, no entraremos en detalles, pero este, es un acierto del director, que agrega valor a la obra.

Hasta allí contaremos, estamos en presencia de una muy buena adaptación de este clásico del cine de los 80, que conservando el espíritu del guión original, tiene una impronta propia, obligando al espectadora mantenerse siempre atento, porque quien espera, ver el mismo final que tuvo la película, le adelantamos se puede sorprender, así que recomendamos no distraerse.

En definitiva, un guión con mucha actualidad, que nos hablará de amores, engaños y obsesiones, invitándonos a reflexionar, sobre las consecuencias que pueden tener algunos de nuestros actos, de la mano de un elenco de nombre, que se nota a gusto con la historia y logra lucirse mucho.

Por todo lo dicho, la mesa está puesta, para que el espectador disfrute de este exquisito menú teatral, que ofrece Atracción Fatal,  donde el plato principal, no podía ser otro, que conejo a la cacerola.




Pensador Teatral.

Bien Argentino, La Evolución.

Idea y Dirección General de Ángel Carabajal.

Miércoles a Domingos en Teatro Apolo ( Av.Corrientes 1372 )

Bien Argentino, es una estupenda creación de Ángel Carabajal. Un show donde el folklore, es el corazón de un estupendo espectáculo musical, que tiene muchísimo para ofrecer, ya que además de folklore, disfrutaremos de tangos, rock y más, todo con ADN 100 % argentino y con coreografías realmente logradas por un elenco numeroso y muy talentoso.

Hay músicos en vivo, cantantes, bailarines, humoristas y además en esta versión porteña, se sumaron figuras mediáticas de gran convocatoria. Todo este conjunto, conforman un espectáculo de nivel internacional, con una producción y un despliegue escénico que sorprende por su jerarquía.

Haciendo un poco de historia, contemos brevemente que Carabajal, el creador del espectáculo, tuvo la original idea, de reunir talentos del interior bien profundo de la Argentina, para montar un espectáculo, que viajaría al exterior, para presentarse en diversos festivales y teatros de todo el mundo, llevando la marca de nuestro país, algo que veremos luego pudo conseguir y superar con creces.

La historia de Ángel, nacido en Oncativo, Cordoba, es digna de contarse, ya que es una muestra de superación personal admirable. Con una niñez muy sufrida, ya que fue abandonado por sus padres y estuvo internado en un orfanato, de donde fue rescatado por su abuela. A los 11 años comenzó a bailar y ello en definitiva, fue su tabla de salvación, ya que tuvo momentos muy duros en la vida y su camino pudo ser muy diferente, pero su pasión por la danza y el folklore, le forjaron este presente.

Hoy con sus jóvenes 34 años, Carabajal pudo cumplir varios sueños, primero fundar su propia compañia Sentires y recorrer el mundo, con con su espectáculo Bien Argentino, ganando premios en Francia, Alemania y hasta en Inglaterra. En el 2018 , ya con Bien Argentino, La Evolución, en Carlos Paz, ganó el Carlos de Oro y ahora llega a la calle Corrientes, sumando figuras convocantes, en un mix interesante, que enriquecen aún más el show.

Nos extendimos un poco, pero creemos que la historia de vida brevemene resumida, lo ameritaba. Volviendo al espectáculo, no hay dudas, que el espectador se sorprenderá muy gratamente, con los elaborados números musicales, coreografías modernas, malambos, bombos legueros, boleadoras y hasta agua en el escenario, en algún momento de la función.

El espectáculo tiene una potencia que llega espectador, que desde el arranque se engancha con la propuesta, reconociendo la elaboración y el trabajo que hay en cada cuadro. Además se nota muy comprometidas, a las figuras llamadas para la ocasión, aportando una cuota adicional de glamour al espectáculo. Vamos a mencionarlos, ya que creemos que lo merecen.

Marcelo Iripino, sorprende a propios y extraños, con su estupendo registro vocal y gran versatilidad, para interpretar un repertorio super variado, que incluye desde tangos a temás melódicos y en especial uno de Cacho Castaña, que sin dudas, será uno de los momentos más emotivos de la noche, Excelente lo de Iripino.

Desde el lado femenino, muy destacado lo de Adabel Guerrero, con gran presencia escénica, sorprendiendo, bailando un tango y cantando realmente muy bien, en una faceta, no tan conocida de Adabel.

Noelia Marzol y Celeste Muriega, aportan su belleza y energía al show, con coreografías que destacamos, por su riesgo. Siempre con una sonrisa y con una entrega total, deleitan a la platea masculina. En tanto Fernando Bertona, es quien levanta los suspiros de las mujeres de la sala.

Como dijimos antes, además de música, el espectáculo también tiene momentos humor, en ese rubro se destacan Chelo Rodríguez, con un personaje bonachón y bien campestre y en especial Zaul Showman, que desde antes de arrancar la función, se conecta con el público, mostrando un carisma y una frescura que despiertan carcajadas en los espectadores. Es tan buena su performance, que al final de la función, es uno de lo más ovacionados por el público, siendo sin dudas la revelación de la noche.

Pero el espectáculo es mucho más que las caras conocidas que mencionamos, imposible no destacar a Leandro Rodríguez, Yanina Bulgheroni y Emilio Zapata, los tres cantantes que tiene Bien Argentino. Los siete músicos en vivo, fundamentales para sostener el ritmo del musical y por supuesto los integrantes de la Compañia Sentires, que en cada coreografía se entregan por completo, mostrando sus destrezas y el orgullo que sienten, por ser parte del espectáculo.

Otros rubros, que no podemos dejar de destacar, son el diseño de vestuario de Melisa Bernardi, que combina los tradicional y lo moderno con gran estilo, el diseño de luces de Waldo Ferreira a la altura de un espectáculo de este nivel y desde ya, la dirección general de Ángel Carabajal, que logra coordinar tantos recursos  en el escenario al mismo tiempo, logrando que todos se sientan parte importante del proyecto, tarea nada sencilla, en grupos numerosos.

Hay muchas sorpresas que no contaremos, como una pantalla gigante que proyectará algunas imágenes muy emotivas de nuestra historia, aparecerá algún famoso en la sala y hasta allí contamos dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra mas.

Bueno, no queda mucho más que decir, realmente quedamos encantados, al descubrir un espectáculo de enorme jerarquía y tan generoso con el público que paga su entrada, en épocas donde el dinero no sobra y recibe a cambio, un show muy completo, que gracias a una producción de envergadura,  presenta un despliegue escénico fantástico.

El teatro colmado y la ovación de pie, que el público le brinda a los artistas al final de la función, emociona a quien escribe estas líneas y no deja dudas que Bien Argentino, es un espectáculo que no podemos dejar de ver, ya que además de disfrutar de un show de nivel internacional, al menos por un rato, sentiremos el orgullo, de ser bien argentinos.



Pensador Teatral.