Marcados, de por vida.

Dramaturgia de Ricardo Halac. Dirección de Lizardo Laphitz.

Viernes 20 30 hs en Teatro el Ojo ( Juan Domingo Perón 2115 ) 

La virtuosa dramaturgia de Ricardo Halac, se hace presente en Marcado, de por vida, obra con la que cierra una trilogía, que hace foco en las persecuciones que sufrieron los judíos en España. En esta ocasión, se situará en el año 1650 y la atención se centrará en los judíos conversos, eligiendo para ello, presentar la historia de Juan Bautista Diamante, prolífico y destacado dramaturgo, integrante del Siglo de Oro, dueño de una gran obra, pero que no tuvo el reconocimiento merecido, precisamente por su condición de converso.

Y el relato nos ofrecerá la historia de amor de Diamante ( José Escobar ) con una bailarina de taberna ( Carla Di Amore ) de familia judía también, debiendo ratificar su condición de conversos ambos, teniendo que demostrar de manera permanente, que dejaron atrás su pertenencia a la religión judía, debiendo adoptar la religión católica, que es la elegida por la corona española para sus habitantes.

La pareja deberá soportar las visitas de un sagaz funcionario de la Inquisición ( Lizardo Laphitz ) que se presentará de manera periódica en su hogar, para controlar que ya no guardan ninguna de las costumbres judías. Las visitas por lo general se producen los días Sábados, cuando el funcionario buscaba en las casas el aroma de las cocinas de los conversos, a sabiendas que el Shabat prohibía cocinar a los judíos aquel día y si no había olor comida, ya tenían un indicio para sospechar.

La falta del cumplimiento de las normas, tenía como consecuencia la denuncia de aquellos infieles y la pena, podía ser hasta la muerte. De allí se entiende el terror, de aquella pareja y en general de los conversos, que debían soportar las humillaciones de aquel representante de la Inquisición, que respondía a la Iglesía Católica, institución poderosa en aquellos años y que contaba con el respaldo del Estado, por lo que era misión imposible, osar no cumplir las directivas que bajaban a la población.

La historia es dura y atrapante, ya que tomará un personaje real de aquellos años, como Juan Bautista Diamante, que como dijimos no fue tan reconocido por los libros de historia, pese al peso que tuvo en la época, pero que intercactuó con varios personajes de renombre de la época, como Calderón de la Barca, que fue su maestro, el pintor Diego Velázquez o el mismo Lope de Vega. La inclusión de estos nombres, le otorga un mayor relieve al relato y hace que el espectador se situé en el contexto adecuado.

Resulta valioso destacar como la dramaturgia de Halac, al poner en primer plano una historia humano, logra ejemplificar como estas persecuciones, además de injusticias y atroces actos, provocaron que muchas familias se separen. Pero no vamos a contar más, para dejar que la obra los sorprenda y puedan ver en este caso, que sucedió entre Diamante y su amada. Y comprobar,  como el accionar del funcionario de la Inquisición cambió el curso de sus vidas para siempre.

La obra presenta muy buenas actuaciones. Las historias de época, por lo general no suelen ser sencillas para los actores, ya que muchas veces puede costar encontrar el tono adecuado para no caer en la solemnidad, algo que aquí los protagonistas cumplen de muy buena manera.

Arranquemos por José Escobar, que aquí encarna a Juan Bautista Diamante, el protagonista de la historia. José es un actor, con mucha carisma, al que elogiamos ya desde este sitio, por sus trabajos en El Amor es un Bien y Casandra en la Cocina. Aquí en un papel totalmente diferente, se pone en la piel de este personaje del 1600 y muestra estar a la altura del protagónico, con una estupenda composición y dando gala de su versatilidad.

En nuestra opinión, la revelación de la obra es Carla Di Amore, el amor de Diamante, bailarina de taberna, perteneciente a un mundo diferente al del dramaturgo, pero unidos por el amor. Sus fuertes convicciones y sus recuerdos, harán que sea muy difícil ocultar su origen judío y las creencias que mantiene pese a las prohibiciones Carla es una joven actriz, a la que elogiamos el año pasado, por su trabajo en Redención, una interesante propuesta el off y aquí tenía un desafío importante, porque no era sencillo su papel y lo ha resuelto en gran forma, luciéndose en escena, mostrando sus condiciones.

El elenco se completa con Lizardo Laphitz, que además es el director de la obra. De Lizardo, vimos muchos trabajos que lo tenían en la dirección o como autor, pero es la primera vez que lo vemos como actor. Aquí muestra que no se ha olvidado lo que es estar en el escenario, impresionando por su presencia escénica y aplomo, para llevar adelante el papel de villano, como lo es, este experimentado funcionario de a Inquisición, que no tendrá escrúpulos para llevar adelante su función.

La puesta de época, tiene varios puntos para resaltar, uno de ellos el diseño escenográfico de Victor de Pilla, austero, pero efectivo, con los elementos necesarios para darle contexto a la historia. Tal vez el ítem más destacado, sea el vestuario de época de Alicia Guma, que además de caracterizar muy bien a los personajes, le otorga belleza al relato.

En definitiva, consideramos que es una propuesta muy valiosa la de Marcados, que transita ya su segunda temporada en cartel, en primer lugar porque recuerda hechos de la historia, que aunque algunos preferirán borrar, pero que debemos tener siempre presentes y por otro lado, nos ayuda a reflexionar, acerca de como situaciones tan aberrantes que se vivieron siglos atrás, se vuelven a repetir en la actualidad, con otros nombres, pero dejando al descubierto que la humanidad, se encarga de repetir viejos errores y horrores.

Los invitamos a que conozcan la historia de Juan Bautista Diamante, un perseguido de aquellos años por motivos religiosos, como tantos otros hombres de la época. Se encontrarán con la distinguida dramaturgia de Ricardo Halac, la dirección de Laphtiz que hace atractiva a una historia de época y actuaciones muy logradas. Una historia fuerte, que invita a reflexionar y a estar alertas, porque de manera cíclica, la humanidad lamentablemente, siempre se las arregla para mostrar su cara más intolerante y arremeter contra los más débiles.

Pensador Teatral.

Conurbano Cotidiano

Dramaturgia y Dirección de Santiago Gobernori.

Miércoles 21 hs en El Galpón de Guevara ( Guevara 326 )

Una gratísma sorpresa nos llevamos con Conurbano Cotidiano, la última obra del joven dramaturgo Santiago Gobernori, que en esta oportunidad tiene la gran virtud de generar ficción con una historia cotidiana y cercana, donde jóvenes normales de clase media, luchan por vivir el día a día de la mejor manera, superando las crisis económicas, los fracasos amorosos, las adicciones, la falta de trabajo y todo lo que rodea a cualquier joven hoy, que pese a todas los obstáculos, siguen remando en busca de ese futuro feliz, que todos imaginan y en ocasiones, tan lejano parece.

El gran mérito de Gobernori, es que con muy pocos recursos, consigue muchísimo, ya que desde una puesta estupenda, donde la creatividad está en un nivel muy alto, concibe una dramaturgia bellamente artesanal, donde de la mano de un trío protagónico que la rompe en escena, obtendrá momentos teatrales exquisitos, con fragmentos musicales más que destacados, emociones intensas y una diversidad escénica que cautiva, ya que a lo largo del relato, jugaremos mucho con la imaginación, poniendo el acento en lo lúdico y con el humor siempre en primer plano, para alegría de los espectadores que se van a reír mucho a lo largo de la noche, algo tan necesario en estos tiempos.

Las acciones se sitúan en Luján, a 70 kms de la Capital, una distancia interesante, ya que no es tan cerca, pero tan poco tan lejos. Como bien aclaran los protagonistas, se puede viajar sin demasiados problemas para asistir a alguna marcha, recital o hasta visitar alguna pizzeria de la Calle Corrientes, eso sí siempre y cuando no llueva, porque si llueve, ir en moto no sería tan sencillo. Y con el lugar elegido se produce una duda existencial  ?? Es Luján parte del Conurbano o ya está fuera del límite y podemos decir que está en el Area Metropolitana. El autor se divierte con ello, mostrando que sea o no conurbano, las vivencias son las mismas.

En la historia tendremos a dos amigas que viven en Luján, Yamila (Victoria Baldomir) y Tamara ( Sabrina Zelaschi ), juntas conducen un programa de radio local. Están contentas de ser lujaneras y juntas se dan fuerzas,  afirmando que nunca se irían a vivir a la Capital, aunque por el tono de aquellos dichos, no sabemos si creerles o no. A este dúo de amigos se le sumará Chelo, que viene de la Capital, con problemas económicos y cansado del vértigo citadino, añorando la calma pueblerina que sueña encontrar a pocos kilómetros.

El encuentro resulta muy fructífero, las amigas sienten una especie de fascinación, cuando se enteran que el recién llegado trabajo nada menos que en TN, donde conoció a famosos de la talle de Lapegue, Lobo y hasta  el mismísimo Santos Biassati. Sin dudarlo, lo incorporarán al programa de radio que tienen, le darán un lugar donde dormir y lo sumarán a sus rutinas diarias, ya que pronto notarán que tienen bastantes puntos en común.

El humor estará presente en todo momento en el relato, con momentos delirantes, tendremos diálogos divertidos, que dejarán lugar a temas musicales con letras muy pegadizas. Con ayuda de la imaginación nos invitarán a viajar juntos a una marcha, asistir a un taller de poesía y disfrutar de  una sesión de títeres tan genial como desopilante, donde el mismísimo Virrey Sobremonte, que tiene una relación histórica con Luján, estará presente en a historia y hasta allí vamos a contar. La obra tiene un ritmo vertiginoso, los cuadros irán cambiando y hay preparadas muchísimas sorpresas para el espectador, que disfrutará de lo ingenioso y entretenido de un texto, que se potenciará de manera exponencial por el talento del trío protagónico reunido.

Y hablemos ya sin más demora de los protagonistas de esta hilarante historia. Importante mencionar que la génesis de este proyecto tan creativo, fue La Verdad Efímera obra escrita y dirigida por Santiago Gobernori e interpretada por Victoria Baldomir y Sabrina Zelaschi, que fueron premiadas por su trabajo allí. Aquí las chicas pidieron incorporar un personaje masculino, proponiendo a Nicolás Giménez para sumarse al equipo. El autor aceptó la moción y los buenos resultados están a la vista.

Las interpretaciones son estupendas, en lo personal nos deslumbró la composición de Victoria Baldomir, con un magnetismo y una energía contagiosa. Súper expresiva y con mucha chispa, se luce en cada intervención y gracias a su hermosa voz, tendremos momentos musicales para poner en un cuadrito. Nos encantó el trabajo de Victoria, simplemente genial.

Pero no seamos injustos con los demás, Sabrina Zelaschi es el contrapunto perfecto, componiendo a una joven introvertida, que no logra superar su reciente separación. Como dato de calor mencionar que su ex novio, era el hermano de su entrañable amiga. Histriónica y también muy expresiva, compone a un personaje querible, que genera empatía y ternura en los espectadores. Estupenda composición de Sabrina.

Cierra el elenco, Nicolás Giménez, que como dijimos se sumo para este obra a una dupla aceitada y vaya que fue positiva la incorporación. Con mucha presencia y carisma, compone a un personaje bonachón y entrañable. Gran aporte con la guitarra para los números musicales y despolitante en el papel del Depre. Porque no lo dijimos aún, pero el trío protagónico, además del personaje principal que llevan, desdoblarán otros personajes. 

El trío virtuoso que protagoniza la obra, es el motor de la misma, ya que como siempre decimos puede haber una buena idea, un texto ingenioso, pero si luego fallan los intérpretes, todo puede naufragar. Aquí ocurre lo contrario, los actores potencian las virtudes del texto y con mucho compromiso, se lucen  en escena, mostrando mucha química y estando en sincronía, ya que la obra exige en muchos cuadros una muy buena repentización.

La puesta es otro punto muy alto, atractiva desde el arranque e irá envolviendo al espectador por su dinámica y creatividad. Es muy bueno el diseño escenográfico de Micaela Sleigh y Claudio Biancuzzo con ese logrado estudio de radio como centro neurálgico de escena. Muy bueno el diseño lumínico de Ricardo Sica y lo dicho en cuanto a la música, componente fundamental de la pieza, que se nutre con temas pegadizos y letras inteligentes.

Ya no queda demasiado para agregar Conurbano Cotidiano, es una obra que sabe mirar la realidad y la teatraliza, apareciendo con mucho humor las problemáticas que ocupan hoy a los jóvenes de clase media de nuestro país, que tienen dificultades para alquilar, que piensan que solo con una herencia podrían comprar una casa, y que deben preocuparse por que los ladrones no les arrebaten lo poco que tienen . A estos temas puntuales de nuestra actualidad de crisis, se les agregan temas más universales como los desengaños amorosos, la incertidumbre que es algo normal en esa etapa de la vida, las redes sociales y las adicciones tan al alcance de la mano en estos tiempos.

Recomendamos especialmente la obra, que resulta una muy buena radiografía de lo que viven los jóvenes en la actualidad , con el gran mérito que se introduce la temática en una puesta muy entretenida, con mucha música y momentos teatrales deliciosos, como la sesión de títeres con las manos, que ejemplifica el mensaje que transmite la obra, que deja en claro que con ingenio y creatividad se puede lograr mucho en el teatro y si a ellos le sumamos actores talentosos, el resultado final es excelente. Por eso, los invitamos a que conozcan esta divertida propuesta y esperemos no llueva la noche de función, para que puedan ir y volver en moto, sin que se mojen.

Pensador Teatral.

Los Gestos Bárbaros

Dramaturgia de Juan Ignacio Fernández. Dirección de Cristian Drut.

Miércoles 20 30 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Un texto oscuro y potente llega de la mano de Los Gestos Bárbaros, una propuesta que nos hablará de vínculos familiares rotos, traumas del pasado que pesan en el presente y la enrome dificultad para entablar un diálogo civilizado con el otro. Una familia atravesada por la violencia y por experiencias traumáticas que sin dudas tuvieron sus consecuencias.

El proyecto tuvo su génesis en el documental catalán " Más alla del espejo ", que mostraba a personas que sufrían de manera repentina una enfermedad cerebral y a partir de ello modificarían su percepción de la realidad, Valentina Bassi, una de las protagonistas, lo vío y quedo impactada por el mismo, consultando enseguida de verlo a Cristian Drut, si desde allí podría nacer una obra teatral. La respuesta fue afirmativa y pronto se sumaron Laura Novoa otra de las protagonistas y Juan Ignacio Fernández en la dramaturgia.

En tiempos de post pandemia, empezaron a charlar en un bar del documental, impactados por la idea de como de un día para otro, una enfermedad que afecte nuestra mente, nos puede cambiar totalmente la vida, perdiendo noción de la realidad y como debimos hacer malabares para seguir con una vida lo más normal posible. Pero es necesario que exista una enfermedad mental o en ocasiones nuestra mente viene con alguna limitación o marca, que dificultarán nuestras relaciones familiares y los vínculos que generemos.

De esas charlas y varias revisiones, nació Los Gestos Bárbaros, que nos hablará del regreso de Emilia ( Valentina Bassi ) a la casa familiar, luego de quince años de ausencia. Pero antes de llegar, sufre un grave accidente en la ruta que dejó su secuelas, ya que perdió la memoria. No podía recordar el motivo de su vuelta después de tantos años y mucho menos explicar porque llevaba un colchón en el auto, lo que indicaría la intención de quedarse por un tiempo.

La obra parte de un reencuentro familiar. Emilia, la hija del medio de tres hermanos, vuelve a la casa de sus padres luego de quince años de ausencia. Pero antes de su llegada, sufrirá un accidente automovilístico en el camino que le demandó días de internación. Tiene lagunas mentales y le cuesta recordar. El médico le dijo que será un proceso largo . Su cabeza está confusa y el reencuentro familiar hace estallar toda una serie de conflictos que permanecían latentes.

El reencuentro con la familia  no será nada fácil , los médicos anunciaron que la recuperación sería un proceso, que llevaría un tiempo. Había que tener paciencia, pero muy pronto le pedirán respuestas. Porqué se había ido hace quince años ?? En todo ese tiempo, nunca se le ocurrió volver ?? Y ahora porque regresa de improviso ?? Y ese colchón ?? La imposibilidad de dar respuestas generaban momentos incómodos y de desconfianza.

En aquel hogar se respira una atmósfera de tensión, con una madre manipuladora que lleva la batuta, apoyado por Eduardo, su hijo mayor, que siguiendo el legado familiar del abuelo y del padre, está luchando para lograr la candidatura como intendente de la pequeña ciudad en que viven. Deberá lidiar con Tadeo, el hermano menor, la oveja negra de la familia, que tiene una muy mala relación con su madre y en sus tiempos libres se dedica a quemar campos de soja, en un claro guiño a la actualidad de nuestro país. El cuadro desquiciado, lo completa Isa, la esposa de Eduardo , que no está para nada feliz con su rol de madre, abriendo un muy interesante debate aquí, ya que la dramaturgia no idealiza la maternidad, sino todo lo contrario, algo que no es habitual.

La trama tendrá una tensión permanente y con un recuerdo del pasado, que si recuerda Emilia y será un hito fundamental de la historia, nos referimos al suicidio del padre, que ocurrió poco antes de su partida de la casa y del pueblo. Sin dudas el hecho fue traumático para toda la familia y modificó el esquema de las jerarquías familiares, con resultados que por lo que podemos apreciar no fueron nada positivos. Y hasta allí vamos a contar, para que no quitar sorpresa, ya que la trama tiene una buena cuota de suspenso.

Tiempo de hablar de las actuaciones que presenta la obra, que realmente hacen la diferencia. Decimos esto por la calidad de los trabajos y por la importancia del elenco reunido que resulta un lujo para el teatro independiente, siendo algo que se nota mucho en una historia que resulta compleja y que requiere actores con mucho recorrido para no naufragar, logrando acá potenciar mucho el relato, con composiciones sobresalientes y personajes muy bien elaborados.

Son cinco los actores en escena y a nosotros que siempre nos gusta remarcar la actuación más destacada , estamos en aprietos aquí para determinarlo ya que todas son muy buenas. Corriendo el riesgo de ser injustos y para no abandonar nuestra costumbre, diremos que la composición que más nos gustó, fue la de Silvina Sabater, como Alicia, una madre manipuladora y bastante cruel, que disfruta siendo el centro de atracción de la casa. Gran presencia escénica de Silvina, con una fuerza dramática que destaca y con momentos realmente hilarantes.

Cuando nos referíamos a que el elenco era un lujo, sin dudas pensábamos en Velentina Bassi y Laura Novoa, que fueron parte fundamental en el nacimiento del proyecto y ahora en el escenario. Valentina, como Emilia, será el personaje clave de la historia, ya que su llegada al pueblo, desatará recuerdos y tensiones. Muy bueno su trabajo. Y que decir de Laura Novoa, como Isa , con un personaje que deja mucha tela para cortar, siendo una madre madura totalmente desbordada desde lo emocional y con un conflicto grave respecto a su maternidad, no aceptando ese rol. Impecable lo de Laura.

Y ante semejantes interpretaciones femeninas, que decir de los papeles masculinos, ambos se destacan mucho. Ignacio Rodriguez de Anca, parece ser la figura más seria de a familia y una especie de ordenador de la misma, aunque por momentos también perderá el control, algo muy normal en esa familia. Franciso Bertín, es Teo, el benjamín de la familia, disfruta de su rebeldía y de hacer la suya, sin importar lo que opinan los demás. Con un histrionismo a flor de piel y una energía altísima, realiza una composición estupenda.

Si alguno piensa que exageramos con los elogios, los invitamos a que vean la obra y les aseguramos que van a coincidir con nosotros. Son cinco trabajos individuales para disfrutar, con espacio para el lucimiento y se potencian en el conjunto. Un plus, es su identificación con el proyecto, algo que se traduce en el compromiso y la entrega que muestran en escena.

La puesta de Cristian Drut, es atractiva y sombría, logrando ese ambiente oscuro y dramático que la trama pide. Colaboran mucho para ello, el diseño sonoro de Daniel Melero y la iluminación de Alejandro Le Roux, que suman para esa atmósfera perturbadora y espectral que la historia propone. Por último mencionar el diseño escenográfico de Marcos Di Liscia, con elementos muy particulares, como un sillón roto, una pila de ropa vieja y esas tacitas vacías de té que los personajes esgrimirán en algún momento como autómatas.

En definitiva, una propuesta fuerte e inquietante la que llega con Los Gestos Bárbaros, una tragicomedia que nos hablará de vínculos familiares rotos e incompletos, violencia y relaciones tóxicas por doquier. Además la obra,  nos hablará de la locura y de la desidealización de la maternidad, algo que al resultar políticamente incorrecta, pocas veces puede verse en escena.

En su segunda temporada, en su nuevo hogar de Hasta Trilce, la obra no pasa desapercibida y moviliza al espectador, que muchas veces se reira de manera nerviosa por lo cruel de algunos comportamientos que la trama deja al descubierto. Una excelente oportunidad para disfrutar del elenco reunido, que nos permite disfrutar de un relato tan potente, como perturbador, que nos dejará mucho espacio para la reflexión y nos recordará que cada familia es un mundo, en algunos casos más oscuro del que imaginamos.

Pensador Teatral.

Instrucciones para ser una Idishe Mame

Dramaturgia y Dirección de Sebastián Kirszner.

Sábados 18 30 y 20 30 hs en La Pausa Teatral ( Luis Viale 625 )

El teatro nos convoca en esta oportunidad para una masterclass, si tal como leen. Mirta Goldstein la protagonista de la obra, es quien se encuentra a cargo de la carrera de grado que transmite los conocimientos básicos para convertirse en una auténtica Idishe Mame o madre judía, por si alguien necesita traducción. 

Los espectadores se convertirán en alumnos de una prestigiosa institución y de esta instructora particular, que elegantemente vestida, disertará sobre los pilares que deben cumplirse para ser idishe mame, con todas las letras. La clase tendrá mucho humor, pero también mucho de real, a juzgar por las reacciones del público / alumno que asentirán y se reirán con cada exposición de Mirta.

El texto de Sebastián Kriszmer es muy divertido y se nutre de muchas anécdotas de la colectividad. Este joven autor en los últimos años, se erigió como un exponente de la dramaturgia judía, trayendo a escena sus tradiciones y costumbres, con un toque fresco e irreverente, pero conservando la identidad y el legado hacia las nuevas generaciones. Uno de los méritos de Sebastián es saber introducir la temática judía, en la realidad argentina, logrando que los espectadores, sean de la colectividad o sean goys, como nuestro caso, puedan disfrutar del texto por igual.

En esta oportunidad, tendremos un unipersonal en formato educativo, que resulta original y muy entretenido. A las enseñanzas teóricas, la protagonista le sumará anécdotas de su infancia, los principios que toda buena madre judía debe cumplir y actualidad ya que contará como le está yendo a ella como Idishe Mame, porque tiene un hijo que no le facilita las cosas y que la obligará a desplegar todas sus habilidades como idishe para tenerlo cerca.

Y hasta allí vamos a contar, porque la obra tiene muchas sorpresas reservadas y esta bueno que se sorprendan, como lo hicimos nosotros. Momento de hablar de Silvia Kanter, la protagonista del unipersonal, que se convertirá en Mirta Goldstein, una profesora amorosa, experta en el arte de la manipulación y la generación de culpa. Para destacar su presencia escénica y su carisma, ya que desde el arranque atrapará al público con su relato.

Destacamos la manera en que Silvia logra romper la cuarta pared, logrando complicidad con los espectadores,  logrando su participación, ya que en algún momento entona una canción y requiere la ayuda de la platea. Con dulzura y pasión, Silvia logra componer a una idishe mame adorable, que resulta cercana y reconocible por el público. Entrañable su composición.

La puesta como dijimos es atractiva y dinámica. Hay una pantalla donde se proyecta un power point con nociones básicas del curso. Tendremos momentos musicales y el humor siempre como bandera. Sebastián vuelve a ofrecernos un humor sano que consigue reírse de lo propio, jugando con la ironía, pero siempre con mucho respeto por las tradiciones y el legado de su colectividad. 

En definitiva, una muy divertida propuesta la de Instrucciones para ser una Idishe Mame, que sigue la linea de anteriores espectáculos de este joven autor, que ya se está convirtiendo en un clásico en retratar las vivencias y las tradiciones de la comunidad judía en Argentina, teniendo muchos guiños para los miembros de colectividad y permitiendo que los que miran desde afuera, entiendan y aprendan muchas cuestiones, que no conocían de primera mano.

Como plus, ha sido nuestra primera visita a La Pausa Teatral, es su nuevo hogar, a unas pocas cuadras del Cid Campeador, que resulta cómodo y moderno. Un sitio ideal para ser parte de esta clase magistral, que de la mano de la protagonista, nos introduce en el tierno mundo de las madres judías, que resultan un modelo de amor incondicional.

Pensador Teatral.

Luntai

Dramaturgia y Dirección de Malena Pérez Bergallo.

Jueves 21 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Una propuesta sensible y con mucha magia llega de la mano de Malena Pérez Bergallo, que con una dramaturgia muy rica en creatividad e imágenes, nos hablará de como se articulan los vínculos familiares ante la pérdida y el dolor que nos produce la muerte de un ser querido y más cuando la desaparición es inesperada.

En la obra se nos presentará a una familia china que vive en Argentina y trabaja en una tintorería, para desconcierto de algunos clientes, que cuestionan porque no tienen un supermercado o una lavandería, como hacen la mayoría de las familias de su comunidad, en vez de dedicarse a un rubro que por lo general, es atendido por la comunidad japonesa, siendo este un guiño claro de la dramaturgia para la sonrisa del espectador.

La trama tiene momentos muy divertidos y juega con habilidad con el choque de la cultura oriental y la argentina, mostrando los contrastes notorios, en especial en costumbres y rutinas. Sin dudas que estos momentos de humor, tienen mucho valor, ya que ayudan a amortiguar el fuerte drama que presenta la historia central de la obra.

La familia deberá soportar las esquirlas provocadas por la muerte de Tian, el hijo adolescente que se suicidó en el mar, no dejando pistas, ni explicación del porque de su trágica determinación. Y la tragedia pegará de diferente manera a cada integrante de la familia. Yun el hermano más chico no quiere ir a la escuela, Xian la hermana, perdió el habla y el abuelo Yi Jie, no quiere atender la tintorería y prefiere mantener el negocio cerrado. Las reacciones son diferentes, pero en todos los casos el dolor por la pérdida inexplicable es el denominador común y ronda en el aire esa sensación de no querer bajar los brazos y seguir adelante, aunque ninguno sabe  bien como.

Y que decir de Lan, la madre, que no puede soportar la pérdida y decide irse en busca de alguna respuesta. Decide dejar la tintorería y a su familia, para emprender un viaje al recóndito bosque de Luntai, una comarca poblada de álamos dorados que crecen en la arena. En esa región vive una tribu misteriosa y casi secreta, que casi no tiene contacto con el mundo civilizado y viven aislados, abrazados a sus tradiciones ancestrales. La leyenda dice que esa población se puede comunicar con los muertos y por ello Lan los buscará, su deseo más profundo, es poder dialogar aunque sea unos segundos con su hijo muerto, para preguntarle porque tomó esa decisión y para saber si ahora está en paz.

Pero esa región es muy peligrosa, hay serpientes, animales salvajes y hasta dragones se atreven a afirmar algunos lugareños. No es un lugar recomendable para una mujer sola. Y será por ello que Yong, su novio, un par de días después que Lan, partió de viaje y sin tener noticias de ella, emprenderá un viaje hacia esa vasta región, con la esperanza de encontrarla y traerla de vuelta, tal como prometió al menor de la familia, que como el resto espera con ansias su regreso.

Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, la trama virará entre lo que sucede en Argentina, con la familia atendiendo la tintorería, a la espera de noticias desde China y lo que sucede en el bosque cargado de seres sobrenaturales y leyendas que parecerán más reales de lo que podíamos imaginar. Que sucederá en el bosque, con la madre, con su novio que fue en su búsqueda y con la tribu misteriosa, es algo que recién descubrirán cuando vean la obra.

Nos gustaron mucho las actuaciones, que son las que sostienen un relato que tiene su complejidad. Son cinco los actores en escena y los trabajos son muy buenos. En lo personal las composiciones que más nos gustaron son la de Alejandro Segovia como el niño Yun, en una caracterización que deja en claro las convenciones teatrales, decimos esto porque no conocemos muchos niños con bigote tupido. Alejandro destaca por su presencia escénica y su energía. En el mismo escalón, colocamos a Lucia Adúriz, como Xian, su hermana, personaje sensible que se luce mucho, regalando al espectador algunas canciones en idioma chino que suenan muy lindo.

Pero no seamos injustos con los otros integrantes del elenco, Pablo Bronstein, es el abuelo, a cargo del hogar, trata de transmitir siempre calma a los demás, pese a la tragedia que se huele en el aire. Luciano Káczer es el novio de Lan y con valentía viajará al bosque a buscarla de regreso, a sabiendas de lo peligros que resultará su travesía. Georgina Hirsch es Lan, la madre que tratará de sanar las heridas, en un viaje con muchos condimentos sobrenaturales. Los tres cumplen muy buenos trabajos y colaboran en el conjunto que es la obra.

La puesta resulta atractiva y tiene un aura de misterio que envuelve al espectador. Un punto muy alto es el diseño escenográfico de Victor Salvatore, que recrea la tintorería donde trabaja la familia, con gran cantidad de percheros y todo tipo de ropa colgando. Excelente ambientación que también servirá para que el espectador imagine el otro lugar donde se desarrolla el relato, que es el bosque de álamos, que luce escondido. Colabora en las diferencia de planos, el muy buen diseño lumínico de Lailén Alvarez. Otro ítem para mencionar es la música original de Eugenia Jolly.

En definitiva, Luntai es una propuesta original y arriesgada la que nos presenta Malena Pérez Bergallo, presentando una historia que nos acerca muchos aspectos de la milenaria cultura oriental, con sus leyendas y tradiciones. El relato tiene una cadencia y un tono reposado, que puede asociarse con la sabiduría china y el pensamiento que transmite su cultura.

Los invitamos a descubrir el viaje que propone la obra, que desde un punto de vista particular, mostrará las diferentes maneras que tienen las personas para atravesar los duelos, quedando al descubierto que muchas veces, el dolor nos condiciona tanto, que simplemente hacemos lo que podemos, para seguir adelante. Por eso, recomendamos vayan con el pasaporte al día y provisiones, para poder llegar al bosque de álamos dorados, en los que con la ayuda de los lugareños y los dioses que allí habitan, tal vez nos podemos comunicar con nuestros muertos.

Pensador Teatral.

Damas Bravas

Dramaturgia y Dirección de Alfredo Allende.

Domingos 19 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Una comedia tan divertida como atractiva llega de la mano de Damas Bravas, que indaga en nuestra historia, recreando los tiempos de nuestra independencia y realzando la figura del General San Martín, que si bien no aparece físicamente en escena, estará siempre omnipresente en el relato y en la mente de las mujeres que darán vida a la obra.

Las acciones se desarrollan en la Nochebuena de 1816, momento en que el General San Martín alista las tropas en el Plumerillo, son los últimos preparativos, para la expedición que buscará el glorioso Cruce de los Andes y resta elegir a la única mujer que formará parte de la travesía. En Mendoza Capital, más precisamente en la casa de Manuela, una dama de la alta sociedad mendocina, la dueña de casa recibirá en su casa a Dolores, una valerosa viuda chilena. Ambas admiran la hombría del General y tienen como sueño ser las elegidas para ir la expedición.

Se sacarán chispas entre ellas, con acaloradas discusiones que incluyen empujones y fuertes palabrotas. Quien tratará de calmar las aguas es la Madre Juana, que llegó con sus hábitos desde España, para predicar la palabra de Dios. Y quién será testigo de la ambición de estas mujeres y su disputa, es Piré, la críada mapuche de Manuela, que simula no entender nada, pero tiene el oído muy atento a todo lo que sucede.

En vísperas de Nochebuena, tendrán una visita tan inesperada, como honorífica, ya que llegará la mismísima Remedios, la joven esposa de San Martín, que con una salud muy frágil, tiene como tarea importante criar a Merceditas, nacida hace pocas semanas. La Ciudad de Mendoza está casi sin hombres, ya que la gran mayoría dejó la ciudad, para formar parte del ejército y luchar junto al General, por eso estas mujeres deciden pasar juntas esa noche tan especial.

Remedios será quien decidirá cuál sera la mujer que formará parte de la Expedición, pero para ella, hay algo más importante, una tarea noble que las mujeres deben realizar, esa tarea será bordar la bandera argentina que el Ejército de Los Andes llevará para el Cruce. Para conseguir los fondos necesarios, estas mujeres mendocinas de la alta sociedad  debieron donar alguna de sus joyas más valiosas.

Y hasta allí vamos a contar, para no adelantar tanto. La dramaturgia de Allende, tiene la gran virtud de presentar hechos históricos verídicos y que muchos recordamos haber leído en nuestro libros de historia, pero con un enfoque particular, ya que les agrega una muy buen componente de ficción, para conseguir un relato muy divertido, que genera risas en la platea. Y como muchos veces se dice, nada mejor que conocer o recrear hechos de nuestra historia en forma entretenida.

Momento de hablar de las actuaciones que tiene la obra, que son realmente para destacar. Son cinco las actrices en escena, todas ellas pertenecientes al grupo Síndrome de Eureka, que en esta ocasión se asociaron para el proyecto con Alfredo Allende autor y director de la obra. Alfredo había visto un espectáculo del grupo y se acercó a ellas, con la idea de escribir una obra para ellas. La idea las sedujo y así fue como nació Damas Bravas, que tuvo algunos ajustes, una pandemia en el medio, pero que finalmente llegó a muy buen puerto.

Y hablemos entonces de las actrices, en trabajos muy parejos por lo bueno. Destacamos especialmente la composición de Florencia Pineda como Manuela. la temperamental dueña de casa, mendocina de buen pasar, que muestra una gran presencia escénica y carisma, manejando en gran forma la ironía. Nos gustó mucho el trabajo de Florencia. Otra interpretación que nos encantó fue la de Julia Nardozza, como la desopilante Madre Juana, que tiene una tarea casi imposible como es poner paz y frenar las discusiones en esa casa. Con un histrionismo a flor de piel y mostrando sus habilidades en el piano, compone un personaje muy festejado por el público.

Pero no seamos injustos con el resto del elenco, ya que todas las actrices se lucen. Flor Orce es Dolores, una viuda chilena de armas a tomar, que genera momentos muy divertidos en sus discusiones con Manuela. Florencia Patiño es Remedios, la joven esposa del General San Martín, que aparece con Merceditas en sus brazos. Para el final dejamos a Mirna Cabrera, como Piré, la críada de orígen mapuche, que con sus costumbres y creencias, parece no encajar allí. Un personaje muy querible el de Mirna.

Se nota mucho la química que tienen las actrices entre ellas, con solo mirarse parecen entenderse y eso le otorga dinamismo a la trama, que además de todos los diálogos divertidos que tiene, presenta muy buenos momentos musicales. No podemos dejar de destacar los extravagantes peinados de las actrices y el vestuario que lucen las protagonistas, caracterizando muy bien a los personajes de época.

Una propuesta muy valiosa la de Damas Bravas, ya que partiendo de un hecho histórico, ofrece una comedia muy entretenida, resaltando la figura de San Martín, pero poniendo el foco en la historia de las mujeres de la época, olvidadas muchas veces por los historiadores, pero que cumplieron un papel muy importante en aquellos años. Otro mérito es que el relato se sitúa en Mendoza y muestra como la provincia colaboró de manera muy activa, con mano de obra, impuestos y donaciones, que financiaron aquella gesta.

Nos reímos mucho con la obra, que con habilidad explora el lado B de una gesta histórica como fue el Cruce de los Andes, desde el ángulo femenino, con mucha ironía y mostrando que la historia también puede ser contada de manera divertida, de la mano de este grupo talentoso de actrices, que riegan el relato con humor y por supuesto con buen vino.

Pensador Teatral.

Jarra de Porcelana

Dramaturgia de Florencia Aroldi. Dirección de Mariano Dossena.

Sábados 20 hs es Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 )

Un potente thriller piscológico llega de la mano de Jarra de Porcelana, texto de Florencia Aroldi, que se inspira en la novela Rotxs de Pelcha Bayer, extrayendo de ella solo un personaje,  el de José, un escritor que se encuentra en su monoambiente, junto a un cadáver, sin recordar que sucedió. Por lo tanto, la novela escrita con muchos personajes, será convertida por Florencia en un unipersonal y este cambio será uno de los conflictos fundamentales de la historia que veremos.

Al entrar en la sala, los espectadores se sorprenderán con el dispositivo escénico que tiene la obra. Hay una cubo transparente, que funciona como una especie de prisión para quien dentro se encuentra, un hombre vestido totalmente de blanco, como todo lo que hay en el interior, un pequeño banco, un grabador, un libro y hasta piezas de un maniquí desparramadas por el piso, todo ello un color blanco prístino El hombre parece dormido y en el comienzo del relato, veremos su despertar con sonidos gututales, que parecen más propios de un animal que de un ser humano-

El misterio está instalado desde el arranque y el espectador deberá resolver los múltiples acertijos que presenta la historia. El hombre encerrado entre esas paredes transparentes se muestra confundido y contrariado. Recuerda haber escrito una obra, pero lo que sucede no concuerda con ella. Donde están el resto de los personajes ?? El se encuentra solo y tiene que llevar adelante un unipersonal, cuando esa no era la idea original. Se lo nota agobiado, quiere salir de allí, pero no hay una puerta. Está solo allí y su mente no para de maquinar.

Le habla a una mujer que no sabemos si es real o solo producto de su imaginación. Dialogan acerca de la obra, pero se enoja cuando ella le pregunta si tomó la medicación y sostiene que no la necesita. Será una actriz del elenco o su acompañante terapeútica  ?? El es realmente un escritor, acaso un escultor o es un paciente psiquiátrico ?? Y en el suelo, hay un maniquí o es el cadáver de un hombre al que el mismo mató esa noche ?? . Las dudas lo empiezan a acorralarlo. Él se calma a si mismo, diciendo que es ficción todo lo que está pasando, que es un actor  y que no hay nada de que preocuparse. Pero las señales que los espectadores avezados, observan desde su butaca, parecen contradecir ese pensamiento.

A medida que los minutos pasan, la inquietud de aquel hombre aumenta y ya no quiere estar allí. Le gustaría salir, pero para ellos deberá encontrar la puerta por donde salir . Pero existirá esa puerta ??  O es su propia mente la que lo mantiene encerrado. Los límites entre ficción y realidad se cruzan de manera permanente. El grabador cuenta una historia que no sabemos si es real. Suena un portero eléctrico imaginario, se menciona a un repartidor de Mercado Libre, la confusión y el agobio van en aumento. Pese a los esfuerzos por  recordar que sucedió aquel día, no logra hacerlo. Aparecen recuerdos de la infancia, pero la confusión en su mente es grande y la desesperación empieza a ganar terreno. Tal vez quitarse la vida, sería la única manera de terminar con la presión que lo está oprimiendo.

Y hasta allí vamos a contar, para no develar más, la obra irá dando pistas y dejando al descubierto capas de una historia, que navega hábilmente entro lo real y la ficción, entre la imaginación y la locura. La trama atrapa y el espectador deberá tratar de armar el rompecabezas, de una historia rota, como la jarra de porcelana.  Hay fragmentos desparramados, que el protagonista con nuestra ayudar tratará de pegar, para así encontrar la llave que le permita salir del laberinto que lo aprisiona.

Momento de hablar de Cristian Thorsen, el gran protagonistas de la noche, que nos regala una composición fantástica, con una corporalidad y una entrega física que impacta. Tuvimos la suerte el año pasado de ver a Cristian en Diario de un Loco, también un unipersonal, en Poncho Club Cultural y nos deslumbró con su interpretación. Pensamos que esa actuación, sería imposible de superar, pero hoy podemos decir que nos equivocamos, ya que su trabajo aquí es excelso.

Encerrado en esa habitación, por momentos se convertirá en un ser salvaje, en otros será un actor, un niño y también un hombre enamorado. Los cambios en los tonos de voz y en las posturas corporales son notables. Su trabajo es minucioso y por momentos resulta hipnótico. Su interpretación es una montaña rusa de emociones, con momentos dramáticos y otros hilarantes. Nos llevamos escenas que quedarán en nuestro recuerdo, como aquella genial, en que romperá la cuarta pared y saldrá del cubículo para dialogar con el público, buscando su complicidad . Una composición fantástica de Cristian, que sin dudas estará en las mejores que veremos este año, La suerte quiso que estemos en la primera fila y les podemos asegurar que el disfrute fue mayor aún.

La gran performance de Thorsen, tiene como apoyo una puesta sobresaliente, con dos rubros que hay que destacar mucho, uno de ellos es el diseño escenográfico minimalista de Nicolás Nanni con un original espacio escénico, con el color blanco dominando el ambiente y un diseño lumínico impecable de Claudio del Bianco que aprovecha en gran forma la modernidad que tiene esta hermosa sala de Itaca. Y no debemos olvidarnos de Mariano Dossena, un eslabón muy importante del proyecto, ya que encamina el disruptivo texto de Aroldi y ofrece una atmósfera opresiva, ideal para lo que pide el relato y para potencias el gran lucimiento del protagonista.

Ya no queda mucho para agregar, como habrán podido apreciar la propuesta nos gustó mucho. La obra atrapa desde el arranque, su dramaturgia por momentos es compleja y obliga a que el espectador esté atento en todo momento a todo lo que sucede, ya que la obra es abierta y permite diferentes interpretaciones, de acuerdo al enfoque que cada uno quiera darle y esto sin dudas para nosotros es un plus, ya que deja mucho espacio para reflexionar.

Recomendamos especialmente Jarra de Porcelana, una pieza que indaga por los laberintos de la mente humana, hurgando entre los recuerdos, la imaginación y la locura. Un texto potente, una puesta estupenda y en especial una actuación fenomenal se combinan, para que disfruten de este unipersonal, que gracias a la fuerza del boca a boca, está llenando la sala de Itaca en cada función.

Pensador Teatral.-