Luisa

Dramaturgia de Luciana Cervera Novo. Dirección de Natalia Pascale.

Sábados 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

Nuestra primera vez visitando Itaca, nuevo espacio teatral, no pudo ser mejor, ya que lo hicimos disfrutando esta hermosa y conmovedora obra, llamada Luisa, escrita por Luciana Cervera Novo, que además es la protagonista de este pieza con formato de unipersonal. Un dato fundamental para agregar, es que la dramaturgia se basa en la historia de vida su bisabuela, que llegó a la Argentina a principios del siglo XX.

El relato arranca con Luisa, la heroína de esta historia, pariendo a su primogénito hijo en un convento. Allí fue llevada por su padre, que no soportaba la idea de que una mujer soltera diera a luz. de manera a contrario a los mandatos sociales Y así fue como, repudiada por su familia, Luisa tuvo la valentía y la necesidad de irse de España, dejando atrás del dedo acusador de su padre. Lo hizo junto a Luis su pequeño hijo. Se subió a un barco, como lo hicieron miles de inmigrantes y emprendió el largo viaje hacia Buenos Aires, es busca de un mejor destino, dejando atrás los horrores de la guerra y el desprecio de su familia.

Luisa era una mujer valiente, dispuesta a sacrificarse y salir adelante para poder criar con dignidad a su hijo. Así fue como dió sus primeros pasos en una nueva tierra, viviendo en un conventillo. No sabía leer, ni escribir, pero eso no le iba impedir ganarse el pan, para la crianza de su querido Luis. Y así lo hizo, trabajando muy duro como costurera, para poder sobrevivir.

El tiempo fue pasando, Luisa se convertiría en una mujer madura, conocería a Ramón un hombre mayor que ella, con el que tendría dos hijos, mientras su preferido Luis crecía y forjaba una personalidad muy fuerte. Aquel niño que traía en brazos en aquel barco, de a poco se estaba convirtiendo en un adulto, que tenía sus propios pensamientos, siendo bastante cabeza dura y empezando a interesarse por la política, algo que a Luisa no le causaba ninguna gracia y además le daba miedo.

Y hasta allí vamos a contar de la trama, para mantener el suspenso, sin develar el viraje que la dramaturgia nos propondrá en la última parte de la obra, ya que aquella historia de aquella valiente mujer que emigró a Argentina a forjar un porvenir y una nueva familia, se vá a transformar en la lucha de una madre desesperada, por recuperar a su querido hijo. Nos mordemos la lengua y cumpliendo con nuestra palabra, hasta allí vamos a contar, para que el espectador cuando vea a obra, descubra de que estamos hablando.

Llega el momento de hablar de Luciana Cervera Novo, quien protagoniza este unipersonal y nos regala una actuación exquisita. Una interpretación plena de pasión y emociones, dará vida a una madre de una fuerza inquebrantable y con un amor infinito por sus hijos. Tuvimos la suerte de sentarnos en la primera fila y desde allí, pudimos observar cada gesto, mirada y movimiento de Luciana, que realiza una actuación minuciosa y a corazón abierto.

Se la nota muy orgullosa en el escenario, representando su historia familiar y esto agrega mucho valor a su personaje, ya que el espectador nota la carga emotiva que le imprime a una actuación, donde Luciana reirá, bailará y se pondrá triste, pero nunca llorará, porque como ella misma dice, si Luisa llorara por todas los sinsabores que la vida le deparó, hubiera estado vacía de lágrimas desde hace tiempo. Por eso en vez de llorar, nuestra protagonista elije resistir y luchar. Nos encantó el trabajo de Luciana, un verdadero placer verla en este protagónico tan especial.

Si bien dijimos que estábamos en presencia de un unipersonal, Luciana no estará solo en escena, ya que la escoltará Agustín Mulet como músico en escena, acompañando varios pasajes del relato con su guitarra y con diferentes sonidos que sirven para crear diferentes atmósferas en el relato y con un sonido en particular marcar los cambios de acto. Gran aporte el del joven Agustín, que además es el tataranieto de la Luisa real, lo que además de resultar gratificante, acentúa el tono familiar que tiene el relato.

La directora de esta hermosa obra es Natalia Pascale, a quien elogiamos muchas veces en nuestro sitio, ya que es una actriz que nos gusta mucho. En esta oportunidad, se luce desde otra función, con una dirección precisa, para una puesta plena de poesía, que cuida todos los detalles, con una escenografía cálida, con elementos de época como la antigua máquina de coser que usa Luisa o la mecedora donde se para varias veces. 

Bellísima desde lo estético la puesta montada en la moderna sala de Itaca Complejo Teatral, que presenta un moderno sistema lumínico, muy buena acústica y butacas muy confortables. Es la primera vez que visitamos este nuevo y moderno espacio teatral, que se suma al circuito teatral porteño y que está apostando a piezas de calidad en su programación, algo que nos pone muy contentos.

En conclusión, es realmente valiosa y muy emotiva la propuesta de Luisa, que rescata y rinde homenaje, a una historia familiar muy rica, que nos habla de la fortaleza de una mujer, de su desarraigo y su sacrificio para poder hacer pie en un nuevo destino, trabajando a destajo y formando una nueva familia. Y luego de ello, obligada por las circunstancias, deberá salir a luchar por su hijo, con un coraje y una determinación que resultan admirables.

Recomendamos vean Luisa, una propuesta de visión obligatoria. Una historia que merece contarse, para que nunca perdamos la memoria y nunca más repitamos hechos trágicos de nuestra historia. Además disfrutaran de una magnífica interpretación de Luciana Cervera Novo, coronada con ese aplauso emocionado que los espectadores le ofrecen al final de la función, agradeciendo que el teatro independiente, cada tanto nos sorprende con propuestas bellas y comprometidas como esta.

Pensador Teatral.

Me Encantaría que Gustes de Mi

Adaptación de Luciana Mastromauro y Sol Fernández López sobre textos de Fernanda Laguna. Dirección de Luciana Mastromauro.

Jueves 20 30 hs en Beckett Teatro ( Guardia Vieja 3556 )

Comedia tragicómica en formato de unipersonal, llega de la mano de Me Encantaría que Gustes de Mi, basada en el libro del mismo nombre escrito por Fernanda Laguna, que pone el foco en la soledad y en la necesidad de amar. Y como cuando los años pasan, encontrar el amor de nuestra vida, puede convertirse en una peligrosa obsesión.

La historia nos presentará a Fernanda Rosetti, profesora de literatura, que vive sola con su gatito en un departamento del barrio de Once. No se la nota contenta con su vida actual. Mientras escribe una nouvelle acerca del amor, precisamente busca una compañera para amarla. Podría ser Carmen, aquella vieja amiga que reencontró en un bar y la besó con tanta pasión, en una noche más corta de lo deseable. Espera su llamado, para volver a verse, pero el teléfono no suena, pasan los días, el llamado no llega y el desanimo crece.

Fernanda no tiene una vida feliz, pero si tiene una rutina diaria que cumple sin salear nada, tomar sus diez vasos de agua a la mañana, un poco de ejercicio y salir rápido a la escuela, para enfrentar a sus alumnos, algo que no es tarea sencilla. Pero ella hace lo posible, para caerles bien, para agradar, necesita ser querida al menos por sus alumnos.

El relato juega con inteligencia, entre la realidad y la imaginación de la protagonista, sus deseos y anhelos chocan contra una realidad que no la recompensa. La soledad por momentos se vuelve asfixiante y tomar un vasito de whisky, todos los días al volver de la escuela se vuelve una necesidad, para afrontar lo que toca. El inconsciente juega su papel y nos permitirá observar como Fernanda, tiene dos caras, la que dialoga con su propia mente y la que sale a diario a afrontar la vida, buscando cambiar este presente solitario y encontrar a su media naranja, siempre predominando el humor y el absurdo en el relato, que como todos sabemos es el mejor catalizador para soportar mejor las pequeñas tragedias.

La interpretación de Sol Fernández López es soberbia, desde el arranque se adueña del escenario con una presencia y una seguridad que sorprende, manejando con gran pericia los diferentes momentos que tiene el relato, dotando al mismo de humor, drama y erotismo, entre otros estados. Se la nota muy a gusto con el texto, se divierte en escena y esa energía se transmite al espectador, que mira con ternura la búsqueda desenfrenada de la profesora de literatura que compone Sol. Destacamos especialmente su gestualidad, es especial sus miradas, que parecen hablar por sí solas. 

La puesta que propone Luciana Mastromauro es minimalista, con pocos elementos en escena, solo los necesarios para dar marco a la excelente actuación de Sol, lo que contribuye a realzar su interpretación. Es importante el aporte de Adrián Grimozzi en el diseño lumínico y el diseño de sonido de Carmen Baliero, ambos agregan valor al relato y al ejercicio permanente de imaginación a la que nos invita la protagonista.

En definitiva, Me Encantaría que Gustes de Mi, nos propone un muy interesante abordaje al tema de la soledad, jugando mucho con el humor y  el absurdo, para mostrar esa búsqueda desesperada y obsesiva por el amor, que nuestra heroína emprende, proporcional al miedo que puede provocar quedar solo en la vida.

Disfrutamos la obra y en especial de la composición de Sol, que encuentra aquí terreno fértil, para demostrar su valía como actriz. Por eso los convocamos a conocer la historia de esta mujer ávida por encontrar alguien que guste de ella, conocer a alguien que la haga feliz y la rescate de la vida gris y rutinaria que transita, una búsqueda con la que muchos se podrán identificar.

Pensador Teatral.

La Falcón.

Dramaturgia de Augusto Patané. Dirección de Cintia Miraglia.

Domingos 19 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Un hermoso viaje a la  Buenos Aires de la década del 30´, nos propone este logrado musical inspirado en la vida de Ada Falcón, La Emperatriz del Tango, cancionista popular, que supo ganarse un lugar de relevancia en un ambiente como el del tango, que siempre fue dominado por los hombres, lo que realza su logro.

La obra nos propone repasar los momentos de esplendor de Ada, pudiendo disfrutar sus temas más exitosos, la relación sentimental clandestina y tormentosa que vivió con Francisco Canaro, que además era su director de orquesta y mentor, las peleas por celos con su hermana menor que también era cancionista. Además saldrán a la luz, algunas características de su personalidad, como ser su fuerte carácter, sus caprichos y el malestar que le provocaba las aglomeraciones de público, entre otras cosas.

La carrera de Falcón fue corta, pero de enorme suceso y no es mucho lo que se conocía de ella, por eso debemos destacar el gran trabajo de Patané que tuvo la idea de escribir la obra sobre Ada y para hacerlo realizó un arduo trabajo de investigación, para recopilar datos de su biografía. La obra estaba lista para estrenarse en el 2019, pero la pandemia tuvo otros planes y el estreno debió postergarse. El autor por temas laborales dejó Buenos Aires y el proyecto corrió peligro de quedar sin salir a la luz, pero por suerte allí apareció Cintia Miraglia, la directora, que tomó la posta y la obra finalmente pudo estrenarse con gran suceso en el Teatro El Extranjero llenando la sala en cada una de las presentaciones.

La excelente recepción que tuvo la obra y esto a nuestro entender, puede explicarse por varios motivos, uno de ellos es la magnifica ambientación que tiene el relato, con un  impecable vestuario de época, la forma de hablar de los protagonistas tanto en el tono, como en las palabras utilizadas ( muchas en desuso hoy ) y esa escenografía con el micrófono de LR1 Radio El Mundo en el centro, marcando la importancia que tenían las radios en la vida de la gente por aquellos años, cuando la televisión aún estaba lejos de nacer.

Hay una muy buena elección del repertorio musical, guitarras en vivo que acompañan las canciones, que se intercalan con los momentos dramáticos y en otros con el relato de la madre de Ada, que acompaña y ordena la historia, brindando datos que agregan mucho valor para aquellos que no vivimos en aquella época.  La atención del espectador se mantiene en todo momento, ya que el espectáculo tiene muy buena dinámica, con un acertado reparto de los diferentes momentos teatrales.

 Es tiempo de hablar de las actuaciones que presenta el espectáculo, donde hay que destacar la fantástica composición de María Colloca como Ada Falcón. María es una actriz con formación de cantante lírica, que realizó un minucioso trabajo para llegar al personaje, escuchando discos de la cantante y viendo los pocos registros fílmicos que se conservan en la actualidad. El resultado no pudo ser mejor, ya que la vemos muy a gusto con el papel, cantando muy lindo y mostrando la controvertida y sensible personalidad de la Emperatriz del Tango. Estupenda la composición de María, que fue nominada en el rubro Mejor Actuación Femenina en Musical por este gran trabajo.

Otra actuación sobresaliente, es la de Carlos Ledrag, como el maestro Canaro. Con gran presencia escénica y luciéndose mucho, tanto en las partes cantadas, como en la actuación. Además con su guitarra acompaña a Ada en sus interpretaciones. Excelente lo de Carlos, gran protagonista de la historia, ya que su amor tormentoso y fallido con la cancionista, tendrá mucha relevancia en su carrera.

Si bien la dupla protagónica mencionada es la que recibe los mayores elogios, no seamos injustos con el resto del elenco, ya que todos tienen momentos destacados y son importantes para la historia. Mónica Driollet, con glamour y elegancia, compone a la Madre de Ada y  cumple el rol de maestra de ceremonias y presentadora que mencionamos antes, siendo muy importante en la trama. 

Florencia Craien, es la villana de la noche, ya que es la esposa de Canaro y no soporta los engaños de su marido, por lo que atormentará a Ada. Florencia también tendrá momentos de lucimiento cantando y acompañará con su guitarra a la Emperatriz. Completa y muy versátil su actuación. Resta mencionar a Sofía Nemirovsky, como la hermana menor de Ada. También cancionista, pero sin el talento de su hermana, tratará de ganarse su lugar en ese ambiente y para ello deberá superar las peleas que tiene con sus hermana. Sofía aporta belleza y frescura a la pieza, nos gustó mucho su actuación.

Se hizo algo larga la descripción actoral, pero creemos que la calidad de los trabajos merecía dedicarles estas lineas, ya que como mencionamos antes, si bien los trabajos de Colloca y Ledrag, por ser los protagonistas, son quienes más se destacan, todo el elenco encuentra su lugar para el lucimiento y cumplen acertadamente sus roles, dando mérito aquí a la directora que les dá el espacio necesario.

La puesta es otro punto muy alto de esta propuesta, con una gran ambientación de época que mencionamos antes, con gran responsabilidad de Victor Salvatore a cargo del diseño escenográfico. Y que decir del magnífico vestuario que presentan los protagonistas, dando glamour y elegancia a la pieza, rubro a cargo de Paula Molina. 

Es realmente muy valiosa la propuesta que nos acerca La Falcón, ya que le permite a personas de diferentes edades y que vivían en aquellos años, poder conocer la historia de una figura mítica del tango, de la que poco se sabe y que fue todo un suceso en aquellos años, con el plus de ver en el escenario la figura de Canaro, revivir la importancia que tenía el radioteatro en la sociedad de aquellas décadas, entre muchos otros detalles.

Nos gustó mucho la obra y por eso la recomendamos. La Falcón transita su tercera temporada en cartel, siempre a salla llena, obteniendo el reconocimiento del público y de la crítica especializada, algo que puede apreciarse por ejemplo, con las 4 Nominaciones a los Premios Ace que merecidamente recibió la pieza.

Sin dudas, estamos en presencia de una excelente propuesta que el teatro independiente no ofrece, ya que se encontrarán con un bellísimo espectáculo musical , una historia dramática intensa, una puesta de primera y actuaciones magníficas. Los aplausos emocionados con los que los espectadores despidieron a los protagonistas al final de la función, son el broche de oro para una noche a puro teatro, que se disfruta mucho.

Pensador Teatral.

Los Perros

Dramaturgia y Dirección de Nelson Valente.

Viernes y Sábados 20 hs. Domingos 20 30 hs.

Llega la nueva obra de Nelson Valente, el autor de El Loco y La Camisa, clásico del teatro independiente que lleva nada menos que doce años en cartel. Hacemos referencia a aquella pieza, porque en Los Perros, vemos algunas referencias en común con aquel gran éxito, ya que nuevamente tenemos una familia reunida, poniendo el foco sobre las relaciones, un externo que provoca el conflicto y por supuesto los jugosos diálogos que se establecen entre los miembros de las familias.

Los Perros arranca con una celebración de cumpleaños familiar como cualquier otra. Laura cumple cuarenta años y lo celebra en casa, junto a su esposo y sus suegros. La velada transcurre de manera previsible, hablando de trivialidades y generalidades. En realidad, quien monopoliza la palabra es Emilio, su suegro, interpretado magistralmente pro Claudio Rissi. Él será el encargado de llenar los silencios, repartiendo sus exposiciones, entre discusiones con su esposa y recuerdos de vecinos y de los distintos perros que fueron parte de la familia a lo largo de los años.

La celebración es poco festiva y la aparición prematura de la torta, parece ser la salvación para una noche que viene cuesta abajo. Llega el momento de entrega del regalo y las alarmas se encienden. Laura la cumpleañera, por su cara, se nota que no está disfrutando el festejo. Se justifica diciendo que no le gustan las fiestas de cumpleaños, pero su expresión triste, permite adivinar que ese no es el motivo real de su estado. Su esposo la interroga y casi que la obliga a revelar que le sucede.

Y entonces Laura toma la palabra y a partir de ese instante, toda cambiará en aquella reunión. Volviendo del trabajo a su casa en subte vivió una experiencia que la afectó más de la cuenta. En estas líneas y para mantener el suspenso, no vamos a revelar cuál fue el hecho que provocó este tsunami en la mente de Laura, cuando vean la obra lo descubrirán.

Pero como mencionamos antes, a partir de allí la noche cambiará su rumbo y el tono de comedia previsible que tenía el relato, virará de manera dramática. Surgirán confesiones y pensamientos que en un principio parecerán inocentes e inofensivos, pero a medida que la velada avanza y el alcohol ayuda a aflojar las lenguas, el tono de los dichos empezarán a tornarse ásperos y difíciles de digerir para los otros, que escucharán con algo de angustia los parlamentos que vendrán.

El texto de Valente, alcanza una profundidad impensada, luego de un arranque de apariencia inofensiva y plantea dudas existenciales que todos tenemos. Somo felices con la vida que llevamos ?? Hacemos realmente lo que queremos o solo respondemos a los mandatos sociales ?? Y redoblando la apuesta. Sería posible dejar la vida actual que llevamos y arrancar de cero en un lugar lejano ?? O esto es solo una utopía impracticable ?? . El autor terminó de escribir la obra en la pandemia, donde se rompieron muchas de las estructuras laborales rígidas, apareciendo la chance de trabajar remoto desde una playa solitaria o desde una quinta a cientos de kilómetros de la oficina. Este hecho abrió interrogantes y dilemas en las personas, acerca de la vida que levaban y el texto de forma inteligente toma ese hecho.

Y hasta allí vamos a contar para mantener el suspenso, ya que como dijimos la trama se vuelve vertiginosa y no sabemos donde puede terminar tanta catarsis. Momento ya de hablar de las actuaciones que presenta la obra y a nuestro entender, es Claudio Rissi quien se lleva los mayores elogios con una soberbia composición. Es el centro de atención de la historia y quien marca el ritmo de la trama, con una gestualidad muy rica y un histrionismo a flor de piel, que provoca muchas risas en la platea, que disfruta cada una de sus intervenciones. Un actor de gran trayectoria Claudio y un gusto verlo lucirse tanto aquí, cumpliendo con creces con su rol de figura convocante de la obra.

La revelación de la noche para nosotros fue Patricio Aramburu, que arranca en un segundo plano en la historia y que con el correr de la trama, ganará protagonismo, mostrando un peso dramático y una presencia escénica, que nos sorprendió muy gratamente. Estupendo trabajo de Patricio. Muy bueno también lo de Melina Petriella, una actriz muy versátil, que está muy acertada aquí en su personaje, que es quien desata el conflicto. Completa el elenco María Fiorentino, llevando adelante un personaje algo complejo para el lucimiento, que puede resolver en buena forma, gracias a su experiencia.

Es una puesta muy prolija la que vemos en el escenario del Picadero, destacamos el diseño de vestuario de Betiana Temkin  y el elaborado diseño escenográfico de Rodrigo Gonzáles Garillo, que nos muestra un cálido hogar con ese cartel de hogar dulce hogar, que por momentos sonará contradictorio.

En resumen, llegamos al Picadero para disfrutar de una comedia y nos encontramos con una trama, que si bien tiene momentos muy divertidos, se volverá profunda e interpelará al espectador, que se siente identificado con lo que ocurre en el escenario y ademas de ello muy movilizado.

Nos gustó mucho Los Perros, este nuevo texto de Nelson Valente, que explorando en los vínculos familiares, nos invita a reflexionar sobre cuestiones existenciales, que se acentuaron mucho en épocas de pandemia, pudiendo además disfrutar de las actuaciones del estupendo elenco reunido para la ocasión, para una noche de teatro, que a nadie dejará indiferente.

Pensador Teatral.

Samurái Punk

Dramaturgia y Dirección de Santiago Pedrero.

Jueves 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3380 ) 

Una propuesta fresca y descontracturada, llega de la mano de Samurái Punk, opera prima de Santiago Pedrero, que navega con habilidad entre lo teatral y lo cinematográfico, para ofrecernos esta comedia con toques absurdos y poéticos, que mostrarán las peripecias que pueden ocurrir cuando quiere se quiere filmar una película independiente.

El texto de Santiago, que tiene mucho de autobiográfico, fue concebido en plena pandemia, en momentos donde la mayoría de las actividades se habían detenido y escribir tal vez era una de las pocas cosas que se podían seguir realizando con normalidad. El autor tomando algunas situaciones que le ocurrieron hace un par de años, diseñó esta historia, que resume muchas circunstancias que le tocó vivir, cuando quiso producir una película.

La historia que nos plantea Samurai Punk, es sencilla y directa. En ella se muestra a un director que hace lo imposible para cubrir las deudas que se van acumulando y obtener los recursos necesarios que le permitan terminar una película que se comenzó a filmar hace cuatro años y que debido al tiempo transcurrido corre serio riesgos de quedar inconclusa, como tantas otras.

El director además de sus ganas, cuenta con una amiga que además es la actriz de la película. Ella está tan comprometida como él, en terminar la película. Para conseguirlo, tienen un plan que no puede fallar. Deben viajar a Mar del Plata, yendo al encuentro de un reconocido actor, al que le ofrecerán una participación especial en el film. Se jugarán todo en aquel encuentro crucial, de la aceptación de aquel exitoso actor, depende que lleguen los fondos necesarios y que la película, luego de tantos contratiempos, finalmente pueda terminar su rodaje.

Y hasta allí vamos a comentar, para descubrir el porque del llamativo título que tiene la pieza y más que nada saber, si aquel viaje a La Feliz tuvo un final idem, deberán ver a obra y conocer a los entrañables personajes que nos presenta.

Es momento de hablar ya de la dupla protagónica, que es la encargada de llevar adelante el relato, algo fundamental como siempre decimos, porque muchas veces puede escribirse un relato interesante, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados para llevarlo a escena, todo puede naufragar.

En este caso, nada de ello ocurrió, cuando el autor escribió el texto, enseguida se imaginó a los protagonistas de la misma y la elección fue muy acertada. Es muy buena la actuación de Emiliano Carrazzone , representando a ese autor y director que nos resulta reconocible, que luchará contra viento y marea, para lograr que su película llegue a ser una realidad. Y más aún, nos sedujo la interpretación de Lucila Casalis, como esa actriz que lucha por su sueño y el del amigo. Compone un personaje sensible y nos regala un exquisito momento teatral su monólogo, del que no vamos a dar detalles para no quitar sorpresas, que seguro disfrutarán. Nos gustó mucho el trabajo de Lucila.

La dupla protagónica muestra mucha química en el escenario y se muestra identificada con la historia agregando mucho valor al texto. En cuanto a la puesta, destacar su concepción artesanal, con una escenografía que es modificada por lo propios actores y una pantalla con tela arrugada, en donde se proyectan las imágenes que son parte importante del relato, todo en sintonía con esa atmósfera donde todo, está hecho a pulmón.

En definitiva, se logra ensamblar una historia que con mucho humor, pone el foco en el amor y la dedicación que los artistas deben tener para dar a conocer su arte, en este caso seria terminar de filmar una película, pero el relato tiene muchos puntos en contacto con el teatro independiente, donde todos sabemos cuanto sacrificio demanda montar una obra.

Por todo lo mencionado, valoramos la propuesta de esta opera prima de Santiago Pedrero, que fusiona el género cinematográfico con el teatral, de la mano de dos estupendas actuaciones, que sirven como faro para resaltar lo movilizante que puede resultar la pasión que le imprimimos a aquellas cosas que amamos. Pasiones que nos ayudan a superar todos los obstáculos que aparecen en el camino, en la búsqueda de cumplir nuestros sueños, algo que un mundo tan mercantilista, además de tener romanticismo, resulta un soplo de aire fresco.

Pensador Teatral.

Olvídame

Sobre libro de Marco Antonio de la Parra. Adaptación y Dirección de Darío Dukáh.

Sábados 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salvador 4530 )

Seguimos en este arranque del 2022, con esta racha de obras que tienen muchos puntos para destacar y que nos gustan mucho, en esta ocasión nos llegamos al Kairos, para ver Olvídame, adaptación libre de Darío Dukáh, sobre texto del chileno Marco Antonio de la Parra. La pieza transita su segunda temporada, ahora en nueva casa, luego de un año con muy buena repercusión de público y críticas.

De entrada digamos que Olvídame es una historia de amores prohibido, de encuentros clandestinos, de amantes que construyen una relación paralela, de esas que arrancan tímidas y que con el correr del tiempo, se va agigantando, tomando dimensiones que ponen en peligro a la relación oficial.

El relato nos presenta a Juan y Ana, que se citan en un bar, luego de mucho tiempo sin verse. Fueron amantes por años, corría fuego cada vez que se encontraban, se amaron mucho, pero en un momento aquella relación prohibida, se cortó de manera abrupta, dejando heridas en ambos, que aún con los años pasaron no han cicatrizado.

No vamos a contar detalles de lo que ocurrió en aquel bar, para mantener el suspenso, pero si diremos que pese al tiempo transcurrido,  ninguno pudo olvidarse del otro. Tuvieron una relación fogosa, el sexo entre ellos funcionaba muy bien, se amaron con pasión y juntos vivieron uno de esos amores, que no pueden olvidarse, como reza la letra del bolero que suena de fondo en varios pasajes de la obra.

Uno de los méritos más importantes de la obra, es que la misma es atemporal y si bien la protagonizan Juan y Ana, la podrían llevar adelante cualquier pareja de amantes. El espectador se identifica con las situaciones que ocurren en escena y cuentan los protagonistas, que resultan cercanos y queribles, llegando con mucha crudeza y realismo al público.

Otro punto a destacar es que el texto no busca juzgar, ni determinar que es políticamente correcto y que no, prefiere poner el foco en la pasión y la intensidad del vínculo amoroso, sacando a relucir los pensamientos internos de aquellos seres sufrientes, que quieren mostrarse fuertes con el exterior, simulando que pueden estar bien sin el otro, que pudieron seguir adelante , aunque la triste realidad, es que no hubo día desde que rompieron, que no pensaron en el otro. Pero cumplimos con la promesa y hasta allí vamos a contar, para dejar que el espectador descubra más cuando vean la obra.

Llega el momento de hablar de las actuaciones que presenta Olvídame, que realmente son para resaltar. Una pareja con mucha química, es la compuesta por Dario Dukáh y Tania Marioni, que abren sus corazones, con una sensibilidad a flor de piel, que el espectador y el texto agradece. Darío además de ser uno de los protagonistas, es quien adaptó la historia del autor chileno y además es el director. Parte fundamental del proyecto, se lo nota muy suelto y creíble en escena. Felicitaciones para Darío.

Y que decir de Tania Marioni, que con mucha presencia escénica, compone a una Ana pasional, que hace lo imposible por esconder el dolor que la atraviesa y su corazón roto. A Tania recordamos haberla elogiado en anteriores trabajos y es una actriz con enorme potencial.  Aquí se vuelve a destacar, dándole a su personaje, el toque de sensualidad e intensidad que el mismo requiere, con una riqueza gestual que agrega mucho valor a su interpretación. Nos encanto el trabajo de Tania y la pareja que formó con Darío en escena.

Ya elogiamos el texto, las actuaciones, pero aún no hablamos de la puesta, que es otro de los puntos  altos que presenta la obra, que juega mucho con lo cinematográfico, con escenas en vivo de lo que ocurre en el escenario, que se reproducen en primer plano en una pantalla en el fondo del escenario. Otro ingenioso recurso es una cámara en el espejo del baño del bar, que hará las veces de una especie de confesionario, de aquellos sentimientos más profundos, que habitan en el interior de estos amantes y que no se atreven a revelar. Es realmente original y lograda la puesta, con un alto grado de creatividad, que le agrega mucho valor a la propuesta.

No queda mucho más para contar, Olvídame es una historia de amores prohibidos que cautiva, pasiones ocultas, alegrías que se esconden y dolor que se lleva en silencio. El relato es una muy buena muestra de las diferentes caras que tiene el amor y de lo difícil que puede resultar comportarse de manera racional, cuando el corazón y la pasión mandan.

Nos gustó mucho a obra y por eso la recomendamos. Se van a encontrar con un texto que engancha desde el arranque, invitando al espectador a ser testigo de la historia de amor de Ana y Juan, que resulta peligrosamente cercana y reconocible. Una historia de esos amores que nunca podrán olvidarse, de amantes impunes, que sin darse cuenta buscan su castigo.

Pensador Teatral.

Olvidate del Matadero

Dramaturgia de Pablo Finamore y Claudio Martínez Bel. Dirección de Claudio Martínez Bel.

Viernes 20 30 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

El teatro en algunas ocasiones nos sorprende con textos originales y muy inteligentes que renuevan nuestro amor por este arte y Olvidate del Matadero, es uno de esos casos. Con una dramaturgia exquisita y una interpretación fantástica, este unipersonal está estructurado para que el espectador se enganche de entrada, con un relato, que a medida que pasan los minutos crece en interés y efervescencia, convirtiéndose en una historia entrañable.

A modo de introducción, contemos que la obra está basada en El Matadero, texto de Esteban Echevarría, escrito entre 1838 y 1840, pero publicado veinte años después de la muerte del autor, siendo considerado el primer cuento argentino y de lectura casi obligatoria en todas las escuelas secundarias. En medio de la pandemia, Pablo Finamore se encontró con aquel libro y luego de leerlo, notó en aquella prosa, una demonización del otro bando, que no le resultó agradable y encendió sus ganas de hacer algo con aquel texto.

Y ese fue el germen de la obra, Finamore le envió una primera idea del proyecto a Claudio Martínez Bel, proponiéndole además que sea su director y este a su vez, acercó el monólogo a Mauricio Kartun, que con toda su experiencia, aceptó convertirse en el supervisor del texto. Y con este triángulo virtuoso , se alumbró este unipersonal, que tuvo más de cuarenta versiones, hasta llegar a la versión definitiva, que actualmente se presenta en la sala principal del Teatro del Pueblo.

La obra con gran pericia, se atreve a interpelar el cuento de Echeverría, lo pone en duda y lo hace con un enfoque inteligente, ya que no se coloca en la vereda de enfrente para hacerlo. Quien lo hará es Misky, un opa, un débil mental, el hijo de la criada de Echeverría, que en una casa llena de libros, encontrará un manuscrito de El Matadero, lo leera y recibirá la seria advertencia del autor, que lo obliga a olvidarse del texto que leyó. Pero no será tan fácil para Misky, que si bien puede tratar de olvidarse lo que leído, no vá a poder olvidarse de sus recuerdos. 

Decimos esto, porque él estuvo presente aquel día en el matadero y fue testigo de una historia, que difiere de la contada en aquel texto que encontró. O eso cree. Porque a Misky le cuesta entender las cosas, el lee sin parar todo aquello que llega a sus manos, pero la mayoría de las cosas no las entiende, solo las lee y las recuerda. Por eso, que sea un opa, quien interpele la historia oficial, tiene mucho mérito, ya que no tiene un espíritu crítico desde lo político. Con ingenuidad y simpleza, contará los hechos que recuerda y luego el público sacará sus conclusiones. Y hasta allí vamos a contar para no develar más, de una historia, que está contada en forma excelente y de a poco irá mostrando las cartas.

El relato tiene un cadencia y un ritmo que envuelven al espectador, casi de manera hipnótica. Esto sucede gracias a la genial interpretación de Pablo Finamore. Un actor de raza, que abraza con pasión al proyecto y al personaje de Misky, un loco lindo de esos que todos los pueblos tienen, con pocas luces y querido por todos. Con una composición precisa, Pablo nos llevará a la Buenos Aires de 1840, época en que la ciudad era una gran aldea y el lechero pasaba por las casas toda las mañanas.

La interpretación de Finamore cautiva a la platea, le pone el cuerpo a ese personaje que habla con su dedo ensangrentado y que habla con su mamá que ya no está presente, pero que lo sigue guiando desde el cielo. Misky está leyendo papelitos sueltos que saca de sus bolsillos, imitando el ruido de las vacas, chanchos, caballos, los pájaros y de todos aquellos personajes que desfilaron aquella mañana en el matadero, contando con detalles y una poética lograda, con los recuerdos que perduran en su mente. Genial actuación de Pablo, a quien vimos por primera vez, hace más de diez años en Salvaje, un unipersonal donde nos sorprendió con una actuación para el recuerdo. Muchos años después nos vuelve a deslumbrar con otra interpretación exquisita.

La puesta que presenta la pieza, es minimalista, solo acompañan al protagonista en el escenario, una escultura escenográfica, ideada por Adriana Estol, que cumple diversas funciones. El vestuario de época también es de Adriana. Ambos rubros se destacan, al igual que la iluminación de Agnese Lozupone, aportando lo necesario, para que relato se luzca.

No queda demasiado para agregar, solo volver a resaltar y valorar la idea, de este tipo de dramaturgias , que se animan a salir de lo convencional, de aquellos clásicos y  textos ya representados muchas veces, para apostar con una idea nueva, que sin dudas requiere mucho trabajo, pero que el resultado bien vale  el esfuerzo, ya que se presenta una historia muy rica, que además de repasar un hecho histórico, invita a que el espectador reflexione, sobre como muchas veces verdades que parecen incontrastables, pueden no serlo tanto.

Recomendamos vean Olvidate del Matadero, se encontrarán con un relato atrapante que los invitará a viajar a la vida cotidiana de la Buenos Aires del 1800, donde la rivalidad política del momento era entre federales y unitarios. La historia tiene mucho humor, referencias históricas muy interesantes y todas ellas contadas por un actor del calibre de Pablo Finamore, que merece verse y que al final de la función recibe los aplausos emocionados de un público feliz por haber disfrutado de una gran noche de teatro independiente.

Pensador Teatral.