Jauría

 Dramaturgia de Jordi Casanovas y Dirección de Nelson Valente.

Jueves a Sábados a las 20 hs en Teatro Picadero ( Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857 ) 

Llega desde España, esta pieza fuerte y actual, que fue creada por el talentoso dramaturgo catalán Jordi Casanovas, tomando como base las transcripciones de un juicio que conmocionó a la sociedad española, nos estamos refiriendo al caso de " La Manada ", un grupo de cinco amigos que en ocasión de la Fiesta de San Fermín 2016, violaron a una joven de 18 años.

La obra se ubica dentro del género del teatro documental, ya que la dramaturgia se basa en hechos reales. En este caso, el autor recopiló los testimonios que se fueron dando a lo largo del juicio, incluyendo las declaraciones de los acusados y de la víctima, los interrogatorios de los abogados defensores, la participación de la fiscal y del juez. Gracias a un minucioso trabajo, Casanovas recopiló toda la información periodística disponible y con ese material, pudo construir esta pieza, que tuvo un enorme suceso de público y de crítica en su país, donde recibió varios premios y tiene como característica particular, que no tiene ni una línea de ficción, cada frase que se escuchará en el escenario, surgió del juicio ocurrido en España entre 2017 y 2019, por lo que la obra cuenta con una autenticidad que debemos resaltar.

El caso tuvo una enorme trascendencia en España, fue tapa de los principales medios de comunicación durante varios meses y causó grandes divisiones en la sociedad española, ya que por algunas características que tuvo el hecho, se generó una polémica, que a la distancia cuesta entender, ya que hubo muchas personas que optaron por dar crédito a la versión de los acusados y dudar de los dichos de la víctima.

La versión local dirigida por Nelson Valente, es fiel a la original, respetando los textos y alternando con inteligencia las acciones de lo que ocurrió aquella fatídica noche del 2016 en Pamplona, donde los integrantes de La Manada, lucían eufóricos e impunes, en contraposición con su andar errático en el juicio, donde querían parecer ajenos a los hechos y siguiendo a rajatabla el libreto de negar comprender la gravedad de sus acciones.

La obra es descarnada y muy dura, la tensión se respira en la sala desde el arranque, el relato es crudo, pero tiene la virtud de no caer nunca en golpes bajos, sorprendiendo al espectador, por el curso que tomó un juicio, que parecía tener como objetivo, confrontar y dudar del relato de la víctima, sospechando de sus dichos, cuestionando sus reacciones y en varios pasajes, tratando de justificar a los acusados, en vez de poner la lupa, en la gravedad del delito que cometieron, que siguen sin admitir y por lo tanto, lejos están de mostrar algún signo de arrepeniemiento.

Las actuaciones que tiene la pieza, en una obra que al tener mucho de relato real, no resultan sencillas,  son muy buenas. Creemos que los mayores elogios se los lleva Vanesa González, que realiza una composición soberbia, en un papel realmente complejo. Con un tono adrede monocorde, con las emociones contenidas y casi en un estado de shock continuo, logra transmitir de manera cabal, el trance que tuvo que afrontar aquella adolescente, en la noche en Pamplona, donde fue violada y más tarde, el dolor que tuvo que soportar, por ser parte de un juicio, donde ella parecía ser la acusada, que debía rendir cuentas.  Además del papel de víctima, en un momento se convertirá en una fiscal implacable,  mostrando un cambio de rol abrupto que muestra su versatilidad. Excelente trabajo de Vanesa, que supero con creces el desafío actoral, que suponía este papel.

Los integrantes de La Manada, son interpretados por Martín Slipak, Gustavo Pardi, Lucas Crespi, Gastón Cocchiarale y Julián Ponce Campos. Muy buenas sus tareas, representando con mucha credibilidad a un grupo de amigos, que actúa como bloque, con complicidad, agrandando sus actos y alardeando una virilidad mal entendida, donde la mujer resulta un trofeo de guerra, que se sumará a sus correrías.

Con el riesgo de ser injustos, vamos a destacar a Martín Slipak, un actor que nos gusta mucho y que siempre nos regala muy buenos trabajos, aquí siendo uno de los líderes del grupo y al mismo tiempo, jugando muy bien sus momentos como abogado defensor. Otro trabajo que destacamos es el Gastón Cocchiarale, al que vimos en muchas obras del off, siempre con mucha carisma y dando credibilidad a sus composiciones. Por último destacar la presencia escénica y la potencia de Gustavo Pardi, otro actor con mucho rodaje en el teatro independiente.

En definitiva, el director supo encontrar de manera acertada al grupo de actores jóvenes que pedía el libro. Se los nota a todos comprometidos con la historia, la exigencia es grande, porque requiere mucha concentración, al haber mucho texto en paralelo, ya que los actores están juntos en escena, pero en la mayoría de los pasajes intervienen de manera individual. Por eso debemos valorar el trabajo de todo el equipo, que además debió superar todos los inconvenientes que provocó la pandemia, ya que la idea era estrenar la obra el año pasado, pero recién se pudo llegar a escena este año. 

La puesta es despojada y austera. Predomina el color negro, hay pocos elementos en escena, alcanzan unas pocas sillas, un banco, unos paneles y poco más. Jauría, es una pieza, donde el texto es el que manda y con una contundencia, que casi no necesita, agregados para ser efectiva.

No queda mucho más para agregar, indudablemente Jauría es una obra que recomendamos mucho y merece verse. Se van a encontrar con un caso que fue resonante en España y no tengas dudas, que cuando salgan de la sala, tan interesados quedarán con lo que vieron, que buscarán en internet, algunos detalles extras del juicio y las repercusiones de una sentencia, que tuvo sus idas y vueltas y aún hoy sigue dando que hablar.

 

 

Pero más allá, del hecho original que se recrea en la obra, lo valioso de la misma, es introducir con rigurosidad, en nuestro teatro, una temática tan vigente en la Argentina, como la cuestión de género, la violencia contra las mujeres, el patriarcado y las diferentes formas de sometimiento que encuentran, contando para ello, con la complicidad de un sistema político y de una justicia inoperante, que siempre aparece, cuando ya es demasiado tarde.

Jauría, es una pieza de una actualidad absoluta, una obra necesaria, para tomar conciencia y también para reflexionar, acerca sobre como muchas veces, actores fundamentales de nuestra sociedad, en vez de empatizar con las víctimas y protegerlas, prefieren ponerse del lado de los victimarios.

Pensador Teatral.

Muñeca

Dramaturgia y Dirección de Florencia Laval y Lucas Suryano.

La vuelta del teatro independiente, nos está dejando excelentes sensaciones y muy gratas sorpresas, como ocurrió en este caso con la presentación de Muñeca ( Punto y coma, el que no se escondió se embroma ), una obra muy fuerte, escrita por autores jóvenes y que realza su valor, ya que está basada en una historia real.

La historia que se nos cuenta es la de María, una niña que se está convirtiendo en adolescente con muchas dificultades. Se la nota sola, triste y con un cuerpo que le devuelve dolores y preocupaciones. La trama nos irá dando pistas de a poco y no vamos a revelar mucho en estas líneas para mantener el suspenso. Solo diremos que María padece una enfermedad congénita, que le genera problemas en su brazo y eso será la punta de un ovillo, que a medida que las acciones transcurran, se irá desenredando, dejando la verdad al descubierto.

La obra es intensa, desbordante de emociones y dotada de una sensibilidad que el espectador percibe desde la primera escena. María quiere ser una una chica más, pero le cuesta horrores serlo, ya que el dolor la invade. El dolor físico por las operaciones a las que debe someterse periódicamente  y el emocional, al tener que soportar la mirada impiadosa de sus compañeros en la escuela, que la observan con esa crueldad impiadosa que tienen los chicos, cuando alguien es diferente.

María se siente sola, seguramente por eso se aferra a Amanda, su muñeca que la acompaña con una incondicionalidad, que no encuentra en su entorno. La relación con sus padres no es nada fácil. En especial con su madre, que en vez de darle el cariño necesario, le brinda frialdad y enojo. Su padre resulta más comprensivo y trata de acercarse, pero no hay dudas que en esa casa, la que lleva la batuta acciones es la madre y eso repercute negativamente en las relaciones que se construyen en aquella familia.

Vamos a cumplir lo dicho antes y no contaremos más, para conservar el suspenso. Solo diremos que Muñeca, además de ofrecernos una trama fuerte, que atrapa al espectador desde el comienzo, dejará lugar para reflexionar sobre varias cuestiones. Entre ellas determinante vínculo madre - hija, ver que sucede cuando el crecimiento de un hijo no marcha como pensamos, el bullying que sé dá en las escuelas, por solo nombrar algunos de los tópicos que se nos irán presentando.

Es momento de hablar de quienes dan vida a este drama tan sentido y es obligado resaltar la estupenda interpretación que nos regala Pina Spena, como María la gran protagonista de la noche, creando un personaje pleno de sensibilidad. El papel requiere un compromiso mayúsculo y la prestación de Pina, es sobresaliente. Se entrega en cuerpo y alma en el escenario, emocionando y sabiendo llegar al corazón de los espectadores. Enorme trabajo de Pina, a quien ya habíamos elogiado por anteriores trabajos.

Pero la historia no estaría completa, sin el aporte de los padres de María, que aportan lo suyo. Viviana Valero es Ana, una madre severa, extremadamente dura y con aires de dictadora. Le cuesta aceptar la realidad de su hija y el enojo parece ser su coraza, para luchar contra una realidad que le resulta irritante. Muy buena la interpretación de Viviana, caracterizando en buena forma su personaje.

Nos gustó mucho también, lo de Eduardo Pérez Bordalejo como Rubén, un padre más comprensivo, pero ausente a la vez. Se nota que tiene un amor muy grande por su hija, pero la situación lo supera  muchas veces lo supera y eso le genera una impotencia, que logra transmitir en un personaje, que tiene una energía y una pasión , que chocan con la frialdad y la manipulación de su esposa. 

En verdad, es muy bueno el trabajo de los tres protagonistas. Si bien Pina es quien se lleva los mayores miradas, por su estupenda interpretación , el acompañamiento de Viviana y de Eduardo, es fundamental para dar marco a la historia y para permitir el lucimiento de la protagonista. Hay una muy buena conjunción del elenco, que se nota muy comprometido con la historia.

La puesta que proponen Flor Laval y Lucas Suryano, es minimalista y logra darle un ambiente íntimo que el texto pide y a la vez agradece. Debemos destacar el excelente diseño lumínico de Sofía Gatti, que aporta belleza y colorido a la puesta. Otro rubro a destacar el diseño sonoro, que se disfruta en varios pasajes. Muñeca es otra muy buen ejemplo, de como muchas veces el teatro independiente, con pocos recursos económicos, pero mucho talento, consigue puestas bellas y logradas, este sin dudas, es uno de esos casos.

No queda mucho más por contar, solo recomendar la obra y mencionar que una vez más nos vamos muy contentos de El Tinglado, un teatro que nunca defrauda con su cartelera- En este caso, nos ofrece una historia de vida, muy fuerte, que al basarse en una historia real, permite el espectador imaginar el dolor que vivió la María real y pone el foco, sobra las dificultades que pueden presentar la crianza de los hijos y como muchas veces el egoísmo de los padres y la negación, son los sentimientos que predominan en la relación, sin importar cuanto perjudican a sus hijos, quedando el amor verdadero relegado a un segundo plano.

Recomendamos Muñeca, aquellos que la vean se encontrarán con un drama fuerte, emociones a flor de piel, excelentes actuaciones y una nueva demostración que el teatro independiente siempre nos tiene reservadas, valiosas historias de vida, que merecen ser contadas.

Pensador Teatral.

La Cantante Calva

Dramaturgia de Eugene Ionesco.  Dirección de Lizardo Laphitz

Sábados 21 hs en Bar de Fondo Cultural ( Julián Álvarez 1200 )

Luego de una larguísima pausa obligada de diez meses, por la pandemia que sigue asolando al mundo entero, encerrándonos en nuestras casas y cambiando nuestros hábitos, estábamos con muchas ganas de volver a ver teatro independiente.

Y la cita era prometedora, nos esperaba La Cantante Calva, opera prima del autor rumano Eugene Ionesco, considerado como uno de los más distinguidos representantes del teatro del absurdo, un género donde el grotesco, la ridiculez de la existencia humana y la incapacidad de las personas para comunicarse, son el tópico dominante, demostrando que muchas veces la realidad puede superar a la ficción.

Teníamos un texto clásico de un autor reconocido, un director inteligente como Lizardo Laphitz, al que conocíamos por puestas anteriores que fueron atractivas y un elenco que resultaba interesante. Parecía una muy buena oportunidad, para volver a ver teatro independiente y no alarguemos el suspenso, porque realmente los buenos augurios se cumplieron y disfrutamos muchísimo, de esta versión aggiornada de La Cantante Calva. Nos reímos mucho durante la obra y además nos sentimos plenamente identificados con algunas de las situaciones que veíamos en el escenario, que en teoría deberían ser totalmente disparatadas, pero que no lo eran tanto.

 Las acciones se inician en una casa londinense de la alta sociedad  inglesa, allí el Sr. y la Sra. Smith, hablan de la copiosa cena que han tenido, de vecinos y de nimiedades varias, mientras el tiempo parece transcurrir en cámara lenta  La mucama de la familia, corta la monocorde charla y les avisa que tienen visitas inesperadas. De Manchester, han llegado el Sr. y la Sra. Martín sin previo aviso y a unas horas tan tardías, que provocan el enojo del Sr. Smith que no los recibe de la mejor manera.

Superada esa tensión inicial, la charla entre los cuatro arrancará, pero los diálogos parecen no ir hacia ningún lado, les cuesta entenderse y mucho más mantener un hilo de conversación, que parece una misión imposible. Para completar el cuadro, llegará a aquella casa el capitán de los bomberos, ávido de encontrar algún incendio que combatir, pero como en el hogar de los Smith, por ahora no hay humo a la vista, será una buena ocasión para unirse a la tertulia y comenzar una ronda de anécdotas. Y hasta allí vamos a contar, el resto lo dejamos para que el espectador lo descubra cuando vea la obra.

En la trama queda en evidencia, la sagacidad de Ionesco, su pesimismo por la condición humana, su soledad, el sin sentido y las rutinas que envuelven las vidas de la mayoría de los mortales. La clave es que para contarlo, recurre al humor y a la sátira, dejando en evidencia, algunas conductas que suenan muy conocidas y en la vida diaria de muchas familias, se pueden percibir como normales.

La puesta de Laphitz consigue darle una vigencia a este texto escrito en 1950, que es digna de destacarse, con una muy buena dinámica y un grado de realismo que el espectador reconoce. Además aggiorna de manera inteligente la puesta a estos tiempos modernos, con la aparición de la tecnología como un gran factor que potencia la incomunicación de las personas, que pese a estar juntos en un mismo lugar, parecen estar en dimensiones paralelas.

Otro gran acierto, que moderniza el texto y lo acerca a nuestra realidad, es introducir también en escena a la omnipresente pandemia que tanto cambió nuestras vidas; Prometimos no adelantar más, solo diremos que el alcohol en gel se hará presente y percibiremos como la alienación que está provocando en la sociedad, el miedo a una enfermedad, que resulta desconocida y amenazante, altera tanto los comportamientos humanos que se acercan mucho a la alienación.

Llega el momento de hablar de las estupendas actuaciones que nos regala la obra. En tiempos, donde por razones atendibles, la mayoría de los espectáculos que se presentan actualmente son unipersonales, poder disfrutar de seis actores en escena, resulta un verdadero placer. La fluidez que denota la trama, muestra que las complicaciones que complicaron los ensayos, fueron resueltas de la mejor manera y eso es todo mérito del director y el elenco.

Deliciosas las interpretaciones de Paula Berré y Richard Courbrant, los Smith, los dueños de casa, excéntricos anfitriones, caracterizando de manera admirable, desde el tono de voz hasta la postura corporal, a un matrimonio de la alta sociedad inglesa. Gran destaque el de Paula y Richard, nos reímos muchos con ellos. Julia Labadie, es la Sra Martín y nos encantó su trabajo. A Julia la recordamos por su excelente interpretación en La Lección, otra obra de Ionesco y aquí vuelve a ofrecernos, una lucida actuación, con una expresividad a flor de piel. La acompaña a la perfección, Diego Antozzi, el Sr Martín, con quien mantiene un diálogo telefónico tan disparatado, como gracioso.

Completan el elenco, Teresa Suárez, como Mary la críada de la familia, otro eslabón de esta gran cadena de sinsentidos y Lucas Álvarez como un peculiar capitán del cuerpo de bomberos. Ambos le otorgan frescura a la trama y son un buen contrapunto, con los miembros más acomodados de la sociedad.

La puesta es minimalista, los elementos en escena son los justo y necesarios para acompañar una trama, donde los diálogos incoherentes y disparatados son los que mandan, resultando divertidos, gracias a las actuaciones tan aceitadas que mencionamos antes.

No queda mucho más para agregar, solo invitarlos a descubrir esta puesta atractiva y moderna de un verdadero clásico del teatro del absurdo, como resulta La Cantante Calva, una pieza para divertirse y también para reflexionar, sobra las conductas humanas, el individualismo y la desesperanza que reina en la sociedad actual, donde pese a tener cada vez más formas de comunicación, entender o simplemente escuchar lo que el otro tiene para decirnos, parece una misión casi imposible.

Realmente quedamos más que satisfechos con nuestra vuelta al teatro independiente, reconforta ver los cuidados y el cumplimiento de los protocolos en Bar de Fondo Cultural, espacio teatral, que visitamos por primera vez y que nos sorprendió gratamente. Destacamos el compromiso del director, actores y equipo, que en momentos , donde lo más sencillo, era quedarse quietos en casa, esperando que la situación retorne a la normalidad, decidieron superar las dificultades, ensayos por zoom mediante y con un amor por el teatro independiente, que emociona y realmente debemos valorarse. Por todo eso convocamos al público, para que no tenga miedo y vuelva al teatro, para disfrutar de una obra muy divertida, que además de todo lo que les contamos, les permitirá descubrir, que fue de la vida de la famosa cantante calva.

Pensador Teatral.

Tóxico

Dramaturgia de Lot Vekemans y Dirección de Pablo Di Paolo.

Viernes 21 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Desde los Países Bajos, llega este obra escrita por la dramaturga holandesa Lot Vekemans y traducido al español por Ronald Brouwer, que nos presenta un texto profundo que se centrará en el reencuentro de un hombre y una mujer que vuelven a verse, luego de nueve años sin tener noticias uno del otro.

El lugar del reencuentro es particular, un cementerio y los motivos lo son más aún, deberán levantarse y trasladarse varias tumbas, debido a un derrame tóxico que se descubre en la tierra. Luego de unos minutos de suspenso, donde la mujer ( María Bestelli ) y el hombre ( Javier Pedersoli ) se tratan con frialdad, midiendo las palabras y sus emociones, se revelará que son una ex pareja separada ya hace casi diez años y que fueron citados, ya que una de las tumbas a trasladar será la de su joven hijo.

La dramaturgia está cuidadosamente construida y avanza de modo controlado, poco a poco, por eso no queremos develar demasiado en esta reseña. Solo diremos que Tóxico, nos hablará de las ausencias y las pérdidas. Como reaccionamos ante una tragedia tan grande, como la inesperada pérdida de un hijo, es uno de los grandes interrogantes que presenta la obra. Podemos manifestar nuestro dolor ?? O más bien nos cerramos con él ?? Y que sucede con nuestro entorno ?? Podemos atenderlo o el dolor es tan grande que no reparamos en nada ??

La pieza es profunda, sin caer en exageraciones, con una trama que invita a la reflexión y nos muestra como la vida muchas veces nos tiene reservados golpes fulminantes, para los que nunca podíamos estamos preparados y la  reacción ante esa adversidad extrema, es humana e imperfecta. Reaccionamos como podemos y no como queremos. Vivimos momentos de oscuridad y confusión, en los que queremos desaparecer y retomar luego el camino de la normalidad, puede resultar más complejo de lo que se imagina.

La obra presenta un duelo actoral estupendo entre Mara Bestelli y Javier Pedersoli. Ambos realizan magníficas composiciones de sus personajes, cargados de sensibilidad, pero evitando el dramatismo artificial, consiguiendo un aire de realismo, que debemos resaltar. Mara trata de ocultar sus heridas, pero tiene el dolor dibujado en su rostro y se nota que no ha logrado superar la pérdida de su hijo primero y de su esposo después. Dos golpes muy duros. Transmite la angustia de su personaje de manera soberbia.

Pedersoli dá vida a un personaje, que intentó superar el dolor y en parte puedo rehacer su vida, pero al mirar para atrás queda claro, que aún quedan muchos cabos sueltos en su cabeza. A Javier recordamos haberlo elogiado mucho en su interpretación en Clara, entrañable obra del off y aquí volvemos a verlo en una destacada interpretación, mostrando su presencia escénica y un aplomo, que le dá mucha credibilidad a su personaje.

Como se dice muchas veces, el texto puede ser muy bueno, pero si no se encuentran los intérpretes adecuado, las buenas intenciones pueden quedar a mitad de camino. En este caso ocurre todo lo contrario, las excelentes actuaciones de Bestelli y Pedersoli, realzan y agregan valor a la dramaturgia.

Es importante también para buen resultado final, la acertada dirección de Pablo Di Paolo, que sin caer en golpes bajos, logra darle realismo al texto, con una puesta minimalista, donde son pocos los elementos que acompañan a los protagonistas ( los necesarios ), quedando claro que se privilegia la palabra.

En definitiva disfrutamos de una estupenda noche teatral, de la mano de un texto sensible y profundo, que indaga sobre las pérdidas y nos muestra como la vida después de una fatalidad, ya no será igual y las personas se convierten en sobrevivientes, que buscan sobreponerse a un dolor y a una angustia, que resultan insoportables.

Recomendamos Tóxico, una propuesta muy valiosa que llega desde Holanda, presentando un duelo actoral magnífico, que nos invita a reflexionar acerca de las verdaderas tragedias que nos acechan en silencio y si llegan a aparecer cambian nuestras vidas para siempre.-



Pensador Teatral.

La Boda de la Hija del Presidente.

Dramaturgia de Juan Mayorga y Juan Cavestany. Dirección de Adrián Cardoso.

Martes 20 hs en Teatro Apolo ( Av. Corrientes 1372 )

Luego de una exitosa primera temporada, en la señorial sala de La Comedia, La Boda de la Hija del Presidente pega el gran salto y llega a la Calle Corrientes. Obra de origen ibérico, escrita por los autores españoles Juan Mayorga y Juan Cavestany, estrenada en Madrid en el 2003, que en su idea original, hacía referencia, al banquete posterior a la boda de Ana Aznar en el Escorial.

En la versión local, dirigida en gran forma por Adrián Cardoso, se logra aggiornar el texto a la Argentina, haciendo referencia a actores de la política vernácula, sin nombrar de manera específica a nadie, pero abarcando a todos a la vez, ya que los vicios y los entretelones, de la política tienen puntos en común, en todo el mundo.

La obra se centra en la fiesta de casamiento de la hija del presidente, a la que asistirán los personajes más importantes del país, desfilando en el mismo, los aspirantes a reemplazar al actual presidente, diplomáticos extranjeros, miembros del gabinete, personajes de la farándula, esposas del poder y otras figuras importantes. Los espectadores serán testigos, de la fiesta de la que participa una élite y donde la gente común, no están invitada al banquete.

El texto tiene una vuelta interesante, ya que al mostrarse el lado B de la fiesta, permite que aparezcan todas las clases sociales en la trama, por la que veremos a un chofer con aires de grandeza, a mozos atentos a servir con rapidez, personal de vigilancia un tanto indiscreto y cocineras con ideas políticas dispares.

La obra tiene una mirada muy interesante, sobre los privilegios de la clase política y ese mundo paralelo de cortes serviles en el que se mueven, apareciendo las redes de corrupción que siempre está ligadas al poder, los negocios turbios y por otro lado, dará testimonio al discurso de rechazo a los inmigrantes que llegan para quedarse con nuestros empleos y la demonización de las ideas de izquierda,  que para un sector de la sociedad son responsables de la mayor parte de los males que nos aquejan. El texto tiene una visión política, adrede exagerada, para que queden al descubierto el funcionamiento del poder político, teniendo el espectador espacio para la reflexión y ver como podrán cambiar los países, pero hay muchas cuestiones que se repiten.

La trama tiene una dinámica y un ritmo que no decae nunca, diversos actos que se irán desarrollando, con los diferentes invitados a la boda, habiendo una gran cantidad de personajes que desfilarán en el escenario, siendo solo cinco los actores que desdoblarán a todos ellos.

Precisamente las interpretaciones, son en nuestra opinión, el punto más fuerte que tiene la obra, ya que la trama tiene un ritmo vertiginoso, que requiere actores muy atentos, con cambios de vestuarios, que se producen en el mismo escenario, para que las acciones no se detengan nunca y los nuevos personajes vayan apareciendo en escena, sin solución de continuidad.

En actuaciones realmente magníficas y con el riesgo de ser injustos, vamos a destacar especialmente el gran trabajo de Diego Freigedo, que en nuestra opinión, es quien se lleva las mayores ovaciones, con un histrionismo a flor de piel y un carisma que resalta en todo momento. Compone personajes verdaderamente desopilantes, como Risitas, uno de los aspirantes a presidente, el chofer influyente, el ministro de la juventud y otros. En  total sintonía con el ritmo eléctrico que pide la trama, Diego cumple una fantástica interpretación.

En el mismo nivel de excelencia, mencionamos a Cristian Sabaz, como otro aspirante al sillón presidencial, el lobbista italiano Volpone, la cocinera y otros. Con verborragia y mucha gracia, es tal vez, quien más risas provoca en la platea. Magnífico trabajo de Cristian.

Pero no seamos injustos con Diego Blanco, que hace de Ordoñez el tercer aspirante a la presidencia, el primo del presidente y ofrece una gran composición del cura. Buenísimo su trabajo. Ariel Gangemi, no se queda para nada atrás, será el Ministro de Defensa, el poeta, una de las cocineras, la Madre de la Novia, gran composición y nada menos que el Presidente, que ofrecerá un discurso muy peculiar, que incluye al gran Federico García Lorca. Un trabajo muy destacado el de Ariel.
Con una participación menor de parlamento, pero efectivo en lo suyo, mencionamos también a Miguel Haddad, como mozo principal y jefe de seguridad.

Como dijimos antes, pensamos que las actuaciones son el corazón de esta obra y la llave de su suceso. Es excelente el trabajo que realizan los cinco actores, ya que como dijimos desdoblan gran cantidad de personajes, cambiando de personalidad y de apariencia en segundos, algo que solo puede hacerse con talento y mucho ensayo, ya que se requiere una coordinación y una concentración absoluta.

La puesta de Adrian Cardoso es otro gran acierto de la obra, manteniendo un ritmo constante, con una continuidad, que el espectador agradece. Hay un componente musical muy importante, con Alejandro Webber, tocando el piano en escena y acompañando con bellos acordes los diferentes actos. El vestuario de Sabrina López Hovhannessian, es otro ítem destacado, ya que la cantidad de personajes que aparecen en escena, requiere diferentes vestimentas, para sostener las caracterizaciones, algo que se logra con mucho ingenio.

En definitiva, disfrutamos de una magnífica noche de teatro, con esta obra que llega a la Calle Corrientes, debido a la muy buena temporada que tuvo el año pasado, tanto de crítica, como de público. El desafío es grande, pero La Boda de la Hija del Presidente, tiene las herramientas necesarias para seguir creciendo, ya que presenta un texto muy interesante, una puesta con mucho ritmo y actuaciones excelentes.

Por eso recomendamos, al espectador que se ponga sus mejores ropas y concurra al Apolo, para ser parte de esta celebración exclusiva, a la que el buen teatro independiente nos invita, para que no perdamos de vista, como muchas veces, los políticos que nos gobiernan, están más ocupados en las intrigas palaciegas, que en resolver los problemas que tiene la gente.



Pensador Teatral.

Lisístrata, La Risa de los Hombres

Texto de Aristófanes. Versión y Adaptación de Agustina Gatto y Silvia Gómez Giusto.

Jueves 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3579 )

Siempre es un desafío, traer a la escena actual, clásicos escritos hace miles de años. Lisístrata fue representada en Atenas, en el Año 411 A.C. por el dramaturgo griego Aristófanes, uno de los mejores exponentes del género de la comedia griega.

Para aquellos que no conocen el argumento de la Lisístrata original, brevemente les contamos que escrito en clave de comedia y parodia, el texto describe la primera huelga sexual de la historia llevada a cabo por mujeres. Cómo explicamos esto ?? Vayamos para ello al contexto histórico. Atenas y Esparta, mantenían guerras eternas, tanto que se la pasaban peleando. Las mujeres de ambas ciudades, cansadas ya de la situación y de ver como la guerra les arrebataba la vida a sus maridos e hijos, tuvieron una idea muy ingeniosa.

Lideradas por la ateniense Lisístrata, las mujeres de ambos bandos, se unen y deciden iniciar una huelga de sexo, hasta que los hombres dejen las armas. No fue sencillo convencer a todas las mujeres, pero todas pactan un juramento, por el que se comprometen a excitar a sus maridos, para luego negarse a tener sexo con ellos. La única manera de que la huelga se levante, es que la guerra del Peloponeso, llegue a su fin y en la obra de Arisófanes, las mujeres finalmente son las triunfadoras, ya que los hombres acorralados por la situación, deciden poner fin a la contienda.

Algunos sostuvieron que la pieza, fue uno de los primeros manifiestos femeninos, pero esto, en realidad no es tan así, ya que hay que tener en cuenta que el texto fue escrito como una comedia y en la época pensar que la mujer podía ocupar espacios de poder, no era algo que se imaginaba, ya que su rol estaba totalmente relegado y el sexo era la única manera que tenían para negociar. Evidentemente no suena muy razonable y la obra no pensaba en una mejora de la situación de las mujeres.

Por eso y yendo por fin, a Lisístrata, la Risa de los Hombres que nos convoca, la adaptación que se  presenta en estos tiempos modernos, adquiere un carácter muy interesante. Las épocas cambiaron y las mujeres están en plena revolución, luchando por la igualdad de género y por su empoderamiento, en una lucha contra el patriarcado, que se resiste a salir del centro de la escena.

La versión de Agustina y Silvia, escrita también en clave de comedia, está aggiornada a estos tiempos, donde la idea de ver a las mujeres, en un plano de igualdad y tomando espacios de poder, ya no suena para nada como un chiste, sino como algo concreto y palpable. Aunque vale decirlo, todavía existen en la sociedad, complejidades, desigualdades y contradicciones que dificultan este proceso. Por eso, entendemos que la obra de manera inteligente, plantea el tema con astucia e invita al espectador a reflexionar sobre el tema, tomando como base un texto escrito hace más de 2.000 años, para resignificarlo y dejar al descubierto, que en la actualidad, adquiere un sentido muy distinto, que al momento de ser escrito.

Uno de los rasgos distintivos de esta versión, es que todas las interpretaciones, son realizadas por cuatro hombres, que representarán los personajes sin buscar imitar o ridiculizar a las mujeres, por el contrario, la búsqueda pasa por ingresar en el interior de esas mujeres y lograr transmitir un mensaje de igualdad y empoderamiento, que indudablemente, adquiere una significancia particular, al ser interpretados por hombres.

Vamos a mencionar al elenco, ya que se nota hubo un exhaustivo trabajo en la búsqueda de los personajes femeninos, trabajando desde lo postural, lo gestual y para llegar al registro vocal, que es uno de los puntos más complicados. Indudablemente ha resultado un gran desafío para los cuatro actores, encarar este proyecto, ya que además de los personajes femeninos, deberán desdoblar otros masculinos, por lo que deberán estar siempre muy concentrados, para los diferentes momentos y los cambios, que pide la trama.

Fabián Carrasco, encarna a Lisístrata con la fuerza y la energía de una verdadera líder. Ataviada con campera de cuero y minifalda ajustada, muestra la potencia y la prestancia requerida para este protagónico. Magnífico trabajo de Fabián. Matías Broglia por su parte, será Cleónica, la platinada vecina de Lisístrata. Sin tener el grado de convencimiento de su líder, decide seguirla. Es muy divertido su personaje, con un acento entre guaraní y correntino, que genera risas al por mayor en la platea. Además será el heraldo y parte del coro de ancianos. Nos encantó el trabajo, de un carismático Matías.

Y que decir de Diego Brizuela, realmente desopilante su composición de Mirrina, la barbada espartana que llega a Atenas, siguiendo el llamamiento. Otro personaje muy gracioso, con un histrionismo a flor de piel, que nos hizo reír mucho.. Buenísimo lo de Diego. Para el final dejamos a Marcelo Pozzi, el actor de más experiencia del elenco. Lo recordamos por su papel en Ya no duermo la Siesta de las rosarinas Marull. Aquí compondrá a una señora bien, que llegará cartera en mano, interrumpiendo un turno en la peluquería, para llegar a la convocatoria. Se luce mucho en ese papel y también en los personajes masculinos, de Cinesías y el Comisario, que sacan afuera lo peor del patriarcado. Estupenda faena la de Marcelo.

Realmente se lucen mucho los cuatro actores, que como dijimos antes, se nota trabajaron mucho para encontrar los personajes y esto es algo que se aprecia en escena, además se divierten actuando y se entregan por completo, a lo que pide la obra.

La puesta es dinámica y muy ágil, aprovechando muy bien las dimensiones y las posibilidades que ofrece el Callejón. Para destacar especialmente el vestuario de Lucía García Tuñon, muy importante para las caracterizaciones. Mención especial para la música original de Axel Stahler y Jaime Mc Lean. Todo bajo la dirección de Silvia Gómez Giusto, que consigue darle una impronta moderna y atractiva a la pieza, dando además mucha libertad a los actores, algo que redunda en el bien de la obra.

Disfrutamos de una divertida noche de teatro, con Lisístrata, La Risa de los Hombres, valiosa y jugada propuesta, que consigue traer una comedia griega escrita en el 411 A.C, a estos tiempos modernos, para ver que la situación de las mujeres cambió muchísimo desde aquellos años a la actualidad, pero que hay situaciones que aún persisten y algunas cuestiones están tan arraigadas en la sociedad, que pese a que pasaron 2.000 años, se mantienen.

Lo valioso de la obra es que nos permite reflexionar y a la vez divertirnos, con una historia que por momentos es desopilante y nos regala interpretaciones estupendas. Por eso, invitamos al espectador a que se llegue al Espacio Callejón, para ver a estas mujeres que llegadas de Atenas y Esparta, se unirán a la lucha actual de las mujeres, contra el patriarcado.




Pensador Teatral.

Solo llamé para decirte que te amo.

Martes 20 30 hs Picadero Teatro ( Pasaje Santos Discépolo 1857 )

Dramaturgia y Dirección de Nelson Valente.

Hay obras que arrancan de manera tímida, casi experimental y con el correr del tiempo, empiezan a crecer.  Este sin dudas es el caso de Solo llamé para decirte que te amo, comedia dramática escrita por Nelson Valente, el autor de El Loco y la Camisa, fenomenal obra del off, que lleva más de diez años en cartel y que haciendo memoria, tuvo un nacimiento bastante similar a la pieza que estamos reseñando ahora.

Contemos entonces que Solo llamé para decirte ... , nació en el 2016 , en ocasión del " Ciclo el 25 Va a tu casa ", representándose en casa de vecinos del barrio de Villa Urquiza. Adaptándose a la arquitectura de cada uno de ellas, usando el baño, living, cocina y demás ambientes reales. Por un día la casa, se convertía en sala teatral. La original propuesta, tuvo una muy buena respuesta del público y a la otra temporada, ya llegó al Timbre 4 abierta a espectadores en general, perdiendo los vecinos de Urquiza, la exclusividad que habían tenido.

La obra siguió en cartel, acompañando el crecimiento del autor, que empezó a ser convocado por productores del teatro comercial y en esta temporada Solo Llamé para ... , dá el salto grande y se presenta en el Picadero, un teatro con mucha historia y uno de los que mejores espectáculos presenta en la actualidad.

Y de que trata la obra, con un título tan largo, como prometedor ??  La pieza nos contará la historia de una familia bastante particular / disfuncional , en la que Patricia ( Mayra Homar ) está a cargo de la casa, en la que vive con sus dos hijos mellizos ya adolescentes, la novia de uno de ellos, su hermana menor y su madre. Ella es la única de los integrantes de la casa que trabaja y por lo tanto es el único sostén del hogar, solo gracias a ella, la heladera puede llenarse.

Pero contra toda lógica, Patricia además tiene que ocuparse de las tareas hogareñas, ya que sus hijos prefieran pasarse el día holgazaneando, comiendo y durmiendo. Todo menos ayudar. La hermana, que tiene una respuesta para todo y es la primera en levantar el dedo acusador, también parece alérgica al trabajo. Y su madre, está más ocupada en salir de fiesta y emborracharse, que de asumir su edad y tener un rol diferente en la casa.

La existencia de Patricia por momentos es un verdadero infierno, abundan los gritos y las peleas en la casa. Se pelean por usar el baño, por la comida, por los ruidos, cualquier excusa es válida para iniciar una pelea. Nuestra protagonista, no logra imponer su carácter y los demás se aprovechan de esa debilidad, queda claro que todos le han tomado el tiempo ya y saben como aprovecharse de la única trabajadora en la casa. Son especialistas en victimizarse y con mucha astucia, logran envolver a Patricia, para que tenga claro, que es ella, la obligada a resolver las necesidades de esa casa en absoluta soledad.

Pero esta asfixiante rutina que tiene la casa y en consecuencia la vida de nuestra heroína, tambaleará fuerte, cuando un domingo a la mañana, recibirá un llamado tan inesperado, como prometedor. Quien llama es Quico, un antiguo novio de la adolescencia, que hace años se fue a vivir a México y que la sorprende contándole que está en Buenos Aires y que le gustaría visitarla en casa.

Y no vamos a contar más, el resto quedará para que el espectador lo descubra al ver la obra. Solo dejaremos algunos interrogantes. Será buena idea que su ex amor la visite, sabiendo el caos que es esa casa  ?? Será bien recibido por quienes la habitan ?? Y como van a reaccionar cuando se enteren de las verdaderas intenciones de Quico, que puede poner en riesgo su cómoda vida  ??

La obra tiene actuaciones realmente destacadas. Para nosotros quien se come literalmente la obra es Mayra Homar, la gran protagonista de esta historia. Su composición es fantástica, consiguiendo darle a su personaje una sensibilidad notable, logrando una empatía absoluta con los espectadores, que sufren con ella, en la mayor parte de la obra. Es una actriz de gran trayectoria Mayra y no hay dudas que se siente, realmente a gusto con esta obra.  Sus miradas, sus silencios, los sentimientos encontrados que muestra, el manejo de las emociones, todo lo ejecuta con una precisión admirable, para redondear una actuación soberbia, de esas que se disfrutan mucho.

Pero Mayra no está sola en escena, ni mucho menos. Otra actuación magnífica, es la de Agustina Sanguinetti, como Maricel, su hermana menor, que siempre tiene la palabra justa para juzgar a los demás y es especialista en encontrar la paja en el ojo ajeno. Cuando imaginamos a una persona tóxica, Maricel encajaría justo en ese casillero. Buenísima la composición de Agustina, dándole un grado de acidez elevado a su personaje, que lo hace muy divertido a la vez.

Y que decir de Puchi Laboronnie, la abuela Toti, que lejos de aceptar su edad, se la pasa de fiesta casi todas las noches, llegando a la madrugada, con varias copas de más. Desopilante y muy gracioso el personaje compuesto por Puchi. Completa el elenco femenino, Julia Eva Saggini, como Camila, la novia de uno de los mellizos. No es muy bien tratada en la casa, ya que Maricel, literalmente la odia, ya que no soporta la juventud y belleza de la adolescente. Su novio tampoco la comprende, ni le tiene paciencia. Con la única que tiene onda es con Patricia, la dueña de casa. Nos gusto mucho el trabajo de Julia, aportando frescura a la obra.

Llega el turno delos mellizos adolescentes Juan Cruz y Hernán, representados por Guido Botto Fioro, un joven actor, al que regularmente elogiamos en nuestras reseñas y Ramiro Delgado respectivamente. Dos verdaderos atorrantes, que aprovechando algún Edipo que sobrevuela en la casa, logran vivir sin trabajar y no se ponen colorados de pedirle plata a la madre, para sus gastos. Personajes muy divertidos y festejados por el público, los de Guido y Ramiro. Completa el elenco, Juan Pablo Kexel, como Quico, entrará en escena promediando la trama y su aparición, con un personaje bonachón, será decisiva, para el destino de esa casa.

La puesta es dinámica y resulta muy cercana al espectador, que reconoce las situaciones y a los personajes de la casa, por tener algún caso en la propia familia o en alguna conocida. Valente se caracteriza por tener una mirada inteligente y realista de los vínculos que se establecen en las familias, logrando que el público se identifique con la mayor parte de las cosas que suceden en la trama, siendo este tal vez, la clave del suceso de sus creaciones.

En definitiva, al ver la obra entendimos las razones de su recorrido y como pasó de ser una pieza, que en sus comienzos se representaba en casas de vecinos, pasando luego a uno de los teatros símbolos del off como el Timbre 4, llegando esta temporada al teatro comercial, con el presagio de seguir el derrotero triunfal de su hermana mayor, El Loco y La Camisa, que este año festejas, sus once años en cartel.

Solo llamé para decirte que te Amo, es una entrañable propuesta que recomendamos ampliamente, ya que además de hacernos reír mucho, nos hará reflexionar y nos mantendrá en vilo durante toda la trama, queriendo saber si finalmente Patricia podrá romper las cadenas que la atan a la casa, en búsqueda de su felicidad o si los demandantes integrantes de su familia, lograrán seguir teniéndola como una verdadera prisionera, para seguir con su modo de vida parasitario.

La prolongada ovación, con que el público que colmó El Picadero, despide a los protagonistas al final de la función, es un justo reconocimiento a la entrañable velada teatral vivida y una prueba más, que el hecho teatral es único y hay obras que saliendo del off más profundo, tienen las herramientas para llegar a las salas de mayor convocatoria, convirtiéndose en verdaderos sucesos de público.




Pensador Teatral.