Smile

Dramaturgia y Dirección de Jazmín Bitran.

Jueves 21 hs en El Sábato Espacio Cultural ( Uriburu 763 )

Un soplo de aire fresco llega de la mano de Smile, entrañable obra escrita y dirigida por Jazmín Bitrán, que nos acerca una mirada particular de Sir Charles Spencer Chaplin, actor, humorista, compositor, productor, director y escritor, considerado uno de los grandes mitos del cine, que pasó a la historia por la creación de Charlot, su personaje más famoso, al que todos reconocemos por su andar torpe, los pantalones holgados, sombrero, bastón y el pequeño bigotito negro.

La historia escrita por Jazmín nos muestra a un Charles, actor maduro y ya consagrado, que vive en su casa con su hija Geraldine  que quiere dar los primeros pasos en el mundo del cine, anhelando seguir el camino de su famoso padre. Pero Charles no está solo en la casa, lo acompaña su fiel personaje Charlot , con el que recuerda los felices momentos que vivieron juntos y repasando fragmentos de las películas más famosas, como El Chico, La Quimera del Oro, Tiempos Modernos y El Gran Dictador, por mencionar solo algunas. 

El texto es muy divertido y se disfruta mucho la comunión que tiene Charles con el personaje que marcó su vida, reviviendo anécdotas del pasado y riendo con las travesuras que siguen haciendo juntos gracias al poder de la imaginación. Geraldine, que se presenta en castings, buscando crecer como actriz, reniega un poco con un padre que se niega a tomar sus medicinas, pero que a cambio, siempre tiene una palabra optimista y una sonrisa en el rostro, pareciendo no tomarse nunca las cosas demasiado en serio. Ella no ve a Charlote con los ojos, pero percibe su presencia, e intuye que en esa casa no están solos y tendrá algunas señales de ello.

La trama tiene momentos muy graciosos, pasos de clown, gags divertidos y momentos musicales muy logrados. El público se ríe mucho con las ocurrencias de Chaplin y su fiel compañero. Los espectadores se conectan mucho con los protagonistas, ya que los actores quieren que el público participe y buscan romper la cuarta pared. Hay un clima festivo y relajado en la sala, algo que en estos tiempos es muy reconfortante y necesario.

Es hora de hablar ya del trío protagónico, que se luce muchísimo, ya que todos logran darle mucho brillo a sus personajes. Gran trabajo el de Daniel Groppo, encarnando a un Charles algo melancólico, que pese a su gran éxito, no quiere quedarse quieto y busca  la vuelta para que su máxima creación, siga actuando, pese a los cambios que se están dando en la industria cinematográfica. Un personaje tierno y muy querible el de Daniel, con mucha presencia escénica.

La figura convocante de la obra es Charlot, interpretado de manera notable por Alejandro Canuch, con su habitual vestimenta, bastón, sombrero negro y torpe caminar. Ya con solo verlo el público esboza una sonrisa. Es muy acertada la caracterización de Alejandro, logrando sin decir una palabra, ya que obviamente el personaje es mudo, que los espectadores se rían mucho y recuerden esas imágenes en blanco y negro, que sin dudas marcaron una época del mundo del cine.

Para el final dejamos a Victoria Arrabaca, una verdadera revelación, componiendo a una fresca y encantadora Geraldine. Destacamos su desenfado y un histrionismo a flor de piel que aporta mucho a la trama. Muy gestual, con una sonrisa dibujada en la cara y cantando muy lindo, redondea una hermosa actuación. Nos encantó lo de Victoria, que sin dudas se encontró muy a gusto, con el registro divertido y chaplinesco que pide el texto, con una alegría contagiosa.

No podemos dejar de mencionar a Martín Pomerantz, parte fundamental de la puesta, tocando muy bien el piano, estando a cargo de la música en vivo y de los sonidos que la trama requiere. Esta comedia, como dijimos tiene momentos musicales muy logrados y para que ello ocurra, es clave el aporte de Martín. Es muy bueno el diseño escenográfico y la ambientación que tiene las salas, con muchas fotos de la época y numerosos detalles que ayudan a crear el clima que mejor queda al relato.

Y hasta aquí vamos a contar, el resto lo dejamos para que lo descubran cuando vean la obra. Solo agregaremos que valoramos sobremanera propuestas como las de Smile, que demuestran que es posible divertirse y mucho, con un humor sano, apto para todas las familias, sin groserías, ni golpes bajos. Una invitación a olvidarnos de los problemas, emocionarnos y reírnos de las cosas que nos reíamos, cuando éramos chicos.

En conclusión, disfrutamos de una hermosa noche de teatro y por eso recomendamos la obra, nos sentimos felices de haber podido emprender el viaje imaginario y sanador que nos proponen, gracias a las deliciosas composiciones del trío protagónico y la sensibilidad de la autora, que se unen para tributar un un sentido homenaje al gran Charles Chaplin, resignificando su mensaje de esperanza y optimismo, para ayudarnos a reflexionar y ayudarnos a afrontar una existencia que muchas veces nos pone las cosas difíciles con un enfoque más positivo. Por ello, siempre es importante, tener reservado el espacio para volar con la imaginación y nunca olvidarnos que un día sin reír, es un día perdido.-

Pensador Teatral.

La Pasión según G.H.

Dramaturgia de Clarice Lispector . Dirección de Marcelo Velázquez.

Domingos 18 hs en El Portón de Sánchez ( Sánchez de Bustamante 1034 )

Tarde de Domingo destemplada y lluviosa, que invitaba a quedarse en casa, pero por suerte teníamos otro planes, ya que en El Portón de Sánchez nos esperaba este texto profundo de Clarice Lispector, considerada como una de las más importantes escritoras brasileñas del Siglo XX, dueña de un lenguaje poético e innovador y con una personalidad enigmática. Con el correr de los años Clarice, se convirtió en leyenda y hoy en día es reconocida como una escritora de culta y un ícono del feminismo.

La Pasión según G.H. fue una novela publicada en 1964 y llega al teatro en esta adaptación minuciosa de Marcelo Velázquez, que se adentra en su texto sinuoso y nos acerca el viaje introspectivo que emprende esta mujer madura, de clase acomodada, de la que poca sabemos, solo tenemos algunos datos sueltos, como por ejemplo que una de sus pasiones es ordenar, en especial ese departamento que tanto la enorgullece.

La vida de esta mujer, cuyas iniciales G.H aparecen bordadas en se equipaje, denota una carencia notoria de emociones. No se casó, ni tuvo hijos y se dedicó a ser una escultora amateur, siendo este otra de sus pasiones, modelar formas. El tedio y la soledad parecen invadirla, convive con una sensación de vacío que quiere ocultar, pero que por momentos la abruma y la confunde.

En el texto, aparece la temática de la lucha de clases, siempre tiene que haber un enemigo y en este caso, sería Janair, la mucama negra a la que acaba de despedir. Es curioso, pese a ser tan observadora,  no recuerda su rostro y hasta le costó acordarse de su nombre. Sin dudas la ignoraba, pese a que trabajo años en su casa, cocinaba, limpiaba y la ayudaba a mantener el orden en su apartamento.

Se obsesiona con esa mujer que supone la odiaba y por ingresar al que era su cuarto, le servirá para confirmar sus sospechas y hasta allí vamos a contar, dejaremos que el espectador se sorprenda cuando vea la obra y vaya descubriendo las pistas que un texto complejo y profundo nos irá dejando.

Quien se carga al hombro este unipersonal es sin dudas, Mercedes Fraile, que realiza una excelente composición. El desafío no era sencillo, ni para el director, ni para ella, habría que dar vida a un personaje de la novela y enfrentarla al público buscando romper la cuarta pared, interpelando a los espectadores en más de una oportunidad, con un texto complejo y elíptico.

El trabajo de Mercedes es minucioso, con una enorme presencia escénica, dominando los tiempos y los silencios que tiene la trama. Con una dicción pausada y movimientos calculados, la protagonista irá desatando los nudos que la obra presenta, con sapiencia, consiguiendo redondear una gran interpretación de un personaje reservado y enigmático, que parece ocultar más de lo que dice, siendo su máxima preocupación aparentar ante los otros.

La puesta de Velázquez es minimalista y cuida todos los detalles. Hay un magnífico dispositivo escenográfico de Ariel Vaccaro, que simula el departamento de la protagonista, un sobrio diseño lumínico de Alejandro Le Roux que contribuya a crear el clima opresivo que tiene la trama, al igual que la música original de Matías Macri. Todos ítems que agregan valor a la puesta.

Párrafo aparte para el diseño audiovisual que irrumpirá de manera sorpresiva en el desarrollo de la historia, con esa imágenes en blanco y negro que se proyectarán, teniendo como testigos al público y a la misma protagonista. No vamos adelantar que veremos allí, pero si diremos que fue una muy buena idea del director, introducir este recurso, que por momentos se convertirá en perturbador.

En definitiva, La Pasión según G.H, nos permite tener un interesante acercamiento a la obra de Clarice Lispector, una autora de la que mucho se habla, pero que pocos leyeron, ya que no es una autora sencilla. Por ello, debemos destacar la valentía y la virtud de Marcelo Velázquez de adaptar esta novela para el teatro y la apuesta le salió muy bien, ya que la obra resulta atractiva e invita a la reflexión, siendo varios los caminos posibles a seguir, dependiendo de la visión de cada espectador.

Por todo lo mencionado, celebramos haber decidido salir de casa pese a la lluvia y el premio fue grande, ya que nos estaba esperando una obra entrañable, presentada en una puesta original y muy bien estructurada, para que Mercedes Fraile pueda abrazar el texto con pasión y regalarnos una actuación delicada y exquisita a la vez, dejando claro que el teatro independiente siempre tendrá a mano un paraguas, donde nos invitará a refugiarnos.

Pensador Teatral.

Habitación Macbeth

Dramaturgia y Dirección de Pompeyo Audivert.

Sábados 20 hs y Domingos 19 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Hay algunas obras, contadas ellas, que por diferentes motivos quedarán grabadas en nuestra mente y sabemos que aunque pasen los años, las vamos a recordar. Sin dudas esto ocurrirá con Habitación Macbeth y la razón para que se cumpla lo señalado, lo tenemos muy claro y es debido al descomunal, fantástico e inconmensurable trabajo realizado por Pompeyo Audivert, que nos ofrece una clínica magistral de actuación.

Ya nos enfocaremos más adelante en ello, comentemos antes que esta obra se alumbró en la pandemia, allí Audivert aprovechando la soledad reinante dictada por el contexto, se reunión con la obra shakespereana,  en búsqueda de una adaptación propia que la resignificara, jugando con la intertextualidad y buscando que aparezcan otros autores en el texto que estaba preparando, siendo Beckett tal vez el más evidente de ellos, pero sin dudas no es único.

Como ya ocurrió en otras adaptaciones en las que trabajó antes como Muñeca de Discépolo o El Desierto Entra en la Ciudad de Roberto Arlt, siempre busca ( y logra ) respetar las cualidades de los textos, pero asumiendo riesgos para introducir variantes, que tienen como objetivo, intensificar los sentidos, algo que no resulta sencillo para los autores, pero que él resuelve de manera virtuosa.

Tal vez por dificultad y las reglas que imponía la propia pandemia, pensar en una obra para muchas actores, sonaba complicado, entonces Pompeyo que venía con ganas de hacer un unipersonal y también montar nuevamente una obra de Shakespeare, se dio cuenta que esta era una oportunidad inmejorable para cumplir con una fantasía que tenía en mente desde hace años, que consistía en la epopeya ,que un solo actor, pudiera interpretar todos los personajes de Macbeth.

Con ello podría demostrar cierto fenómeno paranormal del actor, que usaría a su cuerpo como si fuere una especie de medium, para invocar y encarnar a todos los personajes.. La idea de que hubiera un único actor, habitado por una multiplicidad de personajes generaba vértigo y a la vez era muy tentadora, sabiendo que sería un desafío enorme para quien quisiera encararlo. Creemos que solamente un actor de los quilates y la potencia escénica de Audivert podía estar a la altura de este reto que parecía inalcanzable.

En la obra, veremos a un Macbeth fiel servidor de su país y del Rey Duncan, volviendo triunfador del campo de batalla junto a Banquo su fiel amigo. Ambos verán cambiar su futuro, debido a un hecho fortuito, ya que en ese viaje de regreso se encontrarán con las tres brujas fatídicas, enviadas de Hécate, diosa griega de los hechizos y la brujerías, que le lanzarán una seria de profecías inquietantes. La primera de ella, rezaba  que antes que llegue la noche se convertiría en Duque de Cawdor y que antes que las golondrinas sería coronado Rey. Antes de desaparecer, las brujas se dirigirán a Banqueo y le augurarán que él,  será padre de reyes.

Ambos ríen con las profecías y no las toman seriamente, pero poco tiempo después todo cambiará con la llegada de un mensajero del Rey, que les indica que el actual Duque de Cawdor ha fallecido y que Duncan en agradecimiento a su triunfo en campo de batalla lo honraría con ese título vacante. La mente de Macbeth parece estallar. Finalmente las brujas tendrían razón ?? Será cierto entonces que el será el futuro rey ?? Y que pasaría con su amigo ?? La ambición y el poder ya se asoman en sus pensamientos.

Macbeth envía una carta a su esposa, anunciando su llegada a casa luego de la batalla y le relata con detalles el encuentro con las brujas y sus extraños vaticinios. Lady Macbeth no duda en la veracidad de aquellos pronósticos y le dice a su esposo, que lo mejor sería ayudar a que se cumpla aquello lo antes posible, no vaya a ser cosa que el destino cambie de opinión. Justamente el Rey Duncan iría a su castillo esta noche y es entonces cuando le propone a su esposo, que es la ocasión justa para dar vuelo al vaticinio y le revela un monstruoso plan,  que consiste nada menos que en asesinar al Rey y culpar de ello a sus guardias, a los que también matarían, en la oscuridad de la noche.

El plan horroriza en un principio a Macbeth, como sería posible matar a un rey al que todos veneran, a una buena persona, al representante de Dios en la tierra. Sería una locura ... Pero Lady Macbeth siembra en su mente la semilla del poder y la ambición, de tener el reinado al alcance de la mano. Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso, porque el desenlace es conocido para quienes han leído o visto en otra ocasión, esta tragedia shakespereana, pero puede haber lectores que no la vieron o no la recuerdan y por ello, no adelantaremos como terminó la visita de Duncan al castillo de Macbeth, aunque la mayoría se lo pueda imaginar.

Llega el momento de hablar de la fantástica prestación de Pompeyo Audivert, que con una entrega descomunal y un talento fuera de serie, desdobla el solo, a los siete personajes de esta tragedia. Con una presencia escénica imponente , se apodera del escenario y parece entrar en trance, para ingresar y salir de los personajes en segundos, para generar múltiples diálogos entre ellos, de una forma que cuesta imaginar.

Impresionan sus cambios de postura, las diferentes voces, sus diferentes formas de pararse. Les aseguramos, que sin necesidad de hablar, solo viendo de forma de pararse y en la expresividad del rostro, podíamos darnos de cuenta de que personaje habitaba su cuerpo en cada momento. La atracción que ejerce sobre el público, resulta casi hipnótico. No vuela una mosca, durante los noventa minutos que dura la obra, la platea sigue la trama con un silencio absoluto y con admiración por lo que está viendo.

La expresión de que cuesta describir con palabras el trabajo de Pompeyo, se aplica a la perfección aquí Podemos afirmar, sin temor a equivocarnos, que la de Audivert, fue la mejor actuación por lejos, que vimos a lo largo de este año y nos cuesta recordar un trabajo de semejante magnitud en los últimos años, con ello pueden imaginar el calibre de su interpretación. Calificarlo con un diez, seria no poder volver a repetir el puntaje en el futuro, por eso deberíamos romper las reglas y ponerle un once.

Pero Pompeyo no está totalmente solo en escena, lo acompaña Claudio Peña, reconocido compositor e intérprete musical que con su cello, será el encargado de ponerle música a la trama y ser la banda de sonido de la misma, logrando crear los climas que pide el texto y contribuyendo al enorme lucimiento del protagonista. Excelente lo de Claudio. Queremos dejar un párrafo especial también para el diseño de luces de Horacio Novelle, jugando de manera magistral con la oscuridad y la sombra, siendo también parte fundamental de una puesta muy atractiva.

La obra nos hablará de la ambición desmedida de los hombres, de la sed de poder, la locura, la traiciones y la mentira como instrumento indispensable para hacer política. La pieza tiene una vigencia abrumadora e inquietante a la vez, mostrando como el engaño y la actuación, son armas valiosas para lograr los objetivos, dando por válida la famosa frase de Nicolás Maquiavelo, acerca de que el fin justifica los medios.

No queda más para agregar, Habitación Macbeth es sin dudas uno de los estrenos del año, una fantástica creación de Pompeyo Audivert, un animal de teatro, que nos presenta esta potente versión del clásico de Shakespeare y nos permite disfrutar de una interpretación memorable, una verdadera clase magistral de teatro, a la que tuvimos suerte de asistir. 

Pensador Teatral.

Como una Perra en un Descampado

Dramaturgia de Cláudia Cedó . Dirección de Corina Fiorillo.

Martes 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3378 )

Una obra sensible y conmovedora llega con Como Una Perra en un Descampado, texto escrito por la dramaturga catalana Cláudia Cedó, basado en un hecho real que vivió ella misma y que sintió la necesidad de compartir, dando testimonio de la difícil situación que tuvo atravesar, manifestando su sentir y tratando de sanar aquellas zonas oscura de su vida.

Corina Fiorillo, una de las mejores directoras que tiene nuestro teatro en la actualidad, se abrazó a este texto profundo y valiente, sabiendo que tenía un verdadero diamante entre manos, logra potenciar la dramaturgia con una puesta original, que tiene toques fantásticos ( los necesarios, sin caer en excesos ) y una buena pócima de humor, mostrando una vez más, que introducir momentos de comicidad, es la mejor forma de descomprimir temáticas con tanto peso dramático, que parecen pedir a los gritos ese alivio, para que sean más tolerables.

Yendo a la historia que vemos en el escenario de El Extranjero, tendremos en primer plano a la joven pareja formada por Julia ( Victoria Almada ) y Paulo ( Federico Ottone ) que están en la dulce espera de su primer hijo. Julia no se siente bien y concurre al hospital para hacerse un chequeo que pretende ser de rutina, pero los resultados de la ecografía los descoloca por completo. La doctora a cargo, les informa que el embarazo,  que está ingresando en su quinto mes, corre serio riesgo, debido al bajísimo nivel de líquido amniótico, que rodea al bebé en el útero.

La noticia cae como un baldazo de agua helada, a estos padres primerizos que como miles de parejas, esperaban vivir un momento de alegría  y el panorama empeora,  cuando le avisan a Paula, que debe quedar internada, para cumplir un estricto reposo y poder monitorear la evolución del nivel del líquido amniótico. Están aturdidos por la novedad, deseando estar viviendo una pesadilla, de la que pronto se van a despertar, pero lamentablemente no será así y la situación tiene una angustia bien real.

Les explican que las próximas horas serán decisivas y que pronto deberán tomar una decisión muy crucial, ya que no solamente el niño por nacer corre serio riesgo, sino que la situación de Paula, se puede tornar compleja y hasta su vida puede estar en peligro, debido a la posibilidad de una infección grave, ocasionada por el cuadro. Son anoticiados que el quinto mes de embarazo es el peor escenario, ya que hasta el cuarto mes podrían realizar un aborto y si estuvieran en el sexto mes, podrían hacer nacer al bebé. 

 Y hasta allí vamos a contar, para mantener el suspenso. La situación es dramática, tanto el futuro bebé, como la madre corren peligro de vida y pese a tener el apoyo de su pareja y de sus padres, Paula se encuentra en un callejón oscuro que parece sin salida. No queremos adelantar nada más, para conservar el suspenso, ya que la trama tiene una carga emocional y una tensión, que trascienden la cuarta pared.

Como una Perra en un Descampado, tiene una profundidad y una sensibilidad que conmueven. Los interrogantes empiezan a surgir a borbotones. Porque un hecho feliz que trae vida y alegría, puede convertirse en una situación de angustia y muerte ??? Que hicieron ellos para tener que vivir este momento tan delicado ??? Porque no pueden tener un parto normal como la mayoría de las parejas ??? En otras habitaciones se escuchan risas, pero en la de ellos solo llanto. Vida y muerte parecen ser la cara de una misma moneda.

Uno de los méritos del texto es no quedarse solamente con el hecho crudo, al contrario lo enriquece y lo inserta en el contexto de un mundo que sigue en movimiento sin detenerse a mirar nuestra pequeña gran tragedia. La normalidad sigue su curso, mientras nosotros quedamos al costado del camino, sin poder reaccionar. Obras de teatro que se estrenan, compras en el supermercado que no cesan, gente que se va de de vacaciones ... La vida continúa para el resto y no es sencillo aceptar esa realidad.

Un punto relevante a destacar es la calidad del elenco reunido para la obra, se formó una verdadero seleccionado de figuras del teatro independiente, sin dudas que el texto resultaba muy atractivo y tener en la dirección a Corina, es muy seductor. Los espectadores agradecidos, porque de verdad que es muy difícil encontrar en cartel, propuestas que reúnan un elenco tan potente.

La revelación de la obra, sin lugar a dudas es Victoria Almeida, que asume en gran forma el protagónico  Con una sensibilidad a flor de piel, logra darle a su Julia, la ternura y la humanidad que el personaje requiere. Transitando con mucha credibilidad los momentos de angustia y desolación que le toca vivir a esta madre primeriza, pero sabiendo jugar también los momentos fantásticos que el texto le propone. Gran interpretación la de Victoria, resolviendo en gran forma este protagónico que exige muchísimo, demostrando estar a la altura del desafío y redondeando una actuación para poner en un cuadrito.

Es muy bueno también lo de Federico Ottone, como Paulo, la pareja de Julia, que vive el difícil trance desde un segundo plano, ya que lo único que puede hacer es acompañar, situación muy incómoda que se produce también vida real también. Paulo, aturdido por la situación, en un principio parece no tomar conciencia de la gravedad de la situación y trata de seguir adelante con su trabajo justamente en el teatro. O será un mecanismo de defensa, para no tener que afrontar la dolorosa la realidad  ?? Nos gustó mucho el trabajo de Federico.

Llega el turno de hablar de Milagros Almeida, cuyo personaje aparece solo en la mente de Julia y la acompañará en todo momento, siendo una mezcla de voz de la conciencia y ángel protector. Dueña de una voz privilegiada, Milagros además de ser una actriz estupenda, canta hermoso y aquí aprovechará esto. Jugando un rol de relatora de la historia, luciéndose mucho además en fragmentos cantados, que dejan con la boca abierta al público. Siempre es un placer ver a Milagros en escena, una actriz talentosa y multifacética, que potencia su interpretación, gracias a la química y el entendimiento que tiene con Victoria, su hermana en la vida real.

Cuando dijimos que el elenco era una verdadera selección, no exagerábamos en nada y llega el momento de hablar de Estela Garelli y Abian Vainstein, actores de gran experiencia y enorme valía, que desdoblarán a varios personajes,, mostrando su versatilidad y carisma. A Estela la recordamos, por su actuación hace un par de años en La Fundación y en el caso de Abian, tenemos el recuerdo más fresco, luego de su renombrado trabajo en La Fiesta del Viejo. Aquí ambos, con enorme generosidad, desde papeles secundarios, hacen un aporte muy grande, luciéndose mucho, con interpretaciones estupendas.

Resta mencionar a Mercedes Torre, que es la única integrante del elenco, a la que no habíamos visto antes y nos llevamos una agradable sorpresa con ella. Caracterizando muy bien a una novel enfermera, que emana dulzura y humanidad, aportando una frescura muy bienvenida a la trama. Se hizo algo larga la descripción, pero realmente era merecido, porque no es habitual ver elencos tan parejos por lo bueno y en este caso se da que los seis intérpretes que presenta la obra tienen actuaciones para destacar.

Yendo a la puesta que presenta la obra, sin dudas Corina Fiorillo, la primer directora mujer en ganar el Premio Ace de Oro, le sabe sacar el máximo provecho al texto, sabiendo incorporar toques de fantasía y de humor, permitiendo que de esta forma, se pueda atravesar mejor el drama profundo que la historia nos presenta. Lo hace además con una puesta original y atractiva, que asume riesgos, con muy excelentes resultados.

Cumplimos con nuestra promesa y no contamos más, Como una Perra en un Descampado es una obra que conmueve y moviliza, presentando una cara oculta y nada agradable de la maternidad, pero desde un punto de vista valioso, ya que la autora hace hincapié que aún las situaciones que lucen más adversas y oscuras, pasado el tiempo y pudiendo mirar a la distancia, vamos a descubrir que no todo era oscuridad y sombras, ya que cuando logramos echamos luz a ese pasado, seguramente vamos a encontrar rasgos de belleza, que en el momento de la tormenta, habían pasado desapercibidos.

Recomendamos no se pierdan esta estupenda propuesta, se encontrarán con un texto duro y valiente, que nos habla de la contradictoria cercanía entre la vida y la muerte, realzando su valor, al estar basado en un hecho real vivido por la autora, que sin dudas sintió la necesidad de sacarlo de su interior y contarlo. Se le suma al texto una dirección impecable de Corina y las interpretaciones exquisitas del elenco reunido. 

Con todos los ingredientes mencionados, no resulta extrañó que afirmemos que Como una Perra en un Descampado, resulta una de las mejores obras que el teatro independiente ha estreando este año y por la ovación con la que el público premió a los protagonistas al final de la función, creemos que nuestra afirmación, es compartida por muchos.

Pensador Teatral.

Ojo de Pombero

Dramaturgia y Dirección de Toto Castiñeiras.

Jueves 21 30 hs en Teatro Picadero ( Pje. Santos Discépolo 1857 )

Con Ojo de Pombero, se cierra la trilogía campestre compuesta por  "Gurisa" y  "Voraz y Melancólico ", tres obras escritas por Toto Castiñeiras, actor, autor, director y artista circense, que hace varias temporadas integra la troupe del prestigioso Cirque du Soleil, que luego del parentesís por la pandemia, estará retornando próximamente sus giras, integrando Toto el equipo.

Luego de haber visto Voraz y Melancólico, que hacía referencia al mito de El Lobizón, no teníamos dudas que esta nueva propuesta, tendría un altísimo grado de creatividad, vuelo poético y sin dudas una fuerte corporalidad, ya que el teatro físico y el clown, son sellos distintivos de las propuestas de Castiñeiras. Anticipamos que nuestra intuición fue acertada y nos quedamos cortos, ya que la creatividad y la poética en esta ocasión, se elevan a la enésima potencia.

Antes de sumergirnos en a obra, hablemos un poco de El Pombero, una leyenda guaraní, que nos habla de un duende que habita en los bosques del Paraguay del Noroeste de nuestro país. Según cuentan los que lo vieron, se trata de un hombrecito de baja estatura, feo y peludo. Con brazos largos y manos enormes, piernas cortas con pies invertidos, lo que desorienta mucho a quienes rastrear sus huellas. Cuentan los lugareños que lleva sombrero de paja y una pipa en la mano. Algunos refieren que anda sin ropas, con un miembro viril enorme, tapado por su profusa barba, que le llega hasta el suelo.

El mito del Pombero, tiene muchas aristas interesantes, una de ellas es la dualidad de su figura, pudiendo ser amistoso o un verdadero demonio. Los campesinos durante la cosecha le dejan ofrendas de vino y tabaco, para que el Pombero cuide el terreno y ahuyente a los ladrones que se acercan a la propiedad. En cambio para las mujeres, es una criatura demoníaca, que viola señoritas y mata niños, por eso cuando escuchan su silbido, corren a encerrarse en la casa. Esa mirada diferente y antagónica, interesó mucho al autor.

Y la semilla del proyecto, arrancó precisamente con una anécdota que llegó a oídos de Toto Castiñeiras, una señora en Paraguay contaba que su nieta había quedado embarazada del Pombero. Sostenía esto con una certeza arrolladora y la sensación era que de esta manera estaba encubriendo a un violador. Allí surgió el esqueleto de la obra, una abuela, su hija y si nieta, el demonio suelto y la necesidad de cazarlo en la noche de Carnaval, para tomar venganza de aquel sátiro abominable.

La trama desborda de poesía, tiene muchas referencias sexuales y una atmósfera bien campestre, donde las mujeres con sus largos vestidos, se preparan para la venganza. La abuela,  Juana grande, la Juanita y su hermanita, estarán alerta. Saben que aquella noche de Carnaval, será de fiesta en el pueblo y el Pombero aparecerá a celebrar. Es el momento que estaban esperando, lazo en mano saldrán a cazarlo y hasta allí vamos a contar. Cuando vean la obra, sabrán, si podrán atraparlo o el Pombero seguirá viviendo y coleando por el monte, haciendo de las suyas.

La obra presenta muy buenas actuaciones, no es una pieza sencilla para los actores que deben emprender un viaje, al mundo fantástico y delirante que propone el autor, algo que logran de muy buena forma. El teatro físico estará muy presente en esta puesta y esto requerirá una entrega corporal a fondo de los protagonistas. Entendemos que las actuaciones mas destacadas son las de Mariela Acosta, como Juana, con un histrionismo a flor de piel y una composición que no se guarda nada. En el mismo nivel de excelencia, mencionamos a Mariano Torre como Juanita y otro personaje que no queremos adelantar. Estupenda su interpretación, generando los momentos más divertidos de la noche. Soberbios los trabajos de Mariela y Mariano.

Pero no seamos injustos con Julieta Laso, la hermanita menor que sufrió el acoso del Pombero y nos deleita son su hermosa voz, cantando muy lindo. Muy buena su composición. De igual modo, destacamos a Luciana Buschi, con el bandoneón a cuestas y regalando hermosos chamames en varios pasajes. 

La frutilla del postre, la pone el mismo Toto Castiñeiras, que a diferencia de las otras obras de la trilogía, acáse calza el traje de actor, representando en este caso a una abuela bastante ladina y degenerada. Nos encantó ver a Toto en escena y pudimos ver a ese clown que lleva dentro, con escenas muy divertidas, que por momentos nos recordó a Curly de los Tres Chiflados.

La puesta resulta divertida y desopilante. Con mucho ritmo, por lo que el espectador deberá atento para no perder detalle. Rubro a destacar, el estupendo diseño de vestuario de Daniela Taiana, que le otorga a los personajes el aire campestre que la historia pide. Párrafo especial para Lucio Mantel, a cargo de la música original y las canciones que tiene la pieza, poniendo al chamame en un sitio preferencial, ambientando en gran forma la historia y creando momentos musicales que el espectador disfruta mucho.

No hay mucho más para agregar, Ojo de Pombero resulta un cierre de oro, para esta trilogía que nos propone el autor y que nos invita a viajar hacia nuestro rico interior, campestre y gauchesco, para hablar de sus mitos y leyendas, que forman parte de nuestro folklore y de nuestra identidad como país, dando especial atención a lo autóctono y a las tradiciones, que se transmiten de generación en generación.

Recomendamos esta valiosa y original propuesta. Se van a encontrar con una historia muy bella desde lo estético, con una poética arrolladora y personajes entrañables, que toman volumen gracias a las magníficas actuaciones del elenco reunido. Los invitamos a que vean la obra y descubran a este personaje fantástico que habita en nuestro campo profundo, siendo amigo para algunos y un verdadero demonio para otros, veremos de que lado lo ubican ustedes, luego de ver esta bella historia que el teatro independiente nos regala.

Pensador Teatral.

Diario de un Loco.

Dramaturgia de Nikolái Gógol. Dirección de Fabián Vena.

Sábados 22 hs en Poncho Club Cultural ( Leopoldo Marechal 1219 )

Era una noche de lluvias y tormenta, que invitaba a quedarse en casa, pero teníamos una cita con el teatro que obviamente no íbamos a romper y vaya si tuvimos recompensa, nosotros y todo el público que llenó la sala de Poncho Club Cultural, porque tuvimos la oportunidad de disfrutar de una estupenda función de Diario de un Loco y de una actuación fantástica de Cristian Thorsen.

Pero vayamos despacio, primero mencionar que Diario de un Loco, es un cuento corto, escrito por el escritor ruso Nikolái Gógol en 1835 y relata la historia de Aksenti Ivanovich, un funcionario de la burocracia rusa, que escribe un diario de lo que sucede en su vida, que puede definirse como rutinaria y bastante aburrida. Trabaja en un un ministerio público, realizando tareas poco significantes, como sacarle punta a las plumas que tiene el director en su despacho.

Pese a ello la percepción de Aksenti, es otra, el considera que su contribución en el trabajo es muy importante. Solo alguien como con él, con sangre noble, podría tener las aptitudes para realizar sus tareas de manera eficiente. Por eso mira con desprecio a los lacayos que trabajan en el ministerio, gente sin modales y sin capacidad para estar allí.

Un día Aksenti comienza a obsesionarse con Sofia, la bella hija del director. Está perdidamente enamorada de ella y piensa erradamente que ese amor es correspondido, pero que ella no se anima a manifestarlo por pudor. En el amor hay que ser paciente y nuestro hombre, buscará la mejor manera de acercarse, para poder concretar ese amor, que en verdad está solo en su cabeza.

De a poco su relato se irá tornando confuso, apareciendo pequeñas señales que algo no anda bien, fechas que no concuerdan, perros que hablan entre ellos y que se mandan cartas. La locura se está asomando en la mente del burócrata y cada vez toma más impulso En el trabajo ya comienzan a verlo como una amenaza, pero alguien de sangre noble como el manifiesta tener, se debe estar curtido para soportar estos contratiempos.

La frustración por el amor no correspondido, causa fuerte impacto en Aksenti, que comienza a despreciar su trabajo rutinario y ya no tiene voluntad de soportar las humillaciones que recibe a diario. La soledad y el desengaño amoroso, parecen ser el golpe de gracia para su mente perturbada, tanto que la locura gana la batalla y se transformará nada menos que el Rey de España.

Pero hasta allí vamos a contar, cuando vean la obra descubrirán la suerte que tendrá el protagonista. El inteligente texto de Gógol, está estructurado en forma de monólogo, para que aparezca la gran figura de la noche, nos referimos por fin a Cristian Thorsen, quien tiene la responsabilidad de llevar adelante esta compleja representación.

A Cristian, lo vimos actuar hace poco en Los Soviets, una comedia con toques fantásticos y ya nos habíamos sorprendido gratamente por su trabajo, pero en esta ocasión, quedamos impactados, por su soberbia composición del burócrata ruso, pasando por todos los registros emocionales y dejando todo en el escenario, con una entrega física descomunal.

Thorsen está solito con su alma en escena, con una escenografía mínima, queda claro, que lo que vale acá es la palabra del actor. Es un disfrute, ver como jugando con diferentes tonos de voz y posturas, irá desdoblando todos los personajes que forman parte de la historia, con una repentización que debemos destacar. Impresiona por su brutal corporalidad, gestualidad y la carga pasional que le imprime a su personaje.

El desafío no era sencillo, el texto es muy exigente y demanda una enorme concentración. Cristian supera el reto con creces, logrando mantener la atención del espectador en todo momento, con un magnetismo que no es fácil de sostener por tanto tiempo. Prueba de ello, es el silencio absoluto con el que el público sigue las acciones. Por nuestro trabajo vemos muchos unipersonales en el año, por eso sin temor a equivocarnos, podemos afirmar que esta actuación de Cristian, se ubica entre las mejores que vimos este año. 

Para semejante lucimiento actoral, un factor que ayuda, es la puesta que presenta la obra, a cargo de Fabian Vena, que es el director de la obra. Con una escenografía desprovista, se deja el foco en la representación y en el discurso. Mención especial debemos otorgar a la bella música original de Pablo Porcelli, que engalana a la obra y juega un papel fundamental en los cambios de actos. Se potencia la influencia de la música por el potente diseño sonoro que tiene la sala.

A propósito, era la primera vez que visitábamos Poncho Club Cultural, nos encantó el escenario alto, que facilita la visión y sus modernas instalaciones. Siempre que concurrimos por primera vez a un espacio teatral, nos sentimos especialmente contentos y en este caso, el recuerdo va a perdurar, porque la obra con la que debutamos nos movilizó mucho.

No queda demasiado para agregar, resaltar la vigencia del texto de Gógol, escrito hace más de un siglo, presentado en esta lucida versión de Mariano Beitia, que nos permitirá viajar hasta la Rusia zarista, para conocer a un hombre atormentado por el sistema y las frustraciones de una vida con pocas emociones, que le abrirán la puerta a la locura.

Recomendamos Diario de un Loco, se van a encontrar con un texto muy interesante, que invita a la reflexión, una puesta potente y atractiva, pero sobre todo podrán disfrutar de la inmensa interpretación de  Cristian Thorsen.  La ovación con la que el público que colmó la sala al final de la función, fue el broche de oro, para la hermosa velada teatral vivida.

Pensador Teatral.

Casandra en la Cocina

Dramaturgia de Federico Picasso. Dirección de Santiago Fondevila y Federico Picasso.

Sábados 18 hs en Nun Teatro ( Juan Ramírez de Velasco 419 )

Un texto entrañable y con mucho encanto, llega de la mano de Casandra en la Cocina, obra escrita por Federico Picasso, que con una dramaturgia muy bien elaborada, nos remonta a nuestra infancia, poniendo el foco en aquellos recuerdos y vivencias, que sin que nos demos cuenta, van a marcar fuertemente rasgos de nuestra personalidad.

La historia se desarrolla en Monte, una pequeña localidad bonaerense, allí viven Emiliano y Nenina, que son hermanos, en la casa donde nacieron, con su madre costurera, que es la única que trabaja en esa casa. Los hermanos parecen detenidos en el tiempo, no trabajan y pasan la mayor parte del tiempo encerrados en la casa, transitando una vida aburrida, con pocos matices.

Pero la tranquilidad de aquel hogar se va a sacudir con la aparición de Casandra, antigua compañera de primaria de Emiliano, que hace años dejó Monte y se fue a la Capital en búsqueda de un futuro. Llega a la casa a buscar unos vestidos que dejó para arreglar, pero su presencia se va a prolongar más de la cuenta, al entablar una particular charla con Nenina, que la mira con admiración.

Casandra es un verdadero torbellino y los recuerdos del pasado no tardarán en llegar. Aparecen cuentas pendientes entre ella y Emiliano. Heridas que pese a los años transcurridos no cicatrizaron y la frase donde hubo fuego cenizas quedan, se aplica perfectamente aquí. Nenina tiene un par de años menos y se siente embelesada por la figura de Casandra, una mujer independiente y tan segura de si misma, que podría escucharla horas y horas. 

El encuentro entre los tres protagonistas de la historia se produce en la cocina de la casa, un ambiente muy especial, ya que allí suceden cosas extrañas. Hay una corriente de aire, que aparece de manera sorpresiva y se escuchan susurros de palabras incomprensibles. Hay alguna presencia ?? Algún fenómeno paranormal habita allí ?? O es la simple imaginación de aquellos hermanos ?? 

Casandra casualmente estudio ciencias ocultas en la Capital y cuando Nenina le cuenta lo que sucede allí hace años, se decidirá a descubrir el misterio, pese a la oposición de Emiliano que no quiere saber nada con las propuestas alocadas de la recién llegada. Y hasta aquí vamos a contar, para mantener el suspenso. Solo diremos que se vivirán divertidos y delirantes, es los que He-Man, She-Ra y Rambo, vaya trilogía, se harán presentes.

Y hablando de trilogías, es momento de hablar de las excelentes actuaciones que presenta la obra, porque sin dudas el texto es muy atractivo, pero como muchas veces decimos, si no se encuentran buenos intérpretes, que lleven adelante la dramaturgia, todo puede naufragar. Bien, es este caso ocurre todo lo contrario, ya que se reunió un muy buen elenco, que se nota muy a gusto en el proyecto y con sus interpretaciones refuerzan el texto.

Arranquemos por José Escobar, a quien elogiamos en tantas reseñas por sus diseños escenográficos. Aquí se pone el traje de actor ( ya lo habíamos visto actuar en El Amor es un Bien ) y lo hace muy bien. Componiendo a un Emiliano, bastante inmaduro, fanático de He-Man y que ahorra en muñecos de colección, en vez de hacerlo por ejemplo en bitcoins o euros, ya que piensa que con el tiempo subirán su valor. Todo un personaje José, absolutamente querible.

Clarisa Balcarce, es Nenina, pese a que ya no es un adolescente, sigue siendo la niña de la casa. Tímida, inocente y al igual que su hermano, con dificultades para vincularse con la gente. Ella no colecciona muñequitos, pero es fanática de los ñoquis, plato que come varias veces por semana. Es la primera vez que vemos a Clarisa y nos encantó su composición de una mujer naif y aniñada, que tiene mucha presencia escénica.

María Zubiri, es Casandra, la protagonista de la historia y tal vez por ello, es quien se lleva los mayores elogios . Resulta un verdadero torbellino, desenvuelta y con un desenfado que le dio sus años viviendo en Capital, está dispuesta a revolucionar la vida tranquila de aquellos hermanos. Con un histrionismo a flor de piel y muy expresiva, es el revulsivo de la historia. Magnífica interpretación de María.

Llega el tiempo de mencionar las virtudes de la puesta, que es original y muy moderna, sumando tecnología y recursos audiovisuales a la trama, con un diseño escenográfico que irá sufriendo algunos cambios a lo largo de la obra. Hay varias sorpresas que irán apareciendo y que no queremos adelantar, para mantener el suspenso, solo vamos a decir que la puesta es  muy bella desde lo estético, siendo una muestra de como muchas veces sin tantos recursos económicos, pero con ingenio, se pueden logar excelentes resultados.

Y hasta aquí contamos, nos enganchamos mucho con la propuesta de Casandra en la Cocina, un texto entrañable, que arranca como una historia mínima, que irá creciendo, con momentos divertidos, otros delirantes y también algo esotérica. Es una historia con la que el público se identifica, que nos interpela a soltar aquellas cargas que llevamos hace años y en nuestro caso, nos invitó a recordar momentos dichosos de la infancia, que ahora tanto anhelamos.

Recomendamos la obra, que con una cubierta lúdica, una puesta distinguida y estupendas actuaciones, tiene la sensibilidad necesaria para llegar al corazón del espectador, invitando a la reflexión y a la emoción, que nos provoca evocar un pasado que suena lejano, donde disfrutábamos siendo niños, viendo dibujitos en la tele. tomado la merienda y jugando con nuestros muñequitos, siendo ese nuestro mágico mundo, en el que éramos felices.

Pensador Teatral.