Stefano

Texto de Armando Discépolo. Versión y Dirección de Rubén Pires.

Domingos 19 30 hs en Teatro Andamio 90 ( Parana 660 )

Stefano fue escrita en 1928 por Armando Discépolo y transita su segunda temporada en el Andamio 90, en esta renovada y atractiva versión de Rubén Pires, que nos presenta un grotesco musical ambientado en un conventillo de Buenos Aires en los principios del Siglo XX.

Este clásico nos introduce en la historia de Stefano, un músico egresado del Conservatorio de Nápoles, que llegó a la Argentina allá por el 1900, como lo hicieron miles de inmigrantes, con el sueño de hacerse la América, aprovechando las oportunidades que prometían estas tierras lejanas. 

En el caso de Stefano, el sueño a cumplir era dirigir una orquesta importante y componer una ópera que lo convierta en una celebridad. Su carrera en Italia y su talento musical, eran prácticamente una garantía de lograr ese éxito. Para cumplirlo se embarcó hacia estas tierras con sus padres, que vendieron su casa, su campo y sus pertenencias en tierras napolitanas, para acompañar el sueño de su hijo. Tenían una vida feliz allá, pero imaginaban que aquí con el suceso que tendría su hijo, encontrarían una gran prosperidad.

El relato se inicia, veinte años después de haber llegado a Argentina y la realidad era muy diferente a la que todos imaginaban. Stefano se casó con una mujer argentina y formó su propia familia, teniendo 4 hijos. Lejos de la opulencia que imaginaron antes de emprender la travesía, vivían todos juntos en un conventillo, sin que les sobrara nada, contando las monedas para que no faltara nunca el pan. Las ilusiones con las que habían llegado, se fueron esfumando con el correr de los años y todos en mayor o menor medida, se sentían defraudados por Stefano, que al no poder convertirse en un director de orquesta reconocido, no pudo cumplir nada de lo que prometió.

La obra nos mostrará como muchas veces la realidad nos golpea de manera despiadada, los sueños naufragan y allí arranca la desilusión  y la frustración. Aquel hijo prodigioso, se irá convirtiendo en el culpable de la vida miserable de su familia, que debe adaptarse a las circunstancias, maldiciendo a los cuatro vientos en haber confiado en la utopía que les había prometido su héroe.

Discépolo relata aquí con crudo realismo, lo que sucedió con muchos inmigrantes que llegaron cargados de ilusiones y se debieron conformar con una vida llena de privaciones, que los hacía añorar la tierra que dejaron atrás. Obviamente otros inmigrantes tuvieron mejor suerte, pero no fue el caso de Stefano. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo dejaremos sin revelar, para que el espectador lo descubra cuando vea la obra.

La puesta de Rubén Pires recrea la vida en los conventillos de aquel entonces y como las distintas generaciones vivían bajo un mismo techo, teniendo que adaptarse y convivir lejos de las condiciones de vida ideales, siendo el sacrificio la moneda corriente.  El relato de esta pieza, tiene a la música como columna vertebral y precisamente los momentos musicales tan logrados que tiene la obra, le otorgan belleza y poesía a la puesta.

Entre los muchos logros que presenta esta adaptación, debemos mencionar que son ocho los actores reunidos en escena, algo que no es lo habitual. Y aquí no hay solo una cuestión de número, ya que las actuaciones que presenta la misma, merecen que les dediquemos algunas líneas.

En primer lugar, destacar el trabajo de Luis Longhi como Stefano, el gran protagonista de la historia, componiendo con mucha sensibilidad a un personaje que debe soportar la enorme pena por su fracaso y además contener los reclamos de todos los que los rodean, que lo culpan por su aciago presente. Gran trabajo de Luis, que en su estupenda interpretación, incluye momentos musicales deliciosos tocando el piano, para deleite de la platea.

Marcelo Bucossi como el abuelo y Elida Schinocca como la abuela, componen a una pareja de napolitanos adorables. Extrañan su tierra, se pelean entre ellos y reniegan tener que pasar sus últimos años, viviendo lejos de sus afectos y con una vida repleta de privaciones. Un gran gusto, ver en escena, a dos actores con tantos años de trayectoria, mostrando su enorme vigencia. Deliciosos los trabajos de Elida y Marcelo.

Maia Francia personifica a Margarita la esposa de Stefano, harta de la situación y superada por la misma, ya no tiene una gota de tolerancia. Potente la interpretación de Maia, una actriz de enormes condiciones. Lucía Palacios y Nico Cucaro, son los hijos de Stefano y los personajes más disruptivos de la historia, cumpliendo muy bien sus papeles. Mariano Falcón es el hijo mayor, el heredero de su padre y el que corre peligro de seguir el mismo camino de fracaso. Muestra presencia escénica y hace un muy buen aporte.

Párrafo especial para Gonzalo Álvarez, como Pastore, el discípulo de Stefano, que impresiona con su estupenda voz de tenor, interpretando algunos pasajes de O Sole Mío, La Donna e Móbile entre otras canciones. Su aparición sorprende y logra conmover al público por la potencia y calidad de su voz, logrando momentos musicales de enorme disfrute.

Se hizo algo larga la descripción, pero resulta un acto de justicia tomarse ese tiempo, para las menciones, porque sin dudas el director logró amalgamar un elenco heterógeno, con actores de diferentes edades y talentos, que se ponen todos al servicio de la obra, siendo importantes en el conjunto.

Yendo a la puesta que presenta la obra, hay que destacar el diseño escenográfico que transforma el escenario del Andamio 90, en un colorido conventillo, distribuido en tres planos de diferentes alturas, teniendo en el primero el living de la casa, con la mesa familiar y el piano, como elemento central de aquel hogar. En el segundo plano vemos las habitaciones de los abuelos y la cocina. Y en un alto tercer plano, el estudio del hijo mayor, que trata de encontrar aquella letra musical salvadora. Un diseño escenográfico, que merece destacarse, por la excelencia del mismo y tan poco es habitual verlo en el teatro off.

Otro rubro a destacar es el diseño de vestuario de época de Nélida Bellomo, que caracteriza en gran forma a los personajes de la historia. Y por supuesto mencionar a Sergio Vainikoff a cargo de la música original de la pieza. Coordinando todos estos recursos actorales y técnicos aparece Rubén Pires, el director de este hermoso proyecto.

Nos gustó mucho la propuesta de Stefano, resaltar que en tiempos donde lo habitual en el teatro independiente es ver mayoría de unipersonales, es una grata sorpresa, poder ver una obra que tiene ocho actores en escena. Además hay una puesta bella y cuidada, con momentos musicales distinguidos,  rescatando la rica dramaturgia de Discépolo, que nos invita a viajar a la Buenos Aires de comienzos del siglo XIX, para revivir la epopeya de tantos inmigrantes que llegaron a la Argentina, llenos de sueños y que  tanto contribuyeron al desarrollo del país.-

Por eso solo queda recomendar la obra, van a poder disfrutar de un grotesco musical con todas las letras, una puesta plena de poesía de Rubén Pires y actuaciones que llegan al corazón del espectador. Para el final de esta reseña, comentar el prolongado aplauso de pie que recibieron los protagonistas al final de la función, de una sala colmada del Andamio 90, siendo hasta ahora la mayor ovación que vivimos a lo largo del año y este hecho sin dudas, vale más que mil palabras.

Pensador Teatral.

Ella en mi Cabeza

Dramaturgia de Oscar Martínez. Dirección de Javier Daulte.

Jueves a Domingos en Teatro Metropolitan Sura ( Av. Corrientes 1343 ) 

Una renovada y atractiva versión de Ella en mi Cabeza, llega con la efectiva dirección de Javier Daulte, para esta obra escrita por Oscar Martínez, al que todos conocemos por ser uno de los actores más reconocidos de nuestro medio, con grandes éxitos en la televisión, en cine y en teatro. Pero no todos conocen, la faceta de Oscar como dramaturgo. Pero sí, escribió varias obras teatrales, siendo esta pieza que nos convoca, su primera obra como autor y sin dudas una, de las que tuvo mayor repercusión.

Decimos esto porque Ella en mi Cabeza, recibió numerosos galardones, entre ellos el premio ACE a la mejor obra nacional y 5 premios Estrella de Mar, siendo una de las obras teatrales argentinas más representadas en el extranjero, con muy buen suceso en España, México y Uruguay. Su estreno fue en 2005 en el Paseo La Plaza, con un elenco compuesto por Julio Chávez, Soledad Villamil y Juan Leyrado. La pieza vuelve a escena diecisiete año después y Leyrado vuelve a integrar el elenco, un verdadero dato de color.

Y cual es la fórmula, para que pese a los años transcurridos, la obra mantenga su vigencia  ?? Indudablemente el texto está muy bien escrito, es atemporal y pone el foco en los conflictos de la vida conyugal, logrando de manera muy clara, que los espectadores reconozcan las situaciones que aparecen en el relato y se identifiquen con los protagonistas.

La trama de esta comedia dramática, gira en torno a la obsesión que tiene Adrián ( Joaquín Furriel ) con su mujer Laura ( Florencia Raggi ), ella aparece de manera permanente en sus pensamientos y desde su óptica, es la culpable de todo lo que le sucede, lo bueno y lo malo, teniendo sentimientos contradictorios que lo atraviesan, ya que luego de diez años viviendo juntos, siente que quiere cortar la relación, pero al mismo tiempo, se dice a si mismo, que no podría vivir sin ella.

Para tratar de abordar este conflicto que reside en su mente y que lo atormenta, buscará la ayuda de Klimovsky ( Juan Leyrado ) , su sagaz terapeuta, que luchará para que Adrián pueda mirar hacia su interior y desentrañar las verdaderas razones, por la que proyecta en su mujer, muchas situaciones que en verdad están relacionadas con comportamientos propios y hasta allí vamos a contar para no quitar sorpresa a una trama, que navega con mucha habilidad entre lo real y lo imaginario.

Se ha elegido un excelente para esta versión que se presenta en el Metropolitan Sura. Quien lleva el peso del relato es Joaquín Furriel, con una estupenda composición de un personaje que no es sencillo de llevar adelante. Manejando muy bien los diferentes estados de ánimo de su conflictuado personaje y mostrando una muy buena veta humorística, que los espectadores festejan.

Florencia Raggi, es una compañera de lujo, destacando en esos intercambios verbales filosos que tiene con su esposo. Luce esplendida, con una sonrisa contagiosa, aportando frescura y distinción a la puesta. Nos gustó mucho el trabajo de Florencia. Y para el final dejamos a Juan Leyrado, que retoma su personaje, pasados diecisiete años, mostrando su vigencia y una presencia escénica que se mantiene intacta.

La trama fluye en todo momento y aquí hay gran responsabilidad de Javier Daulte, uno de los directores más exitosos de la actualidad, que logra darle ritmo y dinámica a un relato, que a partir de lo que sucede en la cabeza del protagonista, irá construyendo dos realidades paralelas.

De la puesta, debemos especialmente el diseño escenográfico de Julieta Kompel, que divide el escenario en tres partes, con ese centro dominado por la cama matrimonial y dos estructuras móviles en los laterales, que irán rotando y variando su apariencia, de acuerdo al momento del relato.

En definitiva, una muy buena oportunidad de reencontrarse con este texto de Oscar Martínez o verlo por primera vez, en esta dinámica y moderna versión, que nos habla de vínculos conyugales y como muchas veces, algunos de los problemas que aparecen, son fruto de nuestra imaginación, celos o inseguridades, que proyectamos en el otro, generándose un círculo vicioso, del que luego cuesta escapar.

Los invitamos a ver Ella en mi Cabeza, además de disfrutar de las actuaciones, comprobarán la vigencia de un texto, con el cual el espectador seguramente se identificará. Una muy buena propuesta, para reír, reflexionar y ayudar a que desaparezcan de nuestra mente esas telarañas que en ocasiones pueden interferir nuestros pensamientos y nos angustian tanto.

Pensador Teatral.

Como Vaca Mirando un Tren

Dramaturgia y Dirección de Natalia Villamil.

Domingos 19 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Un texto intenso y por momentos desgarrador, es el que nos acerca Natalia Villamil, autora de Como Vaca Mirando un Tren, atractivo título que presenta su nueva obra, en la que indaga en el interior del universo femenino, la relación con los hombres y como muchas veces las situaciones de violencia reiterativas, un día que parece como cualquier otro, pueden encontrar un límite.

La protagonista de esta historia estructurada en formato de unipersonal, vive en una casa en medio del campo y nos hablará acerca de que el ser humano es un animal de costumbre y que repitiendo alguna acción en un par de oportunidades, ya puede incorporarse esa conducta como normal, por más que no lo fuera tanto. La clave aquí es la repetición de conductas y cuanto menos pensemos lo que estamos haciendo, mejor funciona la teoría.

Este relato inicial de Laura Névole, tiene humor y mucho de absurdo, siendo por instantes desopilante,  pero si prestamos atención a sus palabras, enseguida notamos que su discurso denota un tedio por la rutina diaria, hay desesperanza, con jornadas que pasan de manera lenta, quedando en evidencia lo profunda, que es la soledad que la atraviesa.

Pero de a poco, el humor irá desapareciendo y el discurso se empezará a volver sombrío y oscuro, cuando la protagonista cuenta que todas las noches su oso llega a la casa luego de cumplir su jornada laboral y por algunas referencias circunstanciales, enseguida notamos que en ese hogar hay un aura de violencia y una situación de maltrato instalada.

Y hasta allí vamos a contar, solo adelantaremos que en algunas oportunidades, los caballitos mansos que acostumbran a bajar la cabeza y soportar el rebenque y el maltrato diario de su dueño, algún día pueden rebelarse y mejor que ese día el maltratador corra rápido, porque la bronca acumulada por tanto tiempo, puede desencadenar en una venganza sin freno.

El texto de Villamil es profundo y tiene un alto componente poético que lo realza, pero también tiene un grado de complejidad, que requiere una gran intérprete para llevarlo adelante y sin dudas que en Laura Névole, encontró a la persona indica para llevarlo adelante. Laura es una actriz de enorme valía, que nos deslumbró hace un par años cuando la vimos brillar en un unipersonal llamado Trópico de Plata. En esta obra, que tiene algunos puntos en común con aquella, nos vuelve a impresionar con una composición fantástica.

La contextura actoral de Nevole, es inversamente proporcional a su menuda contextura física. Enorme actriz, con gran presencia escénica, ofrece aquí una interpretación completa, salvaje por momentos, gutural y con una entrega corporal absoluta. Nuevamente vemos un gran trabajo de Laura y siempre es un placer verla en escena.

La puesta que nos propone la directora es minimalista, con un diseño escenográfico de Rodrigo González Garillo que muestra una casa que denota la falta de libertad que tiene la protagonista, con esas rejas y alambrados que dominan el ambiente Y mención especial también para Carla Rímola a cargo de las coreografías de la protagonista, que tanto habla con su cuerpo, a lo largo de la trama.

Para ir terminando, confirmar que Como Vaca Mirando un Tren es una obra potente, que de ninguna manera pasa inadvertida, arrancando de manera calma, pero a medida que los minutos corren, irá ganando en intensidad, para sorprendernos en la parte final, con un desenlace que dejará con la boca abierta a más de un espectador.

Nos gustó mucho la obra, por la crudeza de su texto que pone de manifiesto las situaciones de violencia diarias y silenciosas que sufren muchas mujeres y como muchas veces por costumbre, algunos comportamientos están naturalizados por la sociedad. A la rica dramaturgia, sin dudas hay que sumarle la soberbia composición de la protagonista, que permite que disfrutemos de un gran momento teatral. Los aplausos prolongados que resuenan al final de la función en la sala, son el cierre justo, para la intensa noche de teatro vivida.

Pensador Teatral.

Luisa

Dramaturgia de Luciana Cervera Novo. Dirección de Natalia Pascale.

Sábados 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

Nuestra primera vez visitando Itaca, nuevo espacio teatral, no pudo ser mejor, ya que lo hicimos disfrutando esta hermosa y conmovedora obra, llamada Luisa, escrita por Luciana Cervera Novo, que además es la protagonista de este pieza con formato de unipersonal. Un dato fundamental para agregar, es que la dramaturgia se basa en la historia de vida su bisabuela, que llegó a la Argentina a principios del siglo XX.

El relato arranca con Luisa, la heroína de esta historia, pariendo a su primogénito hijo en un convento. Allí fue llevada por su padre, que no soportaba la idea de que una mujer soltera diera a luz. de manera a contrario a los mandatos sociales Y así fue como, repudiada por su familia, Luisa tuvo la valentía y la necesidad de irse de España, dejando atrás del dedo acusador de su padre. Lo hizo junto a Luis su pequeño hijo. Se subió a un barco, como lo hicieron miles de inmigrantes y emprendió el largo viaje hacia Buenos Aires, es busca de un mejor destino, dejando atrás los horrores de la guerra y el desprecio de su familia.

Luisa era una mujer valiente, dispuesta a sacrificarse y salir adelante para poder criar con dignidad a su hijo. Así fue como dió sus primeros pasos en una nueva tierra, viviendo en un conventillo. No sabía leer, ni escribir, pero eso no le iba impedir ganarse el pan, para la crianza de su querido Luis. Y así lo hizo, trabajando muy duro como costurera, para poder sobrevivir.

El tiempo fue pasando, Luisa se convertiría en una mujer madura, conocería a Ramón un hombre mayor que ella, con el que tendría dos hijos, mientras su preferido Luis crecía y forjaba una personalidad muy fuerte. Aquel niño que traía en brazos en aquel barco, de a poco se estaba convirtiendo en un adulto, que tenía sus propios pensamientos, siendo bastante cabeza dura y empezando a interesarse por la política, algo que a Luisa no le causaba ninguna gracia y además le daba miedo.

Y hasta allí vamos a contar de la trama, para mantener el suspenso, sin develar el viraje que la dramaturgia nos propondrá en la última parte de la obra, ya que aquella historia de aquella valiente mujer que emigró a Argentina a forjar un porvenir y una nueva familia, se vá a transformar en la lucha de una madre desesperada, por recuperar a su querido hijo. Nos mordemos la lengua y cumpliendo con nuestra palabra, hasta allí vamos a contar, para que el espectador cuando vea a obra, descubra de que estamos hablando.

Llega el momento de hablar de Luciana Cervera Novo, quien protagoniza este unipersonal y nos regala una actuación exquisita. Una interpretación plena de pasión y emociones, dará vida a una madre de una fuerza inquebrantable y con un amor infinito por sus hijos. Tuvimos la suerte de sentarnos en la primera fila y desde allí, pudimos observar cada gesto, mirada y movimiento de Luciana, que realiza una actuación minuciosa y a corazón abierto.

Se la nota muy orgullosa en el escenario, representando su historia familiar y esto agrega mucho valor a su personaje, ya que el espectador nota la carga emotiva que le imprime a una actuación, donde Luciana reirá, bailará y se pondrá triste, pero nunca llorará, porque como ella misma dice, si Luisa llorara por todas los sinsabores que la vida le deparó, hubiera estado vacía de lágrimas desde hace tiempo. Por eso en vez de llorar, nuestra protagonista elije resistir y luchar. Nos encantó el trabajo de Luciana, un verdadero placer verla en este protagónico tan especial.

Si bien dijimos que estábamos en presencia de un unipersonal, Luciana no estará solo en escena, ya que la escoltará Agustín Mulet como músico en escena, acompañando varios pasajes del relato con su guitarra y con diferentes sonidos que sirven para crear diferentes atmósferas en el relato y con un sonido en particular marcar los cambios de acto. Gran aporte el del joven Agustín, que además es el tataranieto de la Luisa real, lo que además de resultar gratificante, acentúa el tono familiar que tiene el relato.

La directora de esta hermosa obra es Natalia Pascale, a quien elogiamos muchas veces en nuestro sitio, ya que es una actriz que nos gusta mucho. En esta oportunidad, se luce desde otra función, con una dirección precisa, para una puesta plena de poesía, que cuida todos los detalles, con una escenografía cálida, con elementos de época como la antigua máquina de coser que usa Luisa o la mecedora donde se para varias veces. 

Bellísima desde lo estético la puesta montada en la moderna sala de Itaca Complejo Teatral, que presenta un moderno sistema lumínico, muy buena acústica y butacas muy confortables. Es la primera vez que visitamos este nuevo y moderno espacio teatral, que se suma al circuito teatral porteño y que está apostando a piezas de calidad en su programación, algo que nos pone muy contentos.

En conclusión, es realmente valiosa y muy emotiva la propuesta de Luisa, que rescata y rinde homenaje, a una historia familiar muy rica, que nos habla de la fortaleza de una mujer, de su desarraigo y su sacrificio para poder hacer pie en un nuevo destino, trabajando a destajo y formando una nueva familia. Y luego de ello, obligada por las circunstancias, deberá salir a luchar por su hijo, con un coraje y una determinación que resultan admirables.

Recomendamos vean Luisa, una propuesta de visión obligatoria. Una historia que merece contarse, para que nunca perdamos la memoria y nunca más repitamos hechos trágicos de nuestra historia. Además disfrutaran de una magnífica interpretación de Luciana Cervera Novo, coronada con ese aplauso emocionado que los espectadores le ofrecen al final de la función, agradeciendo que el teatro independiente, cada tanto nos sorprende con propuestas bellas y comprometidas como esta.

Pensador Teatral.

Me Encantaría que Gustes de Mi

Adaptación de Luciana Mastromauro y Sol Fernández López sobre textos de Fernanda Laguna. Dirección de Luciana Mastromauro.

Jueves 20 30 hs en Beckett Teatro ( Guardia Vieja 3556 )

Comedia tragicómica en formato de unipersonal, llega de la mano de Me Encantaría que Gustes de Mi, basada en el libro del mismo nombre escrito por Fernanda Laguna, que pone el foco en la soledad y en la necesidad de amar. Y como cuando los años pasan, encontrar el amor de nuestra vida, puede convertirse en una peligrosa obsesión.

La historia nos presentará a Fernanda Rosetti, profesora de literatura, que vive sola con su gatito en un departamento del barrio de Once. No se la nota contenta con su vida actual. Mientras escribe una nouvelle acerca del amor, precisamente busca una compañera para amarla. Podría ser Carmen, aquella vieja amiga que reencontró en un bar y la besó con tanta pasión, en una noche más corta de lo deseable. Espera su llamado, para volver a verse, pero el teléfono no suena, pasan los días, el llamado no llega y el desanimo crece.

Fernanda no tiene una vida feliz, pero si tiene una rutina diaria que cumple sin salear nada, tomar sus diez vasos de agua a la mañana, un poco de ejercicio y salir rápido a la escuela, para enfrentar a sus alumnos, algo que no es tarea sencilla. Pero ella hace lo posible, para caerles bien, para agradar, necesita ser querida al menos por sus alumnos.

El relato juega con inteligencia, entre la realidad y la imaginación de la protagonista, sus deseos y anhelos chocan contra una realidad que no la recompensa. La soledad por momentos se vuelve asfixiante y tomar un vasito de whisky, todos los días al volver de la escuela se vuelve una necesidad, para afrontar lo que toca. El inconsciente juega su papel y nos permitirá observar como Fernanda, tiene dos caras, la que dialoga con su propia mente y la que sale a diario a afrontar la vida, buscando cambiar este presente solitario y encontrar a su media naranja, siempre predominando el humor y el absurdo en el relato, que como todos sabemos es el mejor catalizador para soportar mejor las pequeñas tragedias.

La interpretación de Sol Fernández López es soberbia, desde el arranque se adueña del escenario con una presencia y una seguridad que sorprende, manejando con gran pericia los diferentes momentos que tiene el relato, dotando al mismo de humor, drama y erotismo, entre otros estados. Se la nota muy a gusto con el texto, se divierte en escena y esa energía se transmite al espectador, que mira con ternura la búsqueda desenfrenada de la profesora de literatura que compone Sol. Destacamos especialmente su gestualidad, es especial sus miradas, que parecen hablar por sí solas. 

La puesta que propone Luciana Mastromauro es minimalista, con pocos elementos en escena, solo los necesarios para dar marco a la excelente actuación de Sol, lo que contribuye a realzar su interpretación. Es importante el aporte de Adrián Grimozzi en el diseño lumínico y el diseño de sonido de Carmen Baliero, ambos agregan valor al relato y al ejercicio permanente de imaginación a la que nos invita la protagonista.

En definitiva, Me Encantaría que Gustes de Mi, nos propone un muy interesante abordaje al tema de la soledad, jugando mucho con el humor y  el absurdo, para mostrar esa búsqueda desesperada y obsesiva por el amor, que nuestra heroína emprende, proporcional al miedo que puede provocar quedar solo en la vida.

Disfrutamos la obra y en especial de la composición de Sol, que encuentra aquí terreno fértil, para demostrar su valía como actriz. Por eso los convocamos a conocer la historia de esta mujer ávida por encontrar alguien que guste de ella, conocer a alguien que la haga feliz y la rescate de la vida gris y rutinaria que transita, una búsqueda con la que muchos se podrán identificar.

Pensador Teatral.

La Falcón.

Dramaturgia de Augusto Patané. Dirección de Cintia Miraglia.

Domingos 19 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Un hermoso viaje a la  Buenos Aires de la década del 30´, nos propone este logrado musical inspirado en la vida de Ada Falcón, La Emperatriz del Tango, cancionista popular, que supo ganarse un lugar de relevancia en un ambiente como el del tango, que siempre fue dominado por los hombres, lo que realza su logro.

La obra nos propone repasar los momentos de esplendor de Ada, pudiendo disfrutar sus temas más exitosos, la relación sentimental clandestina y tormentosa que vivió con Francisco Canaro, que además era su director de orquesta y mentor, las peleas por celos con su hermana menor que también era cancionista. Además saldrán a la luz, algunas características de su personalidad, como ser su fuerte carácter, sus caprichos y el malestar que le provocaba las aglomeraciones de público, entre otras cosas.

La carrera de Falcón fue corta, pero de enorme suceso y no es mucho lo que se conocía de ella, por eso debemos destacar el gran trabajo de Patané que tuvo la idea de escribir la obra sobre Ada y para hacerlo realizó un arduo trabajo de investigación, para recopilar datos de su biografía. La obra estaba lista para estrenarse en el 2019, pero la pandemia tuvo otros planes y el estreno debió postergarse. El autor por temas laborales dejó Buenos Aires y el proyecto corrió peligro de quedar sin salir a la luz, pero por suerte allí apareció Cintia Miraglia, la directora, que tomó la posta y la obra finalmente pudo estrenarse con gran suceso en el Teatro El Extranjero llenando la sala en cada una de las presentaciones.

La excelente recepción que tuvo la obra y esto a nuestro entender, puede explicarse por varios motivos, uno de ellos es la magnifica ambientación que tiene el relato, con un  impecable vestuario de época, la forma de hablar de los protagonistas tanto en el tono, como en las palabras utilizadas ( muchas en desuso hoy ) y esa escenografía con el micrófono de LR1 Radio El Mundo en el centro, marcando la importancia que tenían las radios en la vida de la gente por aquellos años, cuando la televisión aún estaba lejos de nacer.

Hay una muy buena elección del repertorio musical, guitarras en vivo que acompañan las canciones, que se intercalan con los momentos dramáticos y en otros con el relato de la madre de Ada, que acompaña y ordena la historia, brindando datos que agregan mucho valor para aquellos que no vivimos en aquella época.  La atención del espectador se mantiene en todo momento, ya que el espectáculo tiene muy buena dinámica, con un acertado reparto de los diferentes momentos teatrales.

 Es tiempo de hablar de las actuaciones que presenta el espectáculo, donde hay que destacar la fantástica composición de María Colloca como Ada Falcón. María es una actriz con formación de cantante lírica, que realizó un minucioso trabajo para llegar al personaje, escuchando discos de la cantante y viendo los pocos registros fílmicos que se conservan en la actualidad. El resultado no pudo ser mejor, ya que la vemos muy a gusto con el papel, cantando muy lindo y mostrando la controvertida y sensible personalidad de la Emperatriz del Tango. Estupenda la composición de María, que fue nominada en el rubro Mejor Actuación Femenina en Musical por este gran trabajo.

Otra actuación sobresaliente, es la de Carlos Ledrag, como el maestro Canaro. Con gran presencia escénica y luciéndose mucho, tanto en las partes cantadas, como en la actuación. Además con su guitarra acompaña a Ada en sus interpretaciones. Excelente lo de Carlos, gran protagonista de la historia, ya que su amor tormentoso y fallido con la cancionista, tendrá mucha relevancia en su carrera.

Si bien la dupla protagónica mencionada es la que recibe los mayores elogios, no seamos injustos con el resto del elenco, ya que todos tienen momentos destacados y son importantes para la historia. Mónica Driollet, con glamour y elegancia, compone a la Madre de Ada y  cumple el rol de maestra de ceremonias y presentadora que mencionamos antes, siendo muy importante en la trama. 

Florencia Craien, es la villana de la noche, ya que es la esposa de Canaro y no soporta los engaños de su marido, por lo que atormentará a Ada. Florencia también tendrá momentos de lucimiento cantando y acompañará con su guitarra a la Emperatriz. Completa y muy versátil su actuación. Resta mencionar a Sofía Nemirovsky, como la hermana menor de Ada. También cancionista, pero sin el talento de su hermana, tratará de ganarse su lugar en ese ambiente y para ello deberá superar las peleas que tiene con sus hermana. Sofía aporta belleza y frescura a la pieza, nos gustó mucho su actuación.

Se hizo algo larga la descripción actoral, pero creemos que la calidad de los trabajos merecía dedicarles estas lineas, ya que como mencionamos antes, si bien los trabajos de Colloca y Ledrag, por ser los protagonistas, son quienes más se destacan, todo el elenco encuentra su lugar para el lucimiento y cumplen acertadamente sus roles, dando mérito aquí a la directora que les dá el espacio necesario.

La puesta es otro punto muy alto de esta propuesta, con una gran ambientación de época que mencionamos antes, con gran responsabilidad de Victor Salvatore a cargo del diseño escenográfico. Y que decir del magnífico vestuario que presentan los protagonistas, dando glamour y elegancia a la pieza, rubro a cargo de Paula Molina. 

Es realmente muy valiosa la propuesta que nos acerca La Falcón, ya que le permite a personas de diferentes edades y que vivían en aquellos años, poder conocer la historia de una figura mítica del tango, de la que poco se sabe y que fue todo un suceso en aquellos años, con el plus de ver en el escenario la figura de Canaro, revivir la importancia que tenía el radioteatro en la sociedad de aquellas décadas, entre muchos otros detalles.

Nos gustó mucho la obra y por eso la recomendamos. La Falcón transita su tercera temporada en cartel, siempre a salla llena, obteniendo el reconocimiento del público y de la crítica especializada, algo que puede apreciarse por ejemplo, con las 4 Nominaciones a los Premios Ace que merecidamente recibió la pieza.

Sin dudas, estamos en presencia de una excelente propuesta que el teatro independiente no ofrece, ya que se encontrarán con un bellísimo espectáculo musical , una historia dramática intensa, una puesta de primera y actuaciones magníficas. Los aplausos emocionados con los que los espectadores despidieron a los protagonistas al final de la función, son el broche de oro para una noche a puro teatro, que se disfruta mucho.

Pensador Teatral.

Los Perros

Dramaturgia y Dirección de Nelson Valente.

Viernes y Sábados 20 hs. Domingos 20 30 hs.

Llega la nueva obra de Nelson Valente, el autor de El Loco y La Camisa, clásico del teatro independiente que lleva nada menos que doce años en cartel. Hacemos referencia a aquella pieza, porque en Los Perros, vemos algunas referencias en común con aquel gran éxito, ya que nuevamente tenemos una familia reunida, poniendo el foco sobre las relaciones, un externo que provoca el conflicto y por supuesto los jugosos diálogos que se establecen entre los miembros de las familias.

Los Perros arranca con una celebración de cumpleaños familiar como cualquier otra. Laura cumple cuarenta años y lo celebra en casa, junto a su esposo y sus suegros. La velada transcurre de manera previsible, hablando de trivialidades y generalidades. En realidad, quien monopoliza la palabra es Emilio, su suegro, interpretado magistralmente pro Claudio Rissi. Él será el encargado de llenar los silencios, repartiendo sus exposiciones, entre discusiones con su esposa y recuerdos de vecinos y de los distintos perros que fueron parte de la familia a lo largo de los años.

La celebración es poco festiva y la aparición prematura de la torta, parece ser la salvación para una noche que viene cuesta abajo. Llega el momento de entrega del regalo y las alarmas se encienden. Laura la cumpleañera, por su cara, se nota que no está disfrutando el festejo. Se justifica diciendo que no le gustan las fiestas de cumpleaños, pero su expresión triste, permite adivinar que ese no es el motivo real de su estado. Su esposo la interroga y casi que la obliga a revelar que le sucede.

Y entonces Laura toma la palabra y a partir de ese instante, toda cambiará en aquella reunión. Volviendo del trabajo a su casa en subte vivió una experiencia que la afectó más de la cuenta. En estas líneas y para mantener el suspenso, no vamos a revelar cuál fue el hecho que provocó este tsunami en la mente de Laura, cuando vean la obra lo descubrirán.

Pero como mencionamos antes, a partir de allí la noche cambiará su rumbo y el tono de comedia previsible que tenía el relato, virará de manera dramática. Surgirán confesiones y pensamientos que en un principio parecerán inocentes e inofensivos, pero a medida que la velada avanza y el alcohol ayuda a aflojar las lenguas, el tono de los dichos empezarán a tornarse ásperos y difíciles de digerir para los otros, que escucharán con algo de angustia los parlamentos que vendrán.

El texto de Valente, alcanza una profundidad impensada, luego de un arranque de apariencia inofensiva y plantea dudas existenciales que todos tenemos. Somo felices con la vida que llevamos ?? Hacemos realmente lo que queremos o solo respondemos a los mandatos sociales ?? Y redoblando la apuesta. Sería posible dejar la vida actual que llevamos y arrancar de cero en un lugar lejano ?? O esto es solo una utopía impracticable ?? . El autor terminó de escribir la obra en la pandemia, donde se rompieron muchas de las estructuras laborales rígidas, apareciendo la chance de trabajar remoto desde una playa solitaria o desde una quinta a cientos de kilómetros de la oficina. Este hecho abrió interrogantes y dilemas en las personas, acerca de la vida que levaban y el texto de forma inteligente toma ese hecho.

Y hasta allí vamos a contar para mantener el suspenso, ya que como dijimos la trama se vuelve vertiginosa y no sabemos donde puede terminar tanta catarsis. Momento ya de hablar de las actuaciones que presenta la obra y a nuestro entender, es Claudio Rissi quien se lleva los mayores elogios con una soberbia composición. Es el centro de atención de la historia y quien marca el ritmo de la trama, con una gestualidad muy rica y un histrionismo a flor de piel, que provoca muchas risas en la platea, que disfruta cada una de sus intervenciones. Un actor de gran trayectoria Claudio y un gusto verlo lucirse tanto aquí, cumpliendo con creces con su rol de figura convocante de la obra.

La revelación de la noche para nosotros fue Patricio Aramburu, que arranca en un segundo plano en la historia y que con el correr de la trama, ganará protagonismo, mostrando un peso dramático y una presencia escénica, que nos sorprendió muy gratamente. Estupendo trabajo de Patricio. Muy bueno también lo de Melina Petriella, una actriz muy versátil, que está muy acertada aquí en su personaje, que es quien desata el conflicto. Completa el elenco María Fiorentino, llevando adelante un personaje algo complejo para el lucimiento, que puede resolver en buena forma, gracias a su experiencia.

Es una puesta muy prolija la que vemos en el escenario del Picadero, destacamos el diseño de vestuario de Betiana Temkin  y el elaborado diseño escenográfico de Rodrigo Gonzáles Garillo, que nos muestra un cálido hogar con ese cartel de hogar dulce hogar, que por momentos sonará contradictorio.

En resumen, llegamos al Picadero para disfrutar de una comedia y nos encontramos con una trama, que si bien tiene momentos muy divertidos, se volverá profunda e interpelará al espectador, que se siente identificado con lo que ocurre en el escenario y ademas de ello muy movilizado.

Nos gustó mucho Los Perros, este nuevo texto de Nelson Valente, que explorando en los vínculos familiares, nos invita a reflexionar sobre cuestiones existenciales, que se acentuaron mucho en épocas de pandemia, pudiendo además disfrutar de las actuaciones del estupendo elenco reunido para la ocasión, para una noche de teatro, que a nadie dejará indiferente.

Pensador Teatral.