I.D.I.O.T.A.

Míércoles a Domingo 20 30 hs en el Teatro Picadero.

Obra escrita por el catalán Jordi Casanovas, con dirección a cargo de Daniel Veronese.

La pieza que se presentó en España y México con gran suceso de público y crítica, llega a los escenarios porteños, con esta versión argentina, adaptada en forma muy satisfactoria por Veronese, ya que con algunas modificaciones, logra aggiornarla a nuestra realidad, logrando una obra sumamente atractiva.

En la pieza, se cuenta la historia de Carlos Varela ( Luis Machín ) que interpreta a un taxista ( en la versión original era dueño de un karaoke ) apremiado por las deudas, que responde a un aviso clasificado bastante enigmático, en el que debe someterse a una especie de experimento, en donde deberá responder una serie de preguntas y acertijos. La propuesta es muy tentadora para Varela, ya que a cambio de esta tarea, en apariencia sencilla e inocente, ganará $ 50.000.
El experimento psicológico, será conducido por la Doctora Edeltraud ( María José Gabín ) que deberá convencer y orientar al taxista, para que vaya cumpliendo los diferentes pasos del experimento.

La obra, comienza como una comedia tradicional, los dichos, los gestos y el comportamiento de este hombre común promedio, brillantemente interpretado por Luis Machín, logran que los espectadores se rían mucho en este primer tramo de la pieza.

Pero cuando la trama avanza, la comedia vá virando a drama y se viven momentos de tensión y el público sufre a la par del conejillo de indias, con un experimento que sólo en apariencia era inocente, ya que a medida que va avanzando parece ir tomando un tinte macabro.

Realmente gran mérito del director, que aprovecha un texto muy rico, para lograr una trama muy dinámica que mantiene en vilo, en todo momento al espectador, que está muy enganchado y se identifica plenamente con la situación que está viviendo el taxista y hasta haciendo fuerza para ayudarlo.

Pero sin dudas el gran puntal de las obra, son las magníficas actuaciones de la dupla protagónica.
No vamos a descubrir nosotros, el talento de Luis Machin, que en esta ocasión, tiene muchísimo espacio, para lucir su veta graciosa, ya que hace reír y mucho. Un verdadero placer ver sobre el escenario a Machín y apreciar, como a medida que su personaje, va cambiando su situación conforme avanza el experimento, su actuación toma un dramático giro de 180 grados. Este es un papel, que le permite mostrar desplegar una enorme variedad de sus recursos artísticos, demostrando una vez más, por si hiciera falta que es un actorazo.

Si bien, el guión permite el mayor lucimiento para Luis, realmente debemos destacar la interpretación de María José Gabin, una actriz de gran trayectoria y con numerosos premios, que en esta ocasión, interpreta a una psicóloga de orígen alemán, fría y calculadora, con muy poca humanidad, ella debe llevar adelante el experimento y usar todos los recursos a su alcance, para que el mismo llegue a su fin.
Una gran interpretación la de María José, actuando con gran conexión con Machín y permitiendo que el foco de atención y el mayor destaque queden para el protagonista, pero en esto hay también gran generosidad de ella.

Un diseño escenográfico a cargo de Jorge Ferrari, muy interesante, dando el marco, para que la acción se desarrolle en un laboratorio con muchos toques futuristas, logrando un aspecto perturbador, con luces y sonidos que inquietan al protagonista, siendo este el propósito buscado por el autor.

I.D.I.O.T.A. es una pieza que se desarrolla en un solo cuadro, siendo al comienzo en apariencia una comedia blanda, pero que en verdad y a medida que la trama avanza, descubrimos que tiene gran profundidad, ya que nos muestra los mecanismos de presión que puede ejercer el poder para lograr sus objetivos, sin importar que para esto recurra al engaño y a la extorsión. Y por otro lado,  poner en evidencia, como muchas veces, las necesidad económica y las crisis,  pueden conducir, a que el individuo, se atreva a superar límites peligrosos y humillantes,  que en condiciones normales, no pasaría nunca.

En conclusión, una propuesta muy interesante escrita por un autor español de prestigio como Jordi, pero muy bien adaptada localmente, para lograr traerla a nuestra realidad, tocando una temática muy actual  e inquietante en nuestra sociedad moderna, de la mano de las actuaciones magníficas de Luis Machin y María José Gabin, que permiten redondear una producto de gran calidad, logrando mantener el suspenso y la tensión, hasta la última escena.

Recomendamos al espectador, llegarse hasta el Picadero para ser parte de este original experimento y disfrutar de una magnífica noche de teatro.


Pensador Teatral.

Tomar la Fábrica

Domingo 19 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velazco 419 )

Obra escrita por Joselo Bella, Ricardo Díaz Mourelle y Pedro Sedlinsky.

Joselo y Ricardo son los protagonistas de la pieza y Pedro está a cargo de la dirección.

Siempre es un placer ver cuando proyectos de autores argentinos llegan al escenario y más cuando son con propuestas tan interesantes como la que tuvimos el placer de ver el Domingo en el Nun Teatro.

Tomar la Fábrica, cuenta la historia de dos amigos actores, Juan ( Joselo Bella ) y Franco ( Ricardo Díaz Mourelle ), que actualmente se encuentran sin trabajo y se reúnen en la casa de Franco, que por un accidente doméstico, está con poca movilidad y entonces le pidió a Juan, que vaya a su casa, para ayudarlo y le cocinara unos zapallitos al disco.

Ese es el contexto, para el encuentro de estos viejos amigos, que hace cuatro años ensayan para una obra que no se concreta y tienen la excusa perfecta para rememorar viejas anécdotas del pasado y recuerdos familiares de la niñez y de la adolescencia.

Los diálogos que se producen entre ellos son muy ricos y se disfrutan enormemente, hay algunas anécdotas graciosas, pero también muchos recuerdos tristes y conmovedores de sus infancias.
Sus vidas fueron sufridas y el presente tampoco es sencillo, hay poco trabajo y no es fácil ganarse el mango, entonces la duda entre seguir la vocación actoral o conseguir un trabajo que les permite vivir es permanente, más cuando las últimas experiencias en la actuación, no fueron las mejores.

Las actuaciones de los protagonistas son deliciosas, Ricardo con su estilo pausado y calmo, hace un manejo perfecto de los tiempos y los silencios, emocionando cuando habla de su madre, de sus hermanos y hasta contando una situación conectada con la Masacre de Trelew.
En tanto que Joselo, con una verborragía particular y gran emocionalidad, conmueve al hablar de su padre, de sus necesidades cuando era chico, de su trabajo en la gomeria y sus experiencias fallidas con las mujeres.

No vamos a contar más, dejaremos que sea el espectador cuando vea la obra, el que vaya descubriendo las distintas historias, que se irán contando a lo largo de la trama, solo comentar, que la puesta  genera una atmósfera muy cálida.  Es una charla de amigos y el espectador es testigo privilegiado de ña mima , realmente se viven momentos teatrales que se disfrutan muchísimo por la riqueza del texto y por la calidad de las interpretaciones.

Muy buen aporte, la música original de Rony Keselman y la escenografía lucida de Alejandro Mateo, que contribuyen al clima intimista que tiene la obra y que permiten que el espectador casi pueda " ver " las imágenes de las historias que se cuentan, mientras de fondo, oye el ruido de los zapallitos cocinándose en el disco, un lujo que solo puedo brindarnos nuestro prolífico e ingenioso teatro independiente.

Tomar la Fábrica es una pieza bella y con mucha poesía, tiene muchos momentos graciosos y otros de profundo dramatismo. En varios pasajes, se hace referencia a la comedia italiana, se menciona a Marcelo Mastroiani, a Sara Montiel y a películas como Ojos Negros y El Trompetista, entre otras. Tiene mucho arte este guión, sin lugar a dudas, es un proyecto en el que los autores trabajaron mucho y esto se nota en el excelente producto final que es la pieza que representan.

En conclusión, estamos en presencia de una obra que nos habla de la amistad y de la resistencia de estos amigos, golpeados por la vida, pero que no se resignan en la búsqueda de la felicidad.

La ovación que reciben los actores, al finalizar la función, es un justo reconocimiento por sus estupendas actuaciones y una muestra que la obra les llegó al corazón.
Recomendamos a  todos los que gustan del teatro argentino, que se acerquen al Nun, para disfrutar y emocionarse con esta entrañable obra.


Pensador Teatral.-

Casa de Muñecas

Sábados 20 hs en Auditorio Losada ( Av.Corrientes 1551 )

Obra escrita por Henrik Ibsen, con Adaptación y Dirección General de Marcelo Silgueiro.

Casa de Muñecas, es un verdadero clásico del teatro, pudiendo considerarse como la obra más famosa escrita por Ibsen, el célebre dramaturgo noruego, sin dudas el más importante en la historia del país nórdico y unos de los autores más influyentes en la dramaturgia moderna, considerado por muchos, como el padre del drama realista moderno.

La obra fue estrenada en 1879, en el Teatro Real de Copenhague, causando un gran revuelo para la época, ya que cuestionaba las normas matrimoniales y la visión que se tenía acerca del rol de la mujer en la sociedad del Siglo XIX.

Aunque fuera negado por Ibsen, muchos críticos consideraron a Casa de Muñecas, como la primera obra teatral feminista, lo que nadie puede negar es el impactó que causó cuando fue estrenada.

Siempre es una apuesta de riesgo y de alta exigencia, traer al teatro actual , un clásico de esta relevancia, pero en esta ocasión, Marcelo Silgueiro, lo hace con gran éxito, ya que logra una excelente versión, de un texto de enorme riqueza y lo consigue con una puesta muy bella, con actuaciones que se destacan muchísimo.

Para aquellos que no conocen la historia, brevemente comentamos que en la misma, se describe la situación familiar en la que se encuentra Nora Helmer ( Verena Smith ) en apariencia en feliz matrimonio con Torvaldo ( Victor Della Corte ), que en esos días recibe la noticia de un importante ascenso en el Banco donde trabaja. Todo parece marchar bien en esta familia, que está en pleno ascenso social, pero aparecerá Niels Krosgtad ( Jesús Gómez ), un viejo conocido de la familia, que tiene un secreto que compromete seriamente a Nora y que puede poner en riesgo a toda la familia Helmer.

La obra expone con crudeza, el rol secundario que tenía la mujer en aquella época, donde su función era la de acompañar a su esposo y dedicarse a la crianza de los hijos, siendo todo una rareza la mejor que quisiera trabajara fuera del hogar.

La pieza habla de la importancia del honor y del respeto de los valores tradicionales y religiosos de la época, dejando claro que en la sociedad hay preceptos y normas que deben cumplirse a rajatabla y donde simplemente el  pensar diferente ( la individualidad ) , ya puede considerarse como un acto de rebeldía grave.

La obra tiene muy buena dinámica y atrapa al espectador en todo su desarrollo, en esto tienen mucho que ver la acertada adaptación y dirección de Marcelo Silgueiro, que además tuvo una precisa elección del elenco que conforma la obra.

La principal protagonista es Verena Smith, Nora, que tiene una excelente actuación, estando practicamente todo el tiempo en escena. Este personaje principal requiere una entrega física y actoral absoluta y Verena lo resuelve con una estupenda interpretación , la obra gira en torno a ella y está a la altura, con una composición precisa y un notable manejo de los distintos tiempos escénicos que requiere la pieza.

Su esposo Torvaldo ( Victor Della Corte ) la acompaña en gran forma. Es un enérgico personaje, algo autoritario, que hace notar su predominio en el hogar, con una notable actuación.

Pero todo el elenco, es muy parejo, Juan Lucero, el Dr.Rank, hace gala de su experiencia y se destaca con un porte y una presencia , que le dá un toque de distinción particular a la puesta.

Jesús Gomez, el villano de la pieza, cumple con gran realismo su papel, que es francamente perturbador, por su credibilidad, otra gran actuación, al igual que Paula Viola, como Cristina Linde, vieja amiga de Nora y Marta Bosch, la deliciosa ama de llaves de la familia, todos cumplen su rol.

Hay que mencionar, como no, a  la niña de la obra, Naiara Angeles Benítez, que le aporta el toque de ternura y simpatia justo a la pieza.

Como puede apreciarse, un nutrido elenco, encabezado por Verena Smith, que realmente debemos destacar, ya que individualmente y en su conjunto, cumplen una gran labor.

Párrafo aparte, para la música en vivo que tiene la pieza, con Ayelén Trillo en el violín y Daniela Acosta en violoncello, juntas dotan a la puesta de bellísimas melodías y  enriquecen muchísimo la puesta.

Lucida la escenografía y fabuloso el vestuario de época que lucen los protagonistas.

En definitiva, realmente para destacar la excelente versión que logra Marcelo, de Casa de Muñecas, este verdadero clásico del teatro de todos los tiempos, que nos permite tener una visión interesante del rol que tenía la mujer en el Siglo 19 y compararlo con su rol actual, donde evidentemente muchas cosas cambiaron, pero algunas problemáticas se mantienen y hasta se agudizaron, será el espectador, el que viendo la obra y reflexionado,  podrá dilucidar esto.

Concluyendo, un muy auspicioso arranque de  la segunda temporada de Casa de Muñecas.
Recomendamos al espectador que gusta del buen teatro, que se acerque al Auditorio Losada, donde siempre somos bien atendidos y es realmente una sala muy cómoda, para disfrutar de estas estupendas actuaciones y de un clásico siempre vigente del genial Henrik Ibsen.

Pensador Teatral.-

Un Hombre sin Suerte

Domingo 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Adaptación teatral de Osmar Nuñez, del cuento homónimo, escrito por Samanta Schweblin.

Schweblin joven narradora argentina, que reside en Berlín, ganó el Premio Internacional de Cuento, Juan Rulfo en el 2012, con su relato " Hombre si Suerte ", fue seleccionado como ganador del concurso, en el que participaron más de 2.200 narradores.

El cuento llegó a manos de la actriz, María Nydia Ursi-Ducó, quien entusiasmada con el mismo, convocó a un viejo conocido suyo, el prestigioso actor y director Osmar Nuñez, para que trabajara con el texto, con la idea de llevarlo al teatro.

Es sabido, que lograr una buena adaptación de un texto literario, para hacerlo atractivo para el teatro, no es una tarea sencilla, pero Osmar tomó el desafío y lo resolvió en forma exitosa, ya que construyo este potente unipersonal, protagonizado por María Nydia, que ya lleva su tercera temporada de suceso, en la cartelera del teatro alternativo porteño.

No queremos adelantar mucho de la historia, solo contarles que Nydia compone en la obra a Amanda, una mujer adulta, que en el día de su cumpleaños, está sola en su casa, esperando la llegada de su hermana Abi, la única invitada, con una torta en la mesa del comedor y las copas listas para un brindis austero.

Pero el día es especial para Amanda y la tardanza en la llegada de su hermana, seguramente hacen que la protagonista traiga recuerdos a su mente, del día en que siendo una niña, cumplía ocho años y su hermanita Abi, que en esa época tenía tres años, se tomó de un saque una taza entera de lavandina , lo que provocó, que toda la familia, debiera salir de urgencia al hospital para tratar de solucionar la emergencia doméstica, que ponía en riesgo de vida a la menor de las hermanas.

Este hecho, es el disparador de la historia y dejaremos que sea el espectador cuando vea la obra, el que desentrañe la trama.

El relato es intenso, dramático y por momentos perturbador.
La interpretación de María Nydia Ursi-Ducó resulta conmovedora, relata los hechos con un grado de detalle y una carga emotiva, que llevan al espectador, a tener ante sus ojos a esa niña de ocho años, relatando un hecho que indudablemente la marcó para toda la vida.
Una actuación formidable de María Nydia, dominando con una precisión asombrosa los tiempos de la obra, con un manejo absoluto de los momentos dramáticos y los silencios que requieren la puesta,  logrando transmitir en forma admirable la potencia narrativa que tiene el cuento de Samanta.

Destacamos la escenografía y el vestuario propuesto por Alejandro Mateo, con mucho rosa y un orden que la dueña de casa mantiene en la casa, casi en forma obsesiva.
Una puesta bella y delicada la que propone el director, que logra darle el clima adecuado a esta pieza íntima y minimalista.

Como conclusión, Un Hombre sin Suerte, es una excelente adaptación teatral lograda por el multifacetico Osmar Nuñez, que nos permite introducirnos en la narrativa de Samanta Schweblin, talento argentino de exportación. Nos permitimos una recomendación,  luego de ver la obra, una gran idea es buscar en internet, el cuento completo, que en algún reportaje la autora confesó que tiene mucho de autobiográfico ).

Estamos en presencia de una historia, que nos habla de la soledad, de la tristeza, del dolor y que nos recuerda lo importante que es la etapa de la infancia para todos y como muchas veces un descuido de un adulto o una actitud negativa, puede provocar en aquel niño, una marca dolorosa y probablemente un trauma, que lo acompañará por el resto de sus días.

Un Hombre sin Suerte, sin dudas invitará a la reflexión del espectador y además le permitirá disfrutar de una actuación sobresaliente de la protagonista, que al final de la obra, recibe una merecida ovación del público presente, que mientras aplaude, trata de recuperar el aliento por la intensidad y emotividad del momento teatral vivido.


Pensador Teatral.

La Música

Viernes 21 15 hs en Teatro La Comedia  ( Rodriguez Peña 1062 )

Dramaturgía de Marguerite Duras y dirección de Graciela Pereyra.

La Música fue escrita en Francia 1964, por Duras, novelista, guionista y directora de cine francesa, con una dilatada trayectoria tanto en la literatura, como en la cinematografía.
Entre sus novelas más destacadas, podemos mencionar El Amante, que fue un éxito mundial, con más de tres millones de ejemplares vendidos y traducida a más de cuarenta idiomas.

La obra de Marguerite, se caracterizó siempre por su sensibilidad y su extrema delicadeza, algo que está muy presente en esta puesta que podemos disfrutar los Viernes en La Comedia.

La historia se desarrolla en el hall de un hotel en las afueras de París, allí se encuentran Michel ( Ulises Puiggrós ) y Anne Marie ( Débora Longobardi ), que se reencuentran luego de dos años sin verse, para firmar los últimos papeles de su divorcio.

La situación es tensa, este debería ser su último encuentro, la relación está terminada y  hay una distancia marcada entre ellos, la frialdad se impone y flota en el ambiente.
El amor entre ellos pertenece al pasado.
O hay alguna esperanza secreta ? La llama del amor está extinguida por completo ?
Cómo se resuelven estas cuestiones del corazón ?
Quedan interrogantes entre ellos , heridas, viejos reproches, pedidos de explicaciones. Infidelidades que quedan al descubierto, situaciones dolorosas que vuelven a superficie.

La noche y la soledad del hotel, parecen convocara  viejos fantasmas y la seguridad de la relación terminada, parece puede tambalear.
Reina un aire de tristeza y de infelicidad, por la pareja que fracasó y por expectativas que no se cumplieron.

El espectador cuando vea la obra, descubrirá si este encuentro finalmente será el último o la ruleta del amor, les dará una nueva tiradas a estos seres, que da la impresión aún se añoran, no vamos a develar nosotros el misterio.

La puesta que propone la directora, es minimalista y extremadamente bella, generándose un clima de intimidad muy logrado. En esto colabora mucho, esta sala tan particular que tiene La Comedia, en la que se desarrolla la obra, con sus paredes revestidas en madera y un aire señorial antiguo, ideal para la atmósfera que requiere la pieza.

La obra seduce y atrapa al espectador en todo momento, la cercanía con los protagonistas contribuye a ello y el público parece estar siendo testigo secreto de este reencuentro íntimo tan sentido entre dos seres que algún día se eligieron para vivir juntos.

El éxito de la trama, además del potente guión, se explica por las excelentes interpretaciones de Ulises Puiggrós y Debóra Longobardi, componiendo sus personajes en forma impecable y mostrando un entendimiento y una química entre ellos, que otorga un valor agregado muy importante a la puesta.

El personaje de Ulises, tiene un carácter emocional, que crea empatía con la platea, ya que no quiere resignarse y busca que la historia de amor que en algún momento los unió, vuelva a escena, no quiere resignarse, un gran labor, de un actor con mucha experiencia..
Pero choca con la frialdad y la distancia que impone Ann Marie. Excelente actuación de Débora Longobardi, componiendo un personaje distante y un tanto cruel, ya que por momentos parece disfrutar de la desesperación de su ex, por conocer sus relatos acerca de las infidelidades y más que nada por querer recuperar la relación.
Su voz grave y su imponente presencia dominan la escena de manera notable, con un aire seductor perturbador. Nos encantó su Anne Marie, genial trabajo de Débora.

Se disfrutan mucho los gestos, los diálogos y hasta los silencios de los protagonistas, que manejan con sabiduría los tiempos de la puesta, regalándonos unas actuaciones exquisitas y luciéndose mucho ambos.
Seguramente parte del mérito,  hay que otorgarlo también a Lili Popovich, coach de actores que forma parte del equipo y que indudablemente supo transmitir sus conceptos.

Una escenografía austera y despojada, el  impecable diseño lumínico a cargo de Gonzalo Calcagno y la agradable música original de Germán Lozano, potencian el clima íntimo que ofrece la sala y contribuyen a conseguir esa atmósfera cálida que busca la puesta.

En conclusión, estamos en presencia de una excelente propuesta del teatro independiente, sensible y delicada, una historia que nos habla de amor, de desengaños y de infidelidades. La trama es una buena semblanza, acerca de la complejidad de los vínculos amorosos y  sin dudas el espectador se verá reflejado en la historia y disfrutará mucho del texto y de tan logradas actuaciones.

Recomendamos vean La Música, que justificadamente lleva ya dos temporadas, presentándose a salla llena, e invitamos al espectador, a que descubra por si mismo los motivos de este éxito y disfrute como nosotros de una hermosa noche de teatro.


Pensador Teatral.

La Fiesta del Viejo

Jueves 20 hs y desde Marzo, Domingos 12 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Obra escrita y dirigida por Fernando Ferrer.

La Fiesta del Viejo, es una excelente obra, que el autor escribe a partir de Rey Lear, una de las principales tragedias de William Shakespeare.

Una genialidad la de Fernando, de traer a los tiempos actuales, los clásicos de Shakespeare y no es la primera vez que lo hace.
El año pasado en este mismo teatro, tuvimos la suerte de ver La Payanca, pieza que tuvo mucho suceso en el off y en ese caso se había inspirado, nada menos que en Hamlet. No hay dudas que el autor tiene un talento especial para conseguir partir de grandes clásicos y lograr componer obras tan interesantes y aggiornadas a estos tiempos modernos, no es un algo sencillo esto.

Para que el lector desprevenido, comentamos rápidamente que Rey Lear, era un legendario soberano de Bretaña, que al llegar a la vejez, decide dividir su reino entre sus tres hijas y sus respectivos maridos, mientras mantenía su autoridad real. Cuando les pide a las hijas, que le declaren su amor, la primogénita Regina y Gonerilda la del medio, , cumplen el pedido, con un discurso adulador. Pero la menor de las hijas, Cordelia, indignada con la falsedad de sus hermanas, decide no hacerlo y desaira a su padre. Esto desata la ira del Rey, que decide desheredarla y este hecho además, desata la furia en Lear, que pierde el eje y allí aparecen los aires de tragedia siempre presentes en las obras de Shakespeare. En la historia original entra en acción el Rey de Francia, que tiene una participación fundamental, pero bueno no seguimos , la idea era dar un simple recordatorio de Rey Lear, que es la piedra basal, en la que se inspiró el autor y director, para escribir la obra  estrenada esta temporada en el Espacio Callejón.

En la historia autóctona, la Fiesta del Viejo, hay un rey, que es el Viejo ( Abian Vainstein ), patriarca y jefe de familia, su reino es el Club Polonia, un club barrial de Palermo, están las 3 hijas del viejo, que conservan sus nombres, salvo en caso de Gorenlida, que aquí es Neski,  están los maridos, hay ingleses amigos del viejo, un bufón y hasta aparece un francés, para condimentar la historia autóctona.

La trama tiene una dinámica admirable, hay un gran despliegue escénico, los actores entran y salen a escena todo el tiempo, el interés no decae nunca, por el contrario, la tensión vá en aumento y el espectador está siempre atento a lo próximo que vá a suceder.

El comienzo de la historia es festivo, todos se reúnen para celebrar el cumpleaños del viejo querido, al que todos respetan y admiran, todo es alegría y ganas de homenajear a su padre.
O es todo una impostura ?? Hay amor verdadero al viejo o es solo interés el que guía sus queridas hijas ??
Existe realmente su viejito querido o es un velo de hipocresía el que cubre las apariencias ???

No vamos a adelantar más, el texto es lo suficientemente rico y profundo, para que el espectador saque sus propias conclusiones cuando vea la obra, solo vamos a adelantar que como buena pieza que se inspira en el célebre William, no estará ausente la tragedia como uno de sus componentes principales y la pieza tendrá un final sorprendente.

Este excelente guión, se apoya en unas actuaciones destacadísimas, encabezadas por Abian Vainstein, el Viejo, gran protagonista de la pieza, que tiene una interpretación descomunal, una entrega física y actoral que francamente conmueve, pasando de la alegría, a la furia, al desconcierto y así pasa por todos los estados ánimo. Un trabajo impresionante el de Abian, para aplaudir de pie, realmente la rompe en un papel, que parece creado a su medida, sin dudas un gran acierto su elección para este personaje central.

Inmediatamente después debemos mencionar a Julieta Cayetina ( Neski ) , la hija del medio del viejo, una joven actriz, que en cada trabajo que realiza muestras sus credenciales y su versatilidad, adaptándose a un numeroso elenco como en este caso,  a protagónicos como en Ser Ellas donde interpreta nada menos que a Frida Kalho o volcada a la comedia en Confesiones de Mujeres de 30. Cayetina tiene un ángel especial y una gestualidad, que hace que se destaque siempre. En este caso le aporta mucho a la obra, ya que es una figura convocante y cumple una labor muy destacada en la trama , mostrando día a día a su crecimiento como actriz.

El elenco es numeroso y merece ser mencionado, ya que todos cumplen un papel destacado, Clarisa Hernández es Regina, la despiadada hija mayor, su marido Curna ( Ezequiel Gelbaum ), Julian Smud ( Bano ) es el esposo de Cayetina, militar y hombre de armas llevar, será clave en el desarrollo de la trama.
La hija menor Cordelia, Agustina Benedetelli, la rebelde y dulce a la vez, con su flamante novio, el " Frances " ( Gonzalo Ruiz ). Ezequiel Tronconi es Kent y Moyra Agrelo es Bufo.
Son muchos y cada uno en su papel se destaca y aporta lo suyo, se los nota a todos, muy comprometidos con el proyecto y disfrutando en el escenario las interpretaciones.

Párrafo aparte para la música en vivo que tiene la obra, a cargo de la danesa Stine Helkjaer Engen, hermosa música compuesta por ella misma.  Si leyeron bien, participa una danesa en la Fiesta del Viejo, son estos lujos,  que solo puede permitirse nuestro prolífico teatro independiente.

Nos gustó mucho la escenografía, el director explota muy bien las posibilidades que ofrece esta sala del Espacio Callejón, con acción en el escenario y en el piso superior, ampliándose de esta forma el espacio escénico.
Gran detalle la copa de vino, los knishes y las porciones de torta, que recibe el espectador, un mimo adicional , para que el espectador sienta que es un  invitado más a esta fiesta tan particular.

En definitiva, una brillante adaptación libre de este clásico de Shakespeare, que el autor trae a nuestra época, con una historia totalmente aggiornada y acorde a estos tiempos, pero conservando los componentes principales de la obra en la que se inspira.

Una excelente obra, con estupendas actuaciones,  que recomendamos fervorosamente y que sin dudas dará mucho que hablar en los mediodías de Domingos del Abasto, porque todos van a querer ser partícipes de esta entrañable y original Fiesta del Viejo.


Pensador Teatral.

Maldita Canalla la Soledad

Domingo 20 hs en Teatro La Carpintería ( Jean Jaures 858 )

Obra y escrita por el suizo Daniele Finzi Pasca,  reconocido director, actor y clown .

Daniele tiene una prolífica carrera, dirigiendo teatr, circo y opera, por señalar sólo uno de sus últimos trabajos, recordamos que fue el director de Corteo, espectáculo del presitigioso Cirque du Soleil.
La obra que se presenta en Bs As, fue escrita en el 2012 y se presentó en diferentes festivales internacionales, en Uruguay, México y Chile.  En nuestro país formó parte con gran suceso del Festival Internacional de Circo celebrado en el 2013.

Estas líneas sirven con carta de presentación, para darnos en cuenta, que estamos en presencia de una personaje reconocido a nivel mundial.
La historia que es atemporal, nos presenta a dos amigos de toda la vida, Medoro ( Pablo Gershanik )  y Vitalizio ( Victorino Luján ), nacidos y criados en un mismo pueblito ( no se lo menciona, puede ser cualquiera ), ellos viven un presente triste y solitario, pelando papas y verduras.

El sueño de ambos es trascender, abandonar esta vida anodina y ser reconocidos, lograr ser personas recordadas. Además quieren darle notoriedad al pueblo donde viven, para que el mismo deje ser un pueblito perdido, para convertirse en un uno famoso, al cual lleguen peregrinos de todas partes. Para ello, deben "inventar" un milagro. Y practican mucho para ello, ensayan, se esfuerzan para cumplir su objetivo.
 Pero será esto posible ?? El obispo les vá a creer ?? O van ser descubiertos y castigados como ocurrió unos años antes.

La obra tiene un texto muy rico, lleno de poesía, es una pieza profunda, que nos habla de valores fundamentales, como la amistad, la soledad y la enorme necesidad de trascender en la vida, de dejar huella-.

Los protagonistas de esta historia, son dos actores argentinos, reconocidos internacionalmente en el mundillo circense. Pablo Gershanik, quien fue dirigido por Daniele en el Circo Eloize y Victorino Luján, unos de los personajes centrales de Corteo, del Cirque du Soleil.
Ambos son actores y clowns, siendo una pareja que impresiona por su contraste, desde lo visual, ya que Victorino es un gigante de más de 2,07 mentros de altura, su contextura física y su vozarrón, domina la escena y su agilidad asombra. Su compañero Pablo, con 40 cms de altura menos, parece un enano y flotar en el aire,  más de 70 kilos de diferencia existe entre esta pareja, tan despareja.

Este contrapunto, es muy bien explotado por el autor, que propone escenas muy graciosas, donde los protagonistas, muestran sus dotes, como actores y como clowns, con mucha destreza física y mucha gracias en todos sus movimientos.

Nos encantaron las actuaciones de ambos, un gran desafío, pasar de espectáculos de grandes proporciones y muchos personajes , a esta puesta intimista, donde solitos, deben mostrar todos sus recursos artísticos y hasta tienen algunas partes monologadas con el público a centímetros de ellos.
Una gran muestra de versatilidad de ambos, mostrando una química absoluta entre ellos y gran comicidad en todos sus gestos, movimientos y expresiones. A lo largo de la trama, muy buenos gags y se nota una entrega y un compromiso absoluto de ambos, para con la obra.

Destacamos el diseño lumínico de la pieza, que colabora en crear un clima intimista y por momentos lúgubre, que quiere imprimir el director.

En conclusión, Maldita Canalla la Soledad, es una pieza profunda, con una puesta muy bella, presentando exquisitas interpretaciones y un texto inteligente con mucho vuelo poético. Una obra con un toque de melancolía, donde los recuerdos familiares viven en el presente de los protagonistas y las ansías de ser recordados por haber sido importantes para su comunidad, es casi una obligación, un mandato familiar que deben cumplir, como sea..

La obra tendrá 5 únicas presentaciones, en La Carpintería, antes de viajar para el Festival de Guadajara y a los Estados Unidos. Haciendo honor, a su componente circense, la pieza es itinerante y recorre los escenarios de diferentes ciudades. Una gran oportunidad entonces, poder aprovechar su presencia en Buenos Aires, para disfrutar de esta pieza deliciosa y de estos talentos argentinos que la protagonizan y que también representar al país, cada vez que salen al escenario a mostrar su arte.



Pensador Teatral.