Diez Olvidos al otro lado de las Vías

Dramaturgia y Dirección de Federico Ponce.

Viernes 21 hs en La Gloria Espacio Teatral ( Yatay 890 )

Una propuesta muy interesante, la que nos acerca Federico Ponce, joven autor y director lujanense, a quien elogiamos el año pasado, por la impecable versión de Once Hijos, que montó en el Espacio Kafka ( que lamentablemente cerró sus puertas ). En esta ocasión llega con un texto propio, que el mismo dirige, siendo la primera vez que ocurre esta dualidad  y se lo nota cómodo, disfrutando la experiencia.

En Diez Olvidos al otro lado de las Vías, Federico despliega una dramaturgia elaborada y sin prisas, dejando que los siete personajes con los que cuenta la obra, tengan tiempo y espacio, para desarrollar cada una de sus historias personales. Comentamos esto porque la obra tiene una duración generosa y sensiblemente mayor a la que presenta el común de las piezas del off, siendo esto un diferencial, que el buen espectador del teatro, valora y agradece.

La obra se desarrolla en un pueblo de ubicación no determinada, pero como cualquier otro, en el que la mayoría de la gente se conoce y mantener un secreto puede ser una misión complicada. La característica de este pueblo, son esas vías que lo cortan y dividen, pareciendo que hubiera dos universos distintos, de un lado de las vías y del otro.

La historia que está estructurada en diez capítulos u olvidos, arranca con la muerte repentina de Julio, que provoca un verdadero cimbronazo entre los integrantes y visitantes de esa casa, en la que notaremos hay recuerdos que atormentan, vidas sufridas y secretos que mejor mantener, bajo la alfombra.

Como dijimos antes la dramaturgia de Federico, es muy prolija y explora las relaciones humanas que vinculan a esas personas, que parecen conocerse más de lo que ellos mismos pueden suponer, guardando además cuentas pendientes, que ahora amenazan con salir a la luz.

Se ha reunido un elenco numeroso y de gran valía para el off, son tres actores y cuatro actrices, que tendrán el tiempo suficiente para componer sus personajes y además todo ellos, contarán con su momento individual de lucimiento, donde en forma de monólogo, podrán confesar sus sentimientos íntimos, siendo estos momentos, instantes que el espectador disfrutará mucho, ya que los actores sacan a relucir todo su bagaje artístico.

El elenco tiene una variedad de edades, que enriquece mucho la puesta, actores de diferentes generaciones, muchos de ellos de gran experiencia, algo que en lo particular nos gusta mucho, porque permite ver en acción a artistas de raza, que por su madurez artística, tienen mucho que ofrecer.

Arranquemos entonces por Lala Buján y Leonardo Odiema, los que están arriba en la pirámide generacional y justamente son protagonistas fundamental de la historia que nos convoca.
Leonardo Odiema interpreta a un Julio entrañable, de origen humilde, albañil de profesión y con mucha labia y poesía en su interior, algo que sin dudas es bien recibido por las mujeres de ese pueblo. A Leonardo lo vimos el año pasado en Esperando al Zurdo y es un placer verlo nuevamente, en un papel en el que puede mostrar todo su talento, siendo el eje central de la historia. Enorme su trabajo.

Al mismo nivel de excelencia, está Lala Buján como Pura, con sus problemas de memoria a cuestas, no logra procesar, ni aceptar la ausencia de su compañero Julio. Enternece verla caminar por toda la casa, llevando ese libro que le regalo su amado cuando la conoció y que le pedirá leer a cada persona que entra a ese hogar. Entrañable y enternecedora su composición, dando vida a un personaje muy querible.

Mirta de Candia es la Tía Isolina, típico personaje chismoso del pueblo, que sabe todo lo que acontece allí. Se gana la vida vendiendo ropa por catálogo y no perderá oportunidad para tratar de colocar su mercadería  Con un histrionismo a flor de piel, Mirta logra lucirse mucho.

Gloria Cingolani, es Adela o Adele, como ella prefiere e implora que la llamen. Un personaje muy sufrido, que debe soportar el maltrato de Pura, que por algún motivo misterioso ( que en el correr de la trama se revelará ) , no la quiere allí en la casa. Nos gusto lo de Gloria, que aporta una cuota de sensibilidad y distinción a la obra.

Emiliano Diaz, es Alfonso, el hijo de Isolina, componiendo un personaje introvertido y desopilante, que vá muy seguido al baño y parece tiene mucho que ocultar. A Emiliano el año pasado, lo vimos brillar en Hablar Corto y Enredado, una entrañable obra del off, en la que hacía de gaucho. Aquí con un personaje muy diferente, vuelve a mostrar sus condiciones.

Natalia Imbrosciano, es Gladis, la hija de Pura, ella trabaja en el centro y parece estar siempre ocupada con temas importantes para atender y no tiene demasiado tiempo para su madre, Se apoya mucho en su Bichito. Muy buena composición de Natalia, que aporta un toque de belleza y frescura a la obra.

Por último resta mencionar a Federico Falasco, como Bebeto, empleado del supermercado chino y de un corralón de materiales, necesitando ambos trabajos para mantenerse. Compone el personaje más gracioso de la obra y hace reír mucho a los espectadores, con momentos muy divertidos, como cuando habla en portugués ( lo hace muy bien ) . Estupenda interpretación de Federico, que en un elenco con muchos puntos altos, él es uno de ellos claramente.

Se hizo algo larga la descripción, pero entendemos que la valía de las actuaciones, merecía algunas líneas  para cada uno y nuestro reconocimiento, ya que todos realizan excelentes composiciones de sus personajes. En esto tiene mucho que ver el director, que les dá a todos el tiempo necesario, para el lucimiento individual, además de sumar juntos para el conjunto de la trama.

La puesta tiene varios elementos para destacar, hay un diseño escenográfico ingenioso de Magalí Acha, con pocos elementos en escena y con unos paneles rebatibles, por donde aparecen y desaparecen los protagonistas. Nos gustó el diseño lumínico de Lucas Orchessi y el vestuario de Belén Pallota, importante en la trama, con muchos cambios, que tienen un significado especial.

En definitiva, muy auspicioso el debut de Federico Ponce, en su doble función de autor y director, con una historia de largo aliento, que el buen espectador de teatro agradecerá.

La obra nos hablará de seres que viven un presente espinoso y que sufren, por un pasado doloroso, que dejó sus cicatrices. En sus mentes, habitan recuerdos que los agobian y secretos que deben mantener. A todos ellos los une el dolor y la soledad, porque pese a quieren ocultarlo, están profundamente solos en la vida.

El lleno total que presentó la sala en esta función y en las anteriores, habla de la muy buena respuesta de público que la pieza está teniendo, algo que no es de extrañar, debido a la profundidad y sensibilidad que presenta el texto y a las magníficas actuaciones que nos regala. Por todo lo dicho, solo nos resta recomendar la obra, para todos los que viven del otro lado de las vías y obviamente, también para los de este lado.




Pensador Teatral.

La Vida Urgente

Dramaturgia de La Zancada ( Colectivo Escénico ) y Dirección de Aldana Pellicani y Daniel Misses.

Miércoles 20 30 hs en G104 ( Gascón 104 )

Una propuesta original y jugada la que llega de la mano de La Zancada, grupo formado por egresados de la UNA, que luego de terminar la carrera, aprovechando la buena química entre compañeros, decidieron encarar un proyecto, con el acompañamiento de Aldana Pellicani y Daniel Misses, quienes fueron los sus profesores en el curso.

Y se animaron con un proyecto ambicioso, inspirándose nada menos que en Romeo y Julieta de William Shakespeare y principalmente en Amor y Anarquía, novela escrita por Martín Caparros, surge esta creación colectiva, muy potente y creativa, llamada La Vida Urgente. Ambas fuentes de inspiración, parecen no tener demasiados puntos en común. Uno es un clásico de ficción y el otro un texto actual basado en hechos reales, pertenecientes a diferentes épocas, pero en las dos historias, hay jóvenes que desafían las reglas establecidas, cuestionan los mandatos sociales y quieren vivir de acuerdo a lo que sienten, ser libres, sin importar lo que opine el resto.

De Romeo y Julieta, no hace falta decir mucho, ya que es un relato famoso, en cambio contemos que Soledad Rosas, es la protagonista de Amor y Anarquía, la novela de Caparrós. Era un joven de clase media que vivía con sus padres y su hermana en Barrio Norte, sin rumbo definido en la vida, como tantos jóvenes de su edad, se pone de novia con un barra brava de River y se gana la vida, paseando perros. La familia de Soledad no la entiende y preocupada por el presente de su hija, le proponen viajar a Italia para cambiar de aire, para que aleje de las malas influencias que tiene en Buenos Aires. Allí de manera fortuita, llegará a Turín, donde conocerá a un grupo de anarquistas y en ese momento sin saberlo, la vida de Soledad cambiará por completo.

Hasta allí contaremos, la dramaturgia de La Vida Urgente, es muy rica, tiene un alto nivel de creatividad y cierto grado de complejidad, quien escribe esta reseña, tuvo la suerte de haber leído la novela de Caparrós, poco tiempo antes y pudo reconocer varios pasajes en la trama, tal vez quien no haya leído la novela, pueda perder algún detalle, pero nada para preocuparse.

La trama tiene gran dinámica, un vértigo permanente y es muy potente, con un alto componente de teatro físico, lo que representa un desafío importante para este joven elenco, que se nota absolutamente comprometido con el proyecto y se entrega de manera absoluta, desde lo actoral y desde lo físico.

Las interpretaciones son realmente muy destacadas y con el riesgo de ser injustos, vamos a destacar algunas de ellas, que en nuestra opinión, son las que más resaltan, probablemente por tener mayor protagonismo en la historia.

Arranquemos por Julieta Costa, como Soledad y también como la narradora, logra destacarse mucho, con gran presencia escénica y magnetismo, sabe transitar los diferentes estados que le pide su personaje protagónico. Gran tarea de Julieta.

Otra actriz, que nos gustó mucho fue Paula Baigorri, como la hermana y también como narradora. Quedamos impresionados por su mirada penetrante, casi hipnótica y un histrionismo a flor de piel, que concentra la atención del público en cada una de sus intervenciones. Nos encantó lo de Paula.

Entre los hombres, destacamos a Nicolás Gentile, como el barra brava y otros papeles, enorme desgaste físico, recreando algunas adicciones y muy arriba siempre. Logra darle a su personaje un vigor y una carga violenta, que impacta,

Gabriel Riesco es Baleno, bohemio por momentos y exaltado en otros, tiene momentos de gran lucimiento, que el público sabe reconocer. Mucha presencia escénica de Gabriel.

Pero como dijimos antes, no seamos injustos con el resto del elenco, nos referimos a Josefina de Cara, Alejandra Escalada, Carola Montefeltro, Iago Scippo, Pedro Alonso y Lucas Scott, jóvenes todos ellos y con mucho futuro, que aportan mucho a la puesta, ya que están todo el tiempo en escena, ya sea en el centro de las acciones, tocando algún instrumento o complementando los cuadros y aportando al conjunto de la obra, encontrando todos, un momento para destacarse y con una adrenalina constante que le imprimen a la trama..

Un punto muy fuerte que presenta la obra, como mencionamos,  son las actuaciones, el otro es la envergadura de la puesta, donde además del despliegue físico,  veremos una gran cantidad de recursos puestos al servicio de la puesta, el principal la música en vivo, donde el punk y el rock dicen presentes, siendo los propios actores los que tocan los instrumentos, como guitarra eléctrica, batería entre otros.

Los momentos musicales se completan, con interpretaciones de algunos de los chicos que cantan y donde las coreografías tienen gran destaque. Se nota que hay mucho ensayo y coordinación en los movimientos, algo que siendo tantos en el escenario no es sencillo de conseguir. Los directores aprovechan en gran forma, las enormes dimensiones del escenario del G104 ( sala que no conocíamos, parece un enorme galpón reciclado ), para que los actores corran, se tiren al piso, se arrastren, etc, con un despliegue inusitado.

Otros ítems a destacar son los del maquillaje, hay un excelente trabajo de Silvia Zavaglia en ese rubro y el vestuario de Jorgelina Herrero Pons, audaz y muy moderno. Los chicos tienen un estilo dark y punk, con algunos peinados muy llamativos.

Como puede ver el lector, la obra tiene una cantidad de recursos, tiene mucha poesía, presentando un colorido y un despliegue que no es habitual en el teatro off, por eso,  es algo que no puede pasar desapercibido. Además del trabajo creativo, como dijimos hay mucho ensayo y trabajo previo siendo seguramente  muy importante la labor de Aldana y Daniel, en la dirección, para coordinar todas las disciplinas y a un elenco numeroso, que como dijimos está en todo momento en el escenario y con una energía que desborda.

La atención de público no decae en ningún momento, es una pieza que requiere estemos atentos en todo momento, por la complejidad que tiene la dramaturgia y por que pasan muchas cosas a la vez, hay que seguir las caras y las expresiones de los chicos, en todo momento, ya que se desarrollan algunas acciones en simultáneo.

Hasta aquí contamos, teníamos pocas referencias previas de La Vida Urgente y nos llevamos una gratísima sorpresa, por la originalidad y lo jugado de la propuesta, con un ritmo frenético, saliendo de los carriles habitual y arriesgando mucho, algo que de nosotros siempre valoramos, ya que explorar los límites, en el teatro y en otras áreas, siempre es inquietante.

Si a la propuesta arriesgada, se le suma una puesta tan rica y jóvenes actores que se entregan de  manera que conmueve, se disimula algún desorden en la trama y entonces podemos disfrutar el muy buen producto final que se obtiene, mostrando como muchas veces, sin recursos económicos, pero con creatividad, ganas y mucho trabajo, los resultados llegan.

Felicitamos a todo el joven equipo de La Zancada Colectivo Escénico, por La Vida Urgente, por seguir el espíritu de las historias en las que se inspiran, rompiendo con las convenciones y las reglas establecidas, para ofrecer un espectáculo teatral potente y diferente a lo que estamos acostumbrados a ver.

Pensador Teatral.

Cuando todavía había Ciruelos

Dramaturgia y Dirección de Sol Martínez.

Sábados 20 30 hs en Teatro Pan y Arte ( Av. Boedo 876 )

Un lindo desafío se propuso, Sol Martínez joven dramaturga, que siempre sintió atracción por la historia de Anna Frank, cuando tomó la decisión de escribir una obra sobre ella, con el objeto de llevarla al teatro, pero con un enfoque particular, al que más adelante haremos referencia.

Antes de seguir, contaremos para aquellos lectores, que no lo recuerdan, que Anna Frank, fue una niña de ascendencia judía que vivía en Amsterdam junto a su familia, durante la Segunda Guerra, ocasión en que la política antisemita de persecución y eliminación del pueblo judío, era ejecutada con mano de hierra, por un demencial régimen nazista, comandado por Adolf Hitler.

La persecución sufrida por la joven Ana y su familia, fue similar a la que debieron sufrir miles de familias judías desperdigadas por toda Europa. La diferencia es que la historia de Ana Frank, fue mundialmente conocida, gracias a un diario íntimo, que la adolescente, escribió durante los dos años que debió permanecer encerrada, ocultándose de los nazis.

El diario en verdad eran tres cuadernos escritos por Ana entre Junio de 1942 y Agosto de 1944, en ellos, de manera aguda, describió su vida cotidiana unto a las otras siete personas escondidas con ella, en la casa de atrás, a orillas del Canal Prinsengracht de Amsterdam.

Pero dejemos de lado, los hechos históricos y volvamos a la obra que nos convoca, Para escribir Cuando todavía había Ciruelos, como decíamos al comienzo, la autora encara el tema de manera muy inteligente, por el costado familiar tomando como eje central, la relación fraternal entre Ana y Margot su hermana mayor, en la etapa previa, a cuando tuvieron que pasar a la clandestinidad y debieron ocultarse en un refugio.

Debido al hostigamiento que recibían de parte de los nazis, solo por pertenecer a una familia judía, lejos estaban de tener una vida normal. Las niñas concurrían un colegio especial, vestían ropas particulares y no tenían la libertad, que si tenían los chicos de su edad, de poder jugar y pasear en las calles, ya que debían permanecer la mayor parte del tiempo encerradas en la casa y tenían que tener mucho cuidado con quien hablaban, ya que cualquiera podía delatarlas. Impresiona el relato acerca de los trenes que veían llenarse con judíos y como esas niñas, veían la figura de Hitler, que en su mirada, algo inocente por su edad, era quien las obligaba a vivir de esa forma, sin tomar total dimensión, del monstruo que era.

Sol con una dramaturgia muy sensible, consigue retratar los horrores de la guerra y de un régimen totalitario, mostrando como la vida de una familia trabajadora dejaba de ser normal y como para no correr serio peligro, debían seguirse reglas estrictas de disciplina, que Otto y Edith sus padres transmitían, dejando al descubierto, como hasta el simple hecho de festejar un cumpleaños, algo tan importante para un niño, podía ser algo extremadamente complejo y convertirse en fuente de conflictos, para un entorno familiar agobiado por los temores  tensiones.

El muy buen texto de la autora, encuentra adecuado eco en un elenco, que notamos se identifica plenamente con la historia y el contexto, realizando notables composiciones.

Indudablemente quienes más se destacan, son Coti Simioni como Margot y Nicole Camba como Ana. Pese a tener diferentes personalidades, se las nota muy unidas a las hermanas, con un amor muy grande y cuidándose mutuamente. Margot la mayor, es tímida e introvertida, tiene las mejores calificaciones en la escuela, ama los ciruelos y es la protegida de la madre. En cambio, Ana es más extrovertida, charlatana y rebelde, quiere salir de su casa y andar en bicicleta por la calles, como cualquier niña de su edad. Debido a su fuerte carácter no se lleva tan bien con la madre, pero tiene adoración por su padre. Nos encantaron las interpretaciones de Coti y Nicole, dos jóvenes actrices, que demuestran a estar a la altura de personajes para nada sencillos, con excelentes interpretaciones, plenas de sentimiento y emociones.

Daniel Goglino, es Otto el jefe de familia, quien debe mostrarse firme e inflexible, para que sus hijas cumplan las normas internas de ese hogar, que son las que aseguran la supervivencia en ese entorno tan hostil, donde un error puede costarles la vida.  Gran presencia escénica la de Daniel, con la dosis adecuada de autoridad y protección por su familia. Celina Rodríguez es Edith, apuntalando a su esposo, muestra su predilección por Margot y no acepta la rebeldía de Ana.

Dejamos para el final a Amilcar Ferrero, que cumple un rol muy importante en la obra, siendo al comienzo el narrador de la historia, pero a medida que la trama avanza, se irá transformando, en un personaje más en esa casa. Nos gustó mucho lo de Amilcar y sin dudas mérito de la autora, su inclusión en la historia. Cuando vean la obra, seguramente le tomarán mucho cariño a este personaje.

La puesta que se propone es íntima, con un diseño escenográfico despojado, donde se destaca el vestuario de época que lucen los protagonistas y el diseño lumínico de Lucia Feijoó creando los climas. La directora logra una atmósfera familiar muy fuerte, en la que los espectadores se sienten dentro de esa casa, testigos de los horrores de esos años, siendo la imaginación y los juegos, la única válvula de escape, que les permite superar la situación y esperanzarse con un futuro distinto.. La trama atrapa al público, algo que se palpa, por el silencio absoluto, con que se siguen las escenas.

Bueno ya contamos mucho, nos atrapó la propuesta de Sol Martínez, que logra transmitir con elocuencia, como la locura de Hitler y sus seguidores, escribieron una de las páginas más horrorosas de la historia moderna, ante la complicidad de algunos e indiferencia de muchos. La obra otorga una mirada humana a las dramáticas situaciones que se vivieron aquellos años, bajando a superficie el horror que muchas veces, las cifras frías no reflejan en toda su dimensión.

Seguramente luego de ver la obra, querrán saber más sobre la vida de Ana Frank y su familia, para conocer algunos detalles. Lamentablemente el final histórico no fue feliz, ya que los refugiados fueron delatados, los nazis descubrieron el escondite y los Frank fueron subidos a los trenes y enviados a distintos campos de concentración. Ana estuvo en Auswitch y fue en Bergen Belsen, donde con solo 15 años, encontró su muerte, enferma de tifus.

El único sobreviviente fue Otto, quien al volver a Amsterdan luego de finalizada la guerra, pudo hacerse con el diario escrito por su hija, gracias a que Miep Gies, uno de las tantas almas solidarias, que también existieron, junto a su esposo Jan, ayudaron a los ocho judíos a ocultarse en la parte de atrás de su casa, para que sobrevivan en la clandestinidad por dos largos años, proveyéndolos de víveres, todo ese tiempo. Luego que los Frank, fueran capturados, Mipe  se encargó de recoger y proteger del alcance de los nazis, los cuadernos escritos por Ana, durante su forzado cautiverio, entregándolos a Otto a su regreso y siendo luego un testimonio desgarrador de aquella nefasta época que vivió la humanidad.

Recomendamos sin dudar la obra, conocerán la pluma sensible de Sol Martinez, además de disfrutar de entrañables actuaciones y una puesta íntima, que sabe como  llegar al corazón de los espectadores.

La obra desde su estreno viene agotando localidades y está teniendo excelentes devoluciones del público. En la función a la que asistimos nosotros, debieron colocar sillas adicionales, porque la capacidad de la sala estaba desbordada. Indudablemente el boca a boca, está haciendo su trabajo y con nuestra experiencia, auguramos lo seguirá haciendo por largo tiempo, algo que celebramos, ya que este tipo de obras, sirve para que no olvidemos, todo el daño que puede ocasionar el fanatismo de un líder mesiánico. algo que debemos tener siempre presentes, para que estás historias nefastas, no se repitan nunca más.




Pensador Teatral.

Las Patas en las Fuentes

Dramaturgia de Leónidas Lamborghini y Dirección de Analia Fedra García.

Viernes 20 hs en Ctro. Cultural de la Cooperación Floreal Gorini ( Av.Corrientes 1543 )

Las Patas en la Fuentes, es una inmejorable oportunidad de adentrarse en la poesía de Leónidas Lamborghini, llevado a texto teatral, gracias a la pericia de Analía Fedra García que supo segmentar este exquisito poema, para darle la dinámica adecuada y dejarle luego la posta a un superlativo Osmar Nuñez, para que solito en el escenario, nos regale un monólogo memorable.

Pero ya hablaremos de Osmar, mencionemos primero algunos datos de Leónidas Lamborghini, escritor, poeta y periodista nacido en Necochea en 1940. Fue una figura singular de la poesía, llamado por algunos el poeta de la resistencia peronista.  Criticado por algunos y admirado por la mayoría, su obra fue admirada por Leopoldo Marechal, Rodolfo Fogwill y Ricardo Piglia entre otros escritores. Su obra y su estilo, sin dudas dejaron huella.

Lamborghini tuvo la lucidez, para retratar hechos de nuestra historia política, recorriendo al grotesco, a la parodia y logrando reflejar los trágico, desde el humor, pudiendo pasar en segundos de un apasionado festejo de un gol a relatar un hecho horroroso, algo que pocos autores consiguen, con su efectividad.

Yendo a la obra que nos convoca, Las Patas en la Fuentes fue un poema escrito en 1965, en el cual, el autor habla del hombre común, del argentino medio que recorre las calles, viaja en colectivo, se apasiona por el fútbol, se enamora, sufre por las condiciones de trabajo y por un sueldo que no alcanza. Este hombre se relaciona, con el mundo y sus semejantes, relata lo que vive, se planta, discute, peticiona, ama, odia y reclama por sus derechos, lucha por hacerse visible.

El texto poético es muy rico, pero para convertirlo en un hecho teatro potente, es necesario encontrar un interprete que lo decodifique, que lo abrace, que le ponga el cuerpo y el alma a esos versos escritos hace años y es allí donde aparece, en toda su dimensión, un actorazo como Osmar Nuñez, que consigue adueñarse del texto de manera admirable y conmover al espectador con su interpretación.

Osmar está solito en escena, no es sencilla su tarea, el parlamento es extenso y los estados de  aquel hombre varían de manera continua. Nuñez responde al desafío en forma brillante, con una presencia escénica que impresiona, por su histrionismo y una expresividad a flor de piel, con los diferentes tonos de voz que imprime a lo largo del relato y a ese diálogo imaginario que mantiene con los personajes que van apareciendo a lo largo de la trama, con una repentización y una técnica, que pese a conocer sus condiciones de trabajos anteriores, no podemos dejar de resaltar, ya que hay que tener un talento especial, para conseguir una interpretación como la vista.

No vamos a seguir elogiando a Osmar, dejaremos que el espectador cuando vea la obra, agregue adjetivos calificativos a su trabajo. En nuestra opinión brinda una clase magistral de teatro, con una entrega y una pasión absoluta, logrando que el texto llegue a corazón de un espectador, que sigue cada una de sus palabras y sus movimientos, con un silencio reverencial, que solo se interrumpe por algunas risa s, ya que como dijimos antes, el autor , gusta de intercalar el humor, a lo trágico y es algo que la directora tuvo en cuenta al diseñar el texto.

La puesta que propone Analía es minimalista, la escenografía es despojada, el protagonista está solo en el escenario, unicamente un atril lo acompaña, el objetivo es potenciar la palabra. Debemos destacar la música original de Gustavo García Mendy, que acompaña en gran forma el relato y al protagonista, siendo importante, para crear los climas que la trama vá pidiendo, como también contribuye a ello,  el muy buen diseño lumínico de Marco Pastorino.

No queremos agregar más, como dijimos al comienzo, este espectáculo que además de presentarse en el Centro de la Cooperación, esta saliendo de gira por distintos teatros de la Provincia de Buenos Aires, teniendo entonces, la gran oportunidad de conocer la poética de Lamborghini, admirar el  trabajo de una joven directora como Analía, que supo condensar los 1,500 versos del poema, en un texto ágil y como gran frutilla del postre, disfrutar de una interpretación brillante de Osmar Nuñez, que por este trabajo, fue nominado a los Premios Ace y Florencio Sánchez, por mencionar solo los más importantes,

Los aplausos sostenidos y emocionados, que el público le tributa al protagonista al final de la función, es una muestra clara, de la brutal vigencia del texto de Lamborghini y de la gran velada teatral vivida.




Pensador Teatral.

Valeria Radioactiva

Dramaturgia y Dirección de Javier Daulte.

Martes 21 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Una nueva propuesta llega de la mano de Javier Daulte, desde el Espacio Callejón el teatro que dirige con gran suceso desde tres años, en los que la sala se ha ganado una muy buen reputación, siendo a esta altura sinónimo de buen teatro independiente y de jóvenes dramaturgos que encuentran un espacio cotizado, en el que pueden dar a conocer sus trabajos.

Y precisamente Valeria Radioactiva, surge en el marco de Teatro Líquido, un colectivo de jóvenes autores conformado por las gemelas Paula y María Marull, Héctor Díaz, Silvia Gómez Giusto y el mismo Javier. donde cada uno escribe su obra, pero todos participan en el proceso creativo de los otros, siendo una iniciativa que desde ya celebramos.

Yendo a la obra que nos convoca, digamos en primer término que el texto que presenta Daulte es muy rico, tiene muy buena elaboración y es generoso para con el espectador, en cuanto a la duración, al tener una extensión, mayor a lo habitual en el off, algo que por la calidad de los actores reunidos, es agradecido por el espectador.

Contemos que el texto, nos hablará de una autora exitosa de telenovelas, que en el medio de un proyecto importante para la televisión y luego de unos estudios médicos que se hizo, se entera que está enferma y  le quedan pocos meses de vida. La noticia sacude a todo el equipo, pero deciden seguir adelante, el show no puededetenerse, deberán apurar las grabaciones o ver la manera, pero no se puede defraudar a un público expectante, que espera con avidez, cada capítulo de Los Inmortales, que es el título de la novela.

El autor, mezcla muy bien ficción con realidad, ya que Valeria, la autora exitosa, sabe que morirá y la tira que escribe, habla sobre la inmortalidad. Nada es casualidad en el texto, parece que cada historia de la ficción y cada personaje, tiene un correlato en la vida real.

La puesta es muy interesante, ya que la obra se divide en tres partes, las dos primeras están ancladas en la realidad y la del medio tiene que ver con la telenovela, con lo que tendremos un muy buen componente de teatro dentro del teatro, que luce mucho debido a la calidad del elenco.

Y realmente sorprenden, los actores participantes del proyecto, una verdadera selección se reunió, cuestión que sin dudas jerarquiza la pieza, permitiendo que la dramaturgia creativa y compleja de Daulte, llegue a buen puerto, gracias a los intérpretes de lujo que presenta.

La gran protagonista de la noche es María Onetto, una estupenda actriz, de extensa trayectoria en cine y teatro. Resulta un privilegio verla aquí, en un papel sumamente exigente, que le permite a María, mostrar su enorme talento. Parece una mujer fuerte, pero detrás de esa coraza, se observa su profunda soledad y sus miedos. Fantástica su interpretación.

Pero María no está sola, ni mucho menos, en un mismo nivel de excelencia, debemos mencionar a Héctor Diaz, otro actor de enorme trayectoria, que aquí baja al off y demuestra todas sus condiciones. Un actorazo Héctor.

Jorge Gentile, es en nuestra opinión, la revelación de la noche, como Perci, el fiel ayudante de Valeria, el que soporta sus caprichos y su maltrato. Es su sombra, subestimado por muchos, es la mano derecha de la autora, con quien mantiene una relación de años, que por momentos parece trascender lo laboral.

Daniela Pantano, también forma parte del elenco, como la atractiva Lili. Este año elogiamos mucho a Daniela, por su excelente interpretación de Marilyn Monroe, que fue muy elogiada por la crítica especializada. Aquí desde un papel secundario, se vuelve a lucir en su papel, aportando además, esa cuota de belleza, que la platea masculina siempre celebra

Maida Andrenacci, dá vida a la ácida Judith, también desde un papel secundario, se destaca, con cruces muy filosos con varios integrantes de la troupe.

Otra grata sorpresa es Inés Palombo, nos gustó mucho su trabajo, es la protagonista de la segunda parte de la historia. Nos gustó su gestualidad y la sensibilidad que le puso a su personaje.

Resta mencionar a Agustín Daulte, un actor joven, que tantas veces destacamos por sus participaciones en obras de las Marull. Aquí es Tito, del que no revelaremos demasiado, solo decir que será un personaje clave en la trama.

Nos extendimos bastantes en la descripción del elenco, pero Valeria Radioactiva, es una de esas obras, en las que el elenco tiene un peso fundamental y las interpretaciones son tan destacadas, que se sacan chispas entre ellos, por el alto nivel de las mismas.

La puesta es sumamente atractiva, destacamos el diseño escenográfico de José Escobar, Alicia Leloutre y Julieta Kompel aprovechando muy bien las generosas dimensiones del espacio escénico. Hay un diseño lumínico de Sebastián Francia, que crea los climas que pide la trama y un rubro que queremos resaltar especialmente,  es el del vestuario de Valeria Cook.

La trama atrapa al espectador, que está atento siguiendo las acciones y tratando mentalmente de atar cabos, siguiendo la línea de razonamiento de Valeria, que funciona una gran tiritera, moviendo los hilos y uniendo la ficción, con la vida real.

No queda mucho para agregar, la obra de Daulte, como dijimos tiene una dramaturgia de fina elaboración y recorre muchos temas, pero principalmente nos habla del miedo a la muerte, de las cuentas pendientes y de como reacciona el entorno, cuando el final parece inevitable.

Recomendamos Valeria Radioactiva, otra muy buena creación de Daulte y una inmejorable presentación de Teatro Líquido. Desde su estreno, la obra viene agotando localidades, algo que no sorprende, ya que la historia es muy atractiva y en yunta con el gran elenco reunido, nos permite disfrutar de una muy buena noche de teatro y telenovelas.




Pensador Teatral.

Un Golem

Dramaturgia de Gonzalo Demaría y Dirección de Claudio Tolcachir.

Sábados 20 45 hs y Domingo 17 hs en Teatro Timbre 4.

Un Golem, es una obra muy divertida que se origina de una manera diferente, a la mayoría de los proyectos, Claudio Tolcachir una institución del teatro off, sentía el deseo de volver a trabajar con su padre Isidoro Tolcachir,  pero esta ocasión era especial, ya que su padre el año pasado tuvo alguno problema de salud, ya superados y entonces emprender una obra juntos, era una buena forma de celebrarlo.

Enseguida se sumó  Roberto Romano, amigo de Isidoro y un actorazo. Restaba lo más importante, encontrar la obra y allí es donde aparece Gonzalo Demaría, joven y prolífico autor argentino, de perfil muy bajo, pero siempre presente en la cartelera con piezas muy exitosas en el teatro y también incursionando en la televisión.

Con Tolcachir y Demaria involucrados en un mismo proyecto, las posibilidades de que surgiera una propuesta interesante eran altas y viendo la pieza, podemos confirmar que los buenos augurios se cumplieron.

El texto de Gonzalo es divertido y disparatado, el público se ríe mucho desde el arranque y celebra la frescura de la propuesta y las actuaciones entrañables que presenta.

Sin contar demasiado contemos algo de la trama de El Golem, un anciano estudioso de la Kabbalah con algunos problemas de movilidad, vé interrumpido su descanso, por los gritos desesperados de su vecino ( Roberto Romano ), que le golpea la puerta y le dice que se ha producido un grave accidente, al caer un muchacho de un árbol, al patio de su casa.

El relato del accidente suena inverosímil, para el anciano. El muchacho que cayó, era un apuesto moreno en paños menores, supuestamente vendedor de cinturones, que había tocado el timbre en la casa del vecino y la esposa en vez de comprarle un cinturón, como changa le había pedido que corte un árbol, con trágicas consecuencias.

No cierra por ningún lado el relato, pero la credulidad con que el vecino lo cuenta, conmueve al anciano, que por algún motivo, decide seguirle la corriente y como ocurre muchas veces, en esos casos , una mentira chiquita, trae otra más grande y llega un momento, en que la bola se hace cada vez más grande e imparable.

Por último mencionar, que golem en la mitología judía ( la obra tiene mucho componente de la colectividad ) es un ser animado fabricado a partir de materia inanimado ( por lo general barro ). Que tiene que ver esto, con la trama ?  Es algo que el espectador descubrirá cuando vea la obra.

Lo más importante de esta historia, son las actuaciones, arranquemos por Isidoro Tolcachir, que tras dedicarse por más de cuarenta años a la electrónica, a propuesta de su hijo, comenzó a estudiar teatro en los talleres de Alejandra Boero y hoy lleva más de veinte años sobre el escenario. Un verdadero placer disfrutar viendo en escena a Isidoro, que con una frescura y una soltura que asombra, compone un personaje muy entrañable,

De Roberto Romano, no hay mucho que decir, es un actor de gran trayectoria y siempre que lo vemos, destacamos su trabajo. Aquí es un hombre, extremadamente crédulo, que no puede mentir nunca y que tiene una ingenuidad que por momentos exaspera. Con pasión y su gran oficio, volvemos a disfrutar su actuación.

Emanuel García, es un personaje clave de la historia, un tanto misterioso en el comienzo de la trama, pero que a medida, que la misma crece, ganará con su simpatía a la platea. Nos gustó mucho lo de Emanuel, que como Isidoro, es otro que dejo su profesión por la actuación. Fue futbolista profesional, pero una lesión en la rodilla, hizo que replanteara su carrera y se decidiera por ingresar al mundo del espectáculo.

Para el final dejamos a Daniela Pal, que tal vez es la actuación más destacada de la noche. La única mujer de la historia, se luce muchísimo componiendo a una esposa bastante mentirosa y arrabalera. Gran tarea la de Daniela, con un histrionismo a flor de piel.

La puesta tiene varios puntos a destacar, en primer lugar mencionar que siempre gozamos mucho al visitar la emblemática sala del Timbre 4, en la que hay una cercanía total entre los actores y el público. Hay un cálido diseño escenográfico de Imanol López, que recrea la casa llena de detalles del anciano. Además se aprovecha muy bien la funcionalidad de la sala, donde el patio y las escaleras, forman parte de la trama.

En definitiva, Un Golem, es una propuesta delirante y muy divertida, el espectador se reirá mucho y disfrutará de una historia desopilante, que nos hablará de las mentiras, de religión, de hombres justos y de la posibilidad de creer en milagros, todo ello matizado, con una dirección ágil y actuaciones deliciosas.

Recomendamos la obra, pasarán una momento muy divertido y serán testigos de un acto de amor, de un padre y un hijo, que se dan el lujo de trabajar juntos. Los espectadores agradecidos, porque el teatro independiente nos permite ser testigos de estos lujos.




Pensador Teatral.

J.Timerman

Dramaturgia y Dirección de Eva Halac.

Jueves a Domingos en el Cultural San Martín ( Sarmiento 1551 )

Nuevamente Eva Halac, nos trae una interesante propuesta, tomando un período de nuestra historia y presentando un relato que mezcla datos de la realidad con ficción, en muy buenas proporciones, ya que logra que el relato sea muy entretenido.

Este año disfrutamos de otra pieza de la autora, La Voluntad Teatro a Distancia donde el marco era La Campaña del Desierto y allí aparecía la figura de Roca. Hace unos años en esta mismo teatro presentó Café Irlandés, que nos llevaba a la década del 60 y retrataba el encuentro de dos periodistas Rodolfo Walsh y Tomás Eloy Martínez, que se reunían para hablar de Evita.

En esta ocasión, la autora nos llevará a la década del 70, más precisamente a Octubre de 1971, una época en que la situación política en Argentina era muy compleja. El gobierno de facto de Lanusse, atravesaba un momento delicado, por su falta de poder real y por sectores internos,  que lo acusaban de ser muy débil. La guerrilla urbana tenía una presencia activa,  los atentados y secuestros eran frecuentes y la violencia iba en aumento.

Lanusse pensaba en llamar a elecciones, para pacificar a la sociedad, pero tomar esa decisión no eran tan fácil, por las presiones de los militares más duros y por un entorno muy enrarecido. Para colmo, desde España un Perón exiliado, seguía siendo una amenaza latente y un factor a tener en cuenta, en cualquier medida a tomar.

En este contexto, en el que la autora introduce al espectador en gran forma, aparece la figura del periodista Jacobo Timerman, nacido en Ucrania, de familia judía y antifascita, llegó a la Argentina a los cinco años. La figura de Timerman marcó una época dentro del periodismo, siendo su figura muy controvertida, maestro de periodistas, de temperamento fuerte y explosivo, no era fácil de tratar.

En el espacio temporal que nos propone la autora, Jacobo dirigía La Opinión, un tabloide, sin fotos, ni información de fútbol, pero con gran influencia en la época y muy crítico del gobierno de Lanusse.
La obra permite ver las relaciones entre el cuarto poder y los diferentes gobiernos, las presiones, las relaciones secretas, los mensajes cruzados y todo un entramado de poder, que la mayoría de las veces no vemos en la superficie, pero que tiene un tráfico intenso.

Halac si bien toma como centro de la historia, la figura del controvertido periodista, más bien ofrece una excelente fotografía, de una época de la Argentina, para que los que vivieron esos años la recuerden y para que quienes no lo hicimos, nos enteremos de algunas cosas.

Por último puntualizar que la trama se centra en los días 8 y 9 de Octubre del 1971, fecha en que se casaba  la hija de Lanusse con el cantante Roberto Rimoldi Fraga. Esos días fueron especialmente agitados en el país, con alzamientos militares en el Interior, con estudiantes en las calles tirando piedras a los bancos y como si esto fuera poco, ese fin de semana era el cumpleaños de Perón y se cumplía un nuevo aniversario de la muerte del Che ( aquí hay una perlita que obra tiene incluida en el relato y para mantener el suspenso no contaremos ). Pues bien, en ese marco convulsionado, se organizaba una fiesta de casamiento en la Quinta de Olivos, con todas las frivolidades del caso,

La puesta que propone la directora es muy original, quien conoce esta sala del Cultural San Martín, se sorprenderá al ingresar en ella, por la disposición de las butacas a ambos lados, con un escenario que no parece tal, hay un destacado diseño escenográfico de Micaela Sleigh, con un largo corredor que recorren los personajes, entre vallas de seguridad y cintas de peligro, como síntoma de la realidad del país. Este recurso le dá a la trama, un ritmo vertiginoso, que provocan la atención constante del espectador, envuelto en una dinámica y una tensión, que no es sencillo de conseguir en este tipo de obras.

Todavía no hablamos de las actuaciones, que son realmente muy destacadas y tienen que que superar el desafío que les propone la puesta de tener que estar en permanente movimiento, casi chocpandose con los protagonistas, que caminan envueltos en sus preocupaciones.

La actuaciones que más nos gustaron, fueron las de Guillermo Aragonés, que le encuentra muy bien el tono al personaje de Timerman, que no era nada sencillo, mostrando estar a la altura del protagónico. Logra darle la estridencia y pasión, que su personaje requiere, sin caer en exageraciones. Sobrio trabajo de Guillermo.

En el mismo alto nivel, se encuentra Mucio Manchini, un gran actor del off, al que este año vimos un par de veces y siempre vemos se destaca. Aquí compone a un Lanusse que navega entre los temores del poder y la autoridad que requiere su investidura. Su tono de voz firme y sus desplazamientos, son los adecuados para la figura que encarna.

Pero no seamos injustos con el resto de los personajes, ya que todos son importantes en la historia. Leonardo Murúa, es Abrasha Rotenberg, la mano derecha de Timerman en el diario, Carlos Scornik realiza una excelente composición del General Sanchez de Bustamente, Cristian Majolo, vuelve a mostrar su versatilidad como Dudi Gravier, un empresario, inmerso en un peligroso juego a dos puntas y Juan Pablo Galimberti, a quien vimos este año lucirse en La Gente Normal, aquí sorprende como Julian Soriel, un joven periodista, con claros ideales.

Por último, mencionamos a Gregorio Scala, en una estupenda composición del agente Felix Rodríguez,  para mantener la sorpresa no vamos a contar nada de su personaje, pero recomendamos lo sigan con especial atención, porque es un gran acierto de la autora, incluirlo en la trama ( suena algo críptica nuestra mención, cuando vean la obra los lectores entenderán )

Hasta aquí contaremos, nos gustó mucho la obra, ya que permite poner la lupa en la figura de Timerman y principalmente retratar una época de la Argentina. El gran mérito de Halac, es presentar un texto muy interesante y hacerlo en el marco de una puesta muy atractiva. Por otro lado, destacamos que la autora expone los hechos sin bajar linea, ni tomar partido, exponiendo los hechos y dejando que espectador saque sus conclusiones, algo que nos resulta muy valioso.

Por todo lo mencionado, recomendamos ver J,Timerman, una obra distinta a las que estamos acostumbrados a ver, que además de permitirnos disfrutar una noche de buen teatro, nos hará reflexionar, sobre como en Argentina, muchas veces cambian los nombres propios, pero las situaciones se reiteran.



Pensador Teatral.