María Delfina

Dramaturgia y Dirección de Joaquín Gómez.

Domingos 20 30 hs en El Crisol ( Malabia 611 )

Desde Entre Ríos llega esta premiada obra, que nos presentará desde un enfoque particular, la historia de Francisco Pancho Ramírez, el Supremo, caudillo entrerriano, respetado por su camaradas por su valentía y capacidad de liderazgo. Fue unos de los líderes del federalismo, que lucharon contra el unitarismo y el centralismo de Buenos Aires. 

La historia que se cuenta, ocurre en 1821 en una Argentina que se encontraba en un período de tensiones y conflictos entre unitarios y federales, facciones que representaban visiones opuestas sobre la organización del país y la distribución del poder. La dramaturgia irá a esos tiempos y nos traerá una historia de amor muy particular, que no muchos conocen fuera de los límites entrerrianos, nos referimos al amor prohibido entre Pancho Ramírez y María Delfina, una mujer que parece un personaje de leyenda.

María Delfina, la Coronela, tiene una historia con muchas más incertidumbres que certezas, ni siquiera se sabe a ciencia cierta si Delfina corresponde a un nombre o a un apellido. Una de las versiones con más asidero, sostiene que Ramírez la había capturado en unos de sus enfrentamientos con Artigas contra los portugueses, impresionado por su belleza.

Las malas lenguas decían que era cuartelera, una mujer que alternaba con los soldados a cambio de dinero, para mantenerse. Lo que nadie ponía en duda era su valentía y que en el frente, luchaba con coraje y bravura contra el enemigo que se cruzara. Ramírez quedó tan deslumbrado con aquella pelirroja de orígen portugués que había tomado como cautiva, tanto que rompió su compromiso con su novia Norberta y se enamoro perdidamente de Delfina, que sintió lo mismo por él.

Se hizo algo larga la introducción, pero entendemos que era realmente interesante contar algunos aspectos de esta historia que pocos conocen. Yendo a la obra en sí, la misma nos narrará en primera persona, el dolor de María Delfina, que se siente culpable de la muerte de Pancho. Estando en batalla fue alcanza por el enemigo y cuando estaba por ser sometida, el caudillo pudo rescatarla, pero en ese acto heroíco encontró la muerte, siendo decapitado en el campo de batalla.

María Delfina no puede despegarse de su estado de dolor. La culpa y los recuerdos de aquella trágica noche la persiguieron a partir de aquel momento. Fue una noche oscura, donde las traiciones y las conspiraciones estuvieron a la orden del día, en especial de parte de Lucio Mansilla, que estaba a sus órdenes, pero decidió traicionarlo y aliarse con las fuerzas de Buenos Aires. 

Delfina no se perdonaba a si misma, que su gran amor haya muerto por salvarla. No quería salir de su casa, pese a las suplicas de Tadea, la madre de Pancho, que la visita asiduamente y le pide por favor que salga de esa letanía. Le cuentan que hay muchos soldados leales que piden por ella, para que tome las banderas de una la lucha que debe continuar. Pero Delfina parece haber bajado los brazos, ni los ruegos de Tadea, para que la ayude a recuperar la cabeza de su amado, que se exhibe impúdicamente en el Cablido de Santa Fé, parecen tener efecto.

El recuerdo de Pancho en su mente es permanente, tanto que su figura fantasmal se hará presente en el escenario, para ver y hablar con su amada. Y hasta allí vamos a contar, ya que la trama tiene una muy buena cuota de suspenso que no queremos adelantar aquí, para no quitar sorpresa.

Es buen momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra y quien se lleva los mayores elogios es Irene Castel, por su sentida composición de María Delfina. Con gran presencia escénica logra transmitir todo el dolor que invade a su personaje. Con sensibilidad y muy buen manejo de los emociones, realiza un gran trabajo Irene.

La otra mujer fuerte de la pieza es María del Valle Strada como Tadea, la madre de Pancho. Dolorida también por la muerte de su hijo, quiere venganza y no acepta que la memoria de Ramírez, sea pisoteada. Con mucho carácter, logra mostrar el amor de una madre herida, que no quiere resignarse. Nos gustó mucho el trabajo de María del Valle. Con una participación menor, no queremos dejar de mencionar la buena labor de Gustavo Lencina, como Portes, al que muchos sindicaban como uno de los traidores, que aprovechando que ya no esta el caudillo, querrá el amor de Delfina. 

Para el final, dejamos a Joaquín Gómez, el autor, director y hacedor de este proyecto, que se calza un impecable uniforme, para representar a Ramírez, recordando los encuentros amorosos con Delfina, los momentos dramáticos vividos en el campo de batalla y el presente fantasmal. Destacar la presencia escénica de Joaquín, a la altura del peso del personaje que representa.

La puesta que se presenta en El Crisol es despojada, las interpretaciones son las que llevan adelante la trama y vaya si lo hacen bien. Para destacar como al relato se le intercalan, los momentos dramáticos y flashbacks de aquella noche fatídica. Items a destacar el diseño de vestuario de Jimena Biga, que hace lucir a los personajes y el bello diseño lumínico de Horacio Novelle, que mucho colabora a construir la atmósfera sombría que envuelve a la trama.

Queremos resaltar lo valioso que resulta que una obra nacida en el Interior, que cuenta una historia muy rica de su provincia, puede llegar a presentarse en la cartelera porteña, ya que sin dudas la refresca y la realza, recordando que no solo en Buenos Aires hay excelentes espectáculos teatrales y muy buenos actores. En el teatro independiente donde todo se hace a pulmón, que una obra pueda viajar hasta aquí, todos los días de función para poder presentarse, es un gran sacrificio económico y una muestra de amor por el teatro, que en lo particular nos emociona.

Por eso, solo queda recomendar la obra, que estará despidiéndose pronto de Buenos Aires, pero que seguirá muy viva presentándose en su provincia y en todo el país, homenajeando a Francisco Pancho Ramírez. caudillo entrerriano, figura destacada en la lucha de la Independencia Argentina y su amada María Delfina, que juntos evocan la idea del amor verdadero que logra superar cualquier obstáculo, incluso el paso del tiempo y la muerte.

Pensador Teatral.

La Revancha

Dramaturgia de Rubén Stella. Dirección de Eduardo Lamoglia.

Miércoles 20 30 hs en EL Tinglado ( Mario Bravo 948 ) 

Una entrañable propuesta llega de la mano de La Revancha, comedia dramática que nos invita a reflexionar, acerca de los adultos mayores, poniendo el foco en aquellas personas que trabajaron toda su vida y siente que al llegar a determinada edad, la sociedad decide excluirlos y los trata como personas que ya nos son útiles y se los deja de lado en muchas áreas de la vida cotidiana

Como reflexión personal, resulta todo una paradoja, observar como se desaprovecha a las personas mayores, con la experiencia y sabiduría que acumularon a lo largo de todo su vida Se los deja de lado,  porque la tendencia cool es darle espacio a los jóvenes y a toda una corriente de nuevas tecnologías, sin pensar que valioso que sería escuchar las opiniones y los consejos de quienes han recorrido todo un camino y ahora están en una posición de enseñar.

Esto que mencionamos, respecto del destrato a las personas mayores, es algo común en la mayoría del mundo, tal vez en algún país oriental puede verse algo diferente y allí haya sociedades donde se los valora y respeta. Pero en la mayoría de los países occidentales, con sociedades de consumo voraces, se los excluye sin ningún miramiento. Además no se tiene en cuenta que muchos adultos mayores, no quieren quedarse en casa y son capaces de seguir aportando a la sociedad de diversas formas, ya sea a través del trabajo pensante, el voluntariado y simplemente compartiendo su sabiduría con otros.

En Argentina el problema se agrava, ya que además de todo lo mencionado, aparece el factor económico a agravar la situación. Jubilaciones de miseria que no permiten a nuestros abuelos vivir con la dignidad merecida. Trabajaron todo su vida y ahora en la última etapa, en muchos casos deben recurrir a la ayuda de la familia, quienes tienen esa suerte, para poder satisfacer sus necesidades mínimas y ni hablar de poder darse algún gusto.

Se hizo algo larga la descripción, pero todo lo dicho es tomado por la dramaturgia de Rubén Stella, que refleja toda esta injusta situación, es los personajes de La Revancha, Tito ( Daniel Miglioranza ) y Cacho ( el propio Rubén ) , amigos de toda la vida, que todas las tardes se reúnen en el banco de una plaza, para tomar mate juntos y mascullar su bronca, por sentirse excluídos y olvidados por los políticos que deciden tomarlos como variables de ajuste pagándoles una miseria, dirigiendo también sus diatribas hacia los jueces que traban sus reclamos, haciéndolos larguísimos en el tiempo, sabiendo que a los mayores precisamente el tiempo no les sobra, especulando con ese factor. 

Dialogan sobre eso y también tienen bronca por no hacer nada para revertir esto, por no rebelarse. Pero a esta edad podrían rebelarse ?? Tito y Cacho fueron militantes y compartieron todo tipo de momentos en esa militancia. Fueron felices por seguir sus ideales, pero también sintieron la traición de algunos compañeros, que se olvidaron de todo lo que pregonaban y ahora viven como millonarios, gracias a quedarse con lo que no les correspondía.

Y entonces a Cacho, se le ocurre una idea tan descabellada, como reparadora. Y si pasarán a la acción y se vengarán de aquel compañero infiel, que ahora vive como rico y está viajando por Miami. Conocen su casa, saben que no está en el país .. Y si se toman revancha ?? Suena como una locura. Podrían hacer algo así a su edad ??  Pero entre los dos se dan fuerzas y la idea no parece tan loca. Hay un plan y tienen ganas de mostrarse a si mismo que están vivos. Pero hasta allí vamos a contar, para ver si finalmente pudieron cumplir aquel plan, deberán ver la obra.

Las actuaciones que presenta la pieza, sin dudas son lo más valioso de la misma. Reunidos dos excelente actores de gran experiencia y con tantas batallas en en escenario, nos regalan composiciones estupendas ambos, que el público disfruta muchísimo. Ambos personajes son tan queribles, como divertidos y generan mucho ternura en el público, que disfruta cada intervención.

Tito el personaje de Miglioranza, tiene algunos problemitas de memoria y a veces se muestra algo temeroso, en comparación con Cacho, representado por Stella, que es explosivo, calentón y muy extrovertido. Los actores muestran una hermosa química entre ellos, se divierten en escena y eso se transmite a los espectadores, que se ríen mucho con las ocurrencias des estos dos viejitos locos, que se sacan chispas en escena.

La puesta es austera, con pocos elementos, solo los necesarios para que la trama fluya. Un banco de plaza, una mesita plegable y un termo, son suficientes para darle el apoyo a dos actores de ley, que se encargan de desarrollar la trama, con la fuerza de la palabra, mostrando que no es necesario mucho más para hacer teatro, cuando hay buena madera. Si, debemos mencionar, la música de Juan Francisco Stella que potencia momentos emotivos de la obra.

No queda nada mucho más por decir, La Revancha es una propuesta valiosa que pone el foco sobre una problemática que todos conocemos, pero seguramente por conveniencia, la sociedad decide normalizar,  el destrato a las personas mayores, olvidando que más tarde que temprano, todos seremos viejos y ocuparemos ese lugar. Por eso, la obra nos ayuda a reflexionar sobre el tema y que bueno sería que gracias a ello, todos pudiéramos con nuestras acciones diarias, mejorar algo y tratar de hacer sentir un poco mejor, a los mayores que nos rodean, que  veces con pequeños gestos, estos puede lograrse.

La obra en lo personal y por situaciones particulares que vivimos recientemente, nos movilizó y fue directo hacia nuestro corazón. Una virtud es ponerle mucho humor a una temática brava, y por eso el público,  se ríe mucho de las ocurrencias de Miglioranza y Stella, que se muestran muy a gusto en el registro e identificados con el texto, sabiendo que la historia que cuentan, tranquilamente podría ser la de ellos. El aplauso sincero y la ovación con que el público los premia al final de la función, es el cierre de oro, para una noche plena de emociones.

Pensador Teatral.

Encuentro de Poetas

Dramaturgia de Ana Yovino y Alejandro Spangaro. Dirección de Ana Yovino.

Domingos 19 hs en Teatro Mil80 ( Muñecas 1080 )

El teatro muchas veces nos permite conocer historias mínimas y olvidadas que tienen gran valor y este es el caso de Encuentro de Poetas, una crónica de amistad, poesía y locura, que recreará el encuentro entre dos escritores Jacobo Fijman y Vicente Zito Lima. Es una historia real, que Ana Yovino y Alejandro Spangaro, decidieron llevar a la ficción, luego de un arduo trabajo de investigación y con gran respeto por los hechos ocurridos.

La obra nos hablará de la búsqueda de Vicente Zito Lema, por diferentes hospicios del país. Le habían pasado el dato, que había un poeta internado hace años en un hospital psiqiátrico, pero no tenía mayores precisiones. La búsqueda duró más de dos años y cuando estaba a punto de bajar los brazos, volvió al Borda, al que ya había visitado antes, porque tenía una pista firme. El diálogo con un interno, que recibió como paga, un puñado de cigarrillos fue clave, ya que indició que en la biblioteca del hospicio, pasaba siempre sus horas un escritor, que resultó ser Jacobo Fijman.

El encuentro finalmente se produjo y se generó una muy buena corriente afectiva entre ambos. Charlaron mucho y a partir de ese momento, Vicente comenzaría a visitarlo de manera asidua, le gustaba entrevistarlo y sumergirse en su poesía, siempre muy cercana a la locura. La amistad entre ellos comenzó a crecer y Jacobo le hizo prometer que al momento de su muerte, debería impedir que le abrieran la cabeza en la autopsia, ya que quería estar presentable cuando lo viniera a buscar su novia, nada menos que la Virgen María.

Vicente le aseguró que cumpliría la promesa y fue por ello que cuando en 1970 finalmente Jacobo murió en el Borda, debió confabularse con un enfermero que trabajaba en la morgue para robar el cadáver y además de evitar que lo abrieran, poder velarlo en la Sociedad de Escritores, en una ceremonia que tendría mucho de ritual poético. 

Esa es la fría historia, pero la magia ocurrirá en el escenario, que será dominado por una vieja y grande caja de cartón que cobrará vida, para albergar un relato cargado de emociones y poesía. Dentro de esa caja, se evocarán los días de Jacobo encerrado en el Borda, su locura y los encuentros con su amigo. Es impactante, todo lo que ocurrirá y nos brindará esa caja, que se irá transformando a medida que el relato avanza. Es difícil describirlo con palabras, hay que verlo en persona. 

El espacio de Mil80 es pequeño, pero tiene un encanto que lo hace casi único, brindando una atmósfera íntima, que parece a medida de esta obra. En la parte superior del escenario, se despliega un mundo paralelo, allí también se reflejará otro imagen de Jacobo, una mujer que podemos intuir es la Virgen y mucho más. Será el cielo o el infierno del Cristo Rojo ?? Preferimos no adelantar demasiado y que lo descubran cuando vean la obra.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra, Alejandro Spangaro que es uno de los autores, es el gran protagonista de la noche, será el presentador de la historia, será Jacobo y también Vicente. Una composición estupenda y multifacética de Alejandro, con una carga emocional y una entrega absoluta. Un verdadero placer verlo a Alejandro en escena y desdoblando con sensibilidad los distintos personajes, jugando siempre con esa caja mágica.

Alejandro Mazza, será el habitante del nivel superior del escenario, con un despliegue físico notable y tocando varios instrumentos musicales artesanales. A Alejandro lo vimos en esta misma sala, en Las Horas Fuera de las Márgenes, hace un par de años, en una actuación que aún recordamos. Aquí es un gran acompañante de Alejandro y aporta una buena cuota de misterio  y misticismo a la trama.

Queremos nombrar también a India, actriz que interpreta a la novia, aportando frescura y momentos musicales muy bellos gracias su hermosa voz. Y si hablamos de belleza musical, mencionar también a Brian Pombinho Suarez, que violín en mano, aportará distinguidas melodías. Son cuatros los actores en escena, que aprovechan en excelente forma el reducido espacio escénico y todos hacen su aporte al conjunto que es la obra.

Hay que dedicar algunas lineas a la fantástica puesta en escena de Ana Yovino y les aseguramos que no exageramos para nada con el adjetivo usado. Hasta el mínimo detalle está cuidado aquí, para lograr una puesta casi mágica. A la caja que ya mencionamos, hay que sumar la música original y el diseño sonoro de Gerardo Morel. Las máscaras de Giselle Bosio y el excelente diseño lumínico de Betina Robles. Todos los rubros mencionados, hacen un aporte fundamental para conseguir esa atmósfera íntima y con toques fantásticos que presenta la obra.

No queremos adelantar más nada, nos cautivó la propuesta de Encuentro de Poetas, que partiendo de una historia real, nos hablará de la locura, la amistad y la muerte, entre otros tópicos, todos estos temas inmersos en la creatividad poética de Jacobo Fijman, que como un rayo de luz se proyectará sobre el  encantador Mil80.

Como dato muy interesante queremos mencionar, que el propio Vicente Zito Lema colaboró con el proceso creativo que tuvo la pieza y pudo estar presente en el estreno de la obra, pese a que por temas de salud ya casi no salía de su casa y disfrutó mucho de la obra.  Dos meses después Vicente falleció y según le comentó la compañera a la directora, aquella ida al teatro, fue su última salida.

Ahora si, le ponemos punto final a esta reseña, recomendando especialmente la obra, que escapando de lo convencional, nos acerca una propuesta tan bella como sensible, que nos permitirá disfrutar de una noche teatral mágica y de un sentido homenaje a estos dos poetas ignorados por las multitudes, que pudieron compartir su poesía y su entrañable historia de amistad y locura.

Pensador Teatral.

Marcados, de por vida.

Dramaturgia de Ricardo Halac. Dirección de Lizardo Laphitz.

Viernes 20 30 hs en Teatro el Ojo ( Juan Domingo Perón 2115 ) 

La virtuosa dramaturgia de Ricardo Halac, se hace presente en Marcado, de por vida, obra con la que cierra una trilogía, que hace foco en las persecuciones que sufrieron los judíos en España. En esta ocasión, se situará en el año 1650 y la atención se centrará en los judíos conversos, eligiendo para ello, presentar la historia de Juan Bautista Diamante, prolífico y destacado dramaturgo, integrante del Siglo de Oro, dueño de una gran obra, pero que no tuvo el reconocimiento merecido, precisamente por su condición de converso.

Y el relato nos ofrecerá la historia de amor de Diamante ( José Escobar ) con una bailarina de taberna ( Carla Di Amore ) de familia judía también, debiendo ratificar su condición de conversos ambos, teniendo que demostrar de manera permanente, que dejaron atrás su pertenencia a la religión judía, debiendo adoptar la religión católica, que es la elegida por la corona española para sus habitantes.

La pareja deberá soportar las visitas de un sagaz funcionario de la Inquisición ( Lizardo Laphitz ) que se presentará de manera periódica en su hogar, para controlar que ya no guardan ninguna de las costumbres judías. Las visitas por lo general se producen los días Sábados, cuando el funcionario buscaba en las casas el aroma de las cocinas de los conversos, a sabiendas que el Shabat prohibía cocinar a los judíos aquel día y si no había olor comida, ya tenían un indicio para sospechar.

La falta del cumplimiento de las normas, tenía como consecuencia la denuncia de aquellos infieles y la pena, podía ser hasta la muerte. De allí se entiende el terror, de aquella pareja y en general de los conversos, que debían soportar las humillaciones de aquel representante de la Inquisición, que respondía a la Iglesía Católica, institución poderosa en aquellos años y que contaba con el respaldo del Estado, por lo que era misión imposible, osar no cumplir las directivas que bajaban a la población.

La historia es dura y atrapante, ya que tomará un personaje real de aquellos años, como Juan Bautista Diamante, que como dijimos no fue tan reconocido por los libros de historia, pese al peso que tuvo en la época, pero que intercactuó con varios personajes de renombre de la época, como Calderón de la Barca, que fue su maestro, el pintor Diego Velázquez o el mismo Lope de Vega. La inclusión de estos nombres, le otorga un mayor relieve al relato y hace que el espectador se situé en el contexto adecuado.

Resulta valioso destacar como la dramaturgia de Halac, al poner en primer plano una historia humano, logra ejemplificar como estas persecuciones, además de injusticias y atroces actos, provocaron que muchas familias se separen. Pero no vamos a contar más, para dejar que la obra los sorprenda y puedan ver en este caso, que sucedió entre Diamante y su amada. Y comprobar,  como el accionar del funcionario de la Inquisición cambió el curso de sus vidas para siempre.

La obra presenta muy buenas actuaciones. Las historias de época, por lo general no suelen ser sencillas para los actores, ya que muchas veces puede costar encontrar el tono adecuado para no caer en la solemnidad, algo que aquí los protagonistas cumplen de muy buena manera.

Arranquemos por José Escobar, que aquí encarna a Juan Bautista Diamante, el protagonista de la historia. José es un actor, con mucha carisma, al que elogiamos ya desde este sitio, por sus trabajos en El Amor es un Bien y Casandra en la Cocina. Aquí en un papel totalmente diferente, se pone en la piel de este personaje del 1600 y muestra estar a la altura del protagónico, con una estupenda composición y dando gala de su versatilidad.

En nuestra opinión, la revelación de la obra es Carla Di Amore, el amor de Diamante, bailarina de taberna, perteneciente a un mundo diferente al del dramaturgo, pero unidos por el amor. Sus fuertes convicciones y sus recuerdos, harán que sea muy difícil ocultar su origen judío y las creencias que mantiene pese a las prohibiciones Carla es una joven actriz, a la que elogiamos el año pasado, por su trabajo en Redención, una interesante propuesta el off y aquí tenía un desafío importante, porque no era sencillo su papel y lo ha resuelto en gran forma, luciéndose en escena, mostrando sus condiciones.

El elenco se completa con Lizardo Laphitz, que además es el director de la obra. De Lizardo, vimos muchos trabajos que lo tenían en la dirección o como autor, pero es la primera vez que lo vemos como actor. Aquí muestra que no se ha olvidado lo que es estar en el escenario, impresionando por su presencia escénica y aplomo, para llevar adelante el papel de villano, como lo es, este experimentado funcionario de a Inquisición, que no tendrá escrúpulos para llevar adelante su función.

La puesta de época, tiene varios puntos para resaltar, uno de ellos el diseño escenográfico de Victor de Pilla, austero, pero efectivo, con los elementos necesarios para darle contexto a la historia. Tal vez el ítem más destacado, sea el vestuario de época de Alicia Guma, que además de caracterizar muy bien a los personajes, le otorga belleza al relato.

En definitiva, consideramos que es una propuesta muy valiosa la de Marcados, que transita ya su segunda temporada en cartel, en primer lugar porque recuerda hechos de la historia, que aunque algunos preferirán borrar, pero que debemos tener siempre presentes y por otro lado, nos ayuda a reflexionar, acerca de como situaciones tan aberrantes que se vivieron siglos atrás, se vuelven a repetir en la actualidad, con otros nombres, pero dejando al descubierto que la humanidad, se encarga de repetir viejos errores y horrores.

Los invitamos a que conozcan la historia de Juan Bautista Diamante, un perseguido de aquellos años por motivos religiosos, como tantos otros hombres de la época. Se encontrarán con la distinguida dramaturgia de Ricardo Halac, la dirección de Laphtiz que hace atractiva a una historia de época y actuaciones muy logradas. Una historia fuerte, que invita a reflexionar y a estar alertas, porque de manera cíclica, la humanidad lamentablemente, siempre se las arregla para mostrar su cara más intolerante y arremeter contra los más débiles.

Pensador Teatral.

Conurbano Cotidiano

Dramaturgia y Dirección de Santiago Gobernori.

Miércoles 21 hs en El Galpón de Guevara ( Guevara 326 )

Una gratísma sorpresa nos llevamos con Conurbano Cotidiano, la última obra del joven dramaturgo Santiago Gobernori, que en esta oportunidad tiene la gran virtud de generar ficción con una historia cotidiana y cercana, donde jóvenes normales de clase media, luchan por vivir el día a día de la mejor manera, superando las crisis económicas, los fracasos amorosos, las adicciones, la falta de trabajo y todo lo que rodea a cualquier joven hoy, que pese a todas los obstáculos, siguen remando en busca de ese futuro feliz, que todos imaginan y en ocasiones, tan lejano parece.

El gran mérito de Gobernori, es que con muy pocos recursos, consigue muchísimo, ya que desde una puesta estupenda, donde la creatividad está en un nivel muy alto, concibe una dramaturgia bellamente artesanal, donde de la mano de un trío protagónico que la rompe en escena, obtendrá momentos teatrales exquisitos, con fragmentos musicales más que destacados, emociones intensas y una diversidad escénica que cautiva, ya que a lo largo del relato, jugaremos mucho con la imaginación, poniendo el acento en lo lúdico y con el humor siempre en primer plano, para alegría de los espectadores que se van a reír mucho a lo largo de la noche, algo tan necesario en estos tiempos.

Las acciones se sitúan en Luján, a 70 kms de la Capital, una distancia interesante, ya que no es tan cerca, pero tan poco tan lejos. Como bien aclaran los protagonistas, se puede viajar sin demasiados problemas para asistir a alguna marcha, recital o hasta visitar alguna pizzeria de la Calle Corrientes, eso sí siempre y cuando no llueva, porque si llueve, ir en moto no sería tan sencillo. Y con el lugar elegido se produce una duda existencial  ?? Es Luján parte del Conurbano o ya está fuera del límite y podemos decir que está en el Area Metropolitana. El autor se divierte con ello, mostrando que sea o no conurbano, las vivencias son las mismas.

En la historia tendremos a dos amigas que viven en Luján, Yamila (Victoria Baldomir) y Tamara ( Sabrina Zelaschi ), juntas conducen un programa de radio local. Están contentas de ser lujaneras y juntas se dan fuerzas,  afirmando que nunca se irían a vivir a la Capital, aunque por el tono de aquellos dichos, no sabemos si creerles o no. A este dúo de amigos se le sumará Chelo, que viene de la Capital, con problemas económicos y cansado del vértigo citadino, añorando la calma pueblerina que sueña encontrar a pocos kilómetros.

El encuentro resulta muy fructífero, las amigas sienten una especie de fascinación, cuando se enteran que el recién llegado trabajo nada menos que en TN, donde conoció a famosos de la talle de Lapegue, Lobo y hasta  el mismísimo Santos Biassati. Sin dudarlo, lo incorporarán al programa de radio que tienen, le darán un lugar donde dormir y lo sumarán a sus rutinas diarias, ya que pronto notarán que tienen bastantes puntos en común.

El humor estará presente en todo momento en el relato, con momentos delirantes, tendremos diálogos divertidos, que dejarán lugar a temas musicales con letras muy pegadizas. Con ayuda de la imaginación nos invitarán a viajar juntos a una marcha, asistir a un taller de poesía y disfrutar de  una sesión de títeres tan genial como desopilante, donde el mismísimo Virrey Sobremonte, que tiene una relación histórica con Luján, estará presente en a historia y hasta allí vamos a contar. La obra tiene un ritmo vertiginoso, los cuadros irán cambiando y hay preparadas muchísimas sorpresas para el espectador, que disfrutará de lo ingenioso y entretenido de un texto, que se potenciará de manera exponencial por el talento del trío protagónico reunido.

Y hablemos ya sin más demora de los protagonistas de esta hilarante historia. Importante mencionar que la génesis de este proyecto tan creativo, fue La Verdad Efímera obra escrita y dirigida por Santiago Gobernori e interpretada por Victoria Baldomir y Sabrina Zelaschi, que fueron premiadas por su trabajo allí. Aquí las chicas pidieron incorporar un personaje masculino, proponiendo a Nicolás Giménez para sumarse al equipo. El autor aceptó la moción y los buenos resultados están a la vista.

Las interpretaciones son estupendas, en lo personal nos deslumbró la composición de Victoria Baldomir, con un magnetismo y una energía contagiosa. Súper expresiva y con mucha chispa, se luce en cada intervención y gracias a su hermosa voz, tendremos momentos musicales para poner en un cuadrito. Nos encantó el trabajo de Victoria, simplemente genial.

Pero no seamos injustos con los demás, Sabrina Zelaschi es el contrapunto perfecto, componiendo a una joven introvertida, que no logra superar su reciente separación. Como dato de calor mencionar que su ex novio, era el hermano de su entrañable amiga. Histriónica y también muy expresiva, compone a un personaje querible, que genera empatía y ternura en los espectadores. Estupenda composición de Sabrina.

Cierra el elenco, Nicolás Giménez, que como dijimos se sumo para este obra a una dupla aceitada y vaya que fue positiva la incorporación. Con mucha presencia y carisma, compone a un personaje bonachón y entrañable. Gran aporte con la guitarra para los números musicales y despolitante en el papel del Depre. Porque no lo dijimos aún, pero el trío protagónico, además del personaje principal que llevan, desdoblarán otros personajes. 

El trío virtuoso que protagoniza la obra, es el motor de la misma, ya que como siempre decimos puede haber una buena idea, un texto ingenioso, pero si luego fallan los intérpretes, todo puede naufragar. Aquí ocurre lo contrario, los actores potencian las virtudes del texto y con mucho compromiso, se lucen  en escena, mostrando mucha química y estando en sincronía, ya que la obra exige en muchos cuadros una muy buena repentización.

La puesta es otro punto muy alto, atractiva desde el arranque e irá envolviendo al espectador por su dinámica y creatividad. Es muy bueno el diseño escenográfico de Micaela Sleigh y Claudio Biancuzzo con ese logrado estudio de radio como centro neurálgico de escena. Muy bueno el diseño lumínico de Ricardo Sica y lo dicho en cuanto a la música, componente fundamental de la pieza, que se nutre con temas pegadizos y letras inteligentes.

Ya no queda demasiado para agregar Conurbano Cotidiano, es una obra que sabe mirar la realidad y la teatraliza, apareciendo con mucho humor las problemáticas que ocupan hoy a los jóvenes de clase media de nuestro país, que tienen dificultades para alquilar, que piensan que solo con una herencia podrían comprar una casa, y que deben preocuparse por que los ladrones no les arrebaten lo poco que tienen . A estos temas puntuales de nuestra actualidad de crisis, se les agregan temas más universales como los desengaños amorosos, la incertidumbre que es algo normal en esa etapa de la vida, las redes sociales y las adicciones tan al alcance de la mano en estos tiempos.

Recomendamos especialmente la obra, que resulta una muy buena radiografía de lo que viven los jóvenes en la actualidad , con el gran mérito que se introduce la temática en una puesta muy entretenida, con mucha música y momentos teatrales deliciosos, como la sesión de títeres con las manos, que ejemplifica el mensaje que transmite la obra, que deja en claro que con ingenio y creatividad se puede lograr mucho en el teatro y si a ellos le sumamos actores talentosos, el resultado final es excelente. Por eso, los invitamos a que conozcan esta divertida propuesta y esperemos no llueva la noche de función, para que puedan ir y volver en moto, sin que se mojen.

Pensador Teatral.

Los Gestos Bárbaros

Dramaturgia de Juan Ignacio Fernández. Dirección de Cristian Drut.

Miércoles 20 30 hs en Hasta Trilce ( Maza 177 )

Un texto oscuro y potente llega de la mano de Los Gestos Bárbaros, una propuesta que nos hablará de vínculos familiares rotos, traumas del pasado que pesan en el presente y la enrome dificultad para entablar un diálogo civilizado con el otro. Una familia atravesada por la violencia y por experiencias traumáticas que sin dudas tuvieron sus consecuencias.

El proyecto tuvo su génesis en el documental catalán " Más alla del espejo ", que mostraba a personas que sufrían de manera repentina una enfermedad cerebral y a partir de ello modificarían su percepción de la realidad, Valentina Bassi, una de las protagonistas, lo vío y quedo impactada por el mismo, consultando enseguida de verlo a Cristian Drut, si desde allí podría nacer una obra teatral. La respuesta fue afirmativa y pronto se sumaron Laura Novoa otra de las protagonistas y Juan Ignacio Fernández en la dramaturgia.

En tiempos de post pandemia, empezaron a charlar en un bar del documental, impactados por la idea de como de un día para otro, una enfermedad que afecte nuestra mente, nos puede cambiar totalmente la vida, perdiendo noción de la realidad y como debimos hacer malabares para seguir con una vida lo más normal posible. Pero es necesario que exista una enfermedad mental o en ocasiones nuestra mente viene con alguna limitación o marca, que dificultarán nuestras relaciones familiares y los vínculos que generemos.

De esas charlas y varias revisiones, nació Los Gestos Bárbaros, que nos hablará del regreso de Emilia ( Valentina Bassi ) a la casa familiar, luego de quince años de ausencia. Pero antes de llegar, sufre un grave accidente en la ruta que dejó su secuelas, ya que perdió la memoria. No podía recordar el motivo de su vuelta después de tantos años y mucho menos explicar porque llevaba un colchón en el auto, lo que indicaría la intención de quedarse por un tiempo.

La obra parte de un reencuentro familiar. Emilia, la hija del medio de tres hermanos, vuelve a la casa de sus padres luego de quince años de ausencia. Pero antes de su llegada, sufrirá un accidente automovilístico en el camino que le demandó días de internación. Tiene lagunas mentales y le cuesta recordar. El médico le dijo que será un proceso largo . Su cabeza está confusa y el reencuentro familiar hace estallar toda una serie de conflictos que permanecían latentes.

El reencuentro con la familia  no será nada fácil , los médicos anunciaron que la recuperación sería un proceso, que llevaría un tiempo. Había que tener paciencia, pero muy pronto le pedirán respuestas. Porqué se había ido hace quince años ?? En todo ese tiempo, nunca se le ocurrió volver ?? Y ahora porque regresa de improviso ?? Y ese colchón ?? La imposibilidad de dar respuestas generaban momentos incómodos y de desconfianza.

En aquel hogar se respira una atmósfera de tensión, con una madre manipuladora que lleva la batuta, apoyado por Eduardo, su hijo mayor, que siguiendo el legado familiar del abuelo y del padre, está luchando para lograr la candidatura como intendente de la pequeña ciudad en que viven. Deberá lidiar con Tadeo, el hermano menor, la oveja negra de la familia, que tiene una muy mala relación con su madre y en sus tiempos libres se dedica a quemar campos de soja, en un claro guiño a la actualidad de nuestro país. El cuadro desquiciado, lo completa Isa, la esposa de Eduardo , que no está para nada feliz con su rol de madre, abriendo un muy interesante debate aquí, ya que la dramaturgia no idealiza la maternidad, sino todo lo contrario, algo que no es habitual.

La trama tendrá una tensión permanente y con un recuerdo del pasado, que si recuerda Emilia y será un hito fundamental de la historia, nos referimos al suicidio del padre, que ocurrió poco antes de su partida de la casa y del pueblo. Sin dudas el hecho fue traumático para toda la familia y modificó el esquema de las jerarquías familiares, con resultados que por lo que podemos apreciar no fueron nada positivos. Y hasta allí vamos a contar, para que no quitar sorpresa, ya que la trama tiene una buena cuota de suspenso.

Tiempo de hablar de las actuaciones que presenta la obra, que realmente hacen la diferencia. Decimos esto por la calidad de los trabajos y por la importancia del elenco reunido que resulta un lujo para el teatro independiente, siendo algo que se nota mucho en una historia que resulta compleja y que requiere actores con mucho recorrido para no naufragar, logrando acá potenciar mucho el relato, con composiciones sobresalientes y personajes muy bien elaborados.

Son cinco los actores en escena y a nosotros que siempre nos gusta remarcar la actuación más destacada , estamos en aprietos aquí para determinarlo ya que todas son muy buenas. Corriendo el riesgo de ser injustos y para no abandonar nuestra costumbre, diremos que la composición que más nos gustó, fue la de Silvina Sabater, como Alicia, una madre manipuladora y bastante cruel, que disfruta siendo el centro de atracción de la casa. Gran presencia escénica de Silvina, con una fuerza dramática que destaca y con momentos realmente hilarantes.

Cuando nos referíamos a que el elenco era un lujo, sin dudas pensábamos en Velentina Bassi y Laura Novoa, que fueron parte fundamental en el nacimiento del proyecto y ahora en el escenario. Valentina, como Emilia, será el personaje clave de la historia, ya que su llegada al pueblo, desatará recuerdos y tensiones. Muy bueno su trabajo. Y que decir de Laura Novoa, como Isa , con un personaje que deja mucha tela para cortar, siendo una madre madura totalmente desbordada desde lo emocional y con un conflicto grave respecto a su maternidad, no aceptando ese rol. Impecable lo de Laura.

Y ante semejantes interpretaciones femeninas, que decir de los papeles masculinos, ambos se destacan mucho. Ignacio Rodriguez de Anca, parece ser la figura más seria de a familia y una especie de ordenador de la misma, aunque por momentos también perderá el control, algo muy normal en esa familia. Franciso Bertín, es Teo, el benjamín de la familia, disfruta de su rebeldía y de hacer la suya, sin importar lo que opinan los demás. Con un histrionismo a flor de piel y una energía altísima, realiza una composición estupenda.

Si alguno piensa que exageramos con los elogios, los invitamos a que vean la obra y les aseguramos que van a coincidir con nosotros. Son cinco trabajos individuales para disfrutar, con espacio para el lucimiento y se potencian en el conjunto. Un plus, es su identificación con el proyecto, algo que se traduce en el compromiso y la entrega que muestran en escena.

La puesta de Cristian Drut, es atractiva y sombría, logrando ese ambiente oscuro y dramático que la trama pide. Colaboran mucho para ello, el diseño sonoro de Daniel Melero y la iluminación de Alejandro Le Roux, que suman para esa atmósfera perturbadora y espectral que la historia propone. Por último mencionar el diseño escenográfico de Marcos Di Liscia, con elementos muy particulares, como un sillón roto, una pila de ropa vieja y esas tacitas vacías de té que los personajes esgrimirán en algún momento como autómatas.

En definitiva, una propuesta fuerte e inquietante la que llega con Los Gestos Bárbaros, una tragicomedia que nos hablará de vínculos familiares rotos e incompletos, violencia y relaciones tóxicas por doquier. Además la obra,  nos hablará de la locura y de la desidealización de la maternidad, algo que al resultar políticamente incorrecta, pocas veces puede verse en escena.

En su segunda temporada, en su nuevo hogar de Hasta Trilce, la obra no pasa desapercibida y moviliza al espectador, que muchas veces se reira de manera nerviosa por lo cruel de algunos comportamientos que la trama deja al descubierto. Una excelente oportunidad para disfrutar del elenco reunido, que nos permite disfrutar de un relato tan potente, como perturbador, que nos dejará mucho espacio para la reflexión y nos recordará que cada familia es un mundo, en algunos casos más oscuro del que imaginamos.

Pensador Teatral.

Instrucciones para ser una Idishe Mame

Dramaturgia y Dirección de Sebastián Kirszner.

Sábados 18 30 y 20 30 hs en La Pausa Teatral ( Luis Viale 625 )

El teatro nos convoca en esta oportunidad para una masterclass, si tal como leen. Mirta Goldstein la protagonista de la obra, es quien se encuentra a cargo de la carrera de grado que transmite los conocimientos básicos para convertirse en una auténtica Idishe Mame o madre judía, por si alguien necesita traducción. 

Los espectadores se convertirán en alumnos de una prestigiosa institución y de esta instructora particular, que elegantemente vestida, disertará sobre los pilares que deben cumplirse para ser idishe mame, con todas las letras. La clase tendrá mucho humor, pero también mucho de real, a juzgar por las reacciones del público / alumno que asentirán y se reirán con cada exposición de Mirta.

El texto de Sebastián Kriszmer es muy divertido y se nutre de muchas anécdotas de la colectividad. Este joven autor en los últimos años, se erigió como un exponente de la dramaturgia judía, trayendo a escena sus tradiciones y costumbres, con un toque fresco e irreverente, pero conservando la identidad y el legado hacia las nuevas generaciones. Uno de los méritos de Sebastián es saber introducir la temática judía, en la realidad argentina, logrando que los espectadores, sean de la colectividad o sean goys, como nuestro caso, puedan disfrutar del texto por igual.

En esta oportunidad, tendremos un unipersonal en formato educativo, que resulta original y muy entretenido. A las enseñanzas teóricas, la protagonista le sumará anécdotas de su infancia, los principios que toda buena madre judía debe cumplir y actualidad ya que contará como le está yendo a ella como Idishe Mame, porque tiene un hijo que no le facilita las cosas y que la obligará a desplegar todas sus habilidades como idishe para tenerlo cerca.

Y hasta allí vamos a contar, porque la obra tiene muchas sorpresas reservadas y esta bueno que se sorprendan, como lo hicimos nosotros. Momento de hablar de Silvia Kanter, la protagonista del unipersonal, que se convertirá en Mirta Goldstein, una profesora amorosa, experta en el arte de la manipulación y la generación de culpa. Para destacar su presencia escénica y su carisma, ya que desde el arranque atrapará al público con su relato.

Destacamos la manera en que Silvia logra romper la cuarta pared, logrando complicidad con los espectadores,  logrando su participación, ya que en algún momento entona una canción y requiere la ayuda de la platea. Con dulzura y pasión, Silvia logra componer a una idishe mame adorable, que resulta cercana y reconocible por el público. Entrañable su composición.

La puesta como dijimos es atractiva y dinámica. Hay una pantalla donde se proyecta un power point con nociones básicas del curso. Tendremos momentos musicales y el humor siempre como bandera. Sebastián vuelve a ofrecernos un humor sano que consigue reírse de lo propio, jugando con la ironía, pero siempre con mucho respeto por las tradiciones y el legado de su colectividad. 

En definitiva, una muy divertida propuesta la de Instrucciones para ser una Idishe Mame, que sigue la linea de anteriores espectáculos de este joven autor, que ya se está convirtiendo en un clásico en retratar las vivencias y las tradiciones de la comunidad judía en Argentina, teniendo muchos guiños para los miembros de colectividad y permitiendo que los que miran desde afuera, entiendan y aprendan muchas cuestiones, que no conocían de primera mano.

Como plus, ha sido nuestra primera visita a La Pausa Teatral, es su nuevo hogar, a unas pocas cuadras del Cid Campeador, que resulta cómodo y moderno. Un sitio ideal para ser parte de esta clase magistral, que de la mano de la protagonista, nos introduce en el tierno mundo de las madres judías, que resultan un modelo de amor incondicional.

Pensador Teatral.