La Noche se está Muriendo

Dramaturgia y Dirección de Martín Ortíz.

Sábados 20 hs en Teatro El Crisol ( Malabia 611 )

El teatro muchas veces nos permite encuentros imaginarios y mágicos, algo que sucede en este caso con La Noche se está Muriendo, gracias a la creativa dramaturgia de Martín Ortíz, que nos invitará a viajar a la Buenos Aires de 1945, más precisamente al Teatro Avenida, en el momento en que Margarita Xirgu recibe la ovación del público, tras el estreno de La Casa de Bernardo Alba, una de las piezas más reconocidas de Federico García Lorca.

Margarita ingresa emocionada a su camarín y allí de píe, vestido de impecable traje la está esperando el mismísimo Federico para felicitarla. El pequeño gran detalle, es que el poeta granadino había sido asesinado nueve años antes por el franqusimo. Se pueden imaginar la sorpresa de la Xirgu, que no puede creer que su gran amigo esté allí. Su gran actuacíón, sirvió como invocación para que Lorca llegara a ese camarín y gracias a ello podremos disfrutar de este mágico reencuentro.

La gran actriz catalana y el notable poeta granadino, vuelven a estar cara a cara, soñando lo lindo que hubiera sido, que Lorca hubiera podido estar sentado en el teatro aquella noche, pero el fascismo franquista tuvo otos planes. Hay algunos reproches de Margarita, que muestra su pena porque Federico, no se fue de España antes que la barbarie del franquismo lo condenara a muerte por rojo y marica. Pero Federico, está en paz y no vino a recibir sermones, pero si aprovecha para advertir a Margarita, que ella no cometa su mismo error y que no regrese a su tierra, mientras Franco siga en el poder.

Pero el tiempo es escaso y hay que aprovecharlo al máximo, por lo que los amantes del arte, decidirán jugar al teatro, con ellos como protagonistas, actuando fragmentos de las obras más tradicionales de Lorca, como Yerma o Doña Rosita y otras menos representadas como El Público o Así que Pasen Cinco Años. Gran idea y hermosos momentos ver a Federico, actuando sus propias obras.

La dramaturgia tiene la lucidez de incorporar al relato, a personalidades famosas de la época, que estuvieron presentes aquella noche en el Teatro Avenida y que merecerán los comentarios de estos artistas de lujo. Aparecerán en las charlas, Jorge Luis Borges que no admiraba demasiado a Lorca, Lola Membrives rival de Margarita, las hermanas Silvina y Victoria Ocampo, un General llamado Perón que había asistido al estreno con su nueva pareja, una actriz llamada Eva Duarte a la que pocos conocían y más nombres que descubrirán cuando vean la obra. Está inclusión de personajes de época, además de ponernos en contexto histórico, agregan encanto a un relato que además tiene tiempo de advertirnos sobre los riesgos del fascismo, que muchas veces en la historia reaparece con diferentes caras.

Y si hablamos de encanto, tenemos que ir ya, a las enormes actuaciones que nos regala la dupla protagónica conformada por Lorena Szekely y Mario Petrosini, con composición fantásticas.

Arranquemos por Lorena, que tiene el gran desafío de representar a la gran actriz catalana y vaya que lo resuelve en gran forma. Sabe como darle el brillo y el glamour al gran personaje que tiene a cargo. La habíamos elogiado mucho, el año pasado por su trabajo en Pajarita, aquí vuelve a mostrar que es una actriz con grandes recursos, en continuo crecimiento y ratifica lo mencionado con este gran trabajo. Nos encantó lo de Lorena.

Y que decir de Mario Petrosini, simplemente la rompe como Federico, con una presencia escénica impactante. Su composición es realmente descomunal. Estamos en presencia de unos de esos trabajos imperdibles, que como público se disfruta muchísimo. La manera de caminar, el tono de voz, sus gestos, todo es preciso y munucioso. Por este trabajo, Mario recibió el Premio Luisa Vehil, como mejor actor y luego de ver la obra, no tenemos dudas que llegarán más premios este año.

Pero más allá de los destacados trabajos individuales, queremos resaltar la química de la dupla protagónica que con enorme pasión abrazan a sus personajes y permiten que la exquisita dramaturgia de Ortiz pueda volar, porque como nos gusta decir, podemos tener un excelente texto, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados, todo puede naufragar. Aquí ocurre todo lo contrario, las excelentes interpretaciones y el compromiso que muestran ambos actores, potencian este gran texto.

La puesta resulta muy atractiva y se logra una atmósfera de intimidad, favorecida por las reducidas dimensiones de la sala. Para destacar el vestuario de época que agrega belleza a las caracterizaciones y el diseño escénico del coqueto camarín cargado de detalles, con esos vestidos que cuelgan de los percheros, ambos rubros responsabilidad de Jorgelina Herrera Pons. Otro punto a resaltar, es el diseño lumínico de Eduardo Safigueroa, a tono con la puesta intimista que dá marco al relato.

No queda mucho más para agregar, La Noche se está Muriendo es una estupenda propuesta del teatro independiente y el público está dando cuenta de ello, ya que está transitando su segunda temporada en cartel y lo hace siempre con localidades agotadas, algo que habla de la calidad de la pieza, que consigue este logro,  gracias al boca a boca, potente arma con la que cuenta el teatro independiente.

Por ello, solo nos queda recomendar esta hermosa obra que nos permitirá ser testigos de un encuentro pleno de emociones y poesía entre dos enormes artistas que dejaron su huella y que gracias a la magia del teatro, la esplendida dramaturgia de Martín Ortiz y actuaciones fantásticas, nos permitirán disfrutarán de un momento teatral exquisito, de esos que no debemos dejar pasar.

Pensador Teatral.

Locas

Texto de José Pascual Abellán. Adaptación y Dirección de Gladys Villanueva.

Viernes 20 hs en La Tertulia ( Gallo 826 )

Una estupenda adaptación de Gladys Villanueva del texto de José Pascual Abellán, llega de la mano de Locas, una obra que con una trama ágil y divertida, que nos hablará de la problemática de la salud mental, sin golpes bajos, con un enorme respeto, buscando derribar prejuicios y logrando transmitir un mensaje tan importante como necesario, en un tema donde muchas veces por desinformación y otras por desinterés, no actuamos como sociedad de la manera correcta.

Las acciones se desarrollarán en la sala de espera de un consultorio de salud mental, allí se encontrarán dos mujeres que no se conocen y algo obligadas entablarán un diálogo, donde vislumbrarán aspectos de su vida. mientras aguardan que el doctor las llame. Las mujeres muestran personalidades opuestas y una de ellas, con un carácter muy fuerte, hará alarde del importante puesto de dirección que detenta en la Empresa donde trabaja, donde tiene a cargo mucha gente y de ella dependen decisiones estratégicas de la compañía. Durante la espera, llamará varias veces a uno de sus colaboradores indicando que está demorada y que no va a  poder llegar a tiempo a la reunión que tienen esa día, dando la indicación que arranquen sin ella. El puesto que tiene no le deja tiempo para nada y se muestra orgullosa de eso.

La otra mujer es lo opuesto, ama de casa y muy triste con la vida que lleva. Ella misma manifiesta que está algo loca y que tiene que tomar pastillas cuando se siente muy mal. Su relato genera compasión, ya que se la nota muy deprimida y con muy pocas ganas de vivir. Ejemplo de ello es que muchas veces prefiere demorar el momento de irse a dormir, ya que luego de ello se deberá levantar al otro día, algo que la entristece mucho, ya que no le encuentra ningún sentido a la vida rutinaria que lleva, en la que se siente sola, a pesar de tener familia.

Y hasta allí vamos a contar, porque el suspenso es un ingrediente importante del relato, solo vamos a decir que a medida que transcurre el tiempo de espera, los diálogos entre ambas mujeres irán ganando en profundidad y en emotividad, mientras la paciencia por la demora en recibir la atención del doctor va en aumento. Y hasta allí vamos a contar y para saber como terminará aquella consulta, deberán ver la obra.

Momento de hablar de las muy buenas actuaciones que presenta la obra y a nosotros en particular nos encantó la composición de Gladys Villanueva, por su gestualidad, tono de voz y la interpretación en general, cargada de sensibilidad. En un momento cuando pareció quedarse dormida, hasta nos pareció que se había cambiado el personaje. Hermoso el trabajo de Gladys.

Pero no queremos ser injustos con Adriana Tascon, que a lo mejor parece lucir menos, porque tiene a su cargo un personaje menos querible que el de Glady. Pero también está muy acertada en su papel, que a medida que avanza la trama, irá mostrando un cambio. Muy buenos los trabajos individuales de ambas actrices y potenciando el texto en el conjunto.

La puesta es minimalista y aséptica, predominando el color blanco en la sala de espera. Son mínimos los recursos necesarios, para acompañar el relato. El peso aquí lo tiene la palabra, los diálogos entre ambas mujeres, no siendo necesarios elementos adiciona, para atraer la atención del espectador.

Y hasta allí vamos a contar, queremos resaltar lo valioso de propuestas como la de Locas, que permiten que el teatro independiente, funcione como un vehículo para crear conciencia y dejar un mensaje comprometido, en este caso respecto de la problemática de la salud mental, un tema al que lamentablemente muchas personas no prestan la debida atención, porque no tienen un caso en la familia y entonces minimizan la cuestión o simplemente ignoran la problemática.

Eso desde el punto de vista de la sociedad, la obra logra dar visibilidad al tema, para concientizar y además buscar una mirada más humana por parte de las personas que supuestamente no están directamente involucradas con la cuestión, para que dejen de lado los prejuicios y tengan una mirada mas empática. Y por otro lado, la pieza interpela al Estado respecto de la necesidad de una ley de salud mental que asista de manera efectiva, a tantas pacientes que lo necesitan.

Por todo lo mencionado, recomendamos vean Locas, una propuesta sensible, que juega con el humor y la ironía, para hablar sobre un tema, que muchos prefieren esconder bajo la alfombra, pero que es necesario atender y lo logra, de la mano de un texto inteligente y actuaciones muy logradas, para que el mensaje llegue al corazón del espectador y cuando esto sucede el teatro cumple su objetivo.

Pensador Teatral.

Muriel Desaparece

Dramaturgia de Francisco Lumerman. Dirección de Nina Spinetta.

Miércoles 20 30 hs en Espacio Callejón ( Humahuaca 3759 )

Se presenta por primera vez en la cartelera porteña, esta obra escrita por Francisco Lumerman, autor de El Amor es un Bien y El Rio en Mi, por mencionar solo dos de sus textos más reconocidos. Se estrenó en Lima en el 2015, con muy buen suceso y pasados ocho años, Francisco le ofrece la obra a su amiga Nina Spinetta, sabiendo que sería apropiada para ella.

Muriel Desaparece es una tragicomedia que nos hablará de amores y de culpas, mostrando como muchas veces podemos perder la cabeza por amor, sin tener en cuentas las consecuencias. Y al mismo tiempo grafica como la culpa puede aparecer en nuestra mente como una llama titilante, que siempre se las arregla para iluminar los rincones ocultos de nuestra conciencia, recordando nuestros errores y la necesidad de pagar por ellos.

La obra nos mostrará a Gala ( Nina Spinetta ), una famosa conductora de la TV, que no está atravesando un buen momento personal, luego del accidente automovilístico que protagonizó, cuando manejaba en una ruta solitaria y arrolló en una curva a una mujer que se le apareció de manera sorpresiva. Las circunstancias de la colisión fueron muy extrañas, en primer lugar porque la mujer estaba inmóvil en medio del camino, sin saber porque y Gala por su parte tiene el vago recuerdo, que en ese momento, en vez de frenar puso el pie en el acelerador.

En el accidente, falleció aquella chica que supo se llamaba Muriel, en el juicio que le estaba haciendo la familia. Con los que le contamos, seguro piensan que es normal que Gala no esté en su mejor momento. Pero nos les contamos algo revelador y el hilo central de la historia. A que nos referimos ?? Que el fantasma de Muriel ( Noe Antúnez ), aparecerá en la casa de Gala, pidiendo explicaciones de lo que sucedió aquella fatídica noche, siendo una presencia muy perturbadora.

Gala piensa que ha enloquecido y trata de evitar aquella aparición tomando pastillas y llamando a su psiquiatra, pero ninguna de esas acciones resulta exitosa, porque Muriel sigue apareciendo. Pero las cosas se complicarán más, cuando Hernán ( Francisco González Gil ) su actual pareja y Lili ( Coké Diaz Armas ) su abogada también verán a Muriel, confirmando que el fantasma efectivamente está allí y tiene muchas ganas de hablar.

Una de las virtudes que tiene el texto es como va cambiando de cambiando su carácter, arranca con un tono sobrenatural, tiene momentos muy graciosos y termina a pura emoción, pero no queremos adelantarles más, para que se sorprendan cuando vean la obra. Recomendamos que estén muy atentos, porque la obra parece que tomará una dirección, pero en medio del camino dará una giro y todo cambiará, pero cumplimos nuestra palabra y hasta allí contamos.

Momento de hablar de las actuaciones que presenta la obra, arrancando por Nina Spinetta, la protagonista de la historia, que está en crisis por el accidente que protagonizó, pero también por razones personales que tenía antes del mismo. Es la primera vez que vemos a Nina en escena y nos sorprendió muy gratamente por su frescura, belleza y desenfado, resolviendo muy bien el protagónico, con mucha presencia escénica.

Noe Antúnez como Muriel, es para nosotros la revelación de la noche. Nos gustó mucho su actuación, logrando un personaje tan querible, como divertido. Francisco González Gil, compone a un Hernán bastante calavera. A Francisco lo elogiamos varias veces ya en este sitio, y vuelve a confirmar  que tiene muchos recursos para la comedia. Cierra el elenco, Coké Díaz Armas, como Lili, amiga y abogada de Gala, llevando adelante personaje que guarda un secreto pesado. Muy buen trabajo de Coke.

Se reunió un elenco joven, con destacados trabajos individuales y con mucha química en el conjunto, algo que agrega valor a una historia que por momentos resulta algo desopilante, pero que consigue atrapar al público, en un comienzo por el toque sobrenatural que tiene el relato, pero luego por tener una temática que resulta cercana y renocible.

En definitiva, Muriel Desaparece resulta una propuesta muy fresca, que nos interrogará, sobre cuanto puede afectarnos un desengaño amoroso y como cada persona puede reaccionar ante esa situación. siendo negadores en algunos casos o quedando en trance en otros, con consecuencias tan graves, como difíciles de revertir.

Es una buena idea acercarnos al Espacio Callejón, para reencontrarnos con la dramaturgia de Lumerman, que siempre resulta interesante, presentando en este caso una entretenida historia de amores fallidos y personajes atravesados por el dolor y la culpa, que lucharán por seguir adelante, sin importar si están en la Tierra o en el más allá.

Pensador Teatral.

Off Man

Dramaturgia de Iván Cerdán Bermudez. Direccion de Fernando García Valle.

Sábados 20 hs en Itaca Complejo Teatral ( Humahuaca 4027 ) 

La cartelera porteña tiene una riqueza en las propuestas, que nunca deja de sorprendernos, siendo Off Man, Los Últimos Días de Philip Seymour Hoffman una clara muestra de ello, ya que nos presenta un unipersonal muy logrado, que se centrará en las últimas horas del reconocido actor, llevándonos a aquellos momentos en que se acercaba al abismo, en la soledad de su hogar y sin que nadie pudiera tenderle una mano, para evitar la caída.

Por si algún lector no tiene claro a quien nos estamos refiriendo, les contamos que Philip Seymour Hoffman fue un destacado actor estadounidense, ganador del premio Oscar en el 2005, por su actuación en Capote. Se destacó por su versatilidad y talento en una gran gama de roles en el cine y el teatro. Hoffman fue ampliamente elogiado por su talento actoral y la dedicación a su oficio, siendo considerado uno de los mejores actores su generación. Su trágico final sucedió, cuando solo tenía 46 años y lo encontraron muerto en su apartamento de New York, por una sobredosis de heroína.

Yendo ya a la obra, la dramaturgia con mucha pericia, nos llevará a la intimidad del actor, tratando de descifrar que pensamientos habrán pasado por su mente en aquellos fatídicos últimos días, cuando sucedió la tragedia que su entorno familiar más cercano, ya había vaticinado, pero también repasando momentos felices de su vida.  Philip inició su historial con la adicción al alcohol y a las drogas cuando tenía solo 20 años. Con la ayuda profesional y su paso por Alcohólicos Anónimos estuvo 25 años sobrio, pero lamentablemente volvió a caer en las redes de las adicciones y ya no pudo escapar.

La dramaturgia de manera honesta y sin golpes bajos, muestra el enorme poder de daño que tienen las adicciones y como una persona exitosa en su profesión, con millones de dólares en el banco, tres hijos y todo para ser feliz, puedo no serlo, hasta el extremo de no encontrarle un sentido a la vida.  Se deja en claro que las adicciones afectan a personas de diferentes orígenes, incluyendo a quienes tienen éxito profesional, recursos económicos y niveles educativos altos, ejemplificando la complejidad del tema.

Momento de hablar de Yoska Lazaro, el protagonista de este unipersonal, que realiza una composición fantástica de Philip Seymour Hoffman, manejando con maestría los tiempos del relato, administrando sus emociones y silencios, metiéndose en la piel del personaje con seriedad y sin golpes bajos, con una enorme sensibilidad y humanidad. Impactando además de todo lo mencionado por su gran presencia escénica.

Yoska, es un actor y dramaturgo de una impresionante formación, nacido en España y viviendo en nuestro país hace más de veinte años. Para este papel, realizó un gran trabajo de investigación, estudiando la vida del actor y su personalidad, esto se nota en la manera en que refleja su gestualidad y movimientos, en la descomunal caracterización que realiza. Un verdadero lujo poder disfrutar de este trabajo de Yoska, con el plus que otorga la sala de Itaca, que nos permite estar bien cerca del protagonista y no perder ninguno de sus gestos, algo que resulta impagable, en trabajos tan minuciosos como este.

Queremos dejar un párrafo para Fernando Dominguez, que aparecerá en varias oportunidades en escena, asistiendo en vivo a Yoska, siendo muy acertadas sus intervenciones. La puesta de Fernando García Valle tiene varios aspectos para destacar, el principal es lograr darle al relato una atmósfera íntima y cercana, acorde con el texto. Para ello colaboran el diseño lumínico de Paula Fraga y el diseño de arte de Lula Rojo. Y nos gustó también, la manera en que se iban cortando las diferentes escenas, para transitar entre el pasado y el presente.

La propuesta realmente es valiosa, ya que muestra con crudeza los laberintos que tiene la mente humana y lo difícil que es poder superar las adicciones. En el caso de Philip, el luchó permanentemente para recuperarse y no caer, porque quería estar bien para sus hijos, pero lamentablemente no lo logró, pese a que era consciente del problema y tenía intenciones de superarlo. Además el relato grafica, como muchas veces solo conocemos una cara de las personas, la que muestra en público y parece de absoluta felicidad, pero no imaginamos que muchas veces hay una cara oculta, que solo se revela en la intimidad y en algunos casos esconden un infierno.

Solo queda invitarlos a Itaca, para emprender este viaje, que nos permitirá adentrarnos en la humanidad de este gran actor, de la mano de un texto honesto y sensible, una puesta íntima y una actuación fenomenal de Yoska Lázaro, ya que además de disfrutar de un momento teatral exquisito, podremos reflexionar, acerca de lo peligroso que puede ser caer en las adicciones, ya que la mayoría de las veces se pierde el control de la propia vida y las consecuencias son nefastas.

Pensador Teatral.

EXP El Expediente

Dramaturgia y Dirección de Emilse Diaz.

Viernes 20 hs en No Avestruz Espacio de Cultura ( Humboldt 1857 )

Una propuesta original que nos interpela como sociedad es la que nos presenta EXP El Expediente, obra escrita por Emilse Diaz, que nos hablará del funcionamiento de la justicia, poniendo el foco en la burocracia y en el cumplimiento de procedimientos arcaicos, que se sostienen en el tiempo dentro del ámbito judicial, pese al avance de la tecnología, que acá parece tener prohibido su ingreso.

Es interesante conocer que la autora, tuvo siempre muy empapada en los temas de la cocina judicial, ya que sus padres eran abogados y de niña los acompañaba en algunas visitas al edificio de Tribunales y luego ya de grande se graduó en la Facultad de Derecho de la UBA. Indudablemente haber sido testigo en primera persona de muchas situaciones que no le cerraban la impulsó a escribir este texto, algo que decidió recién en 2019, cuando se distanció del mundo judicial y puso su foco en el teatro.

Fue así como Emilse solicitó una beca Creación del Fondo Nacional de las Artes, iniciando una investigación a partir de la estructura de un expediente real, sobre tentativa de homicidio. Partiendo desde allí, la autora trabajó con una dramaturgia que no se enfocaría solamente en la palabra, sino también mostrando el espacio físico donde se construye el expediente y en las relaciones que se gestan entre los actores que intervienen, que la mayoría de las veces se convierten en autómatas, a los que solo les interesa, seguir un procedimiento lleno de pasos burocráticos, sin reparar en que detrás de cada proceso hay personas y mucho menos en que su objetivo final, es hacer justicia.

Vayamos finalmente a la trama, donde tendremos a dos personajes que serán los encargados de llevar adelante el expediente judicial, por un lado tenemos al escribiente que es quien conduce el proceso, siendo el burócrata de turno, además de ser el nexo con la jueza. Lo acompaña una mujer, que cumple la función ujier, una especie de auxiliar multifunción, que realiza diversas tareas varias en el juzgado, la mayoria de ellas secundarias, pero que no pueden dejar de realizarse.

El espacio escénico estará lleno de caja con carpetas y papeles que se desparramarán por el escritorios, ávidos de recibir los sellos de los funcionarios.  En el caso que nos convoca, tendremos a un ciudadano que tuvo un incidente vial con un policía, siendo acusado falsamente por este de haberle disparado cuando intentaba huir, siendo detenido con la grave acusación de tentativa de homicido, pese a que el acusado gritaba a los cuatro vientos que no tenia ningún arma y la acusación era absolutamente falsa.

A lo largo del relato, veremos muchas situaciones de un proceso real, la instrucción, la recolección de pruebas, la intervención del fiscal, del abogado defensor, la declaración del acusado y la aparición de los testigos, todo esto tratado con seriedad, pero envuelto en un aire del absurdo y la ironía, que envuelve todo el proceso, algo que puede entenderse en este caso al ser ficción, pero que por las risas nerviosas del público, queda claro que tienen muchísimas coincidencias con la realidad diaria que se vive en los despachos judiciales.

Las actuaciones que presenta la obra son muy destacables. Arranquemos por Julián Vilar, que estuvo involucrado desde el comienzo del proyecto, colaborando con la autora en el proceso de investigación previo. Aquí en la obra es compone a dos personajes, en primer lugar al escribiente judicial, el fiel servidor del proceso, que de manera casi robótica, irá cumpliendo cada paso del expediente. Un personaje tan reconocible, como desopilante. Además representará al acusado, que será exhibido como si fuera una cosa durante el proceso y se lo escuchará muy poco, mostrando la nula humanidad de la diligencia judicial. Muy bueno el trabajo de Julián.

Florencia Danza, es la ujier, la que transporta las cajas y distribuye el papelerío. Es una especie de reaseguro del funcionamiento de toda la maquinaria burocrática. Es muy destacable su gestualidad y la expresividad que muestra, ya que a su personaje le hace falta hablar muy poco, para cumplir su trabajo. Nos gustó mucho su composición, en un personaje que no era sencillo. Y es muy buena la interacción entre ambos protagonistas, que además de lucirse en lo individual, se potencian juntos, teniendo algunas momentos muy divertidos, como el brindis que no queremos adelantar, para no quitar sorpresa.

La puesta  tiene varios elementos interesantes que agregan valor a la trama. El principal tal vez sea, el aporte audovisual y sonoro que tiene la trama, que presenta algunas imágenes y varios testimonios en off, grabados por actores y actrices que son la voz de las diferentes partes qie intervienen a lo largo del proceso.  expediente. Otros ítems a destacar son el diseño de luces de David Seiras y el diseño del espacio escénico de Damián Ledesma Becerra, ambos colaboran con esa atmósfera de carácter aséptico que la trama pide.

No queda mucho mas para agregar, EXP El Expediente, es una original propuesta del teatro independiente, que bucea en el interior del mundo judicial, mostrando lo absurdo y lo arcaíco que resulta en la actualidad la instrucción de la justicia, con mecanismos y actores preocupados por cumplir al pie de la letra procesos engorrosos y burocráticos, que no reparan en las personas que sufren procesos largos, muchas veces son injustos y cargados de arbitrariedades.

Por todo lo mencionado, los invitamos a la sala del No Avestruz, para que sean testigos privilegiados de un proceso judicial, recorriendo todas sus instancias, desde la instrucción hasta la sentencia, de la mano de la aguda dramaturgia de Emilse Díaz, que gracias a una puesta atractiva y muy buenas actuaciones de la dupla protagónica, nos interpelará para que reflexionemos sobre una institución judicial que parece detenida en el tiempo, envuelta en los laberintos de una burocracia, que en vez de acercarnos a la justicia, nos aleja de ella, mientras nosotros como sociedad, hacemos poco y nada para cambiar esta realidad.

Pensador Teatral.

Proyecto Frankenstein

Adaptación de Luciano Mansur de la novela de Mary Shelley .  Dirección: Román Lamas.

Miércoles 20 hs en Centro Cultural de la Cooperación ( Av. Corrientes 1543 )

Existieron muchas versiones de Frankenstein, la célebre novela escrita en 1816 por la novelista y dramaturga inglesa Mary Shelley, donde narraba la historia de un joven estudiante de medicina, obsesionado por conocer los secretos del cielo y la tierra, que tuvo la idea de crear la vida en materia inanimada por técnicas artificiales, creando un cuerpo a partir de la unión de distintas parte de cadáveres diseccionados. 

La novela fue traducida a más de cincuenta idiomas y lógicamente tuvo muchas versiones, pero creemos que muy pocas, tuvieron la originalidad de la puesta que se presenta actualmente en el escenario del Centro Cultural de la Cooperación, ya que la misma es una adaptación para teatro de títeres de adultos, género desconocido para el gran público, pero que tiene una potencia y una creatividad que invita a que la conozcamos.

El autor e intérprete de la obra es Luciano Mansur, realizando una tarea titánica en este unipersonal, que en realidad no lo es tanto, ya que si bien técnicamente veremos en escena a uno solo actor de carne y hueso, el mismo dará vida a varios personajes más, ya que será quien manipule y le dé la voz a los títeres y objetos que presenta la historia, ya entraremos más en detalle con ello más adelante.

La historia nos mostrará como el Dr.Frankenstein se presenta ante San La Muerte, para pedir su ayuda. Necesita que le dé el aliento de vida, para la criatura que ha creado.. La tarea no será sencilla, pero el santo finalmente accederá a las plegarias de aquel hombre y le entregará un objeto con el que, siguiendo sis instrucciones, podrá dar vida a la criatura.

Y el milagro finalmente se producirá y el monstruo nacerá, pero impresionado por su espantosa apariencia lo abandonará en pleno campo dejándolo librado a su suerte. La criatura es rechazada por las personas, que huyen cuando lo ven, su dificultad para comprender un mundo que le resulta desconocido dificulta mucho su adaptación. La soledad lo abruma, tiene la necesidad de encontrar a su creador, para saber algo más de su identidad y conocer cuál es su propósito en este mundo.

Quienes conocen la historia, saben que sucederá cuando finalmente la criatura sin nombre encuentre a su creador, pero muchos pueden no recordarlo, no vamos a contar más. Además como dijimos esta adaptación es muy particular, ya que las acciones se sitúan en nuestro litoral, pudiendo dar fé de ello por un chamamé que se oíra en algún momento de un relato que tiene mucho de lúdico y se permite momentos logrados de humor. Pero no queremos adelantar más de la historia, para que ustedes se sorprendan como lo hicimos nosotros, ya que la obra tiene muchas sorpresas preparadas.

Pero volvamos a la composición de Luciano Mansur, porque es realmente descomunal y merece destacarse, ya que lleva adelante la doble interpretación simultanea de manera permanente , actuando por ejemplo en las escenas con el santo y con la criatura, siendo los dos personajes, dialogando y luchando con ellos, algo realmente complejo y que puede lograr gracias a su talento, la ventriluoquia y un manejo admirable de los títeres, que para quienes no conocemos de la materia, se ven como muñecos.

Es dífícil describir todo lo que hace Luciano en escena, tienen que verlo, ya que se van a sorprender muchísimo, por la calidad de su trabajo. Es importante mencionar que por este trabajo, recibió el Premio Nacional Javier Villafañe 2022, que reconoce lo mejor del teatro de títeres y objetos, en la categoría Mejor Intérprete. Y les podemos asegurar luego de ver su trabajo, que el galardón es totalmente merecido. A lo largo del relato las risas y exclamaciones del público que sigue de manera hipnótica su performance, ratificarán lo dicho.

La puesta es atrapante, los espectadores se enganchan desde al arranque con la propuesta que resulta tan original como fascinante. Párrafo muy especial para Román Lamas, el director de Proyecto Frankenstein, que nos deleitó hace un par de semanas, actuando en Cabecita de Papel Maché, como un artista de variedades junto a su muñeca Lucy. Aquí sin aparecer en escena, tendrá una participación clave, ya que Román, miembro del Grupo de Tiriteros del Teatro San Martín, es encargado del diseño y la realización de los títeres que aparen en la obra, que a nuestro entender son verdaderas obras de arte, una tarea artesanal para el aplauso.

Y párrafo especial en esta puesta, para el impecable diseño lumínico de Malena Miramontes Boim, que aporta belleza a la puesta y contribuye a esa atmósfera de oscuridad, que pide la historia. Remarcar que por este rubro, Malena obtuvo también el Premio Javier Villafañe.

Ya no queda más que agregar, nuestro reconocimiento al Centro Cultural de la Cooperación, por brindar su espacio, para dar difusión a un género como el de los títeres, que muchas asocian con los niños, pero que viendo obras como esta, vemos que esto no es así y que se puede adaptar un clásico con la célebre novela de Mary Shelley para teatro de títeres de adultos, con excelentes resultados.

Los invitamos a que descubran este mundo fascinante de los títeres y objetos, porque seguramente se van a enamorar del mismo. Además tendrán la posibilidad de observar el talento y la pasión de Luciano Mansur y Román Lamas, que muestran su dedicación y amor por el teatro independiente, trayendo a este Frankenstein con acento litoraleño, que lejos de parecer una criatura que asusta, resulta ser un monstruo tierno, al que nos gustaría abrazar.

Pensador Teatral.-

La Suerte de la Fea

Dramaturgia de Mauricio Kartun. Dirección de Paula Ransenberg.

Domingos 18 hs en Timbre 4 ( México 3554 )

Una historia minuciosa y llena de detalles es la nos presenta el talentoso Mauricio Kartun, con La Suerte de la Fea, texto escrito en 2016 y que 7 años después se sigue presentando con excelente respuesta del público, que se siente atraído por un relato que atrapa y que nos lleva a un mundo que si bien de esa forma ya no existe, perdura en otras presentaciones y seguramente por ello es que mantiene tanta vigencia.

Kartun nos propone viajar hacia la Buenos Aires de 1920, donde era común que en los bares hubiera bellas mujeres que ejecutaban alguna pieza musical, para una platea integrada exclusivamente por hombres, que iban a beber y a disfrutar el espectáculo. En estas orquestas de señoritas, había un gran secreto. Las mujeres bellas y sensuales del escenario eran simuladoras, las que verdaderamente tocaban los instrumentos eran las que estaban el el foso, sin que nadie las viera.

Y lógicamente quienes iban al foso, recibían una paga mucho menor por el trabajo. Los hombres llegaban al bar, para ver a las bellas figurantes, ellas eran las caras bonitas por las que la clientela pagaba. La protagonista de nuestra historia como puedan imaginar forma parte del bando de las feas, de las que tienen que ir al foso, para hacer su trabajo, mientras eran otras quienes se lleven los laureles y las miradas.

Su monólogo dará cuenta del desprecio y del mal trato que sufrirá de parte de Ferrandiz, el empresario dueño del bar, que parece gozar su ubicación en las profundidades. No queda otra que resignarse y tocar la viola, el instrumento en el que se destaca, mientras mujeres sin otro mérito que su belleza, hagan mímicas torpes en el escenario, para regocijo de la platea masculina.

Pero toda cambiará con la llegada de Yolanda, una figurante diferente a las demás, dueña de una sensualidad irresistible, que revolucionará aquel lugar. Al poco tiempo el resto de las figurantes, se quedarán sin trabajo, Yolanda será el centro exclusivo de la atención, generando con sus movimientos una suerte de ceremonia orgásmica colectiva que se repitiría todas las noches. 

Nuestra heroína formará una dupla increíble con Yolanda, el rumor se empezó a correr por la ciudad y todas las noches el bar se llenaba de hombres jadeantes, que iban a ver a Yolanda y a escucharla a ella, porque era su música la que provocaba el terremoto, es cierto que inspirada en los corcoveos de aquella figuranta, pero eran sus melodías. Cuando la salud de la figuranta comenzó a decaer, se le ocurrió un  plan que podía cambiar su triste presente. Era una idea tan ambiciosa, como arriesgada. Para saber si el plan finalmente funcionó o no, deberán ver la obra.

Momento de hablar de Luciana Dulitzky, la gran protagonista de la noche, que ofrece una composición estupenda. Transitará el exigente unipersonal, con intensidad y generando los diferentes matices que tendrá el relato. Seremos testigos de su catarsis y la bronca acumulada por tanto desprecio del empresario, esperando el momento adecuado para la venganza. Luciana maneja los tiempos del relato con maestría y juega mucho con lo corporal, siendo esto importante porque el relato tiene algunos pasajes eróticos, en los que se luce.

Pero Luciana, no está sola en escena, la acompaña Federico Berthet, músico en vivo, que aportará bellas melodías con su violín, complementando el relato de Luciana, siendo un eco de la viola que la protagonista toca en su historia, dándose una muy buena combinación entre la música y el cuerpo de la artista. Un aporte importante el de Federico, dotando de belleza a la puesta y colaborando para enaltecer la interpretación de Luciana.

La puesta de Paula Ransenberg es minimalista y efectiva, con un dispositivo escénico muy interesante a cargo de Alejandro Mateo que cobija a la protagonista en una especie de palco, con cortinados rojos, una silla  y un bello gramófono. El diseño lumínico de Fernanda Balcells colabora con el clima confesional que tiene el relato y lo dicho en cuanto a la música, presente en el texto y también en la puesta.

En definitiva, creemos que la Suerte de la Fea, es un formidable cuento de Kartun, que relata una ficción totalmente verosímil que pudo haber ocurrido hace 100 años en Buenos Aires, pero que mantiene vigencia hoy, ya que pese a que los derechos de las mujeres crecieron mucho desde esa época, aún la sociedad impone cánones de belleza inalcanzables para muchas mujeres, que ven por televisión, cuerpos esculturales ganados en base a horas de gimnasio en algunos casos y en otros a constantes cirugías.

Por ello la obra invita a reflexionar, sobre como muchas veces la sociedad, en vez de premiar el talento o conocimiento de una persona, pone el foco en lo físico, en las apariencias, siendo más beneficioso tener una cara bonita o un cuerpo escultural que estudiar, teniendo esto como consecuencia, que la persona que no es reconocida por sus méritos, llevará por dentro una frustración que la perseguirá por largo tiempo.

Solo queda recomendar este melodrama, escrito por Kartun, que a estas alturas, ya se ha convertido en un clásico del teatro independiente, por las virtudes del texto, la dirección de Paula y principalmente de la gran composición de Luciana, que pone el alma y el cuerpo al servicio de su personaje. Por eso, solo restan que vayan al Timbre 4, para comprobar si es verdad, aquel ese mito que reza, que la suerte de las feas, las bonitas la desea.

Pensador Teatral.