Remanente de Invierno

Martes 21 hs en Teatro Hasta Trilce ( Maza 177 )

Dramaturgia de Rafael Spregeldburd, Puesta en Música de Andrés Gerszenzon y Puesta en Escena de Damián Malvacio.

Una propuesta original y muy interesante, la que nos presenta Remanente de Invierno, obra escrita por Rafael Spregelburd y estrenada en 1995, en el Centro Cultural General San Martín.

El reconocido compositor, director de opera e instrumentista, Andrés Gerszenzon, tomo la pieza y conservando la esencia de su texto, la dotó de una bella estructura musical y la convirtió en una mini opera, aunque el director quiere evitar esa palabra y prefiere mencionar a su adaptación, como una puesta en música.

La pieza ofrece una mirada crítica de la sociedad consumista en la que vivimos, donde los electrodomésticos y los medios de comunicación, ocupan un lugar preferencial, cobrando una importancia desproporcionada, colaborando a la incomunicación de la familia.

No es sencillo encuadrar en algún género específico a Remanente de Invierno, ya que es una composición plural, pero tiene mucho de comedia musical, en la que el absurdo y la ironía abundan en escena, siendo estos los medios elegidos por el autor, para transmitir su mensaje.

Aparecen personajes como El Topo Menendez, ídolo de los niños, al que asociamos inequivocamente con nuestro conocido Topo Gigio, aparece un ñandú famoso en la TV, una Barbie y una heladera extraviada, que se fugó de la casa.

La puesta es audaz y original, representando un gran desafío, para los actores que demuestran sus condiciones, en una obra, que exige mucho, partiendo desde el punto que sus parlamentos, son en parte habladas y en partes cantadas, apareciendo ahí el género de opera que viene de la mano del talentoso director y que requiere que los actores tengan condiciones en esa área.

El elenco es numeroso y en actuaciones parejas, se destaca mucho Rocío Gutierrez ( Silvita ) la protagonista de la historia, hija única de la familia, que es, quien cuenta la experiencia en primera persona. Con problemas para recordar el significado de las preposiciones y cuando utilizarlas en las oraciones, deambula por la casa con su Barbie como juguete preferido. Rocío cumple una muy buena interpretación. Se luce mucho en las partes cantadas, con su hermosa voz.

Su madre ( Ana Moraitis ) parece más preocupada por que vuelva la heladera fugada, que por el extraño comportamiento de su hija y no se pone de acuerdo nunca con su esposo Meyer ( Osvaldo Malizia ) con el que discute por casi todo, entre otros motivos, por el kerosene, que se consume en la casa. Osvaldo tiene mucha presencia escénica y es de los más destacados.

Lucas Werenkraut ( el electricista ) y Federico Buscarons ( el plomero ) llegan a la casa para arreglar la gran cantidad de electrodomésticos que tiene esta familia y les anuncian que van a estar un par de días allí, porque el trabajo que tiene será arduo. Conforman una dupla muy divertida.
Se destaca igualmente Mattea Musso, como la vecina.

Otra dupla que luce mucho, es la de los conductores de televisión, que también ingresan a esa casa, nos referimos a Raul Moreschi un histriónico conductor y su compañera, la bella Virginia ( Piuqué González Abraham ), la chica del tapado, quien dá vida a una sensual animadora, que ratonea al padre de familia, trayendo un tinte sexual a la historia, que como pueden apreciar, tiene de todo como en botica.

El elenco es numeroso y seguramente estamos omitiendo algún nombre, lo importante es que se conformó un elenco parejo, con dotes musicales y que demuestran muy buen entendimiento en lo grupal.

La puesta tiene muchos puntos a destacar, arrancando por la música, que juega un papel clave en la pieza y son los integrantes de esta mini orquesta, los responsables de ello, al deleitarnos con sus melodías en vivo.-
Lorena Torales en piano, Catriel Rivadero es guitarra e Ignacio Svachka en percusión, jóvenes valores, que merecen nuestro reconocimiento, por su excelente faena, bajo la batuta atenta de Gerszenzon.

Otro ítem a destacar, es el diseño escenográfico que presenta gran cantidad de electrodomésticos, en especial televisores, repartidos en el escenario, conformando la original escenografía, Muy bueno también el diseño lumínico y el recurso de proyectar imágenes en el único televisor que funciona de todos los vemos.

Sin dudas estamos en presencia de una obra muy original, que transmite su mensaje por medio de la música y con una dramaturgia en donde lo bizarro y el absurdo tienen preponderancia.

Desde nuestro humilde espacio, siempre celebramos la aparición en nuestra nutrida cartelera teatral, de propuestas distintas y jugadas, como Remanente de Invierno, que valiéndose de un elenco virtuoso y una bella adaptación, nos ofrece esta bella puesta en música como dice el director o mini opera como titulamos nosotros, para que los espectadores disfruten de una agradable velada y puedan agradecerlo con un caluroso aplauso al término de la función.



Pensador Teatral.

El Mundo en mis Zapatos

Sábados 20 30 hs en Pan y Arte Teatro ( Boedo 880 )

Dramaturgia de Eloisa Tarruella y Brenda Fabregat. Dirección de Eloisa Tarruella.

Fuimos hasta el Pan y Arte, para descubrir las razones del gran éxito que está teniendo El Mundo en mis Zapatos, obra que desde su estreno se presenta con localidades agotadas y excelentes críticas.

Contemos antes que nada  la génesis que tuvo esta obra, que resulta muy interesante, ya que está inspirada en la propia vida de Brenda Fabregat, la protagonista. Hace unos años, en crisis con su pareja y con dos niños pequeños, viviendo sola en un pequeño pueblito puntano, llamado Carpintería, el panorama no era el mejor, era deprimirse o tratar de descargar y por suerte eligió la segunda opción, empezando escribir una especie de diario personal en Facebook, como terapia catártica.

Eloisa, con quien se conocía de chica, era una de las lectoras más ávidas de sus posteos y ya en su cabeza de dramaturga, se empezaba a imaginar una obra que recogiera estos escritos. El tiempo transcurrió, las viejas amigas, se reunieron y finalmente se alumbró El Mundo en mis Zapatos.

La pieza nos cuenta, la historia de Brenda Martínez, que en la noche de Navidad, se prepara para pasarla sola en casa. Su marido la dejó y esa noche sus hijos la pasarán con él. Sola y en plena crisis de los cuarenta años, parece el momento ideal para repasar algunos momentos de su vida y tratar de salir del pozo en que se encuentra.

Brenda, que trabaja como camarera en un bar, es actriz de profesión, pero le cuesta hacer pie en su profesión, arrancará hablando de su paso por los casting más insólitos y desde ahí hará un repaso por sus fracasos amorosos de las adolescencia, el matrimonio, la llegada de los hijos, como se irá apagando la llama de la pasión, que desombocará en una dolorosa separación, que al principio, suena a libertad y a un futuro abierto, pero que al poco tiempo, se convierte en fracasos amorosos al por mayor.

El texto es realmente muy rico y es una mirada muy inteligente del mundo, desde el punto de vista de la mujer, siendo tan realista esta mirada, que se logran una plena identificación con las mujeres de las platea y también con los hombres que se sienten identificados con lo que escuchan.

Es momento de hablar ya de la extraordinaria actuación de la bella Brenda Fabregat, toda una revelación su interpretación.
Nos encantó su gestualidad, sus tonos de voz y la composición de los personajes, ya que si bien estamos en presencia de un unipersonal, a lo largo de la obra, la protagonista, compone un sin numero de personajes, apareciendo mágicamente en el escenario, gracias a su virtuosismo, algunos de los hombres que participaron de sus fracasos amorosos, momentos de sus castings y una tía paraguaya que nos hará reír muchísimo, por nombrar solo algunas de las apariciones.

El histrionismo de Brenda hay que destacarlo mucho, como así también, su frescura, la capacidad para reírse de si misma y la sensibilidad con la que lleva el relato. No es sencillo estar sola en escena y mantener el ritmo arriba a lo largo de la trama y es algo que la protagonista consigue, manteniendo enganchado en todo momento al espectador, que se ríe muchísimo a lo largo de la noche y festeja cada uno de sus gags.

Brenda está en constante movimiento, tiene un muy buen dominio de su cuerpo y lo demuestra, mencionemos que tiene un pasado como bailarina clásica que aquí aprovecha, para montar muy lindas coreografías y obviamente se pone el tutu y las zapatillas de ballet

La puesta está muy cuidada, con una escenografía cálida simulando su pequeño departamento, hay un muy buen diseño de luces y por supuesto debemos destacar el vestuario de Soledad Gaspari, que nos traen distintos atuendos que la actriz se irá probando a lo largo de la trama y por supuesto los zapatos, que acompañarán los diferentes momentos de la vida de Brenda, en una analogía muy interesante.

En esta puesta íntima y con todos los detalles atendidos, se nota y mucho, la mano de la talentosa Eloisa Tarruella, directora, autora y cineasta, quien tuvo una participación decisiva en la construcción del libro y en el diseño de la obra, valiéndose de una Brenda superlativa, que con unas ganas y una pasión absoluta, se entrega a corazón abierto en el escenario.

En definitiva, El Mundo en mis Zapatos, apoyándose en una dramaturgia sensible e inteligente, nos presenta una deliciosa comedia, que además de muchos momentos divertidos y de risas que llegan permanentemente de la platea, nos invitará a la reflexión, sobre como muchas veces la vida, nos presenta dificultades, que debemos superar-

Para la ocasión, se unen una gran directora y una actriz que sorprende, ofreciendo una actuación sensacional, cuando vean la obra, coincidirán con mi opinión y se emocionarán con la interpretación de Brenda.

Los prolongados aplausos que recibe la protagonista al final de la función de una sala que luce repleta, además de ser un justo premio a su actuación, son una clara muestra, que la obra gustó mucho y la certeza,  que boca a boca mediante, El Mundo en mis Zapatos, se seguirá presentando por muchas funciones más a sala llena.

Recomendamos la obra fervorosamente y aconsejamos que reserven su lugar con anticipación, para asegurar su butaca y poder disfrutar del rico universo femenino, que Brenda y Eloisa abren para nosotros.



Pensador Teatral.

Perro, un cuento rural.

Viernes 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salavador 4530 )

Dramaturgia y Dirección de Hernan Grinstein.

Perro transita por su quinta temporada de suceso y cuando una obra del off, logra semejante permanencia, sin dudas, es porque tiene algo especial, el boca a boca tiene gran influencia, pero para mantenerse por cinco años, la pieza debe contar con algo màs.

Fuimos al Kairos, a descubrir el secreto y nos encontramos con una obra estupenda, una dramaturgia exquisita de Hernán Grinstein, creando una historia llena de atractivos, un cuento que el espectador compra desde el inicio, un relato por momentos crudo, dramático, pero que también nos sacará sonrisas. Perro, es  una historia donde la sensibilidad y la poesía, dirán presente en todo momento.

Este relato fantástico que nos propone el director, nos cuenta la historia de Mateo " El Perro " Villegas, interpretado por el mismo Hernán Grinstein, un personaje increible, mitad humano, mitad bestia, todo humano, todo bestia, lo dejamos a su criterio, el espectador cuando vea la obra, sacará sus propias conclusiones, Lo que está clarito, es que El Perro tiene que entrenar, debe encontrar su mejor forma física, para poder subir al ring y morder la yugular de sus adversarios, esa es la manera que le enseñaron para ganar y así se gana la vida, sabiendo que la única manera de ser alguien es triunfar en las peleas.

El Perro tiene un amo, Tony ( Carlos Bembibre ), que le dá órdenes, lo hace correr, saltar, le controla el peso y no duda en maltratarlo. Aunque nadie lo dice, se nota que es el dueño de El Perro y no importa lo quedeba hacer, hasta puede humillarlo, todo es válido, para ponerlo en forma y que gane los combates que le arman. Con ellos está Leyla ( Jimena López ), una especie de asistente, ella también está sometida a las órdenes de Tony y tiene une relación especial con Perro, lo trata como un compañero, son compinches y se contienen entre ellos.

Estas tres almas desesperadas, son una parte del universo, para que ellos existan, debe existir la otra parte, compuesta por quienes organizan esas peleas tan salvajes. Y allí aparece una pulpería, en la que están El Tuerto ( Jorge Laplace ) el dueño de la misma y Ricado ( Francisco Daniel Franco ) su empleado. Ellos están en ese típico bar de pueblo, haciendo crucigramas, tomando ginebra y se pasan el día hablando de bueyes perdidos, en un pueblito donde poco pasa.

Todavía no lo señalamos y como señala el título de la pieza, la obra se desarrolla en nuestro campo, en los pueblos de Arrecifes y Capitán Sarmiento, por lo que la pieza tiene ese toque campestre del interior de Buenos Aires, que se nota en los diálogos y hasta en el vestuario de los protagonistas.

En la pieza también se introduce el tema religioso y la devoción que existe en el interior, por santos como El Guachito Gil y la Difunta Correa. Como les dijimos, la pieza realmente tiene una dramaturgia riquísima y a medida que avanzamos con nuestra reseña, se darán cuenta que no exageremos en nada.

Mencionemos ahora a quienes dan vida a los entrañables personajes, que nos tiene preparados esta historia.-

Arranquemos por Hernan Gristein, quien escribe la obra, la dirige y además es el protagonista de la pieza, compone de manera magistral a Perro, su manera de hablar, sus miradas, su postura, se pone en la piel del personaje de una manera increíble con una actuación descomunal, por la que obtuvo el Premio Trinidad Guevara.
Hernán viene de la escuela de Claudio Tolcachir y tal vez algunos lo conozcan de Tercer Cuerpo, una obra de Claudio que lleva diez años en cartel y donde es uno de los actores.. Volviendo a su Mateo " Perro " Villega, su interpretación conmueve y sin dudas es para aplaudir de pie, por la precisión con la que compone el personaje y con el amor que se nota tiene por su personaje.

En el lucimiento de Hernán, contribuye mucho el elenco reunido, arrancando por Jimena López, que dá vida a Leyla, devota del Guachito Gil, amiga contenedora del Perro. Además debe soportar los embates de Tony, que ejerce todo tipo de violencia sobre ella. Se luce un montón Jimena, en un papel complejo y sufrido, ya que debe moverse en un ambiente machista.

La actuación de Carlos Bembibre con Tony, es soberbia, compone un personaje autoritario y violento, al que tanto Perro, como Leyla temen.  Es el malo de la película. Además funciona como el único víncul,  con el mundo exterior. Su presencia intimida, es otra gran composición.

En ese mundo exterior, representado por el bar / pulpería del pueblo, trabajan Jorge Laplace, el Tuerto, es quien organiza las peleas, bastante desalmado y compadrito. Su compañero Francisco Franco, compone un personaje delicioso y con algunos toques místicos. Juntos componen una gran dupla y logran los momentos más graciosos de la pieza, cuando se ponen a charlar en el bar.

Perro, es una de esas piezas, que crean personajes entrañables, que causan empatía con el público, además de ser cinco actuaciones excelentes. La de Hernàn, tiene un brillo especial, pero todos cumplen una destacada labor y se entregan por completo.

En la parte final de la obra, esos dos universos paralelos se unirán y todos participarán de una u otra forma, del combate de fondo, en el que Perro tendrá que luchar con un contendiente impensado, en una batalla que no parece pareja. En esos momentos, la cuarta pared se derrumbará y los espectadores participarán de un gran momento teatral.

No contaremos más, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, descubra cual será el rival elegido para el Perro y que sucederá en la pelea.

La escenografia montada por Fabricio Mercado nos gustó mucho, dividiendo el escenario en dos, por un lado el bar y por el otro el espacio, donde Perro realiza su entrenamiento. Otro punto para destacar es el diseño de luces de Lucia Feijoo y Christian Gadea, que contribuyen a conseguir una puesta minimalista, que el espectador agradece.

En definitiva, estamos en presencia, de una fantástica obra del off, una pieza con una dramaturgia excelente de Hernan Grinstein, que cumple magistralmente, su triple función de autor, director y protagonista.
En los tres rubros está soberbio. La pieza si bien es un drama, como dijimos, pasa por todas las emociones, en algunos momentos nos hará reir, en otros llorar, nos vamos a conmover, reflexionaremos en muchos pasajes  y sin dudas, que nos emocionaremos con un final a toda orquesta.

Vemos mucho teatro, pero cuando asistimos a obras como Perro, nos volvemos a casa muy felices, no solo por el hecho de disfrutar de una hermosa noche de teatro, sino también por comprobar una vez más, la enorme calidad y la pasión que tiene nuestro teatro independiente.

No se pierdan esta verdadera joyita del off !!!



Pensador Teatral.-

Bodas de Sangre

Jueves 21 hs en Chacarerean Teatro ( Nicaragua 5565 )

Dramaturgia de Federico García Lorca, Dirección y Puesta en Escena de Cristian Majolo.

Bodas de Sangre, célebre obra escrita por García Lorca en 1933, se inspiró en un hecho real, el crimen de Nijar, ocurrido en 1928, en la Andalucía rural, siendo una pieza reconocida y representada en todo el mundo. Es una tragedia con todas las letras, donde el amor, la vida y la muerte, estarán siempre presentes.

El desafío que asume Cristian Majolo, un director el joven y talentoso, es muy importante, al proponer una puesta actual, moderna y aggiornada, a estos tiempos. Una adaptación distinta a las habituales que tuvo esta misma pieza y que el mismo director, denomina como un clásico reciclado.

Traer un clásico escrito hace ochenta años y adaptarlo a estos tiempos, obliga a asumir riesgos, quitar algunas escenas, modificar algunos entornos, la clave es modificar algunos aspectos, sin que se pierda la esencia y en nuestra opinión, esto es conseguido aquí en gran forma por el director, que logra una Bodas de Sangre, actual, y menos solemne que anteriores puestas, pero logrando que conserve toda su carga dramática y poética, que el gran autor granadino, supo darle, con su mágica pluma.

Para quienes no conocen el argumento de este clásico, contemos brevemente que la obra se basa en la vida de dos familias perseguidas por las desgracias. De un lado, el novio y una madre, que está dolorida aún, por haber perdido a su marido y a uno de sus hijos, a raíz de un trágico enfrenamiento con integrantes de la familia de los Félix, a los que considera sus enemigos.

Su hijo se está por casar, el problema es que su novia, tuvo años atrás, un amorío con Leonardo, integrante de los Félix. La relación amorosa parece lejana y superada, porque Leonardo, ya está casado y tiene un hijo pequeño, pero como ocurre muchas veces, las apariencias suelen engañarnos.

El día en que la boda se concreta y en momentos en lo que todo es celebración, ocurre lo impensado, la novia recién casada, nos revela que esa fuerza amorosa que sentía por Leonardo, uno de los invitados a la fiesta, no se había detenido y decide escaparse con él, huyen a caballo, para buscar esconderse en el bosque, abandonando juntos la fiesta de bodas.
El estupor reina y el novio herido en su orgullo, decide salir junto con algunos invitados, camino al bosque en búsqueda de la pareja de fugitivos, para vengar la afrenta sufrida.

No vamos a contar más, muchos lectores conocerán ya el final de esta historia, pero otros lo harán cuando vean la obra, solo decir que la tragedia se hará presente, en este maravilloso texto de Lorca, como dato curioso, mencionamos que Leonardo, es el único personaje que tiene nombre propio en la pieza.

Uno de las grandes innovaciones que propone el director, es el aprovechamiento integral que realiza de la bonita y amplia sala del Chacarerean. Las escenas,  no solo se desarrollan, arriba del escenario, sino que también ocurren, por los pasillos del teatro, los actores suben y bajan escaleras, corren entre las butacas, logrando un acercamiento con el público, que se sorprende y los espectadores disfrutan la idea, ya que se sientes partícipes en primera persona de la historia.

Cuando les dijimos que la apuesta de Majolo, era muy jugada, no exageramos. Confirmando esto, mencionamos que las acciones no se desarrollan, solo dentro del teatro, esté prevenido el espectador, porque en la calle, también verá, a alguno de los actores haciendo de las suyas. No contamos más, para guardar la sorpresa, pero en nuestra opinión, una gran idea del director,  llevar las acciones por todo el ámbito del teatro, rompiendo la cuarta pared, logrando cercanía con el espectador, y dotando de una dinámica y un ritmo a la trama, que la enriquece.

La principal razón, por la que, esta propuesta llega a buen puerto, es la gran respuesta del numeroso elenco reunido para la ocasión. Son dieciséis actores en escena, un despliegue poco usual para obras del teatro independiente, sin dudas que la idea de participar en Bodas de Sangre, fue seductora y por eso se conformó este prolífico elenco, comprometido y apasionado con la causa.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a mencionar a algunos de ellos, arranquemos por Julia Azar, la madre, una gran actriz, que aquí muestra todo su oficio, componiendo un personaje de fuerte carácter y que impone una presencia escénica importantísima. Excelente lo de Julia.

Sigamos con Julieta Puleo, la novia, personaje central de la historia, quien se debate por el amor a su novio actual o revivir los momentos felices que vivió con Leonardo. Compone un personaje muy sensible y para nosotros es la revelación de la obra. Nos encantó su interpretación, en un papel complejo y exigente.

Sigamos con los novios, el oficial compuesto por Mauricio Mendez, quien está reemplazando momentáneamente a David Paez en el rol, algo que no se nota para nada, ya que cumple con solvencia su papel y el antiguo enamorado, es Cristian Majolo, que además de ser el director, muestra sus dotes actorales, componiendo en gran forma, un personaje apasionado y decidido a no renunciar,  a su gran amor.

Gianna Pérez Prado, como la criada, tiene gran participación en la obra y se luce mucho tanto en lo actoral como en las partes cantadas que protagoniza, al igual que la bella Valeria Santa, quien nos deleita en varios pasajes, con su hermosa voz.

Aprovechamos el momento, para mencionar que lo musical, tiene gran significación en la puesta, con Diego Romero, que con su guitarra en vivo, compone canciones españolas y poemas de García Lorca musicalizados. Un gran aporte el de Diego.

Siguiendo con el elenco, llega el turno de Paula Resnik, como la mendiga o como la muerte. Excelente su caracterización, dando vida a un personaje que le aporta mucho misterio y misticismo a la puesta. En la misma sintonía, está el caribeño Orlando Luz, quien con sus extraños movimientos y danzas, aporta belleza y misterio, en dosis parejas.

Otro personaje intrigante, es La Niña, interpretada por Malena Luchetti, a quien vimos brillar la semana pasada en Jamás me Levanto la Mano, aquí la vemos en un personaje secundario enigmático, dotado de mucho encanto.

También aportan lo suyo, Gaby Barrios, otra actriz de experiencia, a quien vimos el año pasado con el mismo Orlando Luz, en La Luz de un Cigarillo, Rafael Ferrari es el padre de la novia, Julio Pallero y Edgardo Rosini como mozos y leñadores y pedimos disculpas, si nos estamos olvidando de mencionar a alguno.-

Se hizo larga la descripción, porque son muchos los protagonistas, pero entendemos que el tenor de las actuaciones y la pasión con que componen sus papeles, merecían las menciones. Un trabajo destacado en lo individual y creciendo muchísimo en lo grupal la de del elenco, que lograr llevar adelante este proyecto, que tanto exige.

Para no olvidarlo, digamos ya, que las hermanas fotos que engalanan esta reseña, son obra de Rillind Modgliani.

Mencionemos la bella escenografía, que recrea una casa campestre, muy acertado el diseño de luces y un vestuario muy audaz, en el que aparecen camperas de cuero y zapatillas en algunos personajes, detalles que pocos se atreverían, siquiera pensar en un clásico de Lorca, terminan de configuran la puesta diseñada por el director.

En definitiva, una propuesta muy interesante la que nos propone esta Bodas de Sangre, versión Majolo, una puesta audaz, alejada de las solemnidades y aggiornada a los tiempos actuales. Una excelente manera de acercarnos, a este clásico, escrito hace más de ochenta años, que llega, conservando el espíritu original y la poesía del texto de Lorca, con una fuerza y una originalidad, que hay que remarcar.

La muy buena respuesta del público, que colma cada Jueves el Chacarerean, es una clara muestra que la apuesta del director tiene gran acogida de los espectadores, que como nosotros celebra la aparición de nuevos directores que con talento y valentía, se atreven y consiguen espectáculos de alta calidad y sensibilidad como Bodas de Sangre, que sin dudas recomendamos.



Pensador Teatral.

Hacela Corta Beckett

Martes 20 45 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Dramaturgia de Samuel Beckett y Dirección General de Rubén Pires.

Una propuesta tan original, como audaz, la que nos trae Pires, quien seleccionó seis textos cortos del genial dramaturgo y poeta irlandés.

El director quien hace cuatro años se encuentra trabajando con material de Beckett, sin dudas quedó embelesado con su universo, montando primero Esperando a Godot, una de sus piezas más reconocidas y escribiendo luego Beckett y el Mundo de las Abejas ( inspirandosé en la novela del francés Martín Page ), una deliciosa obra, que tuvimos la suerte de ver el año pasado en La Comedia.

En este caso sube la apuesta y elige seis textos, no tan conocidos de Beckett, para traducirlos y adaptarlos con la ayuda de Hugo Halbrich, logrando llevarlos al escenario y condensarlos en setenta minutos de exquisito teatro, de la mano de un elenco virtuoso y totalmente comprometido con la propuesta.

Agreguemos que este trabajo cuenta con la supervisión dramatúrgica de Lucas Margarit, un verdadero investigador de la obra beckettiana.

El desafío es grande, ya que los textos de Beckett no son sencillos, por el contrario son profundos y complejos y aquí son nada menos que seis textos breves los que se trabajan y se presentan.

Repasemos los nombres de cada uno de ellos, La Macedora, Monólogo, Va y Viene, Ohio Impromptu, Pisadas y Play.

Coincidimos con el director, que las dos primeras piezas son las más intensas, La Mecedora. inquietante texto que habla de la repetición y de la muerte, con Jessica Shultz que domina la escena en esa mecedora que se mueve rítmicamente, con esa voz de off, que parece hipnotizar al espectador.

Monólogo, nos habla de la soledad, de la rutina y de la vida que se apaga, en este caso con una excelsa actuación de Gerardo Baamomde, que se luce mucho, jugando con la oscuridad.

Va y Viene, es el encuentro de tres viejas amigas ( Jessica, Marina Tamar y Celeste García Satur, que se reencuentran y rememoran viejos encuentros- Impresionan sus risas y sus movimientos perfectamente coordinados. Aquí el espectador, luego de dos textos duros, se relaja un poco y se escuchan risas nerviosas, que parecen imitar las contagiosas carcajadas, de las actrices..

Ohio Impromptu, tal vez sea la representación más críptica de la pieza, Baamonde y Eduardo Lamoglia son dos ancianos, sentados en una mesa y leyendo unos indescifrables papiros. Un texto perturbador y atractivo.

Pisadas, nos muestra una mujer, que lucha por escapar al recuerdo asfixiante de su madre ya fallecida y entendemos la mejor interpretación de la noche, con una Jessica Schultz brillante, que compone de manera un personaje fantasmagórico y misterioso, que parece salido de una película de terror..

Y la última representación es Play, donde dos mujeres ( Celeste y Marina ) y un hombre ( hace su aparición el histriónico Carlo Argento ). Vemos solo sus cabezas, porque están en una especie de urna, nos cuentan del triángulo amoroso que vivieron. Aquí hay muchas risas y el público disfruta del gran trabajo de coordinación, que hay entre los tres, para intercalar sus diálogos. Un texto y actuaciones excelentes para cerrar bien alto la faena.

Como dijimos, cada fragmento, tiene su temática particular, en la mayoría aparece el tinte pesimista que se le adjudica a Beckett, la repetición, el absurdo, la relación madre - hija y una permanente reflexión sobre la muerte, que es uno de los temas predilectos del autor irlandés. Además en todas hay personajes, llenos de misterio y en muchos casos de apariencia alienada.

La puesta plena de poesía, es minimalista y tiene numerosos puntos para destacar, presentando una escenografía despojada, en la que solo aparecen en escena, mínimos objetos que son intercambiados por los propios actores, cuando termina cada mini obra.

La penumbra es la característica que resalta y que recrea la atmósfera misteriosa y lúgubre, que es el clima que propone el director y logrado en gran forma.
De fondo suena una música con toques circenses y hay tres rubros, que son destacadísimos, en primer lugar los recargados maquillajes que presentan los actores, enorme y bello trabajo de Analía Arcas. El segundo, es el magnífico diseño de pelucas de Miriam Manelli. Estos dos ítems, le aportan una riqueza visual a la puesta, que debemos destacar.
Y en la mismas altura, a no olvidar el particular y original vestuario a cargo de Juan Miceli, otro destacado que presenta la pieza.
Una puesta muy cuidada, en la que se tienen en cuenta, todos los detalles.

En definitiva, estamos ante una propuesta muy original, se nota el buen trabajo previo de investigación, para seleccionar los textos y conseguir adaptaciones tan logradas. Felicitamos al director, por lograr plasmar su original idea y poder exponer en estos textos no tan conocidos, el espíritu del gran Beckett.

El espectador se sube a la propuesta y disfruta la posibilidad de ver varios comienzos y finales, algo que otorga una dinámica y una riqueza en los temas a tratar, algo que solo puede ocurrir con el formato pensado por el director, donde el gran beneficiado es el espectador que se da una panzada de teatro.

Pires puede coronar este proyecto, debido a la acertada elección de un elenco importante, que le responde con actuaciones magníficas actuaciones, donde como dijimos brilla Jessica Shultz, mostrando todo su virtuosismo, pero no seamos injustos con el resto del elenco, que tal vez con menos minutos en escena, redondean todos excelentes papeles. Se nota que todos están comprometidos con el proyecto y se entregan al mismo, con una pasión que los enaltece.

Concluyendo al fin, Hacela Corta Beckett, es una propuesta original, de excelente factura. Recomendamos fervorosamente la obra a todos los amantes del buen teatro, que sin dudas se van a deleitar con los textos del reconocido autor irlandés y con las exquisitas actuaciones del gran elenco reunido para la ocasión.



Pensador Teatral.

La Empresa siempre Perdona

Sábados 18 hs en El TInglado ( Mario Bravo 948 )

Dramaturgia de Rodolfo Santana y Dirección General de Rosa Celentano.

Obra escrita en 1975 por el dramaturgo venezolano Rodolfo Santana. La pieza se presentó en distintos países de Latinoamérica, siempre con buena respuesta del público y aportando una mirada humanista al mundo de las relaciones laborales.

Estamos en presencia de un texto muy bien escrito, que presenta una absoluta vigencia, mostrando como muchas veces las empresas, recurren a todo tipo de tácticas para manipular a sus trabajadores.

La obra, nos presenta la historia de Orlando Nuñez ( Roberto Romano ) , un operario que trabaja en una metalúrgica hace más de 20 años. Ingresó a la Empresa cuando recién fue creada y continua hoy en la plantilla, con una compañía es mucho más grande en tamaño y en cantidad de trabajadores.

Debido a su trayectoria, tiene mucha ascendencia entre sus compañeros, que lo toman como un ejemplo a seguir.  Pero un día, en la fábrica se produce un accidente con uno de los trabajadores, que se lesiona gravemente la mano y este hecho, hace que Orlando tenga un ataque de locura y comience a romper las máquinas, además de gritar y despotricar contra el dueño de la Empresa.

Debido a este grave suceso, Nuñez es convocado por la psicóloga de la empresa, interpretada por Sofia Gala Castiglione, que lo someterá a un interrogatorio y a una terapia bastante particular, para tratar de conocer los motivos que llevaron al empleado a ese comportamiento tan violento.

Se genera un contrapunto muy interesante, el obrero piensa que lo llaman para despedirlo y no imagina la idea que tiene en mente la psicóloga. El encuentro muestra además, el choque de la clase baja contra la clase media, son dos personajes con distinto lenguaje, con diferente nivel educativo, un obrero y un profesional, que manejan códigos totalmente contrapuestos.
Se puede apreciar con claridad, como muchas veces la clase media, ejerce su poder sobre la clase baja, pero perdiendo de vista, que ambos son parte del mismo engranaje y sirven a los intereses de la dirección que los utilizará a ambos, hasta que sean de utilidad.

Este texto tan rico, se potencia, con las magníficas actuaciones que presenta la obra, ya que la dupla protagónica que Rosa Celentano, la directora, eligió para la obra, evidentemente fue un gran acierto.

Roberto Romano, un actorazo, interpreta al operario sometido al interrogatorio de la psicóloga, componiendo en gran forma su personaje, un trabajador humilde, auténtico y que por momentos muestra su lado violento, generalmente cuando la psicóloga provoca sus reacciones.
 Acostumbrados a verlo a Roberto Romano, en papeles de villano, aquí sorprende, ya que muestra una veta muy graciosa, no tan conocida, pero en la que demuestra su virtuosismo y versatilidad . Excelente su actuación.

Y que decir de Sofía Gala, aquí componiendo a una psicóloga intimidante y muy segura, que parece disfrutar de su posición dominante en aquel encuentro, donde parece jugar al gato y al ratón con Nuñez. La presencia escénica de Sofia es imponente, pese a su juventud, sorprende con el oficio y la personalidad, con la que camina el escenario. logrando darle la impronta que su personaje requiere.

Dimos testigos de dos excelentes actuaciones, personajes bien opuestos los que componen ambos, mostrando ademas una química y una afinidad que sorprende, ya que pertenecen a dos generaciones diferentes, pero esto en vez de ser un inconveniente, parece potenciar sus actuaciones.

Es una puesta íntima y minimalista, la que nos propone la directora, con una escenografía que recrea el consultorio de la psicóloga, con moderno mobiliario decorado con un cuadro del dueño de la empresa, pra destacar también el diseño lumínico, que enriquece la puesta.

La obra si bien, invita a la reflexión, tiene muchos momentos graciosos y una trama muy fluida, que consigue que la atención del espectador, no decaiga nunca.

En definitiva, La Empresa siempre Perdona, es una muy interesante propuesta, un texto rico que explora en las relaciones laborales y que expone como muchas veces las empresas manipulan a sus empleados, sin dudar en recurrir a cualquier artilugio para conseguir sus objetivos.

Y para la reflexión, el hecho de que para ello, se vale de otros empleados que sin darse cuenta o en algunos casos, aún a pesar de darse cuenta, disfrutan jugando ese papel de poderosos y son los mayores defensores de los intereses de los dueños, perdiendo de vista, el costado humano de sus pares y que en algún momento pueden ser ellos, los sometidos por la empresa.

Invitamos al espectador entaonces a que se llegue al renovado y confortable Tinglado, para presenciar esta excelente pieza y disfrutar de las actuaciones de esta gran dupla protagónica, que los hará reír, reflexionar y conmoverse con un final emocionante.


Pensador Teatral.

Te voy a matar Mamá

Jueves 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 568 )

Dramaturgia de Eduardo Rovner y Dirección de Rubén Ramírez y Lorena Lemos.

Un texto inteligente y perturbador el que nos presenta Eduardo Rovner, reconocido dramaturgo, con más de 35 obras de su autoría y ganador los más importantes premios que otorga teatro en nuestro país ( ganó Premios ACE, Konex, Estrella de Mar, Argentores, etc )

La obra explora desde un ángulo muy particular, la relación entre madre e hija, que algunas veces resulta idílica, pero que en otras casos es sumamente conflictiva.

Aquí claramente se dá esta última posibilidad ya que la protagonista, planea matar a su madre, en su casa y con una pistola, espera su llegada, planificando de que manera la asesinará.
El autor instala la inquietante idea del matricidio y eso provoca un doble efecto en el espectador, por un lado, lo incomoda mucho y por el otro, hace que se interese por conocer los motivos, que pueden llevar a una hija a cometer semejante acto.

Te voy a matar mamá, nos cuenta la historia de Flor, una joven de profesión actriz, que se encuentra sola en su casa, repasando su decisión de matar a su madre.
En esta hija, hay muchas frustraciones y el blanco de las mismas es su madre, ella es la culpable de su insatisfacción, su presente poco feliz y además de haber perdido a su padre.

Estamos en presencia de una historia de amor y también de desamparo. Flor tiene muchos reclamos para su madre y aunque ella no está presente, siente la necesidad de descargarse y convencerse a si misma, que su decisión de matar a su madre, tiene justificativos.

Esta obra unipersonal, llega a buen puerto, por la magnífica actuación de Laura Ledesma, una joven actriz, que resuelve en gran forma este complejo papel, que exige mucho.
Interpreta a una mujer amante del fenshui, que gusta de practicar posiciones de yoga, indudablemente busca un estado interno de paz, que no concuerda con sus intenciones asesinas.

Destacable su gestualidad y como transita los diferentes estados de ánimo que debe transitar su personaje, dotándolo de una sensibilidad muy particular y causando empatia en el espectador, que la observa casi con compasión. Nos gustó mucho la interpretación de Laura, que demuestra estar a la altura de todo lo que exige el protagónico, ya que se la vé muy relajada en escena, disfrutando de su personaje. Seguramente en esta buena perfomance, tiene su cuota parte, Rubén Ramírez, uno de los directores, que la conoce de trabajos anteriores y confío en ella para este importante desafío.

Una escenografía sencilla, pero muy cálida, que nos sitúa en el pequeño departamento de Flor y una buena musicalización, contribuyen a generar esa atmósfera íntima, que el director propone para la puesta.

En definitiva, una inmejorable oportunidad de conocer este inteligente y movilizador texto de Rovner, que ya tuvo otras puestas anteriores y que vuelve en esta ocasión, con una muy interesante versión, hecha a puro pulmón, que nos acerca Rubén Ramírez y Lorena Lemos, de la mano de la histriónica Laura Ledesma, que se luce muchísimo y nos regala una entrañable actuación.

Con este mismo equipo, la obra viene de presentarse en Madrid, donde tuvo muy buen suceso de crítica y de público. Por eso sin tener que irse a España, ahora tenemos la chance de ver la obra en Buenos Aires y además de disfrutar de una gran interpretación, vamos a reflexionar mucho, con este inquietante thriller psicológico.


Pensador Teatral.