Pajarita

Dramaturgia y Dirección de Guillermo Parodi.

Viernes 20 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

Una estupenda idea la de Guillermo Parodi, trayendo a escena un texto de Roberto Arlt, considerado uno de los más grandes escritores argentinos del Siglo XX. Hijo de una humilde familia de inmigrantes, encontró en el periodismo, su medio principal de subsistencia. Precisamente siendo cronista de policiales en el Diario Crítica, Arlt cubrió en 1927, el suicidio de Sofía, una humilde mucama inmigrante que se arrojó a las vías del tranvía, sin tenerse del todo claras las causas, siendo un caso que tuvo mucha repercusión en aquella época.

Aquel caso inspiró a Roberto Arlt, a escribir 300 Millones, texto que partiendo de un hecho verídico,  incorporó elementos surrealistas, jugando con el absurdo y lo onírico, para crear una historia fantástica, donde aquella humilde mujer, luego de recibir una herencia de trescientos millones de pesos, puede construir en su imaginación, aquella vida que hubiera soñado tener. 

Como dato de color, comentar que la obra 300 Millones se estrenó en 1932, precisamente en el viejo Teatro del Pueblo y 90 años después, Guillermo Parodi partiendo de la obra original de Arlt, decide reescribir aquel texto, con algunas adaptaciones y licencias para aggiornala a estos tiempos, pero siempre respetando la esencia y la idiosincrasia de la obra original.

En Pajarita, Sofía, interpretada por Lorena Szakely,  ya no es una mucama, sino una indigente que recorre las calles con un carrito de supermercado, que funciona como su hogar rodante. Se cruzará en su camino, con un enigmático constructor de sueños, interpretado por Pablo Mariuzzi, que como una especie de genio de la lámpara, simplemente la invita a desear. El mismo le aclara, que está allí, para cumplirle todos sus sueños, algo que suena muy tentador, pero que para Sofía resulta algo difícil, un poco porque le cuesta creer que aquella posibilidad fuera posible y otro poco, ya que al estar sumida en la pobreza profunda, le cuesta mucho imaginar que tendría si fuera millonaria.

El relato es muy rico en imágenes, lo onírico está muy presente, lo fantástico será el hilo conductor en el escenario, a partir de una serie de personajes que formarán parte de esos sueños de Sofía, interpretados por Pablo Mariuzzi, de manera magistral, pero ya pronto hablaremos de ellos. La trama de Guillermo, incorpora a la obra original, algunas aspectos interesantes de la historia argentina, que no queremos adelantar y otras de la cultura popular, como por ejemplo, la aparición de Rolando Rivas, el taxista que protagonizó la telenovela que fue furor en los años 70.

No queremos contar mucho de la trama, para que se sorprendan al verla, solo decimos que la creatividad vuela muy alto aquí, lo que representa un gran desafío para la dupla protagónica conformada por Lorena Szekely y Pablo Mariuzzi. Arranquemos por Lorena, una actriz muy versátil, que muestra estar totalmente a la altura de este exigente protagónico, componiendo a una Sofía ingenua, que resulta un personaje muy querible, siendo muy gratificante verla sonreír cuando cumple sus sueños. Muy buen trabajo de Lorena.

A Pablo Mariuzzi, lo tenemos catalogado ya como un gran actor y lo elogiamos en varias oportunidades en este sitio, recordando aún su fenomenal composición en el unipersonal Un Señor Alto, Rubio y de Bigotes. Acá que Pajarita, con una presencia escénica imponente, se encarga de desdoblar a todos los personajes oníricos, dándoles el toque de glamour y fantasía que piden, siendo el Rocambole de la obra original de Arlt, aquel que facilita los sueños de Sofía, el demonio, la madame de un prostíbulo, el galán y hasta el mismísimo  Rolando Rivas. Excepcional lo de Pablo, aportando distinción a la obra, con una interpretación enorme, que además rompe la cuarta pared, ya que interpela al público en varios pasajes de la obra, renegando por la difícil tarea que le tocó en suerte. 

Las estupendas actuaciones que presenta la obra, se apoyan en una puesta atractiva y muy cuidada desde los estético que propone el director. Hay un componente musical muy importante en la trama, destacando en este rubro a Juan Pablo Martini, a cargo de la música original. En tanto que las canciones que se escuchan en off, pertenecen al propio director y a su madre, nada menos que Teresa Parodi. Otros rubros a destacar, el creativo diseño escenográfico de Fernando Diaz y Analia Schiavino y el vistoso vestuario de Jorgelina Herrero Pons y Tití Suarez, que se lucen principalmente en los personajes que desdobla Pablo. Ambos ítems, al igual que el diseño lumínico le otorgan belleza adicional a la puesta.

En definitiva, celebramos la idea de Guillermo Parodi, de rescatar la primera obra teatral de Roberto Arlt, que muestra una enorme vigencia, ya que nos habla de reivindicaciones sociales y sueños colectivos, potenciando el texto original, sin traicionar su espíritu, muy por el contrario, logra revalorizar la historia original, siendo un verdadero homenaje a aquella obra estrenada hace 90 años en el viejo Teatro del Pueblo y que ahora vuelve en el mismo teatro, ubicado en su nuevo barrio de Abasto.

Los invitamos a que descubran el rico universo de Arlt, un autor adelantado para la época, disfrutando esta bella y sensible historia, que cobra vida gracias a las exquisitas interpretaciones de una dupla protagónica que se luce muchísimo y de una puesta que nos invita a navegar en el mundo de los sueños, que a la mayoría de los argentinos, lamentablemente tanto les cuesta alcanzar.

Pensador Teatral.

Rota

Dramaturgia de Natalia Villamil. Dirección de Mariano Stolkiner.

Sábados 20 hs / Martes 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Antes de ver la obra, sabíamos que estábamos en presencia de uno de los sucesos teatrales del año, con gran repercusión en la prensa y lo que más valoramos nosotros, el boca a boca funcionando a pleno, habíamos recibido numerosos comentarios de gente del ambiente, que nos recomendaban la pieza y no podían creer que todavía no la habíamos visto, algo que podíamos explicar fácilmente, comentando que desde el estreno, la pieza viene agotando funciones con varias semanas de anticipación.

Al finalizar la función, nos quedamos con la certeza, de que aunque veremos muchas obras en lo que resta del año, será muy difícil que Rota, quede afuera del podio de las mejores obras del 2022. Semejante afirmación puede ser hecha, porque aún seguimos conmovidos por la crudeza de un texto desgarrador escrito por Natalia Villamil, la potencia de la puesta que propone Mariano Stolniker y principalmente por la descomunal composición de Raquel Ameri, con una entrega que conmueve.

Y de que nos habla Rota ?? Principalmente del profundo dolor de una madre que no puede superar la muerte de su hijo. Está sola, desesperada y además siente culpa por no haber actuado diferente. Si esa noche maldita, ella le hubiera abierto la puerta, tal vez la tragedia se hubiera podido evitar, aunque si pudiera pensar con claridad, algo que en el estado de trance en el que se encuentra es imposible, se daría cuenta que el final estaba escrito de antemano y que si el drama no era esa noche, hubiera sido cualquier otra.

Cómo se puede seguir adelante en la vida después de semejante tragedia ??? En el barrio donde vive, los vecinos la evitan, se cruzan de vereda cuando la ven. Dicen que está loca y eso la enerva. No se dan cuenta que es una madre que está herida, devastada y necesita explicaciones, saber como fueron los últimos instantes de su hijo. Y para ello, tendrá que visitar la comisaría y rogar que el cabo de turno se apiade de ella y le cuente como fueron esos minutos finales.

El estupendo texto de Natalia Villamil, tiene entre muchas virtudes, presentar la historia de a poco, no ofrece toda la información de entrada. Irán apareciendo piezas y el espectador con las mismas, irá armando la historia completa. Claro ejemplo de esto, es que el comienzo del relato, sabemos que la protagonista llora la muerte de su hijo. Promediando la historia sabremos que se suicidó, ante los ojos de la policía. Y casi sobre el final de la historia, tendremos la revelación del motivo que lo llevó a tomar tan drástica decisión, con lo que el rompecabezas de la tragedia cerrará de manera completa y se tomará real dimensión de lo sucedido.

Aquel espectador atento a la interpretación de Raquel o algún detalle de la escenografia, podrá intuír el desenlace, pero es un gran acierto que para llegar al mismo, haya que recorrer todo un camino, algo que contribuye a mantener el suspenso de un relato, conducido de manera magistral por la protagonista. Nosotros lógicamente, no vamos a adelantar más nada en cuanto a esta resolución, para que usted lector, lo descubra cuando vea la obra, que es sin dudas la intención de la autora, que escribió este texto tan crudo, como actual y pese a la dureza del mismo, supo poblarlo de metáforas e imágenes visuales, que enriquecen mucho, a una dramaturgia que no dá respiro.

Llega el momento de hablar de la gran protagonista de la noche, nos referimos a Raquel Ameri, una actriz de enormes recursos, a la que conocimos en Millones de Segundos, multipremiada obra del off, en la que interpretaba a un varón trans con síndrome de Asperger, realizando una composición tan conmovedora, que aún hoy la recordamos. Aquella interpretación, le valió ganar el Premio ACE 2010, como Mejor Actriz Teatro Alternativo.

Y luego de haberla visto en Rota, podemos aventurar que tanto la obra, como su trabajo, van a seguir la misma senda de premios. Raquel, aquí compone a una madre atravesada por el dolor infinito de haber perdido a su hijo. Su entrega es absoluta, solita ella subida a una tarima, nos hablará con el corazón desgarrado, de quien no encuentra consuelo. Ameri tiene una presencia escénica abrumadora, se abraza al texto con pasión y logra atravesar la cuarta pared con facilidad, mirando a los ojos al espectador, caminando entre las butacas y casi pidiendo un abrazo que le quite el enorme peso de las penas que lleva sobre sus hombros. Simplemente, es fantástica composición de Raquel.

Otro punto muy alto, es la puesta que propone Mariano Stolkiner, el director artístico de El Extranjero, que viste de gala a su sala, pudiendo concretar un proyecto que tenía desde hace años, como ser poder dirigir a Raquel en un unipersonal. Y los resultados están a la vista. Su puesta, realmente sorprende por la potencia, con el destacado diseño lumínico de Julio López, jugando con las luces y la oscuridad, un logrado de diseño escenográfico de Magalí Acha, dando el marco a una puesta que tiene un muy buen componente musical, comentario al pie, que lindo suena el himno de Rata Blanca. 

No queremos adelantar más de la trama y adrede omitimos comentar un hecho muy importante del argumento, que como dijimos el espectador descubrirá a medida que la trama avanza y desnudará una problemática, muy presente en nuestra sociedad, como la violencia de género, analizada desde un punto de vista, que no suele tenerse en cuenta.

Solo nos queda recomendar Rota, que como dijimos en un principio, seguramente tendrá reservado un lugar entre las mejores obras del año y tendrá un largo recorrido, por escenarios de todo el país. Siempre provoca una sensación de placer, descubrir alguna obra, que sabemos perdurará en el tiempo y en la mente de los espectadores que la vieron, que de ninguna manera quedarán indiferentes con esta impactante propuesta.

Y todo esto se logra, gracias a ese triangulo virtuoso, conformado por la dramaturgia impactante de Natalia Villamil, la dirección de Mariano Stolkiner y la fantástica interpretación de Raquel Ameri, que resulta un privilegio para los espectadores que colmaron la sala y al final de la función, luego de recobrar al aliento, darán su veredicto con un emocionado y prolongado aplauso, como broche de oro, por la gran noche de teatro independiente vivida.

Pensador Teatral.

Dulce Marta

Dramaturgia de Julia del Pecho. Dirección de Ana Laura Suárez Cassino.

Sábados 19 hs en Abasto Social Club ( Yatay 666 )

Un texto sensible y pleno de poesía llega de la mano de Dulce Marta, obra escrita por Julia del Pecho, en tiempos de pandemia, algo que sin dudas se refleja en la dramaturgia y en la soledad de nuestra protagonista, que vive en una casa de madera ubicada en el cerro, donde trascurre sus días sola la mayor parte del tiempo, ya que su marido Rodolfo es minero y sale todos los días mucho antes del atardecer hacia la mina. Y esa soledad, le otorga libertad y tiempo para llenar su cabeza de pensamientos, algo que no siempre es del todo bueno.

La obra transcurrirá en una jornada laboral, que arranca bien temprano. Marta se levanta al alba, pasadas las cuatro de la madrugada y encuentra una notita de Rodolfo, que le desea buen día. Ella está contenta de vivir en aquella casa y lo primero que hace es salir afuera, para contemplar el enorme naranjo que tienen y que le proporciona las naranjas con las que ella se gana y llena su vida.

Marta pasa su día preparando dulce de naranja, ella se encarga de todo, recolecta las mejores frutas que caen del naranjo, las mira, les habla, las pela, prepara la olla donde cocinará el dulce, prepara los frascos que llenará una vez que su elixir está listo. Es todo un ritual, una verdadera ceremonia que Marta realiza con mucho amor, para lograr que su dulce sea el mejor de la comarca y el que más se vende en las ferias de productores que se arman. Algo importante para señalar, es que el espectador será testigo, de toda el ritual que describimos y disfrutará de una experiencia multisensorial, contemplando las naranjas, el jugo que sale de ellas cuando se las pela y ese olorcito tan particular, que de a poco ira llenando el ambiente.

No dijimos algo importante, los dulces de naranja de Marta, tienen algo muy especial, son dulces con deseos. Si, si, así como lo leen, dentro de cada frasco, hay deseos que nuestra protagonista introduce en ellos. Marta está deseando todo el tiempo, como por ejemplo,  el deseo de tener un matrimonio feliz, el de ser madre pronto, entre otros. Pero no todos los deseos son buenos, hay también de los oscuros, porque la mente humana es compleja y cuando estamos solos, con mucho tiempo para pensar, muchas veces nos hacemos películas,  que solo existen en nuestra imaginación y de todos modos nos juegan en contra.

No queremos contar demasiado de la trama, para no quitarle suspenso a la misma, solo vamos a decir que la tranquilidad con la que arrancó Marta ese día vá a desaparecer en un minuto, cuando aparecerá la duda. La duda sobre si su marido realmente fue a la mina a trabajar o se fue al pueblo, para pasar por aquel  almacén donde otra mujer lo desea. Aparecen los celos en su mente y los deseos se transforman, ya no serán dulces, serán amargos y presagiaran tempestades.

La radio que acompaña la jornada de Marta y la de tantas personas que viven en esos parajes solitarios, nunca trae noticias importantes, por lo general son saludos de cumpleaños, avisos parroquiales, informaciones locales y poco más, la voz del locutor y la música llenan el tiempo vacío. Pero ese día, no era uno más, ya que a media mañana, las noticias anuncian que hubo un accidente en la mina y que hay un trabajador herido al que todavía no identifican. Marta entra en trance, le falta el aire. Su mente se nubla, está confundida, perturbada y preocupada. Sus malos augurios pudieron desatar alguna tragedia ??? Será posible revertir lo que se deseó ?? La culpa y el miedo la invaden, esperando que su querido Rodolfo regrese pronto al hogar y hasta allí vamos a contar. El resto lo descubrirán cuando vean la obra, porque ya les decimos que tienen que verla.

Momento de hablar de la protagonista de este unipersonal, la encargada de llevar a escena, lo que la autora plasmó en este bello texto escrito en poesía, siendo esto una exigencia adicional para la intérprete, que debe hablar en verso. Y digamos ya sin demoras, que Romina Oslé la protagonista de esta historia, supera con creces el desafío y nos regala una preciosa composición, apasionada y plena de sensibilidad.

Romina es una actriz joven y muy talentosa, a quien ya elogiamos otras veces en este humilde sitio. Recordamos haber destacado recientemente su gran trabajo en Bailan las Almas en Llanta, una entrañable obra del off, donde era Gladys, una chica con mucha calle y devota de Santa Gilda. Aquí en un personaje totalmente diferente, muestra su enorme versatilidad y la sensibilidad necesaria, para llevar adelante a una Marta humana, querible y vulnerable. Disfrutamos enormemente ver una interpretación tan completa y artesana, contemplar sus miradas, sus silencios y el amor con el que vive su cotidianeidad. Hermoso trabajo el de Romina.

El relato atrapa al espectador, que ingresa a ese universo que propone el texto, con aquella mujer sola en la casa, con el naranjo y la radio como única compañía diaria. Lo introduce en su día, que parece real y cercano.  Y en ello mucho tiene que ver la delicada puesta que logra Ana Laura Suárez Cassino, quien además estará presente como voz en off en vivo, dando contexto a la historia y materializando algunos pensamientos de Marta, en un aporte que nos gustó mucho. 

Importante también lo de Sebastián Dorso, músico en escena, a cargo de los sonidos que tiene la historia y muy importante para crear esa atmósfera íntima que el texto pide. No queremos dejar de mencionar el diseño escenográfico, con el naranjo dominando el exterior. Una puesta rica en imágenes, sonidos y aromas, que potencian el texto y que demuestra como el teatro independiente con ingenio y buenas ideas, obtiene productos de enorme belleza estética.

Creemos que hay contamos lo suficiente, Dulce Marta es una historia mínima, nacida en la pandemia, que tiene mucho para contarnos. El ambiente rural y pueblerino, lo otorga el ámbito ideal para que Marta rodeado de sus naranjas, pueda desear para sus frascos y para ella misma. Sueños que tenía de chica y que a lo largo que pasan los años, se van transformando en asignaturas pendientes, que pueden convertirse en frustraciones.

Confluyen un texto sensible y poético, una puesta que pone en movimiento los sentidos sensoriales del espectador ( vista, oído y olfato ) y una composición soberbia de la protagonista que llega al corazón. Una historia que arranca de manera plácida, irá sumando tensiones y habrá que estar muy atento, por que nos prepara un final un tanto inesperado y perturbador, que pondrá punto final a esta dulce y entrañable propuesta que el teatro independiente nos acerca.

Pensador Teatral.

Caravana Real

Idea: Milagros Almeida y Fernando Tur. 

Dirección General : Fernando Tur. Dirección Musical: Milagros Almeida.

Composición Musical: Milagros Almeida y Fernando Tur. 

Jueves 20 30 hs en Patio de Actores ( Lerma 566 )

Una de las mayores virtudes del teatro independiente, es que nunca deja de sorprendernos. Por nuestra actividad miramos varias obras por semana, muchas por mes y muchísimas al año, por eso celebramos cuando aparecen propuestas como la de Caravana Real, que nos sorprenden de manera tan favorable, ya que se animan a salir de lo convencional, decidiendo arriesgar y proponiendo una obra que derrocha creatividad y talento.

De manera introductoria, podemos recordar que Fernando Tur y Milagros Almeida, ya habían ideado una obra juntos, nos referimos a Surmenage, pieza estrenada en el 2014 y que tuvo dos temporadas en Patio de Actores, siendo un verdadero éxito de publico y critica, obteniendo nominaciones a los Premios ACE y a los Premios Hugo. Aquella pieza, tenía un componente musical preponderante y escapaba de las convenciones habituales del género teatral.

Debieron pasar 8 años y en el medio una pandemia, para que el segundo espectáculo de esta dupla creativa pudiera estrenarse y luego de haber visto la obra, podemos afirmar que bien valió la pena la espera. Decimos esto, porque Caravana Real, es una propuesta muy original, que tiene como sello distintivo, una potencia creativa admirable y un talento artístico del elenco, que debemos destacar.

Aclaremos por las dudas, para aquel espectador desprevenido, que esta obra escapa del formato habitual que tienen la mayoría de las piezas, que presentan un inicio, un nudo argumental y un desenlace ordenados de manera sistemática. Eso no ocurrirá. Aquí la búsqueda es salir de zona de confort y potenciar lo experimental. Caravana Real saliendo de la habitualidad, consigue momentos musicales brillantes, coreografías ejecutadas de manera precisa, mucho teatro físico y un componente humorístico que funciona como hilo conductor del relato.

No queremos contar mucho, porque estamos en presencia de una obra que sorprende en cada escena y los espectadores disfrutan eso, el no saber lo que va a venir, en tratar de adivinar, que camino tomará este delirio teatral y musical, que sabe navegar entre lo poético y lo onírico, con una belleza creativa que no le teme al ridículo y bien que hace.

Solo vamos a decir, que en el relato tendremos un rey y una reina, que marchan por los caminos reales, seguidos por sus súbditos, siempre dispuestos a cumplir sus deseos. Habrá intrigas y conspiraciones, algo que no puede faltar en toda realeza que se precie de tal. Y habrá un baile de máscaras, el acontecimiento que todos esperan y en el que todo puede pasar. Pero cumplimos con nuestra palabra y no contamos más, para saber lo que sucederá, deberán ver la obra y dejarse llevar por la potencia creativa de un texto delirante y muy divertido.

Son seis los actores en escena, todos abrazan con mucha pasión la historia que se cuenta. La exigencia es grande, hay mucho desgaste físico, el ritmo de la trama es vertiginoso, hay que estar en movimiento siempre, cantando, bailando, tocando algún instrumento, actuando y jugando. Pese al caos creativo que se expone en escena, todo está muy bien aceitado y el espectador debe agudizar todos los sentidos, para no perderse nada, ya que son números los estímulos auditivos y visuales, que se ofrecen al mismo tiempo.

Arranquemos por Agustín Repetto, el Rey, tal vez el personaje más divertido de la historia y quien más risas genera en la platea. Con un histrionismo a flor de piel y una gestualidad plena, ya solo verlo, su postura, su forma de caminar, provoca risas. Muy bueno lo de Agustín, dando vida a un personaje desopilante.

Sigamos con Milagros Almeyda, la Reina de la historia, excelente actriz y cantante, es quien nuestro entender redondea la composición más destacada de la noche. Mili tiene una voz hermosa, canta muy lindo y por eso poder disfrutarla aquí a pleno, en una obra donde puede mostrar todo su talento, es un gran privilegio. No vamos a adelantar mas, pero hay un momento mágico en una de sus interpretaciones, que deja al público con la boca abierta y con piel de gallina. Excelente lo de Milagros, un actuación para poner en un cuadrito.

Pero no seamos injustos con el resto del elenco, ya que Caravana Real es un gran trabajo colectivo, donde el aporte del conjunto es un fundamental. Andrea Mango, aporta su toque de distinción, actuando y cantando muy bello también, generando un muy buen duelo vocal con Mili. El elenco femenino se completa con Flow Gateño, que se destaca mucho y además de mostrar sus condiciones como actriz, muestra sus virtudes como baterista.

Del elenco masculino, resta mencionar a Pablo Sierra, que resalta también por su histrionismo, imperdibles sus caras y se desempeña muy bien en las coreografías, como bailarín. Omar Possemato, es polifuncional, con mucho carisma y momentos destacados en la batería, completa el sexteto virtuoso. Se hizo un poco larga la descripción del elenco, pero era algo merecido y necesario por la calidad de los trabajos. Pocas veces vemos reunidos en un grupo, actores tan talentosos y esto sin dudas se ve reflejado en la calidad de la obra.

De la puesta de Fernando Tur, podemos elogiar muchas cosas. Tiene una dinámica y un vértigo permanente. Los actores están siempre en movimiento, entrando y saliendo de escena en muchos momentos. Hay cambios de vestuarios, peinados, etc. Aparecerán diversos instrumentos en escena y hasta una batería quedará en el centro del escenario, en algún momento. Es una puesta muy rica, con muchos elementos que se unen al servicio de la historia y que deberán descubrir los espectadores.

La dirección musical es responsabilidad de Milagros Almeida, a cargo de los arreglos y de la elección repertorio que incluye blues, canciones en francés, alemán y algunas sorpresas que no queremos adelantar. Caravana Real es una obra que respira música y se destaca muchísimo en este ítem.

Nos parece que no hay mucho más para agregar, esta es una de esas obras que deben descubrirse y que no hay que contar tanto, hay que sentarse en la butaca, entregarse a la propuesta, sentirla y disfrutarla. Como dijimos antes, es una pieza diferente, arriesgada, que se anima a romper los esquemas habituales del teatro, apostando por la creatividad y teniendo como base para ello, la calidad y la entrega de un elenco muy talentoso.-

Recomendamos mucho Caravana Real, una de esas obras que no debemos dejar pasar, ya que su originalidad y personalidad, no la hacen pasar desapercibida. Cada espectador sentirá algo distinto de la obra, aquí no baja un mensaje uniforme y las lecturas son varias. Lo que podemos asegurarles, es que van a disfrutar de estupendas actuaciones, mucha poesía y momentos musicales exquisitos. 

Los aplausos prolongados del público que llenó la sala del Patio de Actores, al final de la función, son un justo reconocimiento, para este equipo, que apostando a lo experimental y a lenguajes alternativos, nos regalaron una noche de teatro independiente de altísima calidad.

Pensador Teatral.

Pareidolia, la forma de los sueños

Dramaturgia y Dirección de Javier Naudeau.

Domingos 20 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1034 )

Una interesante propuesta, llega de la mano de Pareidolia, esta rara palabra que aparece en el título de esta tragicomedia escrita por Javier Naudeau, que nos hablará de los sueños que todos tenemos. Esos deseos por los que vamos a luchar en la vida y que servirán como brújula de nuestras acciones. Cuando somos chicos o adolescentes, solemos proyectar sueños y objetivos, que cuando somos adultos podemos ver concretados en algunos casos y en otros no, estando asociado allí el tema de la desilusión y el bajón que llega, cuando vemos que vida transcurre y no estamos siendo las personas que imaginamos en algún momento.

La obra pondrá el foco, en una familia tradicional, de matrimonio con 2 hijos, pero bastante disfuncional, ya que algo no anda bien entre sus integrantes. Si bien viven bajo el mismo techo, cada uno parece estar inmerso en su mundo, con sus problemas y sus válvulas de escape, individuales en todos los casos, sin compartir prácticamente nada con los otros, aunque en apariencia son una familia normal.

Y a ese hogar llegará Willy, amigo de Luciano, el hijo adolescente de la familia. Su llegada cambiará la rutina de aquel hogar, ya que llegará con una propuesta tan atractiva, como peligrosa. Si les sale bien el negocio que planea, ambos podrán cumplir su sueño. Willy viajar a Francia para encontrarse con su madre, a la que hace muchos años que no vé. Y en el caso de Luciano, poder viajar a Málaga, ciudad que hace mucho desea conocer. Ninguno trabaja aún y para poder viajar, necesitan dinero para comprar los pasajes. El negocio turbio que tienen entre manos, sin dudas puede acercarlo, pero claramente no están midiendo bien los peligros que envuelve la actividad en que van a incursionar.

Pero hay otra noticia que aparecerá y será una sería amenaza, para avanzar con el negocio que los amigos tienen en mente. Nerea, la menor de la familia, anuncia un atraso y al poco tiempo confirmará que está embarazada. La noticia cae como una bomba en aquella familia, ya que Nerea tiene solo 16 años y peor se pondrá el panorama, cuando descubran que el padre del bebé que viene en camino, es nada menos que Willy. La noticia no le causa ninguna gracia a Luciano, que siente que su amigo lo traicionó al no contarle nada y lo hizo en el momento menos oportuno, ya que esta novedad a simple vista, complicará los planes de viajar juntos a Europa, de los que venían hablando en los últimos días.

La situación se pone tensa en la casa. Willy se siente eufórico con la noticia, lo seduce la idea de ser padre, pero más aún poder encontrar una familia y un hogar que lo cobije, ya que es algo que le falta y añora. La madre y el padre, luego de una primera reacción negativa no ven con malos ojos, que la familia crezca, con un nieto y sumar además a Willy, que para ser aceptado, hace muy buena letra y de a poco parece quitar el lugar que ocupa su amigo en la familia.

Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, para complicar las cosas, diremos que Nerea no está para nada decidida en seguir adelante con el embarazo y el tema del aborto sobrevuela la trama. Además otra mala noticia se revelará en la casa, que perderá la poca armonía que conservaba, pero cumplimos con nuestra palabra y hasta allí contamos. Para saber cual será el desenlace de la historia, deberán ver la obra.

La trama tiene una muy buena dinámica y aunque el argumento parece sencillo, tiene un trasfondo muy profundo que sobrevuela el texto en todo momento. Además la historia tiene una cuota de intriga que logra atrapar al espectador y en esto influye mucho las muy buenas actuaciones que presenta la obra. Vayamos entonces con algunas lineas de cada integrante de elenco, ya que sus trabajos así lo ameritan.

Comencemos por la parte joven del elenco y allí nos encontramos con la revelación de la noche. Nos referimos a Juan Manuel Artaza, el hijo de Nito, que en su primer protagónico en el teatro independiente, muestra su carisma y personalidad, para ponerse en la piel de un adolescente de veinte años, lo que representa un desafío, ya que el ya tiene más de treinta y retroceder mas de diez años para el personaje, no es algo sencillo. Pero Juan Manuel, no solo supera ese desafío, sino que además realiza una estupenda composición, de un Willy comprador, cuyo mayor sueño, es formar parte de una familia. Muy buen trabajo de Juan Manuel, que si se lo propone, tiene una carrera prometedora por delante.

Siguiendo con el ala adolescente del elenco, destacar las composiciones de Juan Cottet, como Luciano, un hijo rebelde, como casi todos en esa edad, que por no medir los peligros se meterá en tierras peligrosas. Violeta Postolski, es Nerea, como una niña ingenua, que en su paso a ser una mujer, se encuentra con un embarazo impensado. Muy buena la dupla de hermanos entre Juan y Violeta, graficando lo inmaduro que se puede ser en la adolescencia.

Sigamos con los padres, arrancando por Heidi Fauth, una estupenda actriz, a la que elogiamos ya muchas veces desde nuestro sitio, pudiendo aquí, comprobar nuevamente su enorme versatilidad, en este caso representado a una psicóloga con pocos pacientes, que no está contenta con su carrera profesional y tampoco con su vida. Nos encantó la composición de Heidi. Completa el elenco, Claudio Amato, a quien vemos por primera vez en escena y nos sorprendió muy favorablemente, en su papel de Miguel, un padre bastante ausente, que se comporta como un adolescente, embobado jugando con la play station. Con el avance de la trama, veremos que este comportamiento posiblemente quiere ocultar una situación que no se anima a blanquear. Muy buen trabajo el de Claudio, para un personaje que no era sencillo.

Nos extendimos un poco hablando de los protagonistas, pero como mencionamos antes, los trabajos así lo merecían Un acierto de Javier Naudeau, en la elección de un elenco heterogeneo en edades, pero que funciona muy bien en el conjunto y se nota muy cómodo con el texto, algo que se nota en la fluidez de la trama y en la credibilidad de los personajes.

No queda demasiado para agregar, Pareidolia es una propuesta muy actual que toca gran cantidad de tópicos, como el tema de las adicciones, no solo a sustancias prohibidas, sino también a los aparatos electrónicos que la tecnología nos acerca. También refleja como el mundo actual, presenta peligros que los adolescentes muchas veces no evalúan en su real dimensión. Y como línea general, la pieza, muestra lo difícil que puede resultar cumplir nuestros sueños y seguir el camino hacia la felicidad, que todos creemos saber donde se encuentra, pero pocos logran acceder.

El autor además es un buen observador de la realidad y pone el foco en una temática muy actual, como es la falta de comunicación que existe en muchas familias modernas, donde cada integrante hace la suya y poco se interesa por la realidad del otro. Cuando están juntos por lo general, tocan temas triviales, superficialidades y prefieren eludir el tratamiento de los temas conflictivos, conociendo los mismos por lo general cuando ya es demasiado tarde.

El texto de Javier Naudeau, como dijimos es profundo, introduciendo en el mismo momentos de humor y algunas situaciones exageradas, que parecen atenuar el conflicto planteado. Las destacadas actuaciones que presenta la obra, potencian el texto y nos invitan a reflexionar sobre sueños, desilusiones y como muchas veces elegimos mirar para otro lado, en vez de afrontar los problemas, algo que por lo general, resulta muy perjudicial para todos.

Pensador Teatral.

El Amante de los Caballos

Adaptación y Dirección de Lisandro Penelas.

Viernes 20 30 hs en Moscú Teatro ( Ramírez de Velasco 535 )

Si hay algo que disfrutamos mucho, son los momentos previos que ocurren antes de ver alguna obra, como El Amante de los Caballos, que viene precedida de excelentes críticas, giras exitosas por el exterior y acumula ya varios años en cartel, en este caso, ya son ocho las temporadas desde su estreno. El disfrute se produce por esa adrenalina que se genera el saber que vamos a ver una propuesta especial, ya que sin dudas esta vigencia en cartel, solo lo logran contadas obras,  entonces tener la chance de poder ver una de estad obras especiales y descubrir las razones de ese suceso, es un privilegio que no ocurre todos los días.

Y lo más lindo de todo, es confirmar al final de la función, que todas esas expectativas previas que teníamos y en algunos casos como este, superar las mismas. Pero bueno no arranquemos por el final, seamos ordenados. Contemos que el texto de Lisandro Penelas, es una estupenda adaptación del libro El Amante de los Caballos, que reúne dos cuentos de Tess Gallagher, una de las poetisas estadounidenses más reconocidas de los últimos años-

Lisandro sabe extraer la riqueza y belleza del texto, para adaptarlo en formato de unipersonal y situar la historia en algún pueblo de nuestro interior, para acompañarla con bellas melodías de chamamé y una puesta con toques campestres,para que  el espectador tenga la impresión de que la obra fue escrita por algún autor vernáculo que se inspiró en alguna historia acontecida en nuestras pampas.

La obra nos hablará de los recuerdos familiares que tiene nuestra protagonista, algunos transmitidos por su madre, que le hablaba de ese abuelo tan particular que tuvo. Un borracho que quería más a los caballos que a su propia familia. Esa era la sentencia hiriente que lanzaba su madre con bronca. Otros decían que su abuelo, era un ser que tenía dones especiales, que lo conectaban con la naturaleza y en especial con los caballos, con los que se comunicaba mediante susurros.

Otros recuerdos eran propios, como los de su padre, jugador de cartas de profesión como el mismo se definía orgullosamente. Ya se había ido de la casa, cuando su madre le pidió que volviera, porque su padre estaba atravesando una enfermedad terminal con pronóstico desalentador y se estaba comportando de manera muy extraña. Sintió que debía volver y acompañarlo en esos momentos tan particulares, de despedida, donde se huele la llegada de la muerte.

El relato es atrapante, por momentos resulta hipnótico, muy rico en imágenes, con una poesía que estremece por su belleza y además tiene un tinte fantástico y místico, que lo convierte en mágico. Ahora nada de esto ocurriría, de no ser por la composición brillante que realiza Ana Scannapieco, que abraza su personaje con amor y pasión, llevando las riendas del relato con maestría.

Resulta un verdadero placer ver a Ana en escena, admirar la cadencia y ese ritmo pausado con el que maneja los tiempos de la historia, los silencios, la forma en que camina el escenario, los rituales ejecutados, sus miradas, los susurros, etc. Como dijimos antes, el espectador sigue con un silencio absoluto, tratando de no perder detalles de una interpretación sensible y llena de detalles en esa atmósfera íntima que el relato propone y que una Ana Scannapieco soberbia nos acerca.

No queremos contar demasiado de la historia, para conservar el misterio y dejar que se sorprendan cuando vean la obra, como hicimos nosotros. Les aconsejamos que se dejen llevar por un relato que cautiva y una interpretación de esas que quedan en el recuerdo.

La puesta que presenta Lisandro Penelas, colabora para darle a la historia y a la protagonista, el marco de intimidad que pide el texto. Hay un diseño escenográfico logrado de Gonzalo Cordoba Estevez, dotando al ambiente de gran cantidad de objetos campestres y del universo equino. El diseño lumínico de Soledad Ianni colabora a crear propicios climas para relato y por último mencionar esos chamamés que suenan de fondo y que aportan frescura y cercanía a la obra. 

No queda mucho más que decir, pasamos un momento reconfortante viendo de El Amante de los Caballos, una obra que llena el alma, navegando entre lo real y lo onírico, con un texto pleno de poesía, imágenes y recuerdos familiares, que se vuelcan a la historia que Ana Scannapieco transforma en un relato sensible y por momentos mágico, que llega al corazón del espectador.

Nos gustó mucho la obra y por eso la recomendamos ampliamente, gran hallazgo de Penelas que adaptó este bellísimo cuento y encontró a una intérprete fantástica para llevarlo a escena, logrando ambos esta verdadera  joyita del teatro independiente, que el espectador tiene a su alcance y no debería perderse, porque historias se cuentan muchas, pero de susurradores y caballos bailarines, no recordamos muchas.

Pensador Teatral.

Delirio a Dúo

Dramaturgia de Eugéne Ionesco. Dirección de Lizardo Laphitz.

Domingos 18 hs y 19 45 hs en Jufré Teatro Bar ( Jufré 444 )

Siempre es un buen ejercicio mental, seguir las obras de Eugene Ionesco, autor rumano, considerado uno de los más distinguidos referentes del teatro del absurdo, un género dominado por el grotesco, que expone la ridiculez de la existencia humana y la incapacidad de las personas para comunicarse. Su pesimismo es la base de este movimiento teatral que pone el acento en la falta de sentido de la condición humana.

Y quien toma el desafío de representar su dramaturgia, tarea que no resulta sencilla, es nuevamente Lizardo Laphitz, reconocido director y maestro de actores, que vuelca todo su experiencia en representar las obras más reconocidas del teatro del absurdo. Esta es la tercera obra, del autor rumano, bajo su dirección que vemos, La Lección fue la primera, La Cantante Calva la segunda y ahora llega Delirio a Dúo, texto escrito en 1961, pero que tiene una vigencia absoluta e inquietante a la vez.

Decimos esto, porque el marco de la historia es la guerra, en el exterior caen bombas, se oyen gritos, disparos y otros sonidos inequívocos del horror. Y mientras afuera todo es destrucción, en el interior de una casa vemos a una pareja que se encuentran inmersa en su propio mundo. Ella ( Julia Labadié ) está frente al espejo, luchando para peinar su nutrida cabellera y el ( Felipe Ponce de León ) sentado en una silla, intentando sintonizar las noticias con una radio portátil.

Pronto descubriremos, que hace años eran amantes, pero decidieron unir sus vidas, ilusionados con un futuro felices juntos. Para esta unión, ella debió dejar a su marido, colchonero de profesión y él tuvo que apurar los trámites de divorcio con su esposa. Pero los planes felices evidentemente naufragaron, ella le echa en cara, haber dejado atrás una vida plácida, donde seguramente iba a ser madre, teniendo varios hijos seguramente a estas alturas. Y él, también lamenta haberse divorciado y haber apostado a un amor fallido. Los insultos, algunos muy peculiares, vuelan en aquella habitación.

La relación evidentemente está rota, la infelicidad reina en la casa y parecen llevarse la contra en todo. Cuando ella tiene frío, el tiene calor y viceversa. No se ponen de acuerdo en nada, cualquier tema es propicio para arrancar una discusión y harán lo imposible por imponer sus opiniones, algo que no lograrán nunca, porque ninguno dará el brazo a torcer en sus puntos de vista.

Las discusiones por lo general son sobre temas triviales, pero la efervescencia que le ponen a cada disputa, haría pensar a cualquiera que los vé, que están discutiendo sobre temas trascendentales. Tienen gran cantidad de cuestiones que los enfrentan, pero tal vez la que más los sulfura, es la discusión sobre la tortuga y el caracol. Ella sostiene que son el mismo animal y el obviamente le discutirá a muerte que no lo son. Esto es una buena muestra del tenor absurdo de las disputas que mantienen.

Y mientras ellos están enfrascados en sus asuntos, afuera la guerra está en su apogeo, los tiros cada vez suenan más cerca, pero ellos parecen no notarlo o le quitan importancia, prefieren discutir, imponer sus razones y sobre todo culpar al otro de los males que están atravesando. Todo lo malo que les sucede es culpa del otro. En un momento, las explosiones y los movimientos de los soldados, estarán casi en sus narices y no les va a quedar otra que reaccionar o lo mejor será seguir con sus temas ??  Deberán ver la obra para ver que sucederá en esa casa, cuando los soldados finalmente irrumpan en su edificio.

La trama es realmente desopilante, el espectador ríe por lo absurdo de algunos diálogos, mientras vé pasar soldados que se arrastran en el exterior o hasta lanzan alguna granada, sin conseguir la total atención de los integrantes de esta particular pareja,  que no entiende bien porque es la guerra, ni cuales son sus bandos. Todo lo que sucede en el exterior les resulta ajeno, lo que importante es lo que discuten ellos.

Representar este género, como dijimos antes, no suele resultar sencillo para los actores, por eso es importante la elección justa del elenco y sin dudas este punto es uno de los aciertos de Laphitz. La dupla protagónica conformada por Julia Labadié y Felipe Ponce de León está muy lograda, ya que ambos sintonizan a la perfección lo que el género requiere.

A Julia, ya la habíamos visto en la Lección y en La Cantante Calva, en ambos casos habíamos elogiado su trabajo, pero en esta oportunidad notamos un gran crecimiento en su prestación, posiblemente sea por el personaje que representa en esta oportunidad, lo concreto es que realiza una composición soberbia. Con fuerte presencia escénica, un histrionismo a flor de piel y la gracia que pide su papel, Julia redondea una gran interpretación, digna de elogios al por mayor.

Y aquí encuentra a un compañero ideal, nos referimos a Felipe Ponce de León, filósofo frustrado, parece tener una respuesta para todo y tratará de darle siempre, respuestas argumentadas a su pareja, que le refutará cada uno de sus argumentos. Su personaje es especialista en criticar a los demás, opinólogo profesional, siempre encontrará una excusa, para postergar alguna acción. Nos gusto mucho la actuación de Felipe.

Y como dijimos antes, ambos protagonistas realizan un gran trabajo en lo individual y saben como potenciarse en el conjunto. Excelentes trabajos. Pero no estarán solos en escena, los acompañarán de manera silenciosa la mayor parte del tiempo, Bruno Blasi, Juan Halac y Carli Velasquez, soldados con uniforme, que estarán presentes durante toda la obra y también desde antes del inicio, ya que al entrar al teatro, notaremos su amenazante presencia.

La puesta que presenta la obra, es otro punto alto, con muchos detalles que hay que destacar, arrancando por el logrado diseño escenográfico de Victor de Pilla, que presenta un hogar que se irá destruyendo conforme avanza el relato y la guerra. Buen aporte el vestuario de Alicia Guma, con gran cantidad de vestidos, que la protagonista se irá cambiando frente a nosotros. Por último, mencionar el muy buen diseño sonoro, aportando los sonidos de la guerra y elementos de utileria varios, de los que no queremos adelantar demasiado, para no quitar sorpresa, pero que constituirán otro momento desopilante. Esta puesta de Lizardo, es un ejemplo de como en el teatro independiente, el ingenio puede reemplazar a los recursos económicos y se pueden conseguir puestas tan logradas.

No queda mucho más para agregar, resaltar una vez más la vigencia de un autor como Ionesco, que a medida que pasan los años, más confirma esa visión de lo errática que puede resultar el comportamiento humano, mostrando en esta obra el sinsentido de la guerra y como muchas personas, sin importar lo que sucede en el entorno, estarán mirando su ombligo, entretenidas en temas triviales. También dejará expuestas a tantas parejas que conviven sin saber muy bien porque, tal vez sea por costumbre, ya que el amor se retiró hace tiempo y ya no hay puntos de coincidencia, lo único que los une es el espanto.

Nos divertimos mucho con Delirio de Dúo y por eso la recomendamos. Era la primera vez que visitábamos el Jufre Teatro Bar y fue muy auspiciosa esta visita. Nos gustó mucho el espacio. Cita de honor con Ionesco, un director experimentado y una dupla protagónica que se luce muchísimo en escena, confluyendo para una muy buena velada de teatro independiente, en la que además de disfrutar la obra, trataremos de dilucidar si el caracol y la tortuga son el mismo animal.

Pensador Teatral.