La Elegida

Dramaturgia de Paula Fanelli y Laura Névole. Dirección de Paula Fanelli.

Domingos 18 15 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Una hermosa tarde de teatro disfrutamos con La Elegida, un texto sensible, poético y con una carga emotiva, que moviliza al espectador, gracias a una interpretación fantástica de Laura Névole, que tiene la generosidad de contarnos fragmentos de su infancia y su adolescencia con una ternura y una cadencia, que desarma al espectador, que se se entregará por completo.

Contemos un poco la génesis del proyecto, nos remontamos a un par de años atrás, cuando en una cena de egresados de la EMAD ( Escuela Municipal de Arte Dramático ), Laura al pasar comentó alguna anécdota sobre su pasado religioso, como misionera, catequista y guía de misa, entre otras actividades relacionadas con lo confesional. Paula una de las asistentes a aquella cena, quedó intrigada, con aquella faceta desconocida de Laura, actriz, psicóloga, docente en la UBA, feminista, etc, todas actividades alejadas de lo religioso.

Fue así como al otro día, la llamó y le propuso reunirse a charlar, para ver si desde ese relato inicial, que le había encendido la llama de la curiosidad, podía generarse un hecho teatral. Arrancaron con entrevistas, recuerdos y anécdotas de aquellos años. Al mismo tiempo, Laura acercó documentos autobiográficos, como fotos, casetes, diarios íntimos y juguetes, que de alguna manera, certificaban la veracidad de sus recuerdos, que muchas veces con el paso del tiempo, pueden distorsionarse.

Se entusiasmaron con lo que iba surgiendo y fue así como nace este unipersonal, documental y basado en hechos reales, en el cual Laura Névole nos contará en forma ficcionada, situaciones que existieron verdaderamente en su vida, esto sin dudas, agrega interés al relato y generan una empatía entre la protagonista y el público, que se siente en la sala.

La idea puede ser interesante, prometedora, pero siempre lo decimos y en este tipo de propuestas más todavía, para que la idea llegue a buen puerto, es necesario encontrar una intérprete adecuada y aquí es donde aparece Laura Nevole, una actriz excelente, telentosa y con un carisma que abruma, para aceptar el desafío, de pararse frente al público para reírse de si misma y contar algunos hechos de su pasado, como si estuviera representando un personaje de ficción.

A Laura ya la habíamos visto brillar en escena con Trópico del Plata, una joyita del off y teníamos muchas ganas de verla nuevamente y realmente valió la pena hacerlo. Nos costó reconocerla, ya que aquí no está caracterizada, porque aquí hace de ella misma y eso genera un encanto extra.

La actuación de Nevole es fantástica, se entrega por completo al juego teatral que nos propone la autora, baila, canta, corre, reíremos y nos emocionaremos mucho con un relato muy bien presentado, que gracias a la puesta y a la protagonista, tiene una dinámica, que engancha al espectador en todo momento. Para aquellos que no la han visto aún, esta es una oportunidad de oro, para descubrirla.

De que nos hablará la protagonista, no queremos adelantar demasiado, para dejar que ustedes cuando vean la obra, se enteren, solo diremos que aparecerá el tema de la fé, las creencias y las elecciones, que tomamos y pueden cambiar el curso de nuestra vida.

Que sucede cuando nos eligen para algún propósito ?? Aceptamos porque realmente queremos o porque nos cuenta decir que no ?? Y si esa senda es religiosa y quien nos elige es Dios ??  Podríamos negarnos ??  En algún momento podemos decirle que no a Dios y abrazar otra vocación ?? Las preguntas son muchas y sin dudas que harán reflexionar al espectador, ya que esa niña  que según una monja, fue elegida por Dios por ser la más linda, podría ser cualquiera de nosotros, que en algún momento fuimos elegidos por alguien.

La puesta es muy atractiva, bella desde lo estético, con mucho vuelo poético y no pierden dinamismo. Hay fotos familiares, anotaciones en diarios íntimos y esos muñequitos atesorados durante la infancia. Nos gustó el cálido dispositivo escenográfico ideado por Paola Delgado, hay un destacado diseño de luces de Estefania Piotrkowski y debemos mencionar especialmente el acompañamiento musical que tiene la protagonista a lo largo de toda la trama, nos referimos a la música en vivo de Gabriel Ventura Gulí, que tiene mucha importancia en la puesta y con su complicidad, contribuye con el mayor lucimiento de Laura.

La Elegida se estrenó el año pasado sin hacer mucho ruido, que este año arranque su segunda temporada y lo haga en un teatro con tanta vidriera como otorga Espacio Callejón, es un claro indicador de la buena recepción que tuvo la obra, de parte de un púbico que se engancha con la propuesta.

Nosotros en lo personal, vivimos una hermosa tarde de teatro, con un texto sensible y entrañable que nos llegó al corazón. Además como dijimos, la enorme chance de  disfrutar en toda su dimensión, a una actriz como Laura Nevole, que encuentra el ámbito para mostrar todo su talento y el profundo amor, que tiene por la profesión.

Recomendamos especialmente la obra, seguramente la van a disfrutar tanto como nosotros y emprenderán un viaje hacia un mundo de los recuerdos, que bien puede ser los propios.




Pensador Teatral.

Juicio a una Zorra

Dramaturgia de Miguel del Arco . Dirección de Corina Fiorillo.

Viernes 20 30 hs en Teatro Timbre 4 ( México 3554 )

Helena fue la mujer más bella de toda la mitología griega, hija del Rey de Esparta, Tindareo y de la Reina Leda, su verdadero padre, en realidad fue el Todopoderoso Zeus, que se unió a la reina tomando la forma de un cisne. La leyenda afirma que Helena nació de un huevo, como evidencia de su origen divino.

Helena era la representación de la belleza femenina, deslumbrante e irresistible y según la historia oficial, fue la culpable de que se haya desencadenado, la célebre Guerra de Troya, que habría comenzado, por el rapto de Helena de Esparta, en manos de de un príncipe troyano llamado París, que provocó la ira de su marido Melenao, quién consiguió el apoyo de todos los príncipes griegos, quienes reunieron una flota de mil naves con destino a Troya. Los diez años de asedio y de guerra, fueron narrados en la Ilíada de Homero, pero hasta allí llegaremos con nuestra presentación.

El dramaturgo español Miguel del Arco, no estaba de acuerdo con la versión oficial que todos conocemos y entonces resolvió reescribir la historia del mito griego, con algunas variantes y sembrando algunas dudas. Era Helena la real causante de esta guerra tan feroz o simplemente fue la  excusa justa que los espartanos encontraron para conquistar unas tierras deseadas ?? Que mirada se tenía antiguamente sobre el rol de mujer ?? Se respetaban sus derechos o se las trataba como meros objetos sexuales ?? Podía una mujer elegir con quien casarse o siempre debía someterse a los mandatos familiares ??

Del Arco, estrenó Juicio a una Zorra en el Festival de Teatro Clásico de Mérida en 2011 y la obra llega a nuestro país, en un momento especial, en el cual las mujeres están levantando los estandartes de sus derechos y revisionando muchos hechos de la historia, donde el respeto por la mujer no era algo usual.

Allí es donde aparece una gran directora, la multipremiada Corina Fiorillo, interesada por la obra del dramaturgo español y gracias a su relación con el teatro ibérico, se puede plasmar esta versión con acento nacional.

Escribimos unas cuantas líneas ya y no mencionamos aún, a la gran estrella de la noche, nos referimos a Paula Ransenberg, de las mejores actrices que tiene el teatro argentino.Aquí se podrá el traje de Helena de Esparta o de Troya, como usted prefiera llamarla. Paula le dará voz, para que la historia sea contada desde otro ángulo, permitiendo conocer su versión de los hechos, su sufrimiento, sus padecimientos, para que el espectador luego de escucharla y al final, pueda sacar sus propias conclusiones.

El desafió para Paula era enorme, el personaje no era para nada sencillo de representar, el papel exige una entrega total y el texto tiene una dificultad adicional, no solo por la gran cantidad de parlamento, sino también por la gran cantidad de nombres a recordar, ya que en su relato desfilarán un sinfín de personajes de la mitología griega, como Aquiles, Argamenón, Ulises y muchos otros menos conocidos. Pero lejos de amilanarse, la protagonista, parece disfrutar el grado de dificultad, que presenta la pieza, sabedora de contar con todo el repertorio, para salir más que airosa, del desafío.

La actuación de Paula es brillante, con un dominio escénico absoluto, por momentos hipnótico, para los espectadores que la miran embelesados. Sus cambios de registro son notables, consigue pasar del drama más profundo, a un momento gracioso en segundos. Sus gestos, sus miradas, la manera de caminar por el escenario, lo lindo que canta, su gestualidad, todo lo hace perfecto y por momentos, parece que Ransenberg, decidió brindarnos una clase magistral de teatro.

Es muy buena la dupla que forma, con Corina, como directora, trabajaron ya juntas en Nerium Park y sin dudas que su elección, como protagonista de este unipersonal, fue realmente acertada, ya que un texto tan demandante, necesitaba una actriz superlativa como Paula.

La puesta es sumamente atractiva, con ese caballo de Troya gigante que domina el espacio escénico, un vestuario lleno de brillos de Helena, tal vedette en decadencia, el diseño lumínico magnífico de Ricardo Sica y los destacados momentos musicales, donde boleros se mezclan con los dioses griegos, algo que solo el teatro puede imaginar.

Bien, hasta allí contaremos, Juicio a una Zorra, ya se presentó la temporada pasada, con gran respuesta de público y no tenemos dudas, que en este su segundo año, correrá la misma suerte, ya que el autor tiene el enorme mérito, al lograr que una integrante de la mitología griega, se presente con una versión aggiornada a estos tiempos y en sintonía absoluta, con el rol actual de la mujer en nuestra sociedad.

Propuesta de excelencia que nos presenta el teatro independiente, en un Timbre 4, que el la elite del teatro off. En esta oportunidad, confluyen un texto inteligente y provocador, adaptado por una directora de los quilates de Corina y teniendo como gran protagonista de la noche a Paula Ransenberg, que nos regalará una interpretación brillante, de una Helena potente e irreverente.

La ovación que recibe la protagonista al final de la función es prolongada y muy merecida, ya que actuaciones de semejante calidad, no se vén todos los días. Recomendamos no se pierdan Juicio a una Zorra, además de ver una estupenda obra, podrán dar su propio veredicto acerca de esta emblemática mujer, una vez que las luces se hayan apagado.



Pensador Teatral.

La Rabia

Dramaturgia y Dirección de Juan Pablo Galimberti.

Jueves 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Una propuesta original y ambiciosa llega con La Rabía y de la mano de Juan Pablo Galimberti, joven actor y dramaturgo, que decide salir de lo usual, apostando por una obra de terror, género habitual en pantalla grande, pero muy poco visto en el teatro, por lo compleja que resulta su ejecución.

La obra surge de un proceso de investigación, que llevó más de dos años de trabajo, representando la pieza en espacios no convencionales, siempre con buena repercusión y devolución del público, que significó un crecimiento de la pieza, que se confirma, llegando en horario central al Espacio Callejón, uno de los teatros referentes de nuestro off y con un público fiel, ávido por todo lo que allí se presenta, sabiendo que con seguridad, verá una buena obra, de un autor argentino y en el caso de La Rabia, se cumplirá esta tendencia.

Juan Pablo, juega con el texto, coqueteando con muchos estereotipos del genero terror, noche tormentosa,  grupo de jóvenes entusiastas llegando a una casa abandonada, sin imaginar lo que les espera. En la historia hay romances, imágenes religiosas, oscuridad, ruidos extraños y por supuesto un personaje misterioso, que al principio parece inofensivo, pero con el correr de la trama, se convertirá en un ser muy peligroso.

Uno de los puntos muy fuertes que presenta la pieza, es su dispositivo escénico, que genera una atmósfera cargada de misterio y tensión excelentemente lograda, con un suelo mojado y lleno de desperdicios, con manchas extrañas en el piso, que parecen ser sangre.

La pieza tiene una dosis de suspenso muy importante, solo contaremos que ese grupo de misioneros, encabezados por el joven Padre Francisco, no llega al lugar que esperaba para alojarse. El refugio que los espera, es una casa sucia, que ni energía eléctrica tiene y encima está habitada, por una señora muy misteriosa, que parece enferma y lastimada. Le cuesta hablar, balbucea las palabras y a duras penas puede narrar que su perro se le volvió malito y fue quien le provocó esa herida en la pierna, que luce infectada y hasta allí contaremos, el resto lo descubirá el espectador cuando vea la obra.

La puesta como dijimos al comienzo, atrapa desde que arranca la obra, con una sordidez que impresiona y un aire de tensión que invade la sala. Hay algunos momentos graciosos, pero otros, en que los espectadores se tapan la cara, un poco por asco y otro poco miedo, por lo que sucede, tal acontece con cualquier buena películas de terror.

A una dramaturgia potente y a una puesta tan bien lograda, se le suman las muy buenas interpretaciones, que ofrece la obra. Se reunió un elenco joven, pero con buen rodaje en el off, que saben interpretar, el espíritu del texto.

En actuaciones muy buenas, creemos que hay una que se destaca por encima del resto, nos referimos a Enrique Dumont, como Coleta, la malherida dueña de casa, que parece estar en trance tirada en la cama y calmando su dolor solo con vino. Su composición es brillante, dando vida a un personaje con multiplicidad de matices, pasando de ser una vieja moribunda e inofensiva, a ser una mujer peligrosa y diabólica en segundos. Genial la actuación de Enrique.

Este gran trabajo, no debe restar méritos al resto. Se destacan mucho, los dos personajes masculinos de la obra, nos referimos a Francisco González Gil, a quien elogiamos el año pasado por una estupenda actuación en Yo,Feuerbach, aquí como el Padre Fran, tratará de tranquilizar a los misioneros que lo acompañan y no perder el control, ante la compleja situación que deberá enfrentar.

Franco Moix interpreta al carismático Mono, con un estilo más reo, que parece no ser el del resto de los misioneros. Muy bueno lo de Franco. En los papeles femeninos, aportan lo suyo, Luciana Vitale, como una lanzada Sabrina y Julia Garriz, como Maria Eugenia, que tiene alguna relación poco clara con el Padre. Ambas están muy bien.

En conclusión, una historia que tiene terror, suspenso y también una cuota de humor, que al principio domina la escena, pero a medida que los minutos corren y la trama se vá desarrollando, las risas irán dejando lugar, a la sorpresa y al miedo. Disfrutamos de una muy buena noche de teatro y por eso no dudamos en recomendar la obra.

Celebramos las apuestas diferentes y sin dudas que La Rabia de Juan Pablo Galimberti lo és, ya que apuesta a un genero poco explorado en el teatro y además, lo hace de manera cuidada, con mucho trabajo previo, algo que se nota en la obra, que se destaca por una puesta muy atractiva, que hará que el espectador, se pegue a su silla y esté siempre atento, no vaya ser el perrito de Coleta, se escape y le muerda la pierna a algún distraído del público.



Pensador Teatral.

Los Amigos

Idea y Dirección de Vivi Tellas.

Domingos 19 y 21 hs en Zelaya ( Zelaya 3134 )

Los Amigos, un biodrama afro, acaba de arrancar su segunda temporada y debido a la respuesta del púbico, que agotaba las localidades todos los Domingos, ahora se presenta en doble función, con este arranque queremos destacar la excelente recepción que tiene la obra.

Contemos a modo de presentación, que Vivi Tellas, la directora de este proyecto, es una de las fundadoras, del biodrama, nuevo género teatral, que convoca a personas que no se dedican a la actuación, a subir al escenario, para compartir sus historias de vida, anécdotas y pensamientos, con un público ávido de escucharlos.

Por lo general en los biodramas, se busca que la representación sea mínima, no perdamos de vista que no son actores de profesión los protagonistas, por lo tanto serán sus palabras, objetos personales y las ideas que quieren transmitir al público, el eje central del género.

En esta modalidad, que la propuesta enganche, depende en gran parte, del interés y la curiosidad, que genere en los espectadores, la temática elegida. En el caso de Los Amigos, un biodrama afro, la historia se torna casi irresistible, ya que reunirá a dos amigos senegaleses, que llegaron a la Argentina en busca de oportunidades, que su país no le ofrece, debiendo adaptarse lo más rápido posible, a una sociedad, que los mira con desconfianza.

Nuestro país siempre fue receptivo para los inmigrantes, los barcos que llegaron de Europa, poblaron y desarrollaron nuestra Patria. Pero lo vientos cambiaron, con el correr de los años, hace tiempo que el recién llegado es visto más como un intruso, que otra cosa La xenofobia  empezó a ser la moneda corriente. Vienen a sacarnos nuestros empleos, llegan para delinquir, son gente peligrosa, se organizan en mafias etc, son comentarios que se escuchan en casi todos los países del globo terráqueo en estos años, siendo los inmigrantes, los chivos expiatorios ideales, para culparlos de todos los males propios.

En el caso de la comunidad senegalesa, la ignorancia que se tiene es casi absoluta, las cifras oficiales confirman que llegaron más de 10.000 senegaleses a nuestro país, pero poco se sabe de ellos. En general se los reconoce, como gente trabajadora, sacrificada y religiosa. Venden relojes o joyas en el Once, No se relacionan con otra gente. Deben ser una mafia. Los mitos urbanos y la discriminación se hacen presentes, una vez más y cuesta romper las barreras impuestas.

Por eso debemos valorar mucho la decisión de la autora, que junto a su grupo de trabajo, realizaron un profundo  trabajo de investigación en campo, sobre la presencia africana en la ciudad, conversando con sus referentes, conociendo sus fiestas, sus danzas y ganando de a poco su confianza. Cuando se sintieron listos, realizaron la convocatoria para este biodrama y allí fue cuando apareció Fallou Cise, abierto a contar acerca de su persona y luego llegó su amigo Mbagny Sow, ambos llegaron desde Senegal a Buenos Aires, se conocieron en el barrio de Caballito y desde allí se volvieron inseparables compañeros de travesía y exilio.

Ya sabemos que Fallou y Mbagny, serán nuestros anfitriones, abrirán su corazón y su intimidad a un público receptivo, que al comienzo los mira con curiosidad y con algo de recelo, pero que a medida que pasan los minutos, el clima cambia y una corriente de afecto y simpatía llega desde la platea al escenario.

Los amigos hablarán de religión, del continente africano y su pasado de esclavitud, nos contarán acerca de sus familiares que quedaron en Senegal, anécdotas de la infancia, compartirán algunas de sus costumbres,  sus pensamientos acerca de la vida y sus sueños, que son bien cercanos a los de cualquier argentino.-

Bueno no contaremos más, invitamos a que vean la obra. para saber más. Seguramente quedarán interrogantes en el aire y preguntas que nos quedarán por hacer, pero lo importante, es que a lo largo de la noche, conoceremos la historia de dos personas, que superando la barrera que impone el idioma, su raza y principalmente el miedo a lo que nos resulta desconocido.

Gracias a la sensibilidad de los relatos y a la simpatía de Sow y Cisse, nos sentiremos empáticos a  estos amigos y abiertos a conocer más de una cultura tan rica como la afro que tiene tanto para compartir y enseñarnos.

El final con los protagonistas, con una mesa en el centro del escenario y la invitación al público a prolongar la charla, con mayor intimidad, mientras compartimos un té de menta y alguna cosita rica, seguramente servirá para poder preguntarles algo que nos quedó en tintero a estos amigos, que nos abrieron su corazón, con una sonrisa y una calidez, que sin dudas nos ayudarán a tener una mirada más humana hacia el inmigrante y sin tantos prejuicios.




Pensador Teatral..

Bonus Track

Dramaturgia y Dirección de Patricio Abadi.

Sábados 20 hs en Excéntrico de la 18 ( Lerma 420 )

El dramaturgo, director y actor Patricio Abadi, por primera vez se anima a ejercer los tres roles a la vez, en este homenaje que le brinda a Herbert Vianna, lider de la banda brasileña " Os Paralamas do Sucesso ", grupo famoso en su país y que alcanzó gran popularidad en Argentina en los 90´, con hits como Inundados ( Alagados ), cuya melodía todavía hoy tarareamos en alguna fiesta.

Todo era alegría para el músico, pero como muchas veces sucede, un día que parecía uno mas, finalmente no lo fue y la exitosa vida del lider de Paralamas, cambió dramáticamente, nos referimos, al 4 de Febrero del 2001, cuando Vianna que además ser amante de la música, era aficionado a volar, sufrió un accidente sobre las aguas de Angra de Reis, cuando perdió el control del avión ultraliviano que piloteaba y se estrelló en el mar.

Las consecuencias del accidente, fueron devastadoras, ya que falleció su esposa Lucy Needhan, periodista inglesa, con la que tuvo tres hijas. El cantante, se salvó de milagro y no exageramos cuando decimos esto, ya que según los médicos, estuvo 7 segundos sin signos vitales, clínicamente muerto. Estuvo 44 días sin abrir sus ojos, sumergido en un coma profundo, hasta que un día, para sorpresa de quienes lo acompañaban en la clínica, despertó y el milagro finalmente se producía.

Pero nada fue igual para Vianna, sometido a múltiples operaciones y con un daño irreversible en la médula espinal, quedó paralítico. Pero el mayor daño, era en su espíritu, ya que se sentía responsable, por la muerte de su esposa y el sentimiento de culpa, lo acompañaría por siempre.

Creemos que el pequeño resumen que hicimos, sirve para ilustrar a aquellos que no conocían la historia de vida del cantante de Paralamas , para que comprendan las razones, por las que Patricio Abadi, eligió a la figura de Vianna, para su segundo capítulo del ciclo de Biografias ficcionadas. El anterior había sido nada menos que Frida Kahlo, en ese caso, escribió un unipersonal interpretado por Jimena Anganuzzi, con gran respuesta del público.

El mismo autor nos cuenta, que la elección de llevar a escena a Herbert Vianna fue una decisión poética, ya que se conmovió con la historia de vida, de superación personal y más que nada, por la fortaleza, en seguir adelante, buscando transformar el enorme dolor de sus pérdidas en algo positivo, apoyándose para ello en dos pilares, el amor al arte ( en este caso la música ) y por sus hijos.

Patricio Abadi, le pone el cuerpo al personaje, con una pasión  y una entrega que conmueven al espectador. En el relato que nos proponen, seremos testigos de los momentos previos a la vuelta a los escenarios, luego de años sin tocar. Confesiones de un hombre dolido, abatido por momentos y sintiéndose culpable, pero con fuerzas para tratar de superar las adversidades y seguir luchando, por sus hijos que lo necesitan y por su esposa Lucy, que desde el cielo guía sus pasos.

La trama tiene mucho vértigo y envuelve al espectador, con una escenografía despojada y aprovechando las posibilidades que ofrece la sala del Excéntrico, con escaleras y algunos recovecos que Abadi, aprovecha muy bien. Debemos destacar el diseño lumínico de Ricardo Sica y la música que no podía faltar en esta obra.

Bonus Track transita su segunda temporada, hecho que ya marca un mérito en esta época, donde todo cuesta en el teatro independiente y creemos tiene mucho recorrido aún. La potencia del texto y la magnífica interpretación de Patricio Abadi, resultan un merecido homenaje a Herbert Vianna y a su historia de superación personal.

Recomendamos la obra y resaltamos el mensaje esperanzador que nos transmite. La vida muchas veces puede golpearnos de manera furiosa y pintarnos un panorama oscuro, pero es en esos momentos de desesperanza y de pérdidas, el amor nos tenderá una mano, para que sigamos honrando la vida, en homenaje, a los que ya no están.



Pensador Teatral.

El Viento Escribe

Dramaturgia de Enrique Papatino y Dirección de Enrique Dacal.

Viernes 20 30 hs en Teatro Payró ( San Martín 766 )

Una propuesta muy valiosa llega de la mano de El Viento Escribe, texto escrito por Enrique Papatino y dotado de una riqueza dialéctica y filosófica, que es el espectador agradece, ya que le permite reflexionar, acerca de temas cotidianos, como la verdad y la mentira, la posición que adoptamos ante los hechos y como muchas veces se construyen verdades o falsedades, que podemos suscribir, hasta las últimas consecuencias, según sea nuestro punto de vista, sin realizar un análisis más analítico de los hechos.

La temática que elige la obra es tan original, como atractiva, ya que el autor, tiene la virtud de introducir el tema de lo auténtico y lo falso, dentro de un trhiller académico que bucea en la historia, trayendo al escenario del Payró, personajes históricos relevantes, que dejaron su legado en la humanidad.

La historia de desarrolla en la Francia antigua, con un entusiasta científico ( Marcelo Nacci ) , obsesionado por conseguir correspondencias históricas de personajes célebres. El método mediante el cual, las obtiene, parece tan sencillo, como poco contrastado, ya que su proveedor, es un particular sujeto, que hace las veces de intermediario, de un viejo anticuario, que no quiere darse a conocer y ofrece sus piezas mediante sus servicios.

La colección del misterioso anticuario, luce enorme y por un precio razonable, es posible conseguir ejemplares de un valor increíble. Es así como llegarán a sus manos, cartas de Juana de Arco, correspondencias entre Napoleón Bonaparte y el Almirante Nelson o entre Corneille y el Cardenal Richelieu.

El afán del profesor crece cada vez más y comienza a exigir al intermediario, que le consiga piezas en particular, obsesionándose especialmente con el diálogo epistolar, entre Blaise Pascal e Isaac Newton. Las cartas que aspira conseguir, pueden reconstruir una secuencia, que cambiaría el curso de la historia. Se imaginan, sien verdad, Pascal, el matemático y físico francés, fuera el verdadero padre de la Teoría de la Relatividad y Newton, un discípulo que aprovechó su generosidad, para llevarse los laureles.

No contaremos mucho más, solo diremos que cuando el científico le cuenta su teoría a su jefe, el  Director de la Academia Francesa de Ciencias ( Victor Hugo Vieyra ), este dudará de la veracidad de los documentos y se focaliza en pensar en el conflicto diplomático, que podría generarse entre Francia e Inglaterra, si se atrevieran a cuestionar al mísmisimo Newton, el padre de la física moderna, revelando que en realidad, fue el francés Pascal, quien debía llevarse el mérito.

La trama atrapa al espectador, desde el arranque y los interrogantes se multiplican a medida que se desarrolla la pieza. Serán auténticos los documentos ?? Hay forma de saberlo ?? Existe el viejo anticuario ?? Podemos permitirnos cambiar una verdad histórica ?? No es el objeto de la ciencia cuestionar esas verdades que se tienen como absolutas ?? Como dijimos en un principio, el texto será disparador de reflexiones al por mayor y se recordarán a grandes hombres incomprendidos en su época y que luego fueron reivindicados, como fueron los casos de Nicolás Copérnico o Galileo Galilei, que debieron pagar las consecuencias, por presentar teorías, en tiempos equivocados y poco tolerantes.

El guión de Papatino, encuentra muy buena recepción en la dirección de Enrique Dacal, son viejos conocido, e trabajaron juntos en muchas obras, se nota que se entienden bien y hay gran mérito además en la elección del elenco, ya que se convocó a tres actores de mucha experiencia, que saben como sacarle el máximo provecho a un texto exigente y con mucho parlamento.

Marcelo Nacci es el científico, el coleccionista, apasionado por conseguir esos documentos que pueden cambiar el curso de la historia. Nos gustó mucho la interpretación de Nacci, mostrando la pasión, que por momentos, se convierte en desesperación, por querer llegar a descubrir una verdad, sin darse cuenta, ni calibrar, lo riesgoso que puede resultar, tener una mirada tan subjetiva de las cosas.

Manuel Longueira, es el personaje clave de la historia, misterioso y servicial a la vez, será celoso guardián de la identidad del viejo anticuario. Cuando vean la obra, podrán comprobar si en esa personalidad enigmática, se esconde algún fraude o no. Además desdobla otro personaje que no adelantaremos aquí.

Y para el final dejamos a Victor Hugo Vieyra, un señor actor de enorme trayectoria, que no necesita presentación. Aquí representa a un director conservador y racional, que no le encuentra mucho sentido a andar revolviendo en el pasado. Un verdadero lujover a Victor Hugo a pleno, en el escenario y disfrutar su lucida interpretación.

La puesta no es grandilocuente, Dacal sabe que aquí lo importante es el texto, la palabra y por eso la pone en primer término. Es inteligente, la división del escenario, en tres planos diferentes, que proporcionan las diferentes locaciones, ambientadas con elegantes lámparas y pilas de libros desperdigados por el escenario. Debemos destacar el buen diseño lumínico, el vestuario de época y la música, que en los momentos adecuados, acompañan en gran forma la trama.
Están todos los detalles muy bien cuidados, otorgando mucha belleza estética a la puesta.

El Viento Escribe, es una obra que debemos saber valorar, por su texto cuidado y distinguido. La buena respuesta del público y de la crítica el pasado año, le permite volver a escena esta temporada, siendo este hecho, algo que nos pone muy contentos, ya que habla muy bien del público, que sigue al teatro independiente.

Recomendamos mucho la pieza, reflexionarán acerca de la autenticidad, de construcciones  de la verdad y como muchas veces, podemos tomar posturas que privilegian nuestras ganas de que algo sea real o no, en vez hacer un análisis a conciencia.

Confluyen una dramaturgia muy bien construida, una puesta atractiva y actuaciones superlativas, que en el conjunto se potencian, para vivir una magnífica noche de teatro, donde los espíritus de Newton, Juana de Arco y hasta del mismo Napoleón Bonaparte, se harán presentes en el Payró, siendo testigos del prolongado aplauso, con que los espectadores, despiden a los actores. al final de la función.-.




Pensador Teatral.

Padre Pedro

Dramaturgia de José Serralunga y Dirección de Matías Gómez,

Domingos 20 30 hs Espacio Callejón ( Humhuaca 3759 )

Una propuesta valiente y muy potente, llega de la mano de Padre Pedro, obra escrita por el autor santafesino José Serralunga, que pone el foco, sobre una institución arraigada y muy poderosa como la Iglesia, que pese a atravesar una actualidad de crisis, debido a la pérdida de fieles a manos de otras religiones, sigue teniendo mucho poder e influencia sobre un gran número de personas que confía en ella y en sus representantes de manera incondicional.

La historia se desarrolla en una parroquia de un pueblo indeterminado de la Provincia de Buenos Aires, a cargo del Padre Pedro ( Jorge Fernández Román ) y donde Dante ( Ricardo Torre ) es su monaguillo. El Domingo luego de una mesa, el sacerdote y su ayudante, charlan sobre temas triviales, el monaguillo cuenta que llevará a su casa, los manteles usados en la misa y manchados con la sangre de Cristo, no con vino como el dijo.Hablan sobre la necesidad de llamar a un electricista, para revisar el cableado eléctrico de la capilla, que anda con problemas y así el el post misa, transcurre sin que hablen de nada relevante.

Es más Dante, que es un muchacho humilde y con una baja educación, se muestra gracioso por sus torpezas y recibe los retos del Padre Pedro, que no puede dedicarse a leer la Bibila, por las continuas interrupciones que recibe y por los pedidos de confesión,que el monaguillo solicita, ante faltas muy menores, generando risas en los espectadores.

Pero al muchacho se lo nota nervioso, parece ocultar algo, le habla al Padre Pedro, de malos pensamientos que tiene, de una pesadilla que lo atormenta y de a poco ese clima trivial y naif, que generaba la charla, irá virando y comenzando de a poco, pero sin pausa a partir de ese momento a ganar en tensión, tomando desprevenido al espectador, por el giro que irá tomando el relato.

No vamos a contar demasiado, porque la obra tiene una cuota de suspenso muy alta que es saludable mantener, solo diremos que la charla entre el acólito y el cura, se irá haciendo cada más íntima e íncómoda para ambos, hasta que el monaguillo, visiblemente alterado, le revela al Padre, que su esposa ángeles, que no había ido a la misa de ese día, debido a la tramenda paliza, que el mismo le propinó el día anterior.

Justifica su reacción, en su certeza de que la esposa le estaba siendo infiel y el polvorín estalla, cuando ella le cuenta que estaba embarazada. La noticia en vez de poner contento a Dante, lo enfurece, ya que sostiene que debido a su esterilidad, no hay chance que él sea el padre. A partir de ese momento, su obsesión, sería conocer la identidad, del amante de su esposa.

Cumpliremos nuestra palabra y no contaremos más, adelantaremos que desde ese instante, una atmósfera de tensión creciente, llenará la escena y ese diálogo inofensivo que mantenían al comienzo el monaguillo y el cura, cambiará de tenor de manera dramática.

La historia tiene un solo acto, es decir todo ocurrirá de manera continua, sin cortes de luz, ni salidas de escena de los actores, que no darán respiro al público, que seguirá las acciones con un silencio absoluto, muestra clara de la tensión, que transmite un texto que atrapa,

La dramaturgia como dijimos es directa y muy potente, siendo fundamental para la dinámica que tiene la puesta, las excelentes actuaciones que presenta la pieza, ya que ambos protagonistas, componen en forma magistral sus personajes.

Jorge Fernández Román, es el Padre Pedro, el representante del Señor en la Tierra, quien transmite la palabra de Dios, con mucha autoridad. A Jorge lo conocemos de El Amor es un Bien, una entrañable obra del off y aquí demuestra su enorme valía, interpretando en gran forma, un personaje complejo, que sin dudas tiene dos caras, una ante los fieles y otra oculta de las miradas. Superlativa su interpretación.

A Ricardo Torre es la primera vez que lo vemos y para nosotros fue toda una revelación. Teniendo que llevar adelante un papel difícil, que exige una gran entrega, debido a los notables cambios de registro que requiere su personaje, ya que por momentos vemos a un muchacho bonachón e ingenuo y en otros momentos asomará persona extremadamente violenta y peligrosa.

Ambos protagonistas se destacan mucho en sus papales y además del lucimiento individual, muestran un entendimiento y una química, que además de darle mucha credibilidad al relato, le agregan mucho valor al texto.

La puesta de Matías Gómez, es de carácter minimalista, con un espacio escénico reducido y delimitado por unas sogas, contribuyendo ello, al carácter íntimo que presenta la pieza. En el mismo sentido, colaborando el diseño lumínico de Ricardo Sica, un verdadero especialista en estas lides.

Padre Pedro, se presentó en escenarios de España, Chile, Venezuela y Puerto Rico, ya que su texto tiene una universalidad y una actualidad, sustentada por la influencia y el poder que tiene la institución eclesiástica dentro de nuestra sociedad. Entre otros reconocimientos, la obra obtuvo la Mención Especial en el Concurso Nacional de Obras de Teatro en el marco del 50 aniversario del Fondo Nacional de las Artes.

En su segunda temporada con este equipo de trabajo, Padre Pedo, se presenta ahora en el cotizado Espacio Callejón, que en los últimos años, se convirtió en sinónimo de buen teatro y referencia para jóvenes autores nacionales.

No queda más para agregar, estamos en presencia de una valiosa propuesta, que se atreve a poner la lupa en un tema muchas eludido, como los cuestionamientos que existen hacia la Iglesia en sentido amplio y al comportamiento de los hombres de carne y hueso que la representan, apareciendo dentro de la trama, temas diversos como el celibato, los abusos de confianza, las tentaciones, las crisis de fé y hasta la violencia de género, todos tópicos de candente actualidad.

Recomendamos especialmente la obra, valiente, intensa y con actuaciones superlativas que no se guardan nada, todos condimentos, que nos permites avizorar una temporada con mucho suceso para Padre Pedro en el Callejón,ya que es una obra movilizante y que no deja indiferente al espectador, que además de disfrutar de una estupenda noche de teatro, se irá reflexionando sobre el poder de la religión y el rostro oculto que pueden presentar muchas personas.

Pensador Teatral.