La Wagner

Dramatugia y Dirección de Pablo Rotemberg.

Domingos 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

La Wagner, a estas alturas se ha convertido en una obra de culto, que puede tomarse como una excelente muestra de la riqueza de nuestro independiente, que ofrece espectáculos para todos los gustos, que tienen suceso no solo en nuestro país, sino que desfilan con éxito por los escenarios de todo el mundo, como es el caso de esta propuesta, que regresa de una gira por España, para cumplir su séptima temporada en cartel en Buenos Aires, logro que muy pocas obras consiguen.

Creación del talentoso músico y coreógrafo Pablo Rotemberg, La Wagner es una pieza que rompe de manera absoluta todas las convenciones teatrales establecidas. Polémica, transgresora, audaz, violenta, experimental, etc. Muchos adjetivos le pueden valer al espectáculo, algunos espectadores se pueden sentir desbordados, por la crudeza de lo que se vé en escena, pero lo que podemos asegurar, es que nadie quedará indiferente, más allá de cualquier opinión, no hay dudas que La Wagner moviliza al espectador, corriéndolo de esa zona de confort a la que está habituado.

El autor cuando concibió la obra, pensó en primer término, en cuerpos de mujeres desnudos, luego en un espacio despojado de escenografía y por último en la música del compositor alemán Richard Wagner, como marco ideal , para acompañar la explosión escénica ideada en su mente. Locura, genialidad, vanidad  ?? Nuevamente cada espectador será el que dará su veredicto. En nuestro caso adelantamos, que nos inclinamos para el lado de la genialidad, romper los conceptos establecidos, correr los límites y dejar que el arte se exprese libremente, es algo que pocos consiguen.

Las acciones arrancarán en cámara lenta, por la escaleras del Callejón, bajarán cuatro mujeres, provistas solo de zapatillas, coderas y rodilleras. Eso es todo lo que necesitan sus cuerpos desnudos, para someterse a los influjos de la música, que las pondrá en trance durante todo el desarrollo de la pieza. Danzarán, se revolcarán por el piso, se tirarán de las sillas, dibujarán bellas coreografías y simularán actos sexuales. La obra es absolutamente corporal, casi no habrá palabras en la noche, solo la presentación de los actos, del resto se encargarán los cuerpos de esas cuatro mujeres, que dejarán la piel en escena.

Las interpretaciones de Carla Di Grazia, Ayelén Clavin, Carla Rímola y Bárbara Alonso, son simplemente brillantes, con una descomunal entrega física y corporal. El derroche de energía es brutal, los físicos se estremecen, el erotismo será una constante, al igual que la violencia, el sometimiento, la sumisión y hasta el sadomasoquismo. En cada cuadro, estas cuatro actrices, con un realismo y una potencia que asombra, llevarán adelante la idea concebida por el autor.

Para destacar el compromiso y la seguridad de estas cuatro actrices, que con una presencia escénica impactante, se olvidarán de su desnudez y transcurriendo la trama lograrán que el público también lo haga, transfiriendo su atención a la estridente música de Wagner que llena el ambiente, dejando que sus cuerpos frenéticos que hablen por ellas. Espectacular la performance de las cuatro actrices, en una obra que tiene una exigencia altísima, desde lo físico y lo actoral.

La puesta tiene una adrenalina que se siente desde el comienzo, con un diseño lumínico de primera y la música que será gran protagonista de la noche. La trama es energía pura, cuerpos transpirados, jadeantes, que terminan agotados, por la exigencia física, que parece llegar al limite. La puesta es inquietante, perturbadora, enajenante por momentos, para un espectador que sigue todas las escenas, con enorme atención y un silencio que pocas veces se logra en el teatro.

No queda mucho por agregar, La Wagner es una de esas propuestas teatrales, que de ninguna manera pueden dejar pasar, es una de esas experiencias teatrales que deben vivirse, para luego sacar cada uno sus conclusiones, en nuestro caso que vemos mucho teatro por semana, la obra realmente nos impactó más de lo que pensábamos en la previa, más que nada por su crudeza y por la infernal entrega de las cuatro protagonistas, que lo decimos nuevamente, realizan un trabajo brillante.

Por todo lo mencionado, invitamos al espectador que aún no vió la obra, para que se sume a este viaje musical, sensorial y transgresor que propone al autor y para aquellos que ya la vieron, tienen una nueva posibilidad de disfrutar de las melodías de Richard Wagner y de estas cuatro valquirias dispuestas a cabalgar su música, sin guardarse nada.





Pensador Teatral.

Trashumante

Dramaturgia de Martha Billorou, Natalia Pascale, Ivana Carafa y Nancy Corrado.
Dirección de Natalia Pascale.

Sábados 20 hs en Paraje Artesón ( Palestina 919 )

Una historia mínima, intensa y profunda es la que nos acerca Trashumante, esta creación colectiva de cuatro autoras mujeres, que no casualmente nos traerán una historia que indaga en el interior del universo femenino, con el debut en la dirección de Natalia Pascale, a quien desde este humilde sitio, elogiamos en reiteradas ocasiones, por sus trabajos en el escenario y en esta oportunidad, le toca aportar desde fuera de escena.

Desde al arranque se respira una atmósfera de tensión en el ambiente, en el que dominan los silencios y las miradas vacías, entre las protagonistas. Julia ( Ivana Carafa ) , llega en tren a su pueblo, después de muchos años de ausencia. Ana ( Nancy Corrado ) su hermana mayor la espera en la estación. El reencuentro es frío, se nota una distancia entre las mujeres, principalmente en Julio, que mira con recelo a su alrededor y también a su hermana.

El espectador trata de inferir los motivos de aquella distancia, pero la trama mantiene el suspenso. Camino al hogar donde las hermanas vivían juntas hace años, el silencio predomina. Ana quiere romper el hielo, relatando lo que sucedió con viejos personajes del pueblo, pero su hermana no muestra demasiado interés. Ronda la sensación, que pese al paso de los años, el tiempo ha quedado detenido y no es tanto lo que cambió en ese pueblo.

Al ingresar a la casa, esa sensación de tiempo detenido se acentúa. Ana conservó el cuarto de su hermana, como si nunca se hubiera ido. Están allí sus lápices, sus juguetes y sus muñecas. Una infancia que dá la impresión fue interrumpida y ahora con la vuelta de Julia, quisiera retornar, como si fuera posible, arrancar algunas páginas de una historia y volver atrás.

Con el paso de las horas, las hermanas parecen animarse a hablar, de un pasado que sin dudas esconde algo. Los interrogantes se acumulan. Porque la ida repentina de Ana del pueblo siendo una adolescente ?? Su hermana siente alguna culpa por esa ida ?? Como continúo si vida en un pueblo chico en el que toda se comenta ?? Y tal vez la pregunta más importante, Porque vuelve Ana ahora ??

La obra tiene desde al arranque un componente de suspenso y no vamos a ser nosotros, quienes vamos a responder las preguntas formuladas antes. Será el espectador cuando vea la obra, quien encontrará las respuestas. Solo diremos, que muchas veces, la vida no fluye como se espera y aparecen hechos dramáticos que cambian todo. Situaciones dramáticas, que nos toman de sorpresa y nos dejan sin reacción. respondiendo como podemos y no como deberíamos. Cumplimos con nuestra palabra y hasta allí contamos.

Vamos a ocuparnos ahora de las actuaciones que presenta la obra, que realmente son destacadas. Tanto Ivana Carafa, como Nancy Corrado, están en la sintonía que pide la obra, manejando muy bien los silencios, las miradas y las palabras medidas. Ambas saben transmitir ese dolor que las atraviesa, heridas del pasado que no cicatrizaron y que repercuten en ese presente alejado de la felicidad.
Es la primera vez que vemos a Ivana y a Nancy y nos gustaron mucho sus actuaciones, ya que se incorporaron muy bien a ese paisaje opresivo que llena el ambiente y manejan muy bien sus emociones.

La dirección de Natalia Pascale, otorga a la puesta una sensibilidad que agrega valor a la pieza. Para destacar un diseño escenográfico austero de Ayelén Betti, pero con algunos elementos muy importantes para la trama, como la máquina de coser que utiliza a diario Julia para ganarse la vida y las muñecas que parecieron estar esperando ansiosas a Ana, desde el día de su partida. Fundamentales para el suspenso y la atmósfera de pesadez resultan, el diseño lumínico, el vestuario de Ana Julia Figueroa ( observen la ropa de ambos y notarán algo interesante ) y la música original de Fernando Tieghi, que ayuda al espectador a ingresar en la obra, desde su comienzo. Nos gustó mucho la puesta y sin dudas que es muy auspicioso el debut de Natalia en la faceta de directora.

En definitiva, estamos en presencia de una obra entrañable, que sin grandilocuencias y con una buscada escasez de recursos, nos ofrece una historia de dolor contenido, de silencios, de seguir adelante como se puede, tratando de no mirar para atrás o peor aún, simulando que nada ha pasado, cuando todos saben, que si ocurrió algo y que ese silencio obligado, lejos de lo que se hubiera querido elegir, se convertirá en una pesadilla que acompañará por siempre a los involucrados.

Disfrutamos de una bella velada teatral viendo Trashumante, una cálida propuesta que nos ayuda a visibilizar una problemática más común de lo que se piensa reflexionando sobre lo importante, que resulta no quedarnos callados y denunciar al poderoso, debiendo para ello superar nuestro miedos, sabiendo que el costo de denunciar puede ser muy alto, pero sin dudas, será mucho menor, que transitar un silencio obligado.





Pensador Teatral.

Brotherhood

Dramaturgia y Dirección de Anahí Ribeiro.

Miércoles 21 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

La talentosa  pluma de Anahí Ribero, nos vuelve a ofrecer un texto lúcido e inteligente, en esta ocasión,  inspirado en su propia familia y más precisamente en el ACV que sufrió su abuela, trayendo entonces una historia que resulta muy cercana en lo sentimental, en la que siete hermanos, adultos ya ellos, aparecerán frente a nosotros, para exponer sus verdades, miserias y convocados para tratar el tema en común que hoy lo une, la deteriorada salud de sus padres.

El paso del tiempo es implacable y la autora sabe tomar una realidad que se vive en muchas familias. Los padres solitos se las arreglaron para cuidar y criar a su hijos, pero cuando los años pasan, esa realidad se invierte y aquellos que cambiaron los pañales de sus hijos, ahora necesitan la ayuda de ellos, para poder sobrevivir en un mundo, que se caracteriza en ser hostil y cruel por momentos, para los más viejos.

Allí cuando los hijos, deberían estar listos y unidos para retribuir algo del amor que recibieron de chicos, es que comienzan los problemas. Aparecerá un muestrario de sentimientos humanos, en algunos casos se presentará el amor, en otros la culpa, el egoísmo y en algunos casos la indiferencia o el desprecio, cuando el hijo juzga, que de chico no recibió el amor suficiente y por lo tanto debe pagar con la misma moneda.

En familias numerosas, las diferencias entre los hermanos por lo general serán muy marcadas, estarán los que consagrados a sus propias familias manifestarán que tienen tiempo libre para ofrecer, otros estarán listos para acompañar de manera incondicional en estos momentos, también existen los que solo estarán dispuestos a ayudar económicamente, los que no tienen un peso, los que prefieren irse bien lejos, para ver todo desde la distancia, como si  lo que sucede fuera una película, de la que obviamente opinarán. Surgirán celos entre hermanos, las alianzas, las cuentas pendientes y otros sentimientos. Anahí tiene la virtud de captar todo esto y retratarlo con realismo,  en una obra que por diversos motivos, resulta muy atractiva para el espectador.

Yendo más en detalle, digamos que la pieza tiene una presentación muy particular, al entrar al teatro, veremos siete sillas en fila, situadas una al lado de la otra, en las que se sentarán siete hermanos, tres varones y cuatro mujeres, para tratar de organizarse y decidir como cuidarán a sus padres, que ya solos no pueden arreglarse. Discutirán entre ellos y también, licencia teatral mediante,  tendremos la posibilidad de conocer sus pensamientos privados, esos que no exponen en público. La obra tiene una dinámica vertiginosa y en ello influirá la puesta original y muy moderna, que sirve de marco a la trama, de la que hablaremos más tarde, porque ahora es tiempo de hacer mención a las destacadas actuaciones que presenta Brotherhood.

Se ha reunido un muy buen elenco para la ocasión, son siete actores, que con mucho realismo, compondrán personajes con características bien diferenciadas, en una obra que es exigente y requiere un alto grado de concentración, ya que además de estar todo el tiempo en escena, en la mayoría del tiempo, estarán interactuando entre ellos, cada uno desde su silla, siendo necesario un exacto manejo de los tiempos, para  intervenir en el momento justo, sin pisarse y esto es algo, que solo se logra con muchas horas de ensayo.

Hay actuaciones muy destacadas y la directora, permite que todos tengan su espacio para el lucimiento personal, sin perder en cuenta que el conjunto es lo más relevante aquí. Julia Funari, como Poly, es quien trata de llevar la batuta de la familia, tal vez por ser la mayor, logrando por ese motivo, el respeto de sus hermanos, algo que parece una misión imposible. Gran trabajo de Julia, en nuestra opinión, ofreciendo la actuación más sólida de la noche.
María Forni como La Negra, cumple muy buen trabajo, con un Edipo no resuelto, sintiendo siempre que es la preferida del padre. A María, una joven actriz con muy buen recorrido en el teatro independiente, recordamos haberla elogiado ya por su actuación en Querido San Antonio, una entrañable obra del off.

Bárbara Majnemer, es una verdadera revelación, mostrando una presencia escénica sorprendente, componiendo a la bella Yiyi, personaje explosivo por donde se lo mire, dotado de mucha personalidad. Es la rebelde de la familia, siempre frontal, estará presente en todas las peleas. Nos encantó el trabajo de Bárbara, a quien vemos por primera vez en escena y realmente nos impresionó positivamente su labor, creemos que con la vidriera que tiene aquí, seguramente la veremos pronto en nuevos proyectos. El elenco femenino lo completa, Ingrid Mosches como Tití, que declara tener poco tiempo para dedicar a sus padres, pero si lo tiene para irse de bingo. Muy buen su composición, en un personaje que navega entre la culpa y la conveniencia personal.

Por el lado masculino, hay también excelentes trabajos. Carlos Marsero, es el Gringo, figura controvertida para los demás. Vive lejos y está aliviado por ello, ya que puede tomar distancia de las responsabilidades familiares, pese a ser el preferido de la madre. Entrañable actuación de Carlos. Y completamos, el elenco, con los mellizos de la familia, el Ruso ( Gerardo Scherman ), extremadamente sensible y gobernado por su esposa y Lucho ( Mariano Sacco ), responsable y muy unido a Poly y Yiyi. Los mellizos son los personajes más graciosos y por lo tanto, los que más risas generan en la platea, teniendo ambos momentos de gran lucimiento.

Se hizo algo larga la descripción, pero entendemos que era justo dar algunas líneas de cada integrante del elenco, ya que todos consiguen composiciones logradas y muy realistas, respondiendo de muy buena manera, a una puesta que sin dudas es exigente.

Hablemos ya de la puesta de Brotherhood, que es junto con las interpretaciones, el punto más fuerte. Original y muy moderna, potencia el texto y le agrega mucho valor a la obra. No queremos contar demasiado, para no quitar sorpresa al espectador,  solo diremos que detrás de las sillas, hay una pantalla, en la que mediante el mapping, se proyectarán imágenes, que acompañarán los relatos, indicando por ejemplo, que actor debe intervenir y muchas otra sorpresas. Una de ellas, es una representación de un grupo de wasap familiar, con emoticones incluidos, escenas realmente desopilantes y divertidas. Pero cumplimos nuestra palabra y no contamos más, El reconocimiento para Euge Choque y Demián Ledesma Becerra, que supieron interpretar el pedido de la directora y colaboraron para lograr un montaje, que no pasa para nada desapercibida.


Otro ítem que debemos mencionar de esta puesta tan atractiva, es el diseño de Luces de Akira Patiño, importante para llevar a los diferentes climas que vá pidiendo la trama. Con todos los condimentos mencionados, se consiguió una puesta magnífica y mucho más para el teatro independiente, donde todo se hace a pulmón, siendo esta una gran demostración, que cuando hay talento, creatividad y por supuesto horas de trabajo, no siempre son necesarios grandes presupuestos, para conseguir una puesta de excelencia.

No queda demasiado para agregar, como el lector puede apreciar, nos gustó mucho la propuesta de Anahí Ribeiro, que nos hablará de vínculos familiares, poniendo el foco en la relación entre hermanos y lo hará con un texto lúcido, que por momentos nos hará reír, por momentos emocionarnos, y también llevarnos a reflexionar, ya que el espectador, en todo momentos sentirá que el texto es reconocible y cercano, reflejándose con facilidad en el mismo.

Recomendamos especialmente Brotherhood, una obra donde confluyen, un texto inteligente, actuaciones magníficas y una puesta estupenda. Con este combo, auguramos a la pieza un muy buen recorrido y sin dudas más de una temporada en cartel, ya que tiene un potencial enrome. En esta su primer temporada, gracias al boca a boca, agotó localidades en cada función en el Nun. Luego de ver la obra, nos quedan muy claros los motivos de esta buena recepción del público y los invitamos a que ustedes, también descubran esta muy buena propuesta que el teatro independiente nos ofrece.





Pensador Teatral.

La Monja Judía

Dramaturgia de Lázaro Droznes y Dirección de Eduardo Lamoglia.

Domingos 20 15 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Obra basada en la vida de la filósofa alemana Edith Stein, originaria de una familia judía con once hijos. Para saber de quien estamos hablando, daremos algunos datos interesantes de su biografía. Durante la Primera Guerra Mundial, se alistó en la Cruz Roja para servir como enfermera en un hospital austríaco, hasta que el mismo fue cerrado. Entrando en la adolescencia, Edith se alejó del judaísmo y comenzó a leer la biografía de Santa Teresa de Jesús.

Luego de atravesar una profunda crisis de fé, decidió convertirse al catolicismo, dentro de la orden de las monjas carmelitas, tomando el nombre de Teresa Benedicta de la Cruz.  Estando alojada en el Convento de Echt, su situación, como la  de muchos judíos que vivían en Holanda ( nos viene a la mente el nombre de Ana Frank ) , comenzó a complicarse, por lo que solicitó una visa a Suiza con su hermana Rosa, para ser transferida al Convento de Carmelitas de La Paquier, que comunicó que podía aceptarla a ella, pero no a su hermana, siendo esto inadmisible Edith, decidiendo quedarse en Holanda con su hermana.

Sin saberlo esa decisión, fue la que finalmente terminaría costándole la vida, ya que la Gestapo irrumpió en el convento y desde allí fue llevada al campo de concentración de Westerbok. El 7 de Agosto de 1942, fue trasladada en tren con otros miles, hasta Auschwitz, el mayor campo de exterminio de la Alemania nazi, ya que se calcula que allí fueron asesinados más de un millón de judios.

Creemos que la introducción fue valiosa, para conocer quien fue Edith Stein. Yendo ya a la obra, contemos que las acciones arrancarán precisamente cuando la religiosa llega a Auschiwtz, allí la espera Hans, un oficial de la SS, que fue su antiguo compañero de Universidad, cuando ambos eran veinte años más jóvenes y vivían en Alemania. El encuentro entre ambos es tenso por las circunstancias en las que se produce y reina

Hans tiene una propuesta para hacerle a su vieja compañera. El nazismo quiera sentar las bases para la fundación de una nueva religión, alemana y popular que sirva al régimen y no tiene dudas que Edith sería la persona indicada, para escribir la doctrina de ese proyecto de religión. La situación de la monja no es sencilla, tiene claro que la propuesta del ahora oficial SS, puede ser su salvoconducto en ese lugar de muerte.

Pero también tiene la certeza que aceptar lo que le pide Hans, sería traicionar sus ideales, su causa y principalmente su compromiso con Dios. Servir al régimen nazista sería algo que su conciencia no le perdonaría aún sin tener dudas que si rechaza la oferta, sus horas estarían contadas.

La obra presenta estupendas actuaciones. Marta Bianchi, interpreta a Edith un papel complejo, que una actriz de sus quilates, puede resolver con mucho oficio y con una sensibilidad que emociona.

El malvado de la historia, será Gustavo Rey, otro actor con muchas experiencia, interpretando al oficial de las SS, que intentará mostrar un costado humano, que entrará en colapso en su interior, ya que la doctrina nazi, le exige una obediencia incondicional, no dando lugar a los sentimientos, ni a los razonamientos personales.

La dupla que forman los protagonistas, es muy lograda, dejando claro los estragos que causa la guerra y como el que no piensa igual puede convertirse en un enemigo. Se generan diálogos profundos entre ambos, que invitan a la reflexión del espectador.

La puesta es íntima y asfixiante, se huele a muerte en el ambiente, el uniforme del oficial con la esvástica como distintivo, genera escozor en el espectador, que piensa y trae a la mente el recuerdo de un pasado brutal, que parece lejano en el tiempo, pero no lo es tanto.

No queda mucho más para contar, cuando vean la obra, sabrán si finalmente Edith aceptó la posibilidad de salvación que le propuso su antiguo amigo o se quedó con lo que le dictaba su conciencia y su comunión con Dios.

Daremos un dato, que seguramente, dilucidará el misterio. Stein, fue canonizada por Juan Pablo II en 1998 y hoy se la conoce como Santa Teresa Benedicta de la Cruz, recibiendo el título de mártir por amor y declarada co-patrona de Europa.

Celebramos entonces, el texto de Droznes, que nos permite conocer la historia de esta gran mujer, contando con una puesta en escena tan atractiva, como dura de Eduardo Lamoglia y las magníficas actuaciones de Martha Bianchi y Gustavo Rey. Además de pasar una rica velada teatral, la obra sirve como un alerta, para tener memoria activa de un pasado monstruoso, teniendo presente, hasta donde puede llegar la maldad del hombre, cuando la misma es incentivada por regímenes basados en en fanatismo.



Pensador Teatral.

Agamenon

Idea de Manuel Iedvabni.  Dirección de Manuel Iedvabni y Pablo Flores Maini.

Sábados 20 hs en Teatro La Comedia ( Rodríguez Peña 1062 )

Estupenda propuesta teatral nos ofrece Agamenon, escrita en el Año 458 A.C. por Esquilo, considerado el fundador del género de la tragedia griega. Pese a haber transcurrido más de dos mil años, el texto presenta una vigencia que sorprende. Aparecerán en la trama temas como la venganza, el odio, el amor, la política, la muerte,  la guerra y la psicología del hombre, todos temas presentes en nuestra actualidad, revelando que la humanidad en algunos aspectos no ha cambiando, ni evolucionado tanto, como podríamos inferir.

La idea y el proyecto arrancó hace más de dos años, primero en la mente de Manuel Iedvabni, contando luego con el fundamental aporte de Ingrid Pelicori, encargada de la adaptación de este clásico, realizando la misma de manera minuciosa, consultando versiones en castellano, francés e ingles, cuidando especialmente el espíritu poético del texto original, pero buscando una versión didáctica, que pese a los datos históricos que contiene, sea clara y amena para el espectador, adelantando desde ya que el resultado fue excelente.

Lograr que el proyecto se convirtiera en realidad no fue sencillo, se debieron superar muchos obstáculos, pero finalmente pudo plasmarse y se transformó en esta estupenda versión que podemos ver en La Comedia,  en la que por decisión del propio Iedvabni, se dispuso que fueran solamente dos actores, como en la época de Esquilo, los que representaran a todos los personajes, valiéndose para ellos de máscaras, otro elemento distintivo del teatro griego.

Valga una aclaración en la época de Esquilo, los actores eran siempre hombres, aquí Manuel, se toma una licencia, eligiendo un actriz para los personajes femeninos y un actor para los masculinos. Realmente era un gran desafío encontrar a los actores, que están a la altura del desafío y pudieran desdoblar la cantidad de personajes requeridas, por eso desde el arranque del proyecto se contó con Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, como los elegidos, dos verdaderos animales de teatro, que no se iban a amilanar ante la propuesta y trabajaron de manera activa, para que la obra llegue a buen puerto.

Contemos brevemente que la obra escrita por Esquilo narra el regreso triunfal de Agamenon, Rey de Micenas y Argos, a su patria luego de diez años en la Guerra de Troya. Regresa trayendo como trofeo y esclava a Casandra, la profetisa hija de Priamo, que lanzaría algunos augurios escalofriantes. En su palacio, lo espera su esposa Clitemnestra, que lo recibe con honores, debido a su mítico triunfo. 

Pero en verdad, esa supuesta alegría por el retorno de Agamenon, de parte de su esposa, era simplemente una representación, debajo de su mueca de sonrisa, algo ocultaba, sin dudas la guerra, había dejado cuentas pendientes entre ellos. Recordemos que durante su navegación a Troya, en medio de una tempestad que amenazaba con destruir toda su flota, los Dioses colocaron a Agamenon, ante una dilema trágico, ya que Ifigenia la hija de ambos, fue pedida en sacrificio, para que los barcos pudieran continuar su camino. El Rey debía optar entre el deber y su hija, decidiendo el sacrificio de Ifigenia.

Esta decisión no fue del agrado de Climnestra, que evidentemente nunca le perdonó esta decisión y pacientemente esperó el momento, para tomarse revancha y como dice el refrán, la venganza es un plato que se sirve frío. No vamos a contar más, quienes conocen la historia, conocerán ya la suerte de Agamenon y, aquellos que no, se enterarán cuando vea la obra, nosotros aunque hayan pasado más de dos mil años, vamos a mantener el suspenso.

Es momento de hablar de los extraordinarias interpretaciones que presenta la obra. Es un placer para quienes amamos el teatro poder disfrutar de actuaciones superlativas como las que nos ofrecen Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez, dos actorazos de raza, que se comprometieron de manera absoluta con el proyecto y esto es algo que el espectador puede apreciar de manera clara, por la entrega de ambos.

Como mencionamos antes, solo ellos dos, representarán todos los personajes de la historia. En el caso de Ingrid, se pondrá en la piel de Climnestra y Casandra. Osmar por su lado, dará vida a Agamenon, Egisto, el mensajero y el soldado. Sorprende como cambiarán de apariencia en segundos, transformándose en el personaje que están desdoblando, variando su tono de voz, postura y gestualidad. Hay que contar con un gran talento, para lograr esto y hacerlo con la repentización que lo hacen Ingrid y Osmar. Realmente es admirable el trabajo de ambos.

Además formarán parte del coro. A que nos referimos con esto ??  La puesta nos tiene reservada una novedad tecnológica, que aporta mucha valor a la obra. Sobre el fondo del escenario, una pantalla gigante, proyectará imágenes digitales del coro o consejo de ancianos. Es el pueblo de Argos, que opinará sobre lo que acontece en la ciudad y el comportamiento de sus gobernantes. La realización audivisual mencionada es obra de Pauli Coton y realmente merece verse, más que describirse aquí, ya que es un recurso muy novedoso, que otorga potencia y belleza visual a la obra.

No queda mucho por agregar, Agamenon es una muestra fiel de que la humanidad, aunque hayan  pasado siglos, sigue teniendo problemáticas que lo atormentan, la violencia, las guerras, la venganza, la muerte y las pasiones irracionales, estaban presentes en la tragedia griega y siguen presentes hoy, en este mundo convulsionado que nos toca vivir.

Estamos en presencia de una propuesta muy valiosa que nos trae el teatro independiente, con un texto clásico, que presenta una vigencia y una cercanía que asombra, gracias a una adaptación excelente, una puesta sumamente atractiva y las las fantásticas actuaciones Ingrid Pelicori y Osmar Nuñez. Por eso llena el alma, ese aplauso emocionado, con el que el público que colmó la sala, premia a los protagonistas, demuestra que apostar a un clásico griego, cuando hay tanta dedicación y talento reunido, puede resultar una empresa exitosa y convertirse en un imperdible de nuestra prolífica cartelera teatral.

Pensador Teatral.

Ladies Night

Dramaturgia de Patricia Suárez. Dirección de Ulises Puiggrós.

Viernes 23 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Una divertida y desopilante propuesta llega de la mano de Patricia Suárez, la prolífica dramaturga rosarina, que en esta oportunidad, nos traerá un texto, en el que nueve mujeres, pertenecientes a un grupo de lectura, se reunirán a la espera de su autor preferido. La gran novedad, es que estas mujeres, además de su pasión por la lectura, son brujas, si así como lo leen, nueve brujas que en pleno Siglo XXI, se reunirán para agasajar a un escritor y conversar de temas en común, un argumento por demás original.

Las chicas están ansiosas por la llega de Ugarte, su autor de novelas románticas favorito. Organizaron una velada nocturna, en la que no faltarán cosas ricas para comer y el champagne será la bebida oficial. Los minutos pasan y la llegada del escritor se demora, para colmo una feroz tormenta se desata sobre Buenos Aires y algunas comienzan a temer, que la lluvia puede ser un impedimento real o la excusa justa, para que Ugarte las deje plantadas, en esa noche tan especial para ellas.

Las mujeres se impacientan y para superar la espera, empezarán a tocar temas de familia, ya que la mayoría son parientes, tendremos madres, hijas y tías, todas ellas con conocimientos de brujería, que según se intuye, se han transmitido entre generaciones. Por su puesto se hablará de hechizos y de conjuros, pero también aparecerá el tema de la religión y cuestionarse porque hoy en estos tiempos modernos, en los que las mujeres han obtenido tantas reivindicaciones, no han logrado aún, penetrar, las rígidas barreras de la Iglesia Católica, que impiden por ejemplo, que una mujer pueda ordenarse como sacerdote, obispo y ni hablar de pensar en una Papa Mujer.

La espera se torna desesperante para estas mujeres, se iniciarán algunas discusiones, hay algunas cuentas pendientes en la familia y la noche parece apropiada para resolverlas. Las botellas de champagne comenzarán a descorcharse y las lenguas de las chicas, algunas bien filosas, comenzarán a soltarse. Aparecerá un petitorio, para que sea firmada por todas, donde se pide a la Iglesia por el derecho de las mujeres. Pero ese petitorio, tiene un punto que parece imporbable, ya que la idea es que lo reciba el Papa, algo imposible, si no fuera porque una de las brujas, muchos años antes, conoció a Jorge Bergoglio, cuando vìvìa en Flores y nadie podía imaginar en esos momentos, su ascendente carrera.

El entretenido texto es actual y tiene presente, la lucha de los movimientos femeninos que pugnan por el empoderamiento de las mujeres. Digamos que el texto, en algunos momentos peca de ser algo ambicioso, queriendo abordar demasiados temas a la vez, sin poder darle un desarrollo principal a alguno de ellos, pero no debemos perder de vista, que la autora presenta una propuesta desopilante y bizarra, por eso es que se permiten ciertas licencias creativas, no teniendo que buscar el espectador, un texto linealmente estructurado.

El punto fuerte de la obra, en nuestra opinión son las actuaciones. Se reunió un muy buen elenco para la ocasión. Son nueve actrices, todas ellas con muy buen recorrido en el teatro independiente, con características y edades heterogeneas. Las chicas están la mayoría del tiempo todas juntas en escena, por lo que el espectador, deberá estar siempre atento, ya que es mucho lo que sucede en el escenario y serán varios los centros de atención, que de manera simultánea, se estarán desarrollando.

Como señalamos, las interpretaciones son el corazón de la obra y por ello vamos a dejar algunas lineas del elenco que presenta la pieza, con el riesgo de ser injustos, resaltando aquellas que a nuestro entender más se destacaron, aclarando de entrada que el gran valor aquí está en el conjunto, por sobre lo individual.

Alicia Muxo, es quien parece llevar la batuta en la noche, respetada por las brujas más chicas, por su experiencia y por su ascendencia en la familia. Gran trabajo de Alicia. Otro bruja de experiencia, es María Nydia Urso-Ducó, no vamos a descubrir aquí las condiciones de esta gran actriz, a la que muchas recuerdan, por su trabajo en Un Hombre sin Suerte. Acá se destaca en el grupo e imagina como sería un encuentro íntimo con Ugarte. Siempre es un deleite ver a Nydia en escena. Silvia Petri, parece la bruja más profesional de todas las reunidas y nos ofrece una lograda composición, conjurando hechizos y algunas maldiciones, consiguiendo los momentos más esotéricos de la noche.

Seguimos con Débora Longobardi, que además de bruja, es una valiente abogada, que busca defender los derechos de los más débiles. Destacamos su gestualidad, frescura y ese bello tono de voz, que es un sello que la distingue. Débora, es una de nuestras actrices preferidas del off,  y siempre que la vemos, destacamos sus trabajos. Aquí una vez más, muestra su enorme talento y versatilidad.  Natalia Imbrosciano es una bruja, con mucho carácter, se muestra competitiva y estará involucrada en muchas disputas dialécticas con sus colegas. A Natalia, también la vimos varias veces y siempre se destaca en sus papeles por su carisma y credibilidad.

Nos sorprendió gratamente la composición de Catalina Motto, a quien recordamos haberla elogiado mucho por su trabajo en Dos una Desconexión y aquí la vemos como una bruja atractiva y sensual, que vestida de amarillo, ahuyentará la envidia de los demás. Muy bueno lo de Catalina. Magalí Meliá es otra excelente actriz, que acá compone a una bruja especialista en remedios homeopáticos. Griselda Sanchez, con un look informal, es la más seductora de todas las brujas, logrando horrorizar a las mayores, por su desparpajo. Karina Hepner, por su parte es una bruja muy histriónica, capturada por las redes sociales y por una relación amorosa clandestina que la atormenta.

Se hizo algo larga la descripción, pero como mencionamos antes, la calidad del elenco reunido y la calidad de las actuaciones, creemos lo ameritaban. Párrafo especial para Ulises Puiggrós, el director de la obra, coordinando esfuerzos, para que las nueves actrices estén prácticamente todo el tiempo juntas en escena. logrando armonía y que cada uno de ellas puede encontrar su espacio para el lucimiento.

Ulises demás consigue una puesta realmente atractiva, desde lo visual, logrando varios focos de atención simultáneos. Hay un diseño lumínico que juega en buena forma con la oscuridad en varios pasajes ( en especial cuando se nombra a alguien ) y queremos destacar el colorido vestuario de Fernanda Díaz, que viste otorga glamour a las nueve protagonistas.

En definitiva, Ladies Night, es una divertida y original propuesta del teatro independiente, que entre brujerías y charlas de mujeres, tocará temas actuales como la inclusión de las mujeres y lo complicado que resulta, conseguir la igualdad de oportunidades, en ciertos ámbitos, que se resisten a los cambios que la sociedad experimenta en estos años, siendo la Iglesia, uno de los mejores ejemplos de instituciones, que quieren demorar este avance.

Por todo lo mencionado, la invitación para que concurran a El Tinglado está cursada, la cita es cerca de la medianoche, allí los esperan nueve talentosas brujitas, que recurrirán a sus poderes mágicos y a todos sus hechizos, para que los espectadores, disfruten de una velada teatral a pura risa.



Pensador Teatral.

Las Cuñadas

Dramaturgia de Florencia Naftulewicz. Dirección de Pilay Boyle y Florencia Naftulewicz.

Martes 21 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Una propuesta fresca y muy divertida aparece con Las Cuñadas, comedia desopilante, que revelará hasta donde, pueden estar dispuestas a llegar dos mujeres de clase alta, para conservar la buena reputación de la familia y mantener a salvo el negocio familiar.

Gynette y Gyselle se encuentran para la habitual sesión de belleza a domicilio que comparten todas las semanas, en las que tratan los típicos temas que pueden ocupar dos distinguidas damas de la alta sociedad, el trabajo de sus esposos, las mujeres de sus esposos, amigas, carteras,  zapatos, los últimos tratamientos estéticos disponibles y rememorar los días de shopping en Miami, la meca que toda persona bien, tiene siempre a mano, vuelo mediante, para sus compras.

Gynette ( Florencia Naftulewicz ) y Gyselle ( Mercedes Moltedo ) son más que amigas, son familia, más precisamente cuñadas, ya que Gyselle está casada con Roberto, el hermano de Gynette. La charla entre ellas venía relajada como siempre, hasta que surge un secreto a voces, la relación de la pareja, viene barranca abajo y el motivo es contundente, Roberto está saliendo de viaje muy seguido con un amigo, que es más que un amigo. Todavía no se animo a salir del closet, pero sus preferencias amorosas, se están tornando en algo difícil de ocultar.

Las cuñadas en el medio de una sesión de manicura y de los tragos que preparan para amenizar el momento, llegan a la terrible conclusión, que si las inclinaciones sexuales de Roberto, llega a ser conocidas, la financiera que maneja se iría a la bancarrota. Ninguno de los conocidos, seguiría confiando en aquel hombre y el imperio familiar se derrumbaría en poco tiempo, algo que sería un catástrofe económica para ambas mujeres, ya que sus ingresos y posición social, dependen del buen funcionamiento del negocio.

La tensión comienza a ganar espacio, Gynette es la que toma la iniciativa y se muestra dispuesta a todo para salvar el matrimonio de su hermano, por eso maquina un plan tan arriesgado, como disparatado, en el cual Miriam, la manicura y circunstancial acompañante de esa jornada hogareña de belleza, será la gran protagonista. La idea será que ante su círculo de conocidos, se haga pasar por la amante de Roberto, cualquier recurso es válido, con tal de evitar el escarnio público, que sufriría la familia si trascendiera su verdadera identidad sexual.

Al principio, el plan de Gynette no convence a su cuñada, pero su insistencia y fuerte carácter, provocará que Gyselle, acepte la idea que además de ser disparatada, la convertirá en cornuda al instante. Y convencer a la manicura sería sencillo ?? Ambas piensan que si, que con algún incentivo económico y alguna promesa de viaje, el camino estaría allanado y contarían con la total colaboración de esa mujer de origen paraguayo, que pese a pertenecer a un clase social, tan lejana a ellas, sería una pieza clave, para salvar el imperio familiar. Hasta allí contaremos. Si la idea fue buena o no, los lectores, lo descubrirán cuando vean la obra, pero les adelantamos, que muchas veces, el diablo mete la cola y lo que parece una buena idea en un comienzo, se puede convertir en una pesadilla.

La trama es muy dinámica y fluye, el público se engancha desde el principio, con un texto muy divertido escrito por Florencia, que creemos tiene tan buena recepción, porque resulta cercano para los espectadores, que si bien encuentran una caracterización exagerada adrede, se reflejan en la trama y en el comportamiento de alguna de las protagonistas.

Nos gustaron mucho las actuaciones que presenta la obra. Tres jóvenes y talentosas actrices, que se sienten a gusto con el texto, se nota se divierten en escena y a partir de allí pueden lucirse mucho. Florencia Naftulewicz, es la gran protagonista de la obra, en su triple función, ya que además de ser la autora y dirigir la pieza junto a Pilar Boyle, nos regala una interpretación magnífica, componiendo a una dama de la high society, manipuladora y de fuerte carácter, mostrando estar decidida a todo, con tal de salvar el buen nombre de la familia. Nos encantó el trabajo de Florencia, una joven actriz a la que sobra talento y carisma, mostrando en ese caso, sus condiciones para la comedia.

Mercedes Moltedo, la acompaña en gran forma. Con modales muy finos y algo más calmada que su cuñada, aunque al principio, muestra algunas dudas con el plan ideado, finalmente lo apoyará de manera abierta. A Mercedes, la elogiamos mucho por su actuación en La Pilarcita, una obra casi de culto del off. Aquí en un papel diametralmente opuesto, muestra toda su versatilidad.

Completan el triángulo virtuoso, Julia Galeano en el papel de la manicura. Tímida al principio, casi sin hablar, irá ganando en confianza a medida que avanza la trama y comienza a darse cuenta, que puede sacar tajada, ante la desesperación de esas dos mujeres,, mostrándose en final, con unas ínfulas que descoloca a las cuñadas. Una verdadera revelación Julia, que compone un personaje muy divertido-

Las tres actrices, se lucen mucho y saben reírse de si mismas,  algo que redunda en el bien de una obra, con la que el público se engancha desde el comienzo. Con mucha química entre ellas, consiguen darle mucha fluidez a la trama.

La puesta como dijimos es muy entretenida y fresca. Las actrices juegan mucho hablando en verso y esto le otorga un atractivo adicional al desarrollo del espectáculo. Destacamos el diseño de luces y escenográfico, a cargo de Leandro Crocco.

Nos divertimos mucho viendo Las Cuñadas, una propuesta, que en tono satírico, además de generar muchas risas, nos invita a reflexionar acerca de temas, como la hipocresía, el conflicto de clases y como muchas veces, aquellos que pertenecen a una clase acomodada, toman como algo normal, discriminar, a los que no pertenecen a su clase y poder cometer abusos de todo tipo, como si el dinero sirviera para justificar algunas conductas.

Una comedia para reír y mirar hacia nuestro interior, con un texto tan entretenido como cercano y actuaciones magníficas, redondean esta desopilante propuesta del teatro independiente, que gracias a la fuerza, del boca a boca, esté teniendo un gran suceso de público, que demuestra agotando localidades desde su estreno, algo que muy pocas obras consiguen, mostrando que la risa, siempre es una buena receta.




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