Cyan

Dramaturgia y Dirección de Pilar Fridman.

Viernes 21 hs en Centro Cultural Ricardo Rojas ( Av. Corrientes 2038 )

Arranquemos esta reseña señalando que Cyan, fue la Obra Ganadora del Concurso Nacional de Operas Primas 2018 organizado por el Centro Cultural Ricardo Rojas. La idea de dar oportunidades a nuevos valores, cumple cabalmente su objetivo, ya que Pilar Fridman, autora y directora, contaba solo con 24 años, cuando presentó esta pieza.

Cyan, es una obra que nos hablará de vínculos humanos, pero lo hará con una mirada original, con un texto que decide mostrar algunas cosas y esconder otras, dejando algunos caminos abiertos para que  el espectador explore en ellos. La trama tiene un tinte cinematográfico y desde el comienzo tiene un halo de misterio, que envuelve a esos personajes, que parecen guardar algunos secretos.

La obra cuenta la vida de dos hermanos, Bruno y María, que están atravesando la pérdida de sus padres, en un confuso episodio. El escribe y ella actúa sus textos. Así pasan sus días, encerrados en ese mundo ficticio, repasando una futura representación, sin querer salir al exterior.

La relación entre los hermanos, parece esconder algo, se advierte una tensión sexual entre ellos y los límites entre juego y realidad, por momentos son difusos Gran parte del tiempo, se entretienen mirando por la ventana a sus vecinos Audri y Edward, imaginando sus vidas ocupadas e interesantes, lo opuesto a sus rutinas monótonas, en una existencia que parece haber, quedado detenida en el tiempo,

Pero en un momentos esos mundos paralelos y lejanos a la vez, se unirán ya que una cena los reunirá, pero no serán cuatro los comensales, sino cinco. El quinto invitado, será Frank. Un personaje misterioso, que parece vivir con los hermanos y que no se perderá esa cena. Y hasta allí contaremos. Si ese personaje es real o imaginario, es uno de los enigmas, que el espectador tratará de develar, cuando vea la obra.

Nos gustaron mucho las actuaciones que presenta la obra, se conformó un elenco muy joven que se adapta muy bien,  a ese clima íntimo que requiere la historia. Y la propia autora y directora, Pilar Fridman, forma parte del elenco, interpretando a una María, aniñada y sensual a la vez. Bella y sugerente, aporta sensibilidad al texto de su autoría. Cautivante interpretación de Pilar.

Nos gustó mucho también, la actuación de Débora Nishimoto, como Audri. Un acierto su inclusión en el elenco, interpreta a una editora algo aburrida de los desplantes de su marido. Sus rasgos orientales, le dán un toque exótico a una interpretación que resulta muy sólida.

Por el lado masculino, resalta la labor de Daniel Surasky, como Edward, el único de los personajes no relacionado con el arte. Es oficinista y trabaja en una empresa de seguros. Parece el más pragmático de todos y su practicidad resalta ante el resto..

Max Suen, interpretó a Bruno, en la función que vimos nosotros y cumplió muy bien su papel. Jugando muy buenas escenas con María, en una relación que por momentos no pareciera fraternal. Por último mencionar a Franco de la Puente, como Frank, ese personaje misterioso, que ronda toda la historia y no vamos a adelantar más.

La puesta que propone Pilar es íntima, los espectadores parecen espían en el interior de esos departamentos ,viendo lo que sucede paredes adentro. La sala del Rojas elegida para la pieza, resulta ideal para la trama, el plano se divide en dos, con un departamento de cada lado, con puertas laterales, que conforman un dispositivo escénico original, para que los actores entren y salgan de escena, encajando justo con la historia que se cuenta.

La estética de la obra es moderna, nos gustó el diseño escenográfico de Miranda Pauls, hay un diseño de luces de Facundo David, muy importante para el desarrollo de esos dos planos paralelos y simultáneos, Es  interesante, el recurso de los subtítulos que aparecerán en determinados momentos, acompañando el relato y dando algunas pistas importantes para seguir la historia.

La obra que desde hace meses, se presenta en el Rojas, con localidades agotadas, con una estética muy cuidada, nos hablará de la soledad, de la incomunicación reinante hoy en nuestra sociedad, de clichés y de relaciones ambiguas, pero aquí no se agotan los temas, el espectador al ver la obra, descubrirá otros y tratará de develar algunos misterios y puertas abiertas que deja esta historia abierta.

Desde este humilde sitio, celebramos siempre la aparición de jóvenes talentos, como el caso de Pilar Fridman, que dando sus primeros pasos en la dramaturgia, se anima a incursionar con una obra profunda y enigmática a la vez, como Cyan, que dejará al espectador reflexionando, sobre si en verdad todo lo que vió, es real o sin verdad, podría ser de otra manera.




Pensador Teatral.

Arca, Simulacro Patagónico

Dramaturgia y Dirección de Anibal Gulluni.

Domingos 17 hs en El Método Kairos ( El Salvador 4530 )

Una propuesta muy interesante llega de la mano de Anibal Gulluni, que con una dramaturgia bien construida y personajes muy bien elaborados, nos propondrá un viaje en el tiempo, hasta el año 1921,  hacía el vasto desierto patagónico, allí donde el viento parece ser el dueño de la comarca.

El marco histórico, en el que el autor, introduce este relato, es claro y nos remonta a La Patagonia Trágica, evento en cual obreros santacruceños en huelga, fueron violentamente reprimidos por el ejército argentino, con un saldo trágico de miles de trabajadores muertos, hecho que aún hoy se sigue recordando.

En la obra, veremos como en medio del desierto patagónico, un grupo de hombres y mujeres de diferentes extractos y orígenes, conformarán una comunidad autónoma y clandestina.Los agrupa el anarquismo y la idea de libertad, vivir sin tener que responder a la autoridad del estado, en búsqueda de un sueño utópico.

Apenas observamos en detalle a estos personajes, notaremos sus contradicciones, sus pensamientos diferentes y las traiciones latentes. Las razones políticas parecen perder peso, dejando que el absurdo y el grotesco entren en escena. Abundan los momentos desopilantes y las risas del público serán una constante.

Hay un despliegue escénico importante, son diez actores en escena, los que dán vida a este relato, un elenco joven y muy comprometido con la historia, sabiendo transitar los momentos dramáticos que tiene la trama y también los divertidos, en un mix muy bien intercalado.

La composición de los personajes es muy lograda,  por eso corriendo el riesgo de ser algo extensos, vamos a resaltar los trabajos actorales, ya que sus trabajos merecen el reconocimiento.

Flavia Bagdadi, como Ifigenia, es protagonista en el inicio de la obra y también en la final. Un personaje enigmático, aniñada en algunos tramos y diabólica en otros, aporta un aire trágico a la trama y cumple una de las interpretaciones más logradas. Excelente lo de Flavia.

Paco Pasquette, es La Fiera, una especie de Juan Moreira sureño, temido por la tropa propia y buscado por las autoridades militares. Su presencia peligrosa en algún momento puede resultar peligrosa para la comunidad y esto desatará mucho debate interno. Muy bueno lo de Paco, con mucha presencia escénica y mucho despliegue físico.

Fernando De Rosa, es Virglio, el líder de la comunidad, que tratará de poner equilibrio y mantener la unidad en un grupo con muchas diferencias. Luna Jankowski, como la tía Eduviges y Julia Spinelli, muestran su histrionismo y encuentran momentos individuales donde pueden lucirse en gran forma.

Hay un excelente trabajo de Lucas Delgado, como Fischer, el militar que aparece en el tramo final de la historia y se adueña de todas las miradas. Completan el elenco Facundo Leoni ( Parravicini ) y Nicolás Cayol ( Payró ) que comparten pensamientos en la comunidad, Pablo Bustamante, es Dellepiane, un ex policía caído en desgracia y Cintia Schmukler, como El Pibe, que muestra su valentía, pese a su juventud.

Hay muy buenos trabajos individuales, que se potencian en el conjunto, Es fundamental la labor de Anibal Gulluni, para coordinar este elenco numeroso, que está casi todo el tiempo junto en escena.

La puesta tiene varios ítems para destacar, arrancando por la música en vivo que tiene la obra, siendo parte importante de la misma, al igual que el diseño sonoro y algún efecto especial, tan artesanal, como efectivo. Destacamos también el vestuario de época de María del Pilar Varela y la escenografía de Pia Drugueri que dán marco a la comunidad. Todos estos elementos, ayudan a elevar el valor de una puesta muy atractiva y con un despliegue no tan habitual en el teatro independiente.

Arca, Simulacro Patagónico, transita su segunda temporada en el Kairos, con algunos cambios en el elenco, pero manteniendo el espíritu del texto, que valiéndose del grotesco, expone una mirada política de una época de la Argentina, en el que las utopías, aún sonaban como posibles.

Una historia original, un texto con mucha poesía, momentos divertidos, otros disparatados y actuaciones estupendas, confluyen para dar vida, a esta muy buena propuesta del teatro independiente, que hace las delicias de los espectadores que llegan al Kairos, para ser parte de esta original historia patagónica, que nos invita a reflexionar con mucho humor, sobre un capítulo trágico de nuestra historia.




Pensador Teatral.

Gente Feliz

Dramaturgia y Dirección de José María Muscari.

Viernes a Domingos en Muliteatro ( Av. Corrientes 1283 )

Una comedia que nos habla sobre los vínculos familiares, llega de la mano de Muscari, que reunirá a cuatro generaciones de mujeres y sus parejas, para hablar de amor, dinero, sexo y de la vejez, entre otros tópicos que trata la obra. Lo interesante, es poder observar como las opiniones irán variando, según la edad de quien la manifiesta.

La pieza también desnuda, como mucha veces nos preocupamos más por guardar las apariencias y esconder la basura debajo de la alfombra, en vez de poner los esfuerzos en solucionar los problemas que todos tenemos. Lo importante pareciera que fuera, brindar una imagen de felicidad hacia el exterior y que el otro nos perciba así. Mostrarse con dificultades, sería dar una imagen de debilidad y esto no es algo bien visto en la sociedad.

La trama está plagada de referencias hacia personajes de la farándula, programas de televisión, avisos publicitarios y marcas de productos, hechos que otorgan al texto una gran dosis de actualidad, algo que es muy valorado por espectador, ya que esta temporalidad, no es tan común en la mayoría de las obras, consiguiendo de esta forma, que texto resulte cercano al espectador, que se identifica no solo con los personajes, sino también con las situaciones que nos cuentan.

Una de las virtudes de Muscari, es elegir muy bien sus elencos y en general los actores quieren trabajar en sus obras, lo que genera una retroalimentación muy valiosa. El elenco en este caso es numeroso, son ocho actores en escena, todos ellos de trayectoria y con edades bien heterogéneas, lo que otorga riqueza a los intercambios dialécticos.

A nuestro entender, as mujeres son las que más se destacan y entre ellas es Patricia Palmer, quien para nosotros cumple la actuación más destacada de la noche, generando risas en cada una de sus intervenciones, todas muy festejadas por el público.Enorme trabajo el de Patricia, generando los momentos más divertidos de la velada y logrando una empatía absoluta con los espectadores.

María Leal, compone un personaje encantador y muy tierno, mostrando toda su experiencia en escena, par componer a una bisabuela algo desmemoriada, siendo una pieza clave de la historia. Cecilia Dopazo es una madre que lucha por ser moderna y no logra controlar a su hija rebelde Laura Esquivel, que con mucha personalidad y gran presencia escénica, resalta mucho en sus intervenciones, recordando mucha un momento en que toca el ukelele.

Del lado masculino, destacamos a un Manuel Vicente, desopilante y con el signo pesos en cada uno de sus pensamientos, Pepe Novoa, muestra su vigencia y nos regala una actuación entrañable. Completan el elenco Gastón Soffritti, muy festejado por la platea femenina, representa a los millenials y a la mente abierta de estos tiempos. Destacamos el histrionismo Manuel Torre, amante de las aventuras.

Como puede apreciar el lector, se reunió un muy buen elenco, la gran mayoría con características destacadas para comedia,  siendo interesante la división del escenario en mitades, que se hace en varios fragmentos de la obra, con las mujeres por un lado y los hombres por otro, lo que permite diálogos separados y mantener secretos entre los integrantes de cada sexo.

La puesta es atractiva y tiene el sello de Muscari, que se manifiesta por el cuidado de la estética y los detalles. Hay un magnífico diseño escenográfico, que reproduce, la cocina y el living hogareño. El vestuario es otro ítem a destacar, al igual que el diseño lumínico, ambos resaltando la puesta. Por último mencionar, los momentos musicales, que tiene la obra y sirven como separadores de algunos actos. Incluir música en las obras, es otro detalle que caracteriza a este director.

En definitiva, se nos presenta una comedia bien actual, que consigue su principal propósito, que es  hacer reir y mucho a un público que paga su entrada en busca de pasar una velada divertida, algo que logra. La historia, además de divertirnos nos hablará de conflictos normales en todas las familias y las decisiones complicadas, que en algún momento se deben tratar y nunca es sencillo hacerlo.

Gente Feliz, ofrece un texto actual y muy divertido, una puesta cuidada, que sirve como marco, para que el muy buen elenco reunido pueda lucirse, en esta comedia sobre vínculos familiares, que tiene el sello de Muscari en sus genes.



Pensador Teatral.

Ha Llegado el Inspector

Dramaturgia de John B. Priestley y Dirección de Valeria Camino.

Viernes 21 hs en Beckett Teatro ( Guardia Vieja 3556 ) 

Obra escrita en 1945, por el dramaturgo inglés John Priestley y estrenada en Moscú ese mismo año y en Londres 1946, siendo un texto crítico respecto de la falta de compromiso social de una clase burguesa soberbia y egoísta, que solo mira su ombligo. El autor vislumbraba al socialismo como el gran cambio social, que cambiaría una época.

Ha Llegado un Inspector es la obra más famosa de Priestley, ha sido traducida a más de treinta idiomas y se ha representado en teatros de todo el mundo. En la Argentina, es recordada una versión estrenada en 1998, que tuvo a Sergio Renán como director y a un elenco integrado por nombres de la talla de Lito Cruz, Hector Bidonde, Graciela Dufau, Ines Estevez y Martin Slipak por mencionar solo algunos nombres.

Veinte años después, llega al querido Beckett, esta versión dirigida por Valeria Camino, con un elenco muy joven, que ha demostrado estar a la altura del desafío, mostrando la vigencia de este trhiller de suspenso, que logra atrapar al espectador desde el arranque.

Sin adelantar demasiado, ya que la intriga es un componente fundamental de esta pieza, contemos que la historia está ambientada en la ciudad inglesa de Brumley, allí en la casa de Arthur Birling,  un poderoso e influyente industrial de la región, se celebra una reunión familiar, con motivo de la petición de mano de su hija Sheila, de parte de un heredero de otra familia aristocrática del condado.

La velada transcurre, entre brindis, palabras de compromiso y entrega de anillo. El clima es festivo y distendido, pero recibirán una visita inesperada. En el medio de la velada, tocará el timbre de esa mansión, alguien que no estaba invitado al festejo, nos referimos al Inspector Goole, que con tono grave y severo, les anunciará a todos los presentes, que ese noche, se ha suicidado una joven llamada Eva Smith.

La noticia es recibida con indiferencia, ya que no entienden las razones por las que ese inspector los molesta con esa visita impertinente.. Pero de a poco, el velo comenzará a correrse y quedará al descubierto que todos los integrantes de esa familia, en diferentes circunstancias, conocieron a la mujer ahora muerta y el incisivo inspector, parece tener indicios, que varios de ellos pudieron tener alguna responsabilidad, con aquel suicidio.

Y hasta allí contamos, como mencionamos antes, el suspenso estará presente desde el comienzo de la obra y la intriga irá aumentando a medida que la trama irá avanzando, por eso no queremos adelantar más nada. El espectador se engancha con la propuesta en todo momento y para que esto ocurra, es fundamental la prestación y entrega del joven elenco reunido.

Las actuaciones son muy destacadas, los personajes que presenta el texto son extravagantes y requieren un esfuerzo adicional de los actores para representarlos, ya que deben impostar las voces y estar siempre en sintonia, con la dinámica particular que tiene la trama.

Tratando de no pecar de injustos, vamos a destacar algunas de las interpretaciones, ya que los trabajos lo merecen. Nos gustaron mucho las actuaciones femeninas que tiene la obra. Candela Font, compone a una Sra.Birling furibunda y manipuladora , que con enorme presencia escénica, nos regala una magnífica actuación. En el mismo alta nivel, colocamos a Emilia Rubio, como Sheila, con un peinado despampanante y una voz chillona muy lograda, aporta belleza y mucha frescura a la puesta, para componer un personaje desopilante. Estupendas actuaciones de Candela y Emilia.

Otro que resalta y mucho es Nicolás Cayol, como Arthur Birling, el jefe de familia, que tratará en todo momento de ejercer su poder y su influencia, ante el inesperado visitante, aunque, sin demasiada suerte. Destacamos también su presencia escénica y energía. Lucas Zeballos Beltrán, es Gerald Groft, el prometido de Sheila, preocupado por guardar las apariencias y mostrar su status social. Muy bueno lo de Lucas.

No seamos injustos con Ignacio Procopio, como Eric el menor de los Birling, Nicolás Luis, como el perpicaz Inspector Goole y Juan Manuel Oviedo, el mayordomo de la familia, que sin pronunciar palabra, realiza un gran trabajo ( cuando vean la obra coincidirán en esto ). Los tres hacen un aporte importante, en una pieza, donde todos sus integrantes cumplen un papel relevante.

Semejantes labores, sin dudas denotan mucho ensayo previo, para lograr semejante fluidez en la trama, en esto también hay mucho mérito la directora Valeria Camino, que coordina muy bien los esfuerzos individuales.

La puesta sin dudas sorprende, con un vestuario lleno de glamour, peinados estupendos y destacados  diseños escenográficos y de iluminación. Están cuidados todos los detalles, en una puesta con una estética de lujo para el teatro independiente, con las excentricidades de la Familia Birling,  que en  varios momentos, nos traen a la memoria a Los Locos Adams.

No queda mucho para agregar, la obra tiene mucho suspenso, momentos muy divertidos y una tensión que irá aumentando a medida que la trama avanza. A un texto de probado suceso, se le suman una puesta muy atractiva y magnificas actuaciones del joven elenco reunido.

Ha Llegado un Inspector, mantendrá el misterio hasta la ultima escena, nos hará reír y también reflexionar, acerca de como muchas veces los poderosos, se cree impunes y tienen nulo registro de sus actos, es decir no miden las consecuencias de los mismos . Los aplausos prolongados, que resuenan en el Beckett, al final de la función, no dejan dudas que el público disfrutó mucho de esta distinguida propuesta, que el teatro independiente nos ofrece.




Pensador Teatral.

El Degenerado y la Insistencia de Lisa.

Dramaturgia y Dirección de Leo Bosio.

Miércoles 21 hs en El Método Kairos ( El Salavador 4530 )

Una propuesta innovadora e irreverente, llega de la mano de Leo Bosio, actor, director, autor y gran gestor de teatro independiente, Desde Laboratorio Marte, un espacio que fundó hace un par de años junto a otros artistas, se viene dedicando con muy buenos resultados a la producción e investigación artística, con la premisa de dar espacio a la experimentación y creación de hechos artísticos novedosos.

En esta oportunidad, deja su querido reducto y llega al Kairos, para presentar El Degenerado y La Insistencia de Lisa, título sugerente y desconcertante, ya que es una obra que nos acercará una semblanza muy particular del gran Leonardo Da Vinci, para algunos simplemente un genio del Renacimiento, para otros unos de los personajes más notables e influyentes que tuvo la humanidad.

Nacido en 1452 en el castillo de Vinci, ciudad vecina a Florencia, descendiente de una rica familia de nobles italianos, fue hijo ilegítimo de un abogado florentino, que no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina.

Leonardo fue un personaje fascinante, posiblemente el mayor creador multifacético que ha dado la historia de Occidente. Se anticipo a su tiempo en el arte y la ciencia. Fue pintor, músico, poeta, inventor, científico, anatomista, óptico, urbanista, arquitecto, físico, biólogo, por nombrar solo algunas de las áreas en las que se destacó, este verdadero sabio de la humanidad.

Este año se cumplieron 500 años de su muerte y Leo Bosio, que desde chico se interesó por el legado de este genial artista, decidió que era el momento adecuado para estrenar una obra que lo abarcara.Y lo hizo con una versión absolutamente libre, que hace foco en el costado humano del artista tratando de intuir, como vivía y pensaba semejante genio, puertas adentro.

No queremos contar demasiado de la trama, para dejar que el espectador si sorprenda cuando la vea, digamos si que verán una pieza con mucho vuelo poético y diferente a lo que vemos habitualmente, para nada encontrarán una obra autobiográfica.  La pieza hará honor a aquella sentencia que dice que hay que estar un poco loco para ser un genio, y aquí nos mostrarán sus excesos, excentricidades y una sexualidad abierta a las experiencias.

Las acciones de desarrollarán en el atelier de Leonardo, donde el maestro juntos a sus discípulos, se reúnen para crear arte. Aparecerá en la trama, el mito de la Mona Lisa o La Gioconda, uno de los retratos más emblemáticos de la historia de la pintura, como pueden ver el texto es bien ambicioso.

La pieza, tiene algunos datos curiosos que se revelan al espectador, como por ejemplo que la mayor parte de la dramaturgia, se compone de frases pronunciadas por Da Vinci y la música que acompaña algunos momentos de la pieza, fue compuesta por el célebre pintor florentino, por nombrar solo algunos.

La puesta es realmente alocada y tiene un ritmo vertiginoso, con mucho componente musical y audiovisual. Hay una pantalla en la que se proyectan imágenes y algunos relatos, que acompañan muy bien la trama, aportando datos de interés para el espectador. Solo daremos un ejemplo, para que comprueben, que cuando decimos que la puesta es alocada, no exageramos. Se imaginan a Da Vinci y sus discípulos, bailando al ritmo de la música electrónica ?? Bueno viendo la obra no tendrán que imaginarlo, la podrán ver y les aseguramos que es una escena mágica, que aún hoy recordamos.

Las actuaciones son muy destacadas, el papel del gran Leonardo, estará a cargo de Leo Bosio, que se entrega por completo al personaje que compone, completando la triada, al ser además, el autor de este proyecto y su director. Sin dudas es la gran protagonista de la noche y cuenta con la presencia escénica, que requiere semejante papel.

Lo acompaña un elenco muy joven y comprometido con la historia, conformado por Mariano Batti, Santiago Luna, Toribio Montes de Oca y Paula Vautier, todos ellos responden muy bien, en un obra que no es sencilla y representa un desafío para estos actores, que en su mayoría están haciendo sus primeras armas.

Desde este humilde sitio, siempre distinguimos las propuestas diferentes, aquellas que se animan a salir de la zona de confort y arriesgan. Este es, sin dudas el caso, de El Degenerado y la Insistencia de Lisa, que con una creatividad extrema, ofrece un espectáculo teatral distinto, a lo que vemos habitualmente, tal vez un espectador conservador no se sienta a gusto y por momentos puede sentirse desconcertado, ante semejante despliegue creativo, pero aquellos que van con la mente abierta, tendrán su recompensa.

Por todo lo mencionado, recomendamos se lleguen al Kairos, para ser parte de esta creación multidisciplinaria de Leo Bosio, que toma el desafío de interpelar la visión de Da Vinci y lo libera del dogma conservador, con una propuesta muy rica en matices, digna de un teatro independiente, que nunca deja de sorprendernos.



Pensador Teatral.

Querido San Antonio

Dramaturgia de Patricia Suárez y Dirección de Julia Blanco.

Domingos 19 hs en Corrientes Azul ( Av.Corrientes 5965 )

Un texto divertido e irreverente, escrito por la prolífica dramaturga rosarina Patricia Suárez, una de las autoras más talentosas y con más presencia actual en nuestro teatro independiente, que con Querido San Antonio, hace una semblanza de este santo milagroso, al que se recurre para encontrar objetos perdidos y en especial, es requerido por las mujeres solteras que le piden interceda para que les acerque a aquel hombre, que será el amor de sus vidas.

La historia teatral está ambientada en 1920, en la Italia de la posguerra, más precisamente en la Iglesia de Pompeya, donde entre otras imágenes, hay una de San Antonio de Padua, que recibe copiosos pedidos de los feligreses. Pina y Filomena son unas de sus más fieles devotas y le pedirán de manera especial e insistente, la primera por el regreso de su esposo Eliseo que se fue hace varios años a la guerra y no volvió aún. Ella pacientemente espera en casa su vuelta. En cambio Filomena, es soltera y pedirá al santo, un hombre, pero no cualquier hombre, debe cumplir con determinados requisitos, físicos y de otro tipo, ya que tampoco va a querer que le acerquen algún tullido o un tirado.

Se darán situaciones graciosas, ya que la reputación de San Antonio, en especial para Filomena, está bastante devaluada. Completan el cuadro eclesiástico, Carmela, la sacristana, que se encarga de todas las tareas en la parroquia, desde barrer los pisos, limpiar las figuras de los santos, hasta también recaudar dinero, para darle más fuerza y frecuencia, a las oraciones que se encomiendan al santo.

La situación de Carmela en la iglesia, esconde alguna situación oscura y misteriosa, más emparentada con el Diablo, que con Dios y que no habla muy bien del Padre Reinaldo, a quien no vemos en escena, pero resuenan algunos de sus actos. Hasta allí contaremos, cuando vean la obra, se enterarán, si San Antonio finalmente les cumplirá las suplicas a sus fieles devotas y cual es el oscuro misterio, que se oculta en aquella casa de Dios.

Las actuaciones que presenta la obra, son muy buenas, en especial destacamos la magnífica actuación de Carolina Pofcher, una actriz muy talentosa, a quien el año pasado elogiamos mucho por su labor en Errante en la Sombra, una entrañable obra del off. Aquí compone a una Filomena, muy desfachatada y desenvuelta, que luce pícara y bastante urgida, para que aparezca ese hombre, que la saque de la soltería. Con mucha presencia escénica, Carolina genera las mayores risas de la noche, redondeando una estupenda interpretación.

La otra devota, es Natalia Gorini, como Pina, más formal y respetuosa por la religión, tendrá que luchar para no ser arrastrada por el desenfado de Filomena. Destacamos su gestualidad y la muy buena dupla que forma con su amiga.

Paula Casabona, es Carmela, es la sacristana, desgarbada y con un ojo cerrado, arrastra una historia de vida muy sufrida. El padre le dió alojamiento en la iglesia y allí está desde ese día, pasando sus días entre imágenes religiosas y los fieles. Muy buena composición de Paula.

Completa el elenco, Javier Kussrow, como Eliseo, estuvo en la guerra y se accidentó en circunstancias poco claras. Vuelve al pueblo, en búsqueda de su amada esposa.

Se conformó un muy buen elenco, bien dirigido por Julia Blanco, donde además de las buenas actuaciones, se nota que los actores se divierten en escena y eso es algo que el espectador nota y agradece.

La puesta es atractiva, con un diseño escenográfico, que representa el interior de la parroquia, con varias imágenes santorales, además de San Antonio. Destacamos también el elegante vestuario de época que presentan los protagonistas. Ambos rubros en manos de Maria Emilia del Valle, Por último mencionar a Juan Sebastíán Molano y Támara Urman, a cargo del diseño de luces y del sonido.

En definitiva, una divertida historia, que dejará en descubierto algunos pedidos disparatados y poco religiosos, que los fieles tienen para San Antonio y otros santos, además de hacer una crítica suave, pero certera, a la institución de la Iglesia y a algunos manejos poco claros, que la acompañan desde hace muchos años.

Solo nos queda recomendar Querido San Antonio, se reirán con una historia con mucho de sátira y grotesco, en un atractivo formato, que además les permitirá disfrutar de muy buenas actuaciones y aprovechar para pedirle al santo milagroso, que les encuentre algún objeto perdido o ese amor que se hace desear y no aparece,



Pensador Teatral.

Rayito de Sol

Dramaturgia de Natalia Villamil y Dirección de CIntia Miraglia.

Un texto sensible y con mucha poesía, nos acerca Natalia Villamil, con Rayito de Sol, una historia de amor, que bucea en la íntimidad de una mujer llamada Rayito, pero que podría ser, la voz de muchas otras mujeres, ya que ofrece una mirada real a la cotidianidad de muchas vidas oprimidas y sometidas a la violencia hogareña.

Rayito es Leticia Torres, en este unipersonal, dirigido con minuciosidad por Cintia Mirgalia, que nos cuenta la historia de una mujer de un pueblo del interior no revelado, pero que tienen nombre de santo, que decide rebelarse, dejar de responder a los mandatos sociales y escuchar a su corazón, en búsqueda de un amor auténtico y pasional, que la seduce y se muestra irresistible.

El problema, es que está casado, con un hombre, que no la valora demasiado, pero es su marido. Y hay cuatro hijos, fruto de esa matrimonio, cuatro cachorritos que reclaman su cuidado. Rayito está en un encrucijada. Será posible escapar de la realidad y de las convenciones, detrás de un amor prohibido, que es pasión pura.

Las preguntas invaden su mente. Es posible ese cambio de vida o pura fantasía ?? Que dirían en el pueblo, aquellas otras mujeres, que se resignan obedientemente a vivir la vida que les toca  ?? Y sus hijos, alguna vez la entenderían y la llegarían a perdonar  ?? Hay que tener mucha valentía, no solo para animarse, sino también para ser capaz de convivir con el recuerdo y con la desesperación que cada tanto llegará,  para interrumpir los sueños.

Hasta allí vamos a contar, cuando vean la obra, descubrirán, si Rayito se animó y pudo vivir ese sueño que le dictó el corazón. La autora además de esta historia principal, logra darle mucho realismo al relato, pintando la vida pueblerina y jugando con las historias, que hay detrás de cada ventana de ese pueblo.

El texto transita por todos los estados, por momentos es divertido, por ratos melancólicos, a veces erótico y en otros, tiene una crudeza que inquieta. Para poder atravesar todos esos momentos, es necesario, contar con una intérprete de gran valía y vaya realmente, si la encontraron con Leticia Torres, una actriz con una presencia escénica impresionante.

Leticia se adueña del escenario, con una potencia y una entrega que llega al espectador. Hay mucho de corporal en su composición, logrando transmitir mucho con sus movimientos,  con sus miradas y con sus gestos. Nos encantó su forma de ser algo campechana y esa tonada de voz, que a nosotros nos remite, al Norte argentino, aunque el texto no dé certezas de ello. Sus alegrías, sus dolores, sus miedos, su sexualidad, todo ello y mucho más saldrán a la luz, gracias a una expresividad y sensibilidad a flor de piel, que llega al espectador, que desde la platea, mira con fascinación su composición. Fantástica interpretación de Leticia, una verdadera leona, que se mete en la piel del personaje, con maestría.

La puesta es realmente bella y plena de poesía, con un ingenioso diseño escenográfico de José Escobar, que resulta tan simple como efectivo, esa ventana que será kiosco, casa, patio, jardín y muchas cosas más, acompañando el relato y los movimientos de la protagonista. Hay un muy buen componente musical en la trama, en el que se destaca mucho Leticia, bailando y recitando unas coplas hermosas.

En definitiva, estamos ante una historia repleta de emociones, que resulta identificable y cercana para un público, con mayoría de presencia femenina, que la siente familiar y cotidiana. Un relato que nos mostrará la valentía de una mujer, que se anima a rebelarse ante esa rutina, que la agobia.

Tres mujeres, autora, directora y protagonista, unen sus fuerzas y talentos, para esta Rayito de Sol, sensible y emocionante, que nos permitirá desfrutar de una bella historia de amor y nos alumbrará con esa luz, que el teatro independiente, siempre tiene para ofrecernos.




Pensador Teatral.