Malditos Tacos

Dirección General de Roberto Lachivita.

Sábados 20 hs en Teatro Boedo XXI ( Av. Boedo 853 )

Una estupenda y valiente propuesta llega de la mano de Malditos Tacos, ciclo creado hace cinco años por Roberto Lachivita, con el objetivo de producir e incentivar manifestaciones que están vigentes en el colectivo social, dando el espacio a nuevas figuras que aparecen en nuestro teatro off. Este año el elenco lo componen Belen Asensio y Camila Seibo, dos jóvenes y talentosas actrices, ambas de 21 años, que eligen comprometerse con la realidad y denunciar lo que les sucede, a muchas mujeres sin voz.

El formato que nos propone la obra es interesante, son dos monólogos independientes entre sí, con un mismo hilo conductor, la violencia y el abuso sexual que sufrieron dos mujeres y la manera en cada una de ellas reacciona ante una experiencia límite.

El primero de los monólogos, interpretado por Belen Asensio, está inspirado en el texto " La Violación " de Darío Fo y es realmente muy fuerte.
Asensio se pone en la piel de Franca, una mujer que cuenta ese interminable viaje en una camioneta donde cuatro hombres la secuestraron y la llevan maniatada para abusar de ella. El texto es crudo, sórdido y no dá respiros, el público sigue con un silencio sepulcral el conmovedor relato de la protagonista.

Una excelente composición de Belén, en su primer trabajo "profesional ", con una interpretación que le exige una entrega absoluta desde lo físico y lo mental, resultando un enorme desafío que resuelve de manera admirable. Conmovedora su interpretación, en la que logra transmitir toda la angustia y el daño psicológico, sufrido por esa mujer. Como dato final y esclarecedor, mencionar, que este monólogo está basado en un caso real, cercano al autor, siendo esto algo que realza su significado.

El segundo monólogo, es interpretado por Camila Sebio, otra joven actriz, a quien en este conocíamos ya por su brillante interpretación en Chocolate Amargo, una entrañable obra del off, donde interpretaba a una niña con retraso madurativo, víctima de abuso infantil. Aquí interpreta un texto de Lautaro Vilo, " La Gracia ", que habla de una violación, desde un ángulo diferente, ya que la protagonista interpreta a Vilma, una mujer que visita el hospital, en el que se encuentra internado un hombre, con quemaduras en el 70 % de su cuerpo. Lo particular es que aquel individuo, sufrió las quemaduras en un incendio en la cárcel donde se encontraba detenido, por haber abusado de la mujer que ahora lo visita, algo que sueña difícil de comprender y aceptar.

La actuación de Camila es estupenda, componiendo a una mujer algo ingenua, que sin dudas tiene incorporado algo del Síndrome de Estocolmo, en su comportamiento.  Destacamos la expresividad de Camila, que se muestra muy suelta, rompiendo la cuarta pared en más de una oportunidad, mostrando un dominio escénico y una seguridad difícil de lograr con su edad, componiendo un personaje muy complejo, de manera admirable.

Entendemos que es muy acertada la elección de dos textos que hablando de un mismo tema, el abuso y la violencia de género, son tan distintos y aportan su mirada desde dos prismas distintos, el primero duro y asfixiante, sin dar tregua,  siendo el segundo presentado de manera más suave, dando un respiro al espectador, pero logrando transmitir de igual forma el mensaje y dejando al descubierto, como muchas veces, las reacciones luego de sufrir un abuso, puede ser muy diferente, ya que no estamos preparado para ellos y reflexionar también, como muchas veces una asistencia psicológica que no llega o que la víctima por el trauma que experimenta,  no puede recibir, puede tener consecuencias graves. Además textos muestran como muchas veces las instituciones no son confiables para la víctima o no la asisten de la manera que deberían hacerlo, dejando a la víctima en un estado de absoluta indefensión.

Destacamos la importancia del ciclo, que pone en el tapete una temática que cuando ocurre algún hecho grave, encuentra repercusión en los medios, pero pasado unos días la noticia cae en el olvido, por eso es importante que el teatro tome el tema, para que la problemática sea escuchada y tantas víctimas silenciosas o silenciadas tengan voz.

Por ello es fundamental la valentía de las protagonistas, Belén y Camila, que se comprometen totalmente con la causa y logran conmover con sus interpretaciones, mostrando una sensibilidad que llega al corazón del espectador.

Asistimos a la última función de esta temporada de la obra, en un día especial donde la ciudad estaba sitiada y con problemas de transporte por la celebración del G-20, pese a ello, la sala estaba colmada, lo que habla de la gran repercusión que tuvo el espectáculo, gracias al boca a boca, herramienta fundamental en el off.

Solo queda felicitar a todo el equipo de Malditos Tacos, teatro independiente de calidad y creador de conciencia social, augurando una segunda temporada para la obra, algo que merece con creces.




Pensador Teatral.

Minas

Dramaturgia de Diana Amiama y Dirección de Ana Alvarado.

Viernes 21 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

La obra ambientada en los años noventa, explora en el interior del universo femenino y lo hace contando la historia de tres amigas que se conocen de la escuela secundaria. Hoy las tres ya pasaron los 40 años, ha corrido mucha agua bajo el puente y sin que lo sepan, parece un momento adecuado para hacer un balance de sus vidas.

Las acciones se desarrollan en la casa de Yiya y allí las tres amigas de siempre, compartirán una noche de confesiones, recuerdos y también pases de facturas. Son muchas las anécdotas vividas y los momentos compartidos, aunque a medida que la velada avanza y el alcohol comienza a hacer efecto, parece que las cuentas pendientes y los rencores, son más grandes de lo que ellas piensan.

La trama es entretenida, con muchos momentos graciosos y divertidos, pero también con mucho realismo, como dijimos los tragos, parecen romper algunas inhibiciones y afloran viejas tensiones. La camaradería y el compañerismo que parecía blindar la amistad del trío,  escondía una crueldad que estuvo pugnando muchos años por salir a la superficie.

La dramaturgia se apoya en las muy buenas actuaciones que tiene la obra, ya que se presentan tres mujeres con personalidades bien diferenciadas y con caminos muy distintos que tomaron en sus vidas adultas. Ya poco queda de esas amigas tan unidas de la secundaria, el destino les deparó a cada una experiencias bien diferentes.

Silvia Hilario es Yiya, la más liberal de las tres, divorciada y con una hija que no vive con ella, tuvo una vida llena de experiencias. Estuvo exiliada unos años en Brasil y allí conoció a un gran amor. Es la más espiritual de todas, con una vida interior muy rica, pero pese a ella tiene un presente errante. Nos gustó mucho la actuación de Silvia, muy expresiva, con una energía muy arriba y disfrutamos mucho de sus pasajes en portugués.

Milagros Gallo es Eugenia, católica practicante, es la mujer políticamente correcta, la Susanita del grupo, legalmente casada y con una hija. Su vida parece consagrada a respetar los mandatos sociales. Aunque como muchas veces ocurre en la vida real, esa perfección que se quiere vender es solo aparente y cuando se mira con detenimiento, se observan que la realidad es muy distinta. Muy bueno lo de Milagros.

Y para el final dejamos a Andrea Jaet como Adelita. En actuaciones muy parejas por lo buenas, para nosotros fue quien más se destacó, componiendo a una abogada exitosa en la profesión, pero sin suerte en el amor, soltera y sin hijos, nunca pudo encontrar al hombre correcto, siempre se sintió atraída por hombres casados o amores imposibles. Destacamos la actuación de Andrea, por su histrionismo y por la acidez que logra imprimir a su personaje, que cuando se enoja es temible y tiene una lengua muy filosa.

Como dijimos antes, el pilar de la obra son las actuaciones, las tres actrices muestran mucha química entre ellas, se nota se divierten en escena y entendemos que uno de los mayores méritos de la pieza, es mostrar a tres amigas verdaderas, que resultan creíbles y debido a ella la platea femenina se identifica plenamente con ellas.

Destacamos de la puesta el muy buen componente musical que tiene la obra, acompañando los momentos diferentes de la trama, siendo uno de los elementos característicos de la misma, mérito aquí de Cecilia Candia, a cargo del diseño musical y sonoro.

En definitiva, si bien el tema es trillado, se logra una propuesta atractiva e íntima, donde principalmente las mujeres podrán verse reflejadas, asimismo y con su grupo de amigas, mostrando como muchas veces algunas relaciones pese a ser duradera a lo largo de años, esconden muchas broncas acumuladas, que en el momento de salir a superficie, pueden hacer mucho daño, siendo relaciones altamente tóxicas.

Pasamos una muy linda noche de teatro, espiando la reunión de viejas amigas, para reflexionar y ver como el paso de la vida siempre deja cicatrices y en algún momento llegará la hora de hacer un balance, que puede ser más doloroso, del que queremos imaginar.




Pensador Teatral.

Amor de Película

Dramaturgia y Dirección de Héctor Díaz.

Jueves 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

En el marco de Teatro Líquido, que reúne a un colectivo de jóvenes autores en Espacio Callejón, llega Amor de Película, opera prima de Héctor Diaz, reconocido actor con gran trayectoria en televisión y teatro, que tiene un debut muy auspicioso como dramaturgo, ya que presenta una comedia muy divertida, que se apoya en un texto ágil y en actuaciones muy destacadas del muy buen elenco reunido para el proyecto.

La obra, toma como base la cocina de la industria cinematográfica, siendo una sátira que se nutre de situaciones de la realidad y personajes que habitan ese mundo, con puntos de coincidencias con el universo teatral y televisivo, donde aparecen guionistas que siempre dicen tener las mejores historias, debiendo convencer a productores que en muchos casos se aprovechan de su posición de poder y conviviendo con personajes de organismos oficiales que manejan subsidios y partidas que reparten con dudosa discrecionalidad.

Uno de los méritos de Héctor, es tomar todos estas situaciones reales y llevarlas a un guíón teatral, donde realidad y ficción estarán en permanente pelea y donde muchas veces esa ficción se irá armando y modificando de acuerdo a hechos que se irán produciendo en la vida diaria.

Tratando de no contar demasiado, digamos que Amor de Película, nos contará la historia de Julián un guionista cuarentón y algo anticuado, al que parece le pasó el cuarto de hora, en cuanto a sus creaciones y hace tiempo no logra que sus proyectos de guiones sean seleccionados.

Su supuesto amigo Federico, dueño de una productora de dudosa reputación, viene rechazando sus trabajos por no ser los que pide el público. De manera casual cuando está terminando una fallida reunión entre guionista y productor, llegará  Paula, una joven youtuber, con miles de seguidores de Instagram y mucha llegada en las redes, que estaba citada justo ese día.

Al productor, apremiado por presentar rápido un guión exitoso, a un oscuro funcionario que maneja subsidios y le debe favores, se le ocurre una idea interesante, que el guionista y la youtuber, trabajen juntos escribiendo un guión, que debe tratar de ellos mismos, dos personas de distintas generaciones, que se unen para escribir una historia y cuando están avocados en esa tarea, aparece la llama del amor entre ellos.

La idea del productor parecía muy buena, lo que no imaginaba, era que en el argumento encargado, debido a la picardia de la youtuber, lo incluiría en la trama, junto a su influyente secretaria, como así también el funcionario del organismo que maneja los subsidios. Cuando los involucrados reciben los primeros capítulos y descubren sin quererlo, ser parte de la historia, los ánimos se crisparán y harán sus mayores esfuerzos, para parar todo o en su defecto quedar bien parados en en la trama.

Hasta allí contaremos, dejaremos que sea el espectador cuando vea la obra, descubra como irá cambiando el argumento a medida que los autores e involucrados, se van enterando de lo que irá sucediendo y reaccionando en consecuencia.

La trama es divertida y muy entretenida, evitando caer en lugares comunes y atrapando al espectador con un relato actual y moderno, que pondrá la lupa en las diferencias generacionales de los protagonistas y en los entretelones de la industria cinematográfica.

Además de la elaborada dramaturgia, entendemos que una de las razones, que explican la muy buena respuesta de público y de crítica que tiene la obra, es explicada por el muy buen elenco elegido, todos actores de buena experiencia en el off.

Es un elenco muy parejo y los cinco actores, encuentran espacio para lucirse y mostrar sus credenciales.  La pareja de guionistas, tal vez es la que más de destaca, ya que muestran muy buena química entre ellos y juegan muy bien la partida del choque generacional. Nos referimos a Gerardo Chendo, como Julián, a quien ya elogiamos mucho por su trabajo en Lo Único que hice fue Jugar y que aquí compone a un escritor medio pasado de moda, que lucha por no perder vigencia y su lugar ante la nueva ola. Un personaje muy querible el que compone Gerardo, un actor que siempre genera empatía con la platea.

La youtuber que lo deberá acompañar en la tarea encomendada es Luli Torn, que compone a Paula, una millennial algo caprichosa, con algunos tics y autoestima bien alta, que maneja a la perfección la tecnología y las redes sociales, sin miedo en ir a buscar sus objetivos. A Luli, también la vimos lucirse en un par de obras en El Callejón y en cada nuevo trabajo, notamos su crecimiento. Aquí compone un personaje complejo, que será clave en la historia y lo hace en gran forma. Como dijimos en anteriores crónicas, Luli es una actriz joven con un futuro enorme.

Pero no seamos injustos con Rubén de la Torre, que compone a un productor bastante chanta y a la histriónica María Inés Sancerni, su asistente influyente y manipuladora, que siente mucho cariño por su jefe. Forman una dupla muy buena y se lucen muchísimo ambos, con escenas muy graciosas, que no adelantaremos aquí.

Por último resta mencionar a Javier Nikilson, como Barzola o Fratuchi. Desde un papel secundario, realiza una composición magnífica, con una gestualidad y unos cambios de registros notable, siendo el personaje que más hizo reír a quien les habla

Como puedan apreciar en la descripción realizada, el elenco es muy parejo y se los nota muy a gusto con la obra, se divierten en escena y en eso también influye una dirección que les dá libertades.

La puesta tiene varios elementos para destacar, principalmente el diseño escenográfico que divide el escenario en mitades, dejando de un lado la oficina de la productora y del otro la casa del guionista, lo que permite ver en varios momentos acciones simultáneas, recurso muy bien explotado por el autor y que contribuye a la dinámica de la obra.

En resumen, otra buena opción que ofrece Teatro Líquido, permitiendo el debut de Héctor Díaz en la dramaturgia, para disfrutar de una divertida comedia que además de divertir mucho, dejará al descubierto algunas intimidades, que pertenecen al lado B del cine.

Amor de Película, viene agotando localidades en cada función de desde su estreno y por eso no extrañan los prolongados aplausos, con que el público, despide a los protagonistas al término de la función, con una sonrisa, por el momento teatral vivido.



Pensador Teatral.

Operación Nocturna

Dramaturgia de Pompeyo Audivert y Dirección de Audivert y Fernando Khabie.

Lunes 21 hs en El Camarín de las Musas ( Mario Bravo 960 )

Una creación notable llega de la mano de Pompeyo Audivert, en una pieza que logra reunir poesía, historia y teatro en una puesta potente y atrapante, donde de a poco, el espectador se vá introduciendo en este mundo fantasmal e histórico que nos propone el autor.

Digamos que Audivert, a quien disfrutamos como actor, viéndolo brillar en el escenario en obras que pese al tiempo transcurrido, todavía recordamos. En los últimos años, se ha convertido en uno de los dramaturgos y directores talentosos de nuestra escena, destacando siempre por la calidad de sus trabajos.

Riguroso y minucioso es sus abordajes, Pompeyo presenta una poética en su dramaturgia que lo distingue. Pregona un estilo particular, con el que gusta recrear hechos emblemáticos de nuestra historia. Audivert cuenta que en general el teatro suele ser mostrado como un espejo, algo que refleja lo que sucedería en la realidad y lo que estaría faltando hoy es un piedrazo en ese espejo, no para extinguir la idea del reflejo, sino para romper la estabilidad del teatro, su linealidad y tratar de ver más allá de ese espejismo histórico, esa letra rígida y animarse a ver que hay detrás de las máscaras.

Con este preámbulo, ya anunciamos que Operación Nocturna, no es una obra más, que puede desapercibida, por lo contrario, es una pieza vigorosa y con una complejidad que requerirá de un espectador atento y abierto de mente, para sacar pasajes para al viaje que emprenderemos al apagarse las luces de la sala y empezar a ver luces de las linternas rompiendo la oscuridad.

No queremos contar demasiado de la trama, ya que lo ideal, es que el espectador vaya descubriendo el calidoscopio histórico que el autor nos irá presentando, con una amplitud y una variedad que sorprende, apareciendo fragmentos de Los Derechos de la Salud de Florencio Sánchez, la figura omnipresente de Evita y su enfermedad, la influencia del General. Escucharemos algunas estrofas del Martín Fierro, apariciones de Juan Moreira, Facundo Quiroga y yendo más atrás en la historia, aparecerá Podestá y el Payaso Pepino, toda una celebridad a comienzos del Siglo 20, que aquí en vez de aparecer con su número 88, tendrá un vestuario que incluye calaveras y el 78, recordando aquel Mundial organizado en nuestro país, que sirvió como medio de propaganda de la última dictadura.

El lector leyendo el párrafo anterior, notará la ambición y profundidad de una propuesta, compleja y potente, que mostrará hechos y personaje de nuestra historia, con un estética muy cuidada, onírica y esa poética que es marca distintiva del autor.

Las actuaciones son sobresalientes, el texto como dijimos tiene un grado de dificultad, que requiere una entrega y un compromiso absoluto de los actores, siendo esto algo que se nota se cumple a rajatabla, ya que se los nota a todos muy identificados con el proyecto.

Vamos a mencionarlos a cada integrante del elenco ya que se lucen en el conjunto y también en lo individual, entendiendo que lo principal es la historia a contar, siendo sus cuerpos instrumentos fundamentales para transmitir el mensaje ( la corporalidad es una faceta siempre explotada por Audivert )

Quienes nos deleitaran durante la trama son  Susana Herrero Markov, Ivana Zarcharski, Milagros Fabrizio, Yasmina Cura, Ramiro Alvarez Peña, Fernando Arfuso, Andrés Buzzurro, Analia Di Nubila Salerno, Gustavo Saborido y Adrián Túfolo.

Además de la dramaturgia exquisita, unos de los puntos muy fuertes de Operación Nocturna es la factura de su original puesta, donde los propios actores, portando linternas en sus manos, serán los iluminadores de las distintas escenas. Se crea una atmósfera espectral en la sala, donde la oscuridad y la penumbra dominarán el ambiente.

Uno de los ítems para para destacar son el vestuario de Lucia Rabey, otro el maquillaje y las máscaras que son fundamentales para recrear los diferentes personajes, así también como la música de Claudio Peña que aporta a los diferentes climas. Se nota la minuciosidad en la dirección, cuidando todos los detalles y dotando al espectáculo, de una belleza estética que debemos destacar.

Sin dudas Operación Nocturna, es una propuesta distinta que merece verse. No es una obra sencilla, pero en su complejidad, también está su mérito, ya que cada espectador irá armando su propia obra, de acuerdo a su edad y al conocimiento que tiene de nuestra historia, siendo esta una de esas piezas, que merecen verse más de una vez, para una compresión mayor.

El relato se encargará de presentar retazos históricos de Argentina, en formato teatral, con mucho teatro dentro del teatro y una poética exquisita. Por la potencia del texto, lo atractivo de la puesta y las magníficas actuaciones que se presentan, solo queda recomendar Operación Nocturna, una obra que moviliza y conmueve, ya que deja al descubierto como la pasión y la violencia, siempre fueron grandes protagonistas de la historia de nuestro país.



Pensador Teatral.

La Sutil Debilidad del Rey

Dramaturgia y Dirección de Rubén Mosquera.

Viernes 21 hs en Teatro del Pasillo ( Colombres 35 )

Una original historia llega de la mano de Rubén Mosquera, que con La Sutil Debilidad del Rey nos acerca un género poco explorado en teatro independiente, el policial de suspenso. Tenemos un hombre asesinado el el hall de un departamento y dos detectives, que llegan para tratar de esclarecer un homicidio que tiene algunas circunstancias muy particulares.

La principal es que el cadáver aparece tirado sobre un tablero de ajedrez, con una herida en el pecho, ocasionada en apariencia por el disparo de un arma. El misterio, es que la bala no aparece por ningún lado. Los sospechosos del asesinato son los vecinos de Roberto, ese es el nombre del muerto, que viven en otros departamentos y que comparten la pasión por el ajedrez.

El juego ciencia, es la columna vertebral de la obra, se desgranan en forma muy inteligente las características del ajedrez, un juego de estrategia donde el objetivo es vencer al oponente, dando jaque mate a su rey. Cada jugadores dispone de 16 piezas, siendo el rey la pieza más importante del juego, la que debemos cuidar, ya que tiene movimientos lentos y no tiene el poder de fuego que podría pensarse, necesita del apoyo de las otras piezas para sobrevivir. Las metáforas y semejanzas, del ajedrez con la vida real, son sorprendentes y están presentadas en gran forma por el autor.

No queremos contar mucho del desarrollo de la obra, ya que el suspenso es un componente importante en la trama. Podemos adelantar, que la vida social de ese edificio, se rige por el ajedrez. Ser buen jugador de ajedrez, parece ser un requisito indispensable, para vivir allí y se respetan a rajatabla los códigos de aquel deporte. Por eso no sorprenden las largas veladas con partidas y torneos que se organizaban siempre en la casa de Roberto, disputas que terminaban en todos los casos, con la victoria del anfitrión.

La trama es muy atractiva, ya que los interrogatorios, que realizan los detectives entre los vecinos sospechosos, son muy ricos, donde las versiones que se tienen de los hechos vividos con diferentes situaciones compartidas en el aquel edifico, son muy diferentes de acuerdo al interlocutor que declara. Esto provoca que se generen situaciones risueñas y muy divertidas, por versiones tan contrastantes, conviviendo las mismas, con el misterio a resolver.

En todos los relatos, siempre el ajedrez será el centro de atención, partidas ganadas o perdidas, que determinan recompensas o castigos suculentos, anécdotas de juego y relaciones sorprendentes entre los habitantes del edificio, que no dejan de sorprender a los detectives.

La historia es muy atractiva y tiene un elenco numeroso que la respalda. Por las características del libro, además del muy buen trabajo grupal, cada uno de los protagonistas tendrá un momento reservado para su lucimiento personal, ya que en cada interrogatorio individual, encontrarán espacio fértil para destacarse.

El elenco como dijimos es nutrido y la descripción puede hacerse algo larga, pero la buena factura de las actuaciones, pensamos merece que mencionemos a cada uno de ellos y hagamos algunos comentarios, ya que son ese tipo de obras, donde los espectadores seguro elegirán uno o dos personajes favoritos. Nosotros también tenemos los nuestros.

Mario Campodónico es Roberto, el campeón absoluto de ajedrez en ese edificio, quien aparece muerto en el arranque de la obra, nos regala una actuación deliciosa, mostrando sus diferentes personalidades, de acuerdo a las distintas versiones que nos cuentan los vecinos de él. Siendo un personaje amado y odiado, según quien habla de él, lo que queda claro, es que su presencia en aquel grupo, no pasaba para nada desapercibida. Gran trabajo el de Mario.

Renglón seguido, nombrar a los dos detectives, el principal Amuchastegui ( Matías Alarcón ), casualmente amante del ajedrez, es quien dirige la investigación, secundado por Antunez ( Hilario Laffitte ) un joven sagaz e inteligente. Emulando a Sherlock Holmes y Watson, componen una dupla muy divertida y son fundamentales para la dinámica que presenta la historia.

Entre los vecinos, tenemos a un histriónico Ariel Li Gotti, como el barbado Perrota, que consideraba a Roberto como un artista, Ariel Chamorro, el encargado del edificio admiraba su juego, Victor Frisardi, a quien ya vimos lucirse el año pasado en Sucursal, otra entrañable obra del off, es el temperamental Turnez y Martín Di Paola, como Carnevale, alguien que perdió algo muy importante en una de sus partidas con Roberto ( dejaremos que el espectador cuando vea la obra descubra en que consistió esa pérdida )

Resta mencionar a  las dos damas de la historia, que en sintonia con la importancia que tienen esas piezas en el ajedrez, tendrán mucho peso en la trama.

Justina Ovejero, como Denise es en nuestra opinión, la revelación de la obra. Aportando una muy buena cuota de belleza y frescura a la trama. En un elenco donde predominan los actores de experiencia, su juventud resalta en forma nítida, se muestra muy suelta, con su sonrisa a flor de piel y no pasando desapercibida nunca.

Cerramos con Fernanda Mc Roy, como Damiana, la actual esposa de Roberto, quien también se destaca mucho, aportando belleza y glamour a la puesta. Las dos damas tienen mucho poder en la historia y en el juego.

Se hizo extensa la descripción, pero como dijimos era justo hacer una mención de cada integrante del elenco, ya que se los nota comprometidos y muy enganchados con la obra ( notamos que se divierten ) , algo que se nota de manera positivo en el desarrollo de la trama.

La puesta es dinámica y resulta atractiva para el espectador, que juega junto a los detectives tratando de descubrir quien fue el autor del asesinato, mientras juega y se divierte con los flashbacks que vamos viendo.

Destacamos el diseño escenográfico de Vanesa Abramovich y el diseño lumínico de Daniel Zapietro, que colaboran con el clima que pide la trama, con ese tablero de ajedrez como elemento central de la historia. Interesante además el recurso de esa pantalla, donde se proyectan imágenes de algunas jugadas, recreando algunas de las partidas más importantes.

Por todo lo mencionado, recomendamos La Sutil Debilidad del Rey, una obra original que jugando entre el género policial y el suspenso, nos ofrece un thriller con mucho humor, que tratará de develar si es posible que el mismo Dios, como dicen los vecinos, fue quien mató a Roberto, porque no iba a tolerar ser derrotado en el tablero como los otros o bien fue una conspiración más terrenal, la que se cobró la vida del eximio jugador, ya que móviles para cometer tal acto sobraban.

Siempre es un gusto concurrir a un teatro con tanta calidez como El Pasillo y esta oportunidad, no fue la excepción, ya que disfrutamos de una muy linda noche de teatro, con actuaciones deliciosas y nos fuimos a casa con muchos ganas de buscar un tablero de ajedrez y hacerle jaque mate a quien se nos cruce.



Pensador Teatral.

Chajá

Dramaturgia y Dirección de Luis Cano.

Miércoles 21 30 hs de El Portón de Sánchez ( Sanchez de Bustamante 1034 )

Chajá es una bella historia de amor, que llega a la cartelera porteña de la mano de Luis Cano, un autor que gusta de la poesía y sabe como incorporar de manera efectiva la misma a sus textos, algo que el espectador siempre agradece.

En esta oportunidad, ofrece un relato que arrancará en el presente, narrando historias de un pasado que pudo ser feliz y que pese a no serlo, dejó une huella tan grande, que será necesario volver allí para revivir lo sucedido e intentar cerrar algo inconcluso.

En un ámbito campestre, se encuentran Claudia ( Laura López Moyano ) y Alejandro ( Marcelo Mininno ) son adolescentes y disfrutan del verano, con la inocencia que tienen los jóvenes de su edad, jugando y pasando las tardes en contacto con la naturaleza, disfrutando de tener tiempo libre y dejar que el mismo corra sin preocupaciones, aún no tiene edad para las grandes responsabilidades de la vida.

Claudia, se ríe de si misma, dice que es la cieguita del pueblo, porque debido a una infección en los ojos, debe usar una vendas que no ls permiten ver. A pesar de este hecho, traumático para cualquier niño, se divierte, juega y es feliz de compartir los momentos con Alejandro, un apuesto chico del pueblo, que sueña con vender kerosene cuando sea grande.

Ella está enamorada de aquel chico, pese a que no puede verlo, la enamora su voz, su olor y su compañia, Le pide ir juntos al cine para que le cuente la película,  ya que recordemos que por sus vendas no puede ver. Se respira un aire de enamoramiento en el ambiente, pero la timidez y la inocencia de esos chicos puede más y el amor no se concreta.

Claudia luego de ese verano dejará aquel pueblo y se irá a la ciudad con sus padres. Sabe que allí, quedará su entrañable amigo. Y aquí es donde el autor, introduce aparece la historia del chajá, un pájaro que debe vivir en pareja, no puede vivir solo, porque muere de amor y de dolor, si su compañero ya no está.

El texto de Cano, fue escrito a medida de los protagonistas ( al contrario de lo que ocurre en la mayoría de los casos, escribió el guión, una vez que sabía quienes serían los intérpretes ) y eso se nota de manera muy favorable para la obra, ya que la dupla protagónica se mueve con comodidad y frescura, por los recovecos del relato. Laura López Moyano, impresiona por la ternura con que compone su personaje, con una sensibilidad a flor de piel y una candidez muy lograda. Destacamos la gestualidad de Laura, sus caras, sus movimientos, en total sintonia con su personaje. Es la primera vez que vemos a Moyano en escena y realmente nos encantó su trabajo.

Lo de Marcelo Mininno, también es muy destacable, más huraño que Claudia, parece no entregarse por completo al juego de seducción que le proponen, la figura de su padre parece siempre llegar en los momentos más inoportunos, para cortar el idilio y fastidiar a su amiga. Forma una muy buena dupla con Laura, se entienden muy bien y  juntos saben darle al texto la impronta que pide el desarrollo.

La puesta que nos propone el director es íntima y cálida, con un diseño escenográfico austero, ambientado con paja y una atmósfera campestre, que se potencia con esos sonidos propios de la naturaleza, que nos hacen volar con la imaginación, a las orillas de algún arroyo, en el pasto y con los pájaros cantando de fondo.

Como dijimos antes, estamos en presencia de una historia sencilla y sensible, potenciándose precisamente en esa simpleza, sabiendo llegar al espectador, que siente cercano y real lo que se presenta. Reflexionando sobre un amor de verano, que tuvo una influencia distinta en ambos integrantes de la relación, debido a esto y pese a los años pasados, faltaba dar algún paso para cerrar una historia inconclusa.

Chajá, fue seleccionada por la Fundación Sagai, en la convocatoria de acompañamiento económico para proyectos teatrales " Más Teatro " en 2018 y gracias a ese aporte podemos verla en escena, en un teatro tan cálido como El Portón de Sánchez, siendo esto algo a destacar.

La obra viene agotando localidades desde su estreno y como son pocas funciones programadas, esperemos verla el año próximo en una segunda temporada. La poesía que irradia el texto y la calidad de las actuaciones, así lo auguran, por eso no sorprenden, los sostenidos aplausos, con que los espectadores, al final de la función, despiden a esta parejita, que como los chajás, no pueden vivir sin la compañía de su media naranja.



Pensador Teatral.

El Fruto más Amargo

Dramaturgia y Dirección de Héctor Levy Daniel.

Sábados 17 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Una historia fuerte y conmovedora es la última creación de Héctor Levy, que fiel a su costumbre, nos acerca una dramaturgia muy bien elaborada, que se aproxima mucho al género del melodrama y como es característico en la mayoría de sus textos, hace un muy buen uso de las metáforas, como medio de reflexión, sobre situaciones que vivimos en la realidad y que el espectador identifica de manera clara.

En esta oportunidad, no vamos a hacer referencia a la sinopsis que presenta la obra, ya que en nuestra opinión, spoilea un poco, es decir adelanta algunas situaciones, con las que el espectador se encontrará conforme avanza la trama, de manera que leyendo la sinopsis, se perdería algo de suspenso.

Esto que indicamos, es cuestión de gustos, quien escribe estas líneas, siempre trata de saber lo menos posible antes de ver una obra y sorprenderse / descubrir lo que sucede a medida que la pieza se desarrolla. Hay otros espectadores, que prefieren tener claro algunos elementos de antemano, ya con ellos tendrán una mejor comprensión,  de lo que verán luego. Ambas posturas son respetadas.

Iremos con nuestro método y contaremos que en El Fruto más Amargo, las acciones se desarrollarán en la casa de una familia poderosa y rica, con mucha influencia en la pequeña ciudad rural en la que viven, ya que tienen campos de algodón que dan trabajo a mucha gente.

Hace unos años el jefe de familia, que forjó ese pequeño imperio murió y en la actualidad, su esposa Teresa ( Dana Basso ) no tiene la lucidez mental para manejar el negocio, pero eso ocupando ese lugar, aparece María ( Iride Mockert ) la hija, que pese a su juventud, llevará las riendas de la empresa familiar, con una determinación y una falta de escrúpulos, que impresionan.

La situación se pondrá difícil, porque los obreros de la plantación no aceptan el pago con bonos que le proponen para sus salarios y están en pie de guerra. Arrancan con reclamos verbales y amenazas de huelga. Los manuales indican que en estas circunstancias, lo mejor es negociar, pero María, es una mujer con mano de hierro, que no quiero retroceder ni un paso y se niega a ceder en algo.

Los resultados de esta intransigencia son devastadores, primero aparecen varias hectáreas de campos incendiados de manera intencional y luego algunos empleados rompen algunas maquinas, indispensables para procesar el algodón, lo que generará pérdidas millonarias a la empresa. María enfurece por lo acontecido y no escucha a nadie, de enceguece, redoblando la apuesta de manera muy peligrosa. La aparición de dos delegados muertos en un pantano en circunstancias dudosas, complica aún más el panorama.

Por un lado, la dramaturgia nos ofrece un conflicto laboral que toma dimensiones impensadas, pero esa no será el eje central de la historia. Cómo es ello ?? No vamos a contar demasiado, solo diremos que en ese cerrado entorno familiar de Teresa y María, apareceré una tercera en discordia. Nos referimos a Luisa, contratada por la dueña de casa, como asistente y cocinera, se ganó la confianza de quien la contrato, con su dulzura y sus buenos modales.

Pero María la mira con recelo, no confía para nada en esa mujer,  sospecha de ella, no cree que esa ama de llaves y piensa que llegó a la casa por otro motivo. Algo esconde esa mujer mayor. Será una infiltrada enviada por los trabajadores para espiar y escuchar lo que se habla en la casa ?? Luisa tiene una historia de vida, que conmueve por su dramatismo, pero eso no le importa a la despiadada María, que la mirará con desconfianza en todo momento y nunca la tratará bien.

No vamos a contar más, solo diremos que las sospechas de aquella joven tienen su fundamento y aquella mujer realmente se acercó a la casa, buscando empleo como cocinera, en verdad tenía otras intenciones. Cuando el espectador vea la obra, descubrirá cuales eran..

El ritmo de la obra es vertiginoso y no dá respiro, el público sigue con un silencio absoluto las acciones, se respira un ambiente de tensión y de suspenso en la sala.

En esto tiene mucho que ver como dijimos, la elaborada dramaturgia del autor, pero resulta fundamental el aporte del excelente elenco reunido para el proyecto. La obra no es sencilla, es exigente y requiere mucha pericia de los intérpretes. Sin dudas que hubo una elección muy acertada del elenco, algo que permite que el texto pueda lucirse.

Las cuatro actuaciones que presenta la obra, son magníficas, pero hay una de ellas, que tal vez por el protagonismo que tiene el personaje en la historia, se destaca nítidamente, nos referimos a Iride Mockert, que literalmente la rompe en escena, mostrando una fortaleza y una fiereza, que parece no coincidir con su juventud, manejando los hilos del negocio familiar, con un carácter de hierro. Impresiona ver como cambian sus facciones y sus modos, cuando las acciones pasan del presente al pasado, por los giros de la trama ( una transformación asombrosa en segundos  ). Un trabajo enorme el de Iride, a quien por primera vez vemos en escena y realmente nos llevamos el mejor de los conceptos, ya que entrega una interpretación fantástica, que conmueve al espectador.

Pero Iride no esta sola en el escenario, ni mucho menos. Dana Basso, una actriz que nos gusta mucho y que elogiamos en varias oportunidades, vuelve a destacarse, esta vez en un papel complejo, donde representa a una mujer mayor ( lograda su caracterización para dar con la edad del personaje), con algunas lagunas mentales, que la obligan a delegar las decisiones importantes del negocio en su hija. Muy bueno lo de Dana.

Roxana Randon, como Luisa, es un personaje clave de la historia. Enigmática y extremadamente dulce, soporta con llamativa hidalguía, todas las humillaciones a la que las somete María, con tal de conservar su trabajo. Una actriz de enorme experiencia, que puede mostrar aquí todo su oficio, componiendo a una mujer con un corazón enorme. Conmovedora y entrañable la interpretación de Roxana.

Para el final, nos queda Gustavo Pardi, el único hombre, en una historia dominada por las mujeres. Gustavo es otro actor de gran recorrido en el teatro independiente y aquí desde un papel secundario, muestra sus credenciales, siendo el nexo entre los trabajadores y la familia, teniendo una llegada especial, por un hecho del pasado, que no revelaremos aquí,

Cuando mencionamos antes, que se había reunido un elenco de relevancia para el teatro independiente, no exageramos en nada, los nombres y el peso de sus actuaciones demuestran la acertada elección del director, que supo elegir y seducir a los intérpretes adecuados, para una obra tan fuerte, como esta.

La puesta es realmente atractiva, con varios puntos para destacar. En primer lugar, un diseño escenográfico minimalista de Magdalena Banach, con los elementos justos para enmarcar la historia, pero sin distraer, dando relevancia al texto. Un diseño lumínico impecable de Ricardo Sica y la música original de Federico Marrale, que hacen un aporte importante para componer los climas que la trama vá pidiendo.
Por último destacar, los cambios de escena, con los protagonistas de frente al público, haciendo una especie de reverencia como preludio, a lo las acciones que arrancarán en breve.

No queda mucho para agregar, la historia es atrapante y tiene muchas vertientes para seguir, nosotros aquí comentamos la laboral / empresaria, la lucha entre trabajadores y patrones, donde las reglas de juego no siempre son claras. Pero El Fruto más Amargo, tiene mucho más para contar, nos hablará de la identidad de las personas y de como el ámbito familiar dentro del cual crecemos y nos formamos, pueden modificar nuestra personalidad de manera decisiva, convirtiéndonos en personas muy distintas, a las que pudimos ser, de ser criados en otro entorno. Suena muy elíptico, lo que comentamos, cuando vean la pieza comprenderán lo que decimos.

Recomendamos especialmente la obra, por lo elaborado de la dramaturgia, que dejará mucha tela para cortar y mucho espacio para la reflexión, con una puesta ágil y actuaciones superlativas.

Con la unión de todos los elementos mencionados, no sorprende entonces, la excelente repercusión que está teniendo El Fruto más Amargo, que está cosechando elogios y llenando la sala del bello El Extranjero, en cada una de sus funciones, siendo una obra que moviliza y llega al corazón del espectador.




Pensador Teatral.