Yo, Alfonsina

Lunes 20 30 hs en Teatro La Comedia.

Libro y Dirección de María Esther Fernández.

El teatro nos convoca en esta oportunidad, para ofrecernos una mirada diferente sobre la vida de Alfonsina Storni, notable escritora y poetiza, nacida en Suiza y que desde pequeña vino a la Argentina, con su familia, radicándose en la Provincia de San Juan.

Yo Alfonsina ( una mujer libre ), es un unipersonal estrenado en 1989 en el Teatro San Martín, con la actuación de Leonor Manso y ganó el Premio Estrella de Mar. Ahora tenemos la gran chance de verlo en esta reposición que se presenta en La Comedia.

La autora realizó un enorme trabajo de investigación, sobre la vida la gran escritora, buceando en reportajes en diarios, conferencias, notas periodísticas, lo que le permitió tener una mirada muy completa sobre el pensamiento que tenía Alfonsina. Tan buena fue su recopilación, que hasta el propio hijo de Alfonsina, luego de ver la obra, se acercó a María Esther, para agradecerle y decirle que esa noche, había conocido más a su madre.

A lo largo de la trama, descubriremos a una Alfonsina, indignada con la injusticia social reinante en esa época, en la que las mujeres estaban totalmente relegadas en las sociedad. Recordemos que en esos años, las mujeres no tenían aún derecho al voto, ni tenían las mismas oportunidades laborales que los hombres y eran muy mal vistas, las mujeres solteras con hijos, como era su caso.

La escritora hacía de la libertad su filosofía de vida y la elección de tener una vida en la que pudiera elegir su camino, sin tener que soportar la mirada acusadora del otro.

Este texto tan interesante, encuentra una gran intérprete en Guadalupe Berrino, que con una entrega absoluta, se convierte en Alfonsina Storni en la hora que dura la obra. Es excelente la composición del personaje que logra.
Debemos destacar esta gran interpretación que nos ofrece la protagonista, sus gestos, sus miradas, su manera de hablar, todo lo hace con una pasión increíble y esto enaltece su trabajo.
Una actuación soberbia de Guadalupe, que merece nuestro reconocimiento y admiración.

La puesta es íntima y el espectador disfruta enormemente el clima que permite la señorial sala de La Comedia, en la que se desarolla la obra, en la que, los espectadores tienen una cercanía total con la protagonista, lo que permite seguir cada movimiento y cada gesto de la actriz, sin perder detalle.

La escenografía es simple, con un piano dominando la escena y sobre el mismo, un retrato de Alfonsina. Un rubro a destacar es la iluminación que permite marcar los diferentes climas del relato y también nos gustó el vestuario de Alfonsina, en el que predomina el blanco.

Un texto pleno de poesía y sensibilidad, que arrancará por la infancia de Alfonsina en San Juan, su llegada  a Buenos Aires, sus primeros trabajos como escritora, sus amores secretos y por supuesto en el final nos hablará de manera poética,  de su particular relación con el mar.

En definitiva, estamos en presencia de una entrañable obra del off, con un texto muy rico de María Esther Fernández y una fenomenal actuación de Guadalupe Berrino, que nos conmueve por su pasión y por su entrega.

Yo, Alfonsina, es un espectáculo que recomendamos mucho y que merece verse. El aplauso emocionado, que los espectadores de pie ofrecen al finalizar la función, es un justo tributo a la protagonista y  no deja dudas, que la obra llegó al corazón de los presentesy que el espíritu de Alfonsina, estuvo presente en la sala.


Pensador Teatral.

Hasta el Fin de los Tiempos

Sábados 21 hs en La Tertulia ( Gallo 826 )

Dramaturgía y Dirección de Alejo Beccar.

Una obra muy actual la que nos propone el autor, inspirándose en Ricardo III de Shakespeare y moldeando una inteligente dramaturgia, que tiene el sello y el estilo del dramaturgo inglés.

El gran mérito de Alejo, es que consigue un texto potente, atemporal y sin lugar determinado donde se desarrollan las acciones, pero con un realismo tal, que parece una radiografía de lo ocurrido, en nuestro país, en la última década, en los que el descrédito de la clase política vá en dramático ascenso.

Hasta el fin de los Tiempos, nos cuenta la historia de Roberto ( Enrique Cragnolino ) un dirigente político, sin escrúpulos y con una ambición sin límites, algo que lo convierte en un ser extremadamente peligroso.

Su fuente de inspiración es Nicolás Maquiavelo, considerado padre de la ciencia política moderna, a quien se le atribuyó la famosa frase : " El fin justifica los medios ". Decimos se le atribuyó, porque en realidad la frase es autoría, nada menos que de Napoleón Bonaparte, quién la escribió en la última pagina del ejemplar del libro " El Príncipe ", obra cumbre de Maquiavelo, de ahi la creencia extendida, que la frase era suya.

Sin entrar en la polémica, de quien fue su autor, lo importante aquí, es que Roberto hizo de esa frase su doctrina no dudando en mentir, engañar, manipular, traicionar y hasta asesinar, con tal de conseguir su gran objetivo, en este caso el de ser elegido Presidente de la Nación.

Con una inteligencia siniestra, elaboró un plan, que contempló la eliminación de los rivales políticos dentro de su partido y también conquistar alguna de sus mujeres.

La trama tiene una atmósfera sórdida, oscura, en la que nuestro villano protagonista, parece ir cumpliendo cada uno de sus objetivos, con una crueldad y un cinismo que por momentos asusta.
La pieza tiene mucho suspenso, por lo tanto no vamos a contar mucho más, el espectador cuando vea la obra, comprobará sin finalmente Roberto, logra ser electo como presidente de la república y sus despreciables actos tendrán algún castigo.

Este texto duro e inteligente, encuentra anclaje, en las muy buenas actuaciones que presenta la obra, arrancando por Enrique Cragnolino, que con un parche en el ojo, cual pirata, compone a un político malvado y perverso. Un manipulador sin límites, que no conoce la palabra moral, todo lo que se le ocurre, lo lleva a la práctica, sin importar las consecuencias. Magnífica interpretación de Enrique, quien es el protagonista de la historia y merece nuestro reconocimiento por su excelente interpretación. Sus gestos, sus tonos de voz, su discurso y hasta sus movimientos, son los de propias de un ser deleznable, que es el que pide el director, para el personaje principal de la pieza.

Lo acompañan, Andrés Rojas, como Guillermo, candidato original a la presidencia por la fórmula del partido, aliado en un primer momento a las ideas de Roberto, pero que terminará sufriendo sus embates. Muy buena su interpretación, tan real, parece que estamos en presencia de un verdadero político en campaña.

Héctor Castagnino, un actor de experiencia es Oscar, el presidente del partido y padre del candidato a vice en la fórmula presidencial. Muestra una gran presencia escénica y mucho carácter.

Vayamos ahora a las mujeres que tiene la obra, en primer término mencionamos a la bella Natalia Imbrosciano, que es Nora, esposa de Guillermo y futura primera dama. Es una mujer atractiva e inteligente, por lo tanto muy apetecible para Roberto, que está secretamente enamorada de ella y hará todo lo posible para conquistarla. Un gran aporte el de Natalia.

Por último, mencionamos a Zulma Rossini, como Sabrina, la joven hija de Nora, tiene 18 años y es demasiado joven para que Roberto, se fije en ella, pero para alguien perverso y libidinoso como nuestro protagonista, esto no es un impedimento. Otorga frescura y candidez con su actuación.

El director eligió muy bien los actores para cada personaje, logrando darles el espacio, para el lucimiento individual y para que se destaquen en el conjunto.

La puesta es asfixiante, el espectador con algo de impotencia el accionar de este político sin límites. La impotencia, tiene mucho de identificación, ya que proyectan en este hombre con parche, a los gobernantes que tuvo el país en los últimos años, que hasta tienen en su haber asesinatos sospechosos como los que tiene Hasta el Fin de los Tiempos.

La escenografía es mínima, más bien desprovista, aquí la palabra es la que tiene preponderancia y hay un muy buen diseño lumínico, donde se resaltan los diferentes momentos que pide la trama y donde el color negro, en el ambiente y en vestuario de los protagonistas es el que se apodera de la escena.

En definitiva, estamos en presencia de un verdadero thriller político, con raíces shakesperianas, pero con una actualidad que nos abruma y nos duele. Es una mirada actual y muy cercana al mundo de la política, una temática muy poco tratada en nuestra dramaturgia y que nos dejará mucho espacio para la reflexión.

El prolongado y merecido aplauso que reciben los protagonistas al final de la función, es una muestra que la obra gustó mucho y nos deja la certeza que lamentablemente la doctrina de Maquiavelo, tiene muchos adherentes en nuestra clase política.



Pensador Teatral.

La Forma de las Cosas.

Viernes 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salvador 4530 )

Dramaturgia de Neil Labute y Dirección de Sebastián Bauza.

Teníamos gran expectativa, por ver La Forma de las Cosas, ya que para la ocasión, se reunían un texto inteligente y de probado éxito en todo el mundo, un elenco de lujo para el off y el significativo dato, que la obra desde su estreno venía presentándose con localidades agotadas en todas sus funciones y quedando siempre gente afuera.

Adelantamos ya que las expectativas fueron ampliamente satisfechas y nos fuimos del Kairos, al término de la función, plenos de haber disfrutado una gran velada teatral.

Pero arranquemos por el origen, como debe ser, La Forma de las Cosas, fue escrita en el 2001 por el dramaturgo estadounidense Neil Labute y fue la primera pieza de una trilogía, de la que también fueron parte Gorda ( 2004 ) y Razones para ser Bonita ( 2008 ), en las tres obras, el autor habla de la belleza y realiza una crítica a las relaciones humanas, en las que predominan la superficialidad y las apariencias, por encima de los valores.

La Forma de las Cosas, se presentó con gran suceso en Broadway, en Londres, en Madrid y en las principales capitales europeas. En Argentina, se estrenó en el 2009, en una recordada puesta, que tuvo a Fernan Mirás y Griselda Siciliani, como sus protagonistas.

Como pueden observar, los antecedentes, ya presagiaban una inmejorable noche de teatro, la dirección de esta versión es responsabilidad de Sebastián Bauza, joven actor y director, que es un viejo conocido nuestro, ya que disfrutamos muchas de sus obras en El Ojo, un teatro referente del off, conducido por Luis Agustoni.

La historia, arranca cuando Andrés ( Gastón Coccharale ) que trabaja como guardia de museo, tiene que llamar la atención a Evelyn ( Victoria Alsúa ), una estudiante de arte, que estaba sacando fotos, sin respetar la distancia permitida y además manifestando su deseo de vandalizar una de las estatuas, con un aerosol, que llevaba en su cartera.

Ese encuentro casual, deriva en una charla entre Andrés y Evelyn, que gracias a esos misterios que tiene el amor, se atraen mutuamente y este parece ser el puntapié inicial de una relación amorosa.
Porque hablamos de misterio ? Porque Evelyn, es una bella joven, extrovertida y muy inteligente, que extrañamente se fija en un Andrés, poco agraciado fisicamente, que tiene varios kilos de más, pelo largo y poco prolijo, además de usar unos anteojos antiguos ( tiene un look parecido a Hugo, el fornido pelilargo de la serie Lost ) Pero como dice un dicho, el amor muchas veces no entiende de razones y este parece ser el caso de esta incipiente pareja.

Andrés se siente fascinado por Evelyn y ese mundo nuevo que se le abre, ya que antes de conocerla, era un joven inseguro, con muy poca experiencia con mujeres. De a poco, la relación con Evelyn, parece mejorar su vida y su aspecto físico, baja de peso, porque mejora su dieta , comienza a ir al gimnasio y a realizar actividad física, todo motivado por su nuevo novia y queriendo lucir bien por ella. Se corta el pelo, se deja de comer las uñas, cambia su forma de vestir, en muy poco tiempo, se produce un enorme cambio en Andrés, que parece otra persona, en apariencia mucho más atractiva y la gran responsable de ese cambio, sin dudas es Evelyn, que resulta, su musa inspiradora.

Las cosas se complican cuando entran en escena, la pareja de amigos de Andrés, formada por Felipe ( Juan Luppi ) y Jenny ( María de Pablo ), se están por casar y conocen a su amigo, desde hace muchísimos años. Ellos notan sorprendidos los grandes cambios en Andrés, coincidentes con su nueva relación y desconfía de esa chica, nueva en el pueblo y en la vida de su amigo, Quien huele, que algo no está bien es Felipe, no le cierra del todo que su viejo amigo, haya cambiado tanto y en tan poco tiempo, no mira con buenos ojos, la manipulación y la influencia de Evelyn.

Pero como dijimos, estos cambios provocaran problemas y algunas confusiones amorosas, por darles un nombre elegante, que serán decisivas para el desarrollo de la trama.
Pero hasta aquí contaremos, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra que peligrosas relaciones, se tejerán entre ellos.

La trama es muy entretenida y mantiene enganchado al espectador en todo el momento, que quiere adelantarse y descubrir que sucederá con esta nueva pareja, que tan unida parece, pese a sus diferencias.

El elenco reunido, es realmente un lujo para el teatro off, arrancando con Gastón Cocchiarale, joven y talentoso actor, muy recordado por su participación en la película El Clan, donde era Maguila. Aquí personifica a un entrañable personaje, Andrés, que a lo largo de la obra sufre una increíble transformación, tanto en su aspecto físico, como en su personalidad, pasando de ese ser el chico inseguro y medio nerd del comienzo, a una persona mucho más desenvuelta, atractiva y con una autoestima creciente.
Genial el trabajo de Gastón, componiendo un personaje adorable, que causa una gran empatia en los espectadores.

La otra gran protagonista de la historia es Victoria Alsua, la estudiante de arte que llegó  hace poco tiempo,  a ese pueblito perdido como ella misma denomina.. Ella es Evelyn, moderna y liberal, desestructurada, de mente muy abierta, que con su estilo directo y muy sexual, enamora a Andrés. Con su simpatía y su belleza, no solo cautiva a Andrés, sino también conquista a la platea. Una gran interpretación la de Vicky.

Cuando dijimos que el elenco, era de lujo para el off, no exageramos en nada, la pareja de amigos de Andrés, la forman María de Pablo, de recordada actuación en Claveles Rojos, obra de gran recorrido en el off , papel por el que recibió numerosos reconocimientos. Aquí compone a  Jenny, una chica bien, dulce y bastante superficial, pero con gran encanto. Una actriz super talentosa María, versátil y con un estilo particular, que se disfruta mucho.

Para completar este poker virtuoso, nos resta mencionar a Juan Luppi, de familia de actores y nieto del gran Federico. Vivió diez años en España, donde tuvo gran éxito con Los Serrano, Aquí da vida a un Felipe, con mucho carácter, machista y bastante pendenciero, su personalidad choca mucho con Evelyn, con la que se producen cruces verbales  muy filosos, que incomodan al resto.
Se luce mucho Juan, mostrando sus condiciones.

Fue algo larga la descripción, pero creemos que la valía de los trabajos, merecía este mínimo reconocimiento, ya que el lucimiento de este grupo de actores, es el que otorga la fluidez y dinámica que presenta obra. Para lograr esto, debemos darle mucho mérito el director, que consigue una puesta ágil y muy atractiva.

Además de las interpretaciones, hay otros ítems que debemos destacar, uno de ellos es el diseño escenográfico a cargo de Sabrina López Hovhannessian, con esos huesos de fondo, simulando un museo y con los propios actores construyendo los distintos espacios, que requiere la trama, moviendo elementos que están en todo momento en el escenario. Un recurso ingenioso y muy bien explotado.
También resaltamos el diseño lumìnico de Jorge Ferro y los momentos musicales, que separan los diferentes actos.
Están todos los detalles muy bien cuidados y esto contribuye a la belleza que tiene la puesta y aquí tiene fundamental ingerencia, el productor de la obra Gonzalo Cirigliano, por el gran esfuerzo económico, realizado en compras de derechos, elección de director, elenco, etc. Sin dudas, hay que tener un gran amor por el teatro, para semejante inversión económica, en el ámbito del  teatro independiente, donde la mayor parte son gastos. El esfuerzo se nota, en una puesta que resulta un lujo para el teatro off, por eso mencionamos a Gonzalo, ya que es una parte fundamental del proyecto.

En definitiva, estamos en presencia de una historia de amor muy particular, en la que podemos observar como muchas veces la influencias de los otros y estar enamorados, pueden modificar nuestras conductas más arraigados. La obra también nos invitará a reflexionar, acerca de la amistad y de sus valores, de  lealtad y de traiciones. Además nos habla del arte y sus límites, tratando de dilucidar cuando el arte deja de ser tal, para transformarse en un grotesco.
Todo es válido en nombre del arte ?? Podemos superar todas las barreras morales, invocando que estamos haciendo arte o hay límites que nunca debieran superarse ??

La pieza tiene un libro rico y nos tiene preparado un final tan contundente, como inesperado, que dejará al espectador sorprendido y seguramente tomando posición sobre el dramático giro que toma la historia, es ese último tramo.

No vamos a contar más, solo decir, que estamos en presencia de una valiosa propuesta del teatro independiente, que reúne una dramaturgia atractiva e inteligente, una dirección precisa y actuaciones magníficas.

Con todo lo mencionado, no debe sorprendernos, el arrollador arranque que tuvo la obra, agotando localidades desde su estreno y prometiendo seguir haciéndolo por muchas funciones más.
Recomendamos La Forma de las Cosas, la van a disfrutar enormemente y seguramente van a quedar tan sorprendidos como nosotros, con su desenlace, que de ninguna manera, los dejará indiferentes.



Pensador Teatral.

Remanente de Invierno

Martes 21 hs en Teatro Hasta Trilce ( Maza 177 )

Dramaturgia de Rafael Spregeldburd, Puesta en Música de Andrés Gerszenzon y Puesta en Escena de Damián Malvacio.

Una propuesta original y muy interesante, la que nos presenta Remanente de Invierno, obra escrita por Rafael Spregelburd y estrenada en 1995, en el Centro Cultural General San Martín.

El reconocido compositor, director de opera e instrumentista, Andrés Gerszenzon, tomo la pieza y conservando la esencia de su texto, la dotó de una bella estructura musical y la convirtió en una mini opera, aunque el director quiere evitar esa palabra y prefiere mencionar a su adaptación, como una puesta en música.

La pieza ofrece una mirada crítica de la sociedad consumista en la que vivimos, donde los electrodomésticos y los medios de comunicación, ocupan un lugar preferencial, cobrando una importancia desproporcionada, colaborando a la incomunicación de la familia.

No es sencillo encuadrar en algún género específico a Remanente de Invierno, ya que es una composición plural, pero tiene mucho de comedia musical, en la que el absurdo y la ironía abundan en escena, siendo estos los medios elegidos por el autor, para transmitir su mensaje.

Aparecen personajes como El Topo Menendez, ídolo de los niños, al que asociamos inequivocamente con nuestro conocido Topo Gigio, aparece un ñandú famoso en la TV, una Barbie y una heladera extraviada, que se fugó de la casa.

La puesta es audaz y original, representando un gran desafío, para los actores que demuestran sus condiciones, en una obra, que exige mucho, partiendo desde el punto que sus parlamentos, son en parte habladas y en partes cantadas, apareciendo ahí el género de opera que viene de la mano del talentoso director y que requiere que los actores tengan condiciones en esa área.

El elenco es numeroso y en actuaciones parejas, se destaca mucho Rocío Gutierrez ( Silvita ) la protagonista de la historia, hija única de la familia, que es, quien cuenta la experiencia en primera persona. Con problemas para recordar el significado de las preposiciones y cuando utilizarlas en las oraciones, deambula por la casa con su Barbie como juguete preferido. Rocío cumple una muy buena interpretación. Se luce mucho en las partes cantadas, con su hermosa voz.

Su madre ( Ana Moraitis ) parece más preocupada por que vuelva la heladera fugada, que por el extraño comportamiento de su hija y no se pone de acuerdo nunca con su esposo Meyer ( Osvaldo Malizia ) con el que discute por casi todo, entre otros motivos, por el kerosene, que se consume en la casa. Osvaldo tiene mucha presencia escénica y es de los más destacados.

Lucas Werenkraut ( el electricista ) y Federico Buscarons ( el plomero ) llegan a la casa para arreglar la gran cantidad de electrodomésticos que tiene esta familia y les anuncian que van a estar un par de días allí, porque el trabajo que tiene será arduo. Conforman una dupla muy divertida.
Se destaca igualmente Mattea Musso, como la vecina.

Otra dupla que luce mucho, es la de los conductores de televisión, que también ingresan a esa casa, nos referimos a Raul Moreschi un histriónico conductor y su compañera, la bella Virginia ( Piuqué González Abraham ), la chica del tapado, quien dá vida a una sensual animadora, que ratonea al padre de familia, trayendo un tinte sexual a la historia, que como pueden apreciar, tiene de todo como en botica.

El elenco es numeroso y seguramente estamos omitiendo algún nombre, lo importante es que se conformó un elenco parejo, con dotes musicales y que demuestran muy buen entendimiento en lo grupal.

La puesta tiene muchos puntos a destacar, arrancando por la música, que juega un papel clave en la pieza y son los integrantes de esta mini orquesta, los responsables de ello, al deleitarnos con sus melodías en vivo.-
Lorena Torales en piano, Catriel Rivadero es guitarra e Ignacio Svachka en percusión, jóvenes valores, que merecen nuestro reconocimiento, por su excelente faena, bajo la batuta atenta de Gerszenzon.

Otro ítem a destacar, es el diseño escenográfico que presenta gran cantidad de electrodomésticos, en especial televisores, repartidos en el escenario, conformando la original escenografía, Muy bueno también el diseño lumínico y el recurso de proyectar imágenes en el único televisor que funciona de todos los vemos.

Sin dudas estamos en presencia de una obra muy original, que transmite su mensaje por medio de la música y con una dramaturgia en donde lo bizarro y el absurdo tienen preponderancia.

Desde nuestro humilde espacio, siempre celebramos la aparición en nuestra nutrida cartelera teatral, de propuestas distintas y jugadas, como Remanente de Invierno, que valiéndose de un elenco virtuoso y una bella adaptación, nos ofrece esta bella puesta en música como dice el director o mini opera como titulamos nosotros, para que los espectadores disfruten de una agradable velada y puedan agradecerlo con un caluroso aplauso al término de la función.



Pensador Teatral.

El Mundo en mis Zapatos

Sábados 20 30 hs en Pan y Arte Teatro ( Boedo 880 )

Dramaturgia de Eloisa Tarruella y Brenda Fabregat. Dirección de Eloisa Tarruella.

Fuimos hasta el Pan y Arte, para descubrir las razones del gran éxito que está teniendo El Mundo en mis Zapatos, obra que desde su estreno se presenta con localidades agotadas y excelentes críticas.

Contemos antes que nada  la génesis que tuvo esta obra, que resulta muy interesante, ya que está inspirada en la propia vida de Brenda Fabregat, la protagonista. Hace unos años, en crisis con su pareja y con dos niños pequeños, viviendo sola en un pequeño pueblito puntano, llamado Carpintería, el panorama no era el mejor, era deprimirse o tratar de descargar y por suerte eligió la segunda opción, empezando escribir una especie de diario personal en Facebook, como terapia catártica.

Eloisa, con quien se conocía de chica, era una de las lectoras más ávidas de sus posteos y ya en su cabeza de dramaturga, se empezaba a imaginar una obra que recogiera estos escritos. El tiempo transcurrió, las viejas amigas, se reunieron y finalmente se alumbró El Mundo en mis Zapatos.

La pieza nos cuenta, la historia de Brenda Martínez, que en la noche de Navidad, se prepara para pasarla sola en casa. Su marido la dejó y esa noche sus hijos la pasarán con él. Sola y en plena crisis de los cuarenta años, parece el momento ideal para repasar algunos momentos de su vida y tratar de salir del pozo en que se encuentra.

Brenda, que trabaja como camarera en un bar, es actriz de profesión, pero le cuesta hacer pie en su profesión, arrancará hablando de su paso por los casting más insólitos y desde ahí hará un repaso por sus fracasos amorosos de las adolescencia, el matrimonio, la llegada de los hijos, como se irá apagando la llama de la pasión, que desombocará en una dolorosa separación, que al principio, suena a libertad y a un futuro abierto, pero que al poco tiempo, se convierte en fracasos amorosos al por mayor.

El texto es realmente muy rico y es una mirada muy inteligente del mundo, desde el punto de vista de la mujer, siendo tan realista esta mirada, que se logran una plena identificación con las mujeres de las platea y también con los hombres que se sienten identificados con lo que escuchan.

Es momento de hablar ya de la extraordinaria actuación de la bella Brenda Fabregat, toda una revelación su interpretación.
Nos encantó su gestualidad, sus tonos de voz y la composición de los personajes, ya que si bien estamos en presencia de un unipersonal, a lo largo de la obra, la protagonista, compone un sin numero de personajes, apareciendo mágicamente en el escenario, gracias a su virtuosismo, algunos de los hombres que participaron de sus fracasos amorosos, momentos de sus castings y una tía paraguaya que nos hará reír muchísimo, por nombrar solo algunas de las apariciones.

El histrionismo de Brenda hay que destacarlo mucho, como así también, su frescura, la capacidad para reírse de si misma y la sensibilidad con la que lleva el relato. No es sencillo estar sola en escena y mantener el ritmo arriba a lo largo de la trama y es algo que la protagonista consigue, manteniendo enganchado en todo momento al espectador, que se ríe muchísimo a lo largo de la noche y festeja cada uno de sus gags.

Brenda está en constante movimiento, tiene un muy buen dominio de su cuerpo y lo demuestra, mencionemos que tiene un pasado como bailarina clásica que aquí aprovecha, para montar muy lindas coreografías y obviamente se pone el tutu y las zapatillas de ballet

La puesta está muy cuidada, con una escenografía cálida simulando su pequeño departamento, hay un muy buen diseño de luces y por supuesto debemos destacar el vestuario de Soledad Gaspari, que nos traen distintos atuendos que la actriz se irá probando a lo largo de la trama y por supuesto los zapatos, que acompañarán los diferentes momentos de la vida de Brenda, en una analogía muy interesante.

En esta puesta íntima y con todos los detalles atendidos, se nota y mucho, la mano de la talentosa Eloisa Tarruella, directora, autora y cineasta, quien tuvo una participación decisiva en la construcción del libro y en el diseño de la obra, valiéndose de una Brenda superlativa, que con unas ganas y una pasión absoluta, se entrega a corazón abierto en el escenario.

En definitiva, El Mundo en mis Zapatos, apoyándose en una dramaturgia sensible e inteligente, nos presenta una deliciosa comedia, que además de muchos momentos divertidos y de risas que llegan permanentemente de la platea, nos invitará a la reflexión, sobre como muchas veces la vida, nos presenta dificultades, que debemos superar-

Para la ocasión, se unen una gran directora y una actriz que sorprende, ofreciendo una actuación sensacional, cuando vean la obra, coincidirán con mi opinión y se emocionarán con la interpretación de Brenda.

Los prolongados aplausos que recibe la protagonista al final de la función de una sala que luce repleta, además de ser un justo premio a su actuación, son una clara muestra, que la obra gustó mucho y la certeza,  que boca a boca mediante, El Mundo en mis Zapatos, se seguirá presentando por muchas funciones más a sala llena.

Recomendamos la obra fervorosamente y aconsejamos que reserven su lugar con anticipación, para asegurar su butaca y poder disfrutar del rico universo femenino, que Brenda y Eloisa abren para nosotros.



Pensador Teatral.

Perro, un cuento rural.

Viernes 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salavador 4530 )

Dramaturgia y Dirección de Hernan Grinstein.

Perro transita por su quinta temporada de suceso y cuando una obra del off, logra semejante permanencia, sin dudas, es porque tiene algo especial, el boca a boca tiene gran influencia, pero para mantenerse por cinco años, la pieza debe contar con algo màs.

Fuimos al Kairos, a descubrir el secreto y nos encontramos con una obra estupenda, una dramaturgia exquisita de Hernán Grinstein, creando una historia llena de atractivos, un cuento que el espectador compra desde el inicio, un relato por momentos crudo, dramático, pero que también nos sacará sonrisas. Perro, es  una historia donde la sensibilidad y la poesía, dirán presente en todo momento.

Este relato fantástico que nos propone el director, nos cuenta la historia de Mateo " El Perro " Villegas, interpretado por el mismo Hernán Grinstein, un personaje increible, mitad humano, mitad bestia, todo humano, todo bestia, lo dejamos a su criterio, el espectador cuando vea la obra, sacará sus propias conclusiones, Lo que está clarito, es que El Perro tiene que entrenar, debe encontrar su mejor forma física, para poder subir al ring y morder la yugular de sus adversarios, esa es la manera que le enseñaron para ganar y así se gana la vida, sabiendo que la única manera de ser alguien es triunfar en las peleas.

El Perro tiene un amo, Tony ( Carlos Bembibre ), que le dá órdenes, lo hace correr, saltar, le controla el peso y no duda en maltratarlo. Aunque nadie lo dice, se nota que es el dueño de El Perro y no importa lo quedeba hacer, hasta puede humillarlo, todo es válido, para ponerlo en forma y que gane los combates que le arman. Con ellos está Leyla ( Jimena López ), una especie de asistente, ella también está sometida a las órdenes de Tony y tiene une relación especial con Perro, lo trata como un compañero, son compinches y se contienen entre ellos.

Estas tres almas desesperadas, son una parte del universo, para que ellos existan, debe existir la otra parte, compuesta por quienes organizan esas peleas tan salvajes. Y allí aparece una pulpería, en la que están El Tuerto ( Jorge Laplace ) el dueño de la misma y Ricado ( Francisco Daniel Franco ) su empleado. Ellos están en ese típico bar de pueblo, haciendo crucigramas, tomando ginebra y se pasan el día hablando de bueyes perdidos, en un pueblito donde poco pasa.

Todavía no lo señalamos y como señala el título de la pieza, la obra se desarrolla en nuestro campo, en los pueblos de Arrecifes y Capitán Sarmiento, por lo que la pieza tiene ese toque campestre del interior de Buenos Aires, que se nota en los diálogos y hasta en el vestuario de los protagonistas.

En la pieza también se introduce el tema religioso y la devoción que existe en el interior, por santos como El Guachito Gil y la Difunta Correa. Como les dijimos, la pieza realmente tiene una dramaturgia riquísima y a medida que avanzamos con nuestra reseña, se darán cuenta que no exageremos en nada.

Mencionemos ahora a quienes dan vida a los entrañables personajes, que nos tiene preparados esta historia.-

Arranquemos por Hernan Gristein, quien escribe la obra, la dirige y además es el protagonista de la pieza, compone de manera magistral a Perro, su manera de hablar, sus miradas, su postura, se pone en la piel del personaje de una manera increíble con una actuación descomunal, por la que obtuvo el Premio Trinidad Guevara.
Hernán viene de la escuela de Claudio Tolcachir y tal vez algunos lo conozcan de Tercer Cuerpo, una obra de Claudio que lleva diez años en cartel y donde es uno de los actores.. Volviendo a su Mateo " Perro " Villega, su interpretación conmueve y sin dudas es para aplaudir de pie, por la precisión con la que compone el personaje y con el amor que se nota tiene por su personaje.

En el lucimiento de Hernán, contribuye mucho el elenco reunido, arrancando por Jimena López, que dá vida a Leyla, devota del Guachito Gil, amiga contenedora del Perro. Además debe soportar los embates de Tony, que ejerce todo tipo de violencia sobre ella. Se luce un montón Jimena, en un papel complejo y sufrido, ya que debe moverse en un ambiente machista.

La actuación de Carlos Bembibre con Tony, es soberbia, compone un personaje autoritario y violento, al que tanto Perro, como Leyla temen.  Es el malo de la película. Además funciona como el único víncul,  con el mundo exterior. Su presencia intimida, es otra gran composición.

En ese mundo exterior, representado por el bar / pulpería del pueblo, trabajan Jorge Laplace, el Tuerto, es quien organiza las peleas, bastante desalmado y compadrito. Su compañero Francisco Franco, compone un personaje delicioso y con algunos toques místicos. Juntos componen una gran dupla y logran los momentos más graciosos de la pieza, cuando se ponen a charlar en el bar.

Perro, es una de esas piezas, que crean personajes entrañables, que causan empatía con el público, además de ser cinco actuaciones excelentes. La de Hernàn, tiene un brillo especial, pero todos cumplen una destacada labor y se entregan por completo.

En la parte final de la obra, esos dos universos paralelos se unirán y todos participarán de una u otra forma, del combate de fondo, en el que Perro tendrá que luchar con un contendiente impensado, en una batalla que no parece pareja. En esos momentos, la cuarta pared se derrumbará y los espectadores participarán de un gran momento teatral.

No contaremos más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra cual será el rival elegido para el Perro y que sucederá en la pelea.

La escenografia montada por Fabricio Mercado nos gustó mucho, dividiendo el escenario en dos, por un lado el bar y por el otro el espacio, donde Perro realiza su entrenamiento. Otro punto para destacar es el diseño de luces de Lucia Feijoo y Christian Gadea, que contribuyen a conseguir una puesta minimalista, que el espectador agradece.

En definitiva, estamos en presencia, de una fantástica obra del off, una pieza con una dramaturgia excelente de Hernan Grinstein, que cumple magistralmente, su triple función de autor, director y protagonista.
En los tres rubros está soberbio. La pieza si bien es un drama, como dijimos, pasa por todas las emociones, en algunos momentos nos hará reir, en otros llorar, nos vamos a conmover, reflexionaremos en muchos pasajes  y sin dudas, que nos emocionaremos con un final a toda orquesta.

Vemos mucho teatro, pero cuando asistimos a obras como Perro, nos volvemos a casa muy felices, no solo por el hecho de disfrutar de una hermosa noche de teatro, sino también por comprobar una vez más, la enorme calidad y la pasión que tiene nuestro teatro independiente.

No se pierdan esta verdadera joyita del off !!!



Pensador Teatral.-

Bodas de Sangre

Jueves 21 hs en Chacarerean Teatro ( Nicaragua 5565 )

Dramaturgia de Federico García Lorca, Dirección y Puesta en Escena de Cristian Majolo.

Bodas de Sangre, célebre obra escrita por García Lorca en 1933, se inspiró en un hecho real, el crimen de Nijar, ocurrido en 1928, en la Andalucía rural, siendo una pieza reconocida y representada en todo el mundo. Es una tragedia con todas las letras, donde el amor, la vida y la muerte, estarán siempre presentes.

El desafío que asume Cristian Majolo, un director el joven y talentoso, es muy importante, al proponer una puesta actual, moderna y aggiornada, a estos tiempos. Una adaptación distinta a las habituales que tuvo esta misma pieza y que el mismo director, denomina como un clásico reciclado.

Traer un clásico escrito hace ochenta años y adaptarlo a estos tiempos, obliga a asumir riesgos, quitar algunas escenas, modificar algunos entornos, la clave es modificar algunos aspectos, sin que se pierda la esencia y en nuestra opinión, esto es conseguido aquí en gran forma por el director, que logra una Bodas de Sangre, actual, y menos solemne que anteriores puestas, pero logrando que conserve toda su carga dramática y poética, que el gran autor granadino, supo darle, con su mágica pluma.

Para quienes no conocen el argumento de este clásico, contemos brevemente que la obra se basa en la vida de dos familias perseguidas por las desgracias. De un lado, el novio y una madre, que está dolorida aún, por haber perdido a su marido y a uno de sus hijos, a raíz de un trágico enfrenamiento con integrantes de la familia de los Félix, a los que considera sus enemigos.

Su hijo se está por casar, el problema es que su novia, tuvo años atrás, un amorío con Leonardo, integrante de los Félix. La relación amorosa parece lejana y superada, porque Leonardo, ya está casado y tiene un hijo pequeño, pero como ocurre muchas veces, las apariencias suelen engañarnos.

El día en que la boda se concreta y en momentos en lo que todo es celebración, ocurre lo impensado, la novia recién casada, nos revela que esa fuerza amorosa que sentía por Leonardo, uno de los invitados a la fiesta, no se había detenido y decide escaparse con él, huyen a caballo, para buscar esconderse en el bosque, abandonando juntos la fiesta de bodas.
El estupor reina y el novio herido en su orgullo, decide salir junto con algunos invitados, camino al bosque en búsqueda de la pareja de fugitivos, para vengar la afrenta sufrida.

No vamos a contar más, muchos lectores conocerán ya el final de esta historia, pero otros lo harán cuando vean la obra, solo decir que la tragedia se hará presente, en este maravilloso texto de Lorca, como dato curioso, mencionamos que Leonardo, es el único personaje que tiene nombre propio en la pieza.

Uno de las grandes innovaciones que propone el director, es el aprovechamiento integral que realiza de la bonita y amplia sala del Chacarerean. Las escenas,  no solo se desarrollan, arriba del escenario, sino que también ocurren, por los pasillos del teatro, los actores suben y bajan escaleras, corren entre las butacas, logrando un acercamiento con el público, que se sorprende y los espectadores disfrutan la idea, ya que se sientes partícipes en primera persona de la historia.

Cuando les dijimos que la apuesta de Majolo, era muy jugada, no exageramos. Confirmando esto, mencionamos que las acciones no se desarrollan, solo dentro del teatro, esté prevenido el espectador, porque en la calle, también verá, a alguno de los actores haciendo de las suyas. No contamos más, para guardar la sorpresa, pero en nuestra opinión, una gran idea del director,  llevar las acciones por todo el ámbito del teatro, rompiendo la cuarta pared, logrando cercanía con el espectador, y dotando de una dinámica y un ritmo a la trama, que la enriquece.

La principal razón, por la que, esta propuesta llega a buen puerto, es la gran respuesta del numeroso elenco reunido para la ocasión. Son dieciséis actores en escena, un despliegue poco usual para obras del teatro independiente, sin dudas que la idea de participar en Bodas de Sangre, fue seductora y por eso se conformó este prolífico elenco, comprometido y apasionado con la causa.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar a algunos de ellos, arranquemos por Julia Azar, la madre, una gran actriz, que aquí muestra todo su oficio, componiendo un personaje de fuerte carácter y que impone una presencia escénica importantísima. Excelente lo de Julia.

Sigamos con Julieta Puleo, la novia, personaje central de la historia, quien se debate por el amor a su novio actual o revivir los momentos felices que vivió con Leonardo. Compone un personaje muy sensible y para nosotros es la revelación de la obra. Nos encantó su interpretación, en un papel complejo y exigente.

Sigamos con los novios, el oficial compuesto por Mauricio Mendez, quien está reemplazando momentáneamente a David Paez en el rol, algo que no se nota para nada, ya que cumple con solvencia su papel y el antiguo enamorado, es Cristian Majolo, que además de ser el director, muestra sus dotes actorales, componiendo en gran forma, un personaje apasionado y decidido a no renunciar,  a su gran amor.

Gianna Pérez Prado, como la criada, tiene gran participación en la obra y se luce mucho tanto en lo actoral como en las partes cantadas que protagoniza, al igual que la bella Valeria Santa, quien nos deleita en varios pasajes, con su hermosa voz.

Aprovechamos el momento, para mencionar que lo musical, tiene gran significación en la puesta, con Diego Romero, que con su guitarra en vivo, compone canciones españolas y poemas de García Lorca musicalizados. Un gran aporte el de Diego.

Siguiendo con el elenco, llega el turno de Paula Resnik, como la mendiga o como la muerte. Excelente su caracterización, dando vida a un personaje que le aporta mucho misterio y misticismo a la puesta. En la misma sintonía, está el caribeño Orlando Luz, quien con sus extraños movimientos y danzas, aporta belleza y misterio, en dosis parejas.

Otro personaje intrigante, es La Niña, interpretada por Malena Luchetti, a quien vimos brillar la semana pasada en Jamás me Levanto la Mano, aquí la vemos en un personaje secundario enigmático, dotado de mucho encanto.

También aportan lo suyo, Gaby Barrios, otra actriz de experiencia, a quien vimos el año pasado con el mismo Orlando Luz, en La Luz de un Cigarillo, Rafael Ferrari es el padre de la novia, Julio Pallero y Edgardo Rosini como mozos y leñadores y pedimos disculpas, si nos estamos olvidando de mencionar a alguno.-

Se hizo larga la descripción, porque son muchos los protagonistas, pero entendemos que el tenor de las actuaciones y la pasión con que componen sus papeles, merecían las menciones. Un trabajo destacado en lo individual y creciendo muchísimo en lo grupal la de del elenco, que lograr llevar adelante este proyecto, que tanto exige.

Para no olvidarlo, digamos ya, que las hermanas fotos que engalanan esta reseña, son obra de Rillind Modgliani.

Mencionemos la bella escenografía, que recrea una casa campestre, muy acertado el diseño de luces y un vestuario muy audaz, en el que aparecen camperas de cuero y zapatillas en algunos personajes, detalles que pocos se atreverían, siquiera pensar en un clásico de Lorca, terminan de configuran la puesta diseñada por el director.

En definitiva, una propuesta muy interesante la que nos propone esta Bodas de Sangre, versión Majolo, una puesta audaz, alejada de las solemnidades y aggiornada a los tiempos actuales. Una excelente manera de acercarnos, a este clásico, escrito hace más de ochenta años, que llega, conservando el espíritu original y la poesía del texto de Lorca, con una fuerza y una originalidad, que hay que remarcar.

La muy buena respuesta del público, que colma cada Jueves el Chacarerean, es una clara muestra que la apuesta del director tiene gran acogida de los espectadores, que como nosotros celebra la aparición de nuevos directores que con talento y valentía, se atreven y consiguen espectáculos de alta calidad y sensibilidad como Bodas de Sangre, que sin dudas recomendamos.



Pensador Teatral.