Samurái Punk

Dramaturgia y Dirección de Santiago Pedrero.

Jueves 20 30 hs en Teatro El Extranjero ( Valentín Gómez 3380 ) 

Una propuesta fresca y descontracturada, llega de la mano de Samurái Punk, opera prima de Santiago Pedrero, que navega con habilidad entre lo teatral y lo cinematográfico, para ofrecernos esta comedia con toques absurdos y poéticos, que mostrarán las peripecias que pueden ocurrir cuando quiere se quiere filmar una película independiente.

El texto de Santiago, que tiene mucho de autobiográfico, fue concebido en plena pandemia, en momentos donde la mayoría de las actividades se habían detenido y escribir tal vez era una de las pocas cosas que se podían seguir realizando con normalidad. El autor tomando algunas situaciones que le ocurrieron hace un par de años, diseñó esta historia, que resume muchas circunstancias que le tocó vivir, cuando quiso producir una película.

La historia que nos plantea Samurai Punk, es sencilla y directa. En ella se muestra a un director que hace lo imposible para cubrir las deudas que se van acumulando y obtener los recursos necesarios que le permitan terminar una película que se comenzó a filmar hace cuatro años y que debido al tiempo transcurrido corre serio riesgos de quedar inconclusa, como tantas otras.

El director además de sus ganas, cuenta con una amiga que además es la actriz de la película. Ella está tan comprometida como él, en terminar la película. Para conseguirlo, tienen un plan que no puede fallar. Deben viajar a Mar del Plata, yendo al encuentro de un reconocido actor, al que le ofrecerán una participación especial en el film. Se jugarán todo en aquel encuentro crucial, de la aceptación de aquel exitoso actor, depende que lleguen los fondos necesarios y que la película, luego de tantos contratiempos, finalmente pueda terminar su rodaje.

Y hasta allí vamos a comentar, para descubrir el porque del llamativo título que tiene la pieza y más que nada saber, si aquel viaje a La Feliz tuvo un final idem, deberán ver a obra y conocer a los entrañables personajes que nos presenta.

Es momento de hablar ya de la dupla protagónica, que es la encargada de llevar adelante el relato, algo fundamental como siempre decimos, porque muchas veces puede escribirse un relato interesante, pero si luego no se encuentran los intérpretes adecuados para llevarlo a escena, todo puede naufragar.

En este caso, nada de ello ocurrió, cuando el autor escribió el texto, enseguida se imaginó a los protagonistas de la misma y la elección fue muy acertada. Es muy buena la actuación de Emiliano Carrazzone , representando a ese autor y director que nos resulta reconocible, que luchará contra viento y marea, para lograr que su película llegue a ser una realidad. Y más aún, nos sedujo la interpretación de Lucila Casalis, como esa actriz que lucha por su sueño y el del amigo. Compone un personaje sensible y nos regala un exquisito momento teatral su monólogo, del que no vamos a dar detalles para no quitar sorpresas, que seguro disfrutarán. Nos gustó mucho el trabajo de Lucila.

La dupla protagónica muestra mucha química en el escenario y se muestra identificada con la historia agregando mucho valor al texto. En cuanto a la puesta, destacar su concepción artesanal, con una escenografía que es modificada por lo propios actores y una pantalla con tela arrugada, en donde se proyectan las imágenes que son parte importante del relato, todo en sintonía con esa atmósfera donde todo, está hecho a pulmón.

En definitiva, se logra ensamblar una historia que con mucho humor, pone el foco en el amor y la dedicación que los artistas deben tener para dar a conocer su arte, en este caso seria terminar de filmar una película, pero el relato tiene muchos puntos en contacto con el teatro independiente, donde todos sabemos cuanto sacrificio demanda montar una obra.

Por todo lo mencionado, valoramos la propuesta de esta opera prima de Santiago Pedrero, que fusiona el género cinematográfico con el teatral, de la mano de dos estupendas actuaciones, que sirven como faro para resaltar lo movilizante que puede resultar la pasión que le imprimimos a aquellas cosas que amamos. Pasiones que nos ayudan a superar todos los obstáculos que aparecen en el camino, en la búsqueda de cumplir nuestros sueños, algo que un mundo tan mercantilista, además de tener romanticismo, resulta un soplo de aire fresco.

Pensador Teatral.

Olvídame

Sobre libro de Marco Antonio de la Parra. Adaptación y Dirección de Darío Dukáh.

Sábados 20 30 hs en El Método Kairos ( El Salvador 4530 )

Seguimos en este arranque del 2022, con esta racha de obras que tienen muchos puntos para destacar y que nos gustan mucho, en esta ocasión nos llegamos al Kairos, para ver Olvídame, adaptación libre de Darío Dukáh, sobre texto del chileno Marco Antonio de la Parra. La pieza transita su segunda temporada, ahora en nueva casa, luego de un año con muy buena repercusión de público y críticas.

De entrada digamos que Olvídame es una historia de amores prohibido, de encuentros clandestinos, de amantes que construyen una relación paralela, de esas que arrancan tímidas y que con el correr del tiempo, se va agigantando, tomando dimensiones que ponen en peligro a la relación oficial.

El relato nos presenta a Juan y Ana, que se citan en un bar, luego de mucho tiempo sin verse. Fueron amantes por años, corría fuego cada vez que se encontraban, se amaron mucho, pero en un momento aquella relación prohibida, se cortó de manera abrupta, dejando heridas en ambos, que aún con los años pasaron no han cicatrizado.

No vamos a contar detalles de lo que ocurrió en aquel bar, para mantener el suspenso, pero si diremos que pese al tiempo transcurrido,  ninguno pudo olvidarse del otro. Tuvieron una relación fogosa, el sexo entre ellos funcionaba muy bien, se amaron con pasión y juntos vivieron uno de esos amores, que no pueden olvidarse, como reza la letra del bolero que suena de fondo en varios pasajes de la obra.

Uno de los méritos más importantes de la obra, es que la misma es atemporal y si bien la protagonizan Juan y Ana, la podrían llevar adelante cualquier pareja de amantes. El espectador se identifica con las situaciones que ocurren en escena y cuentan los protagonistas, que resultan cercanos y queribles, llegando con mucha crudeza y realismo al público.

Otro punto a destacar es que el texto no busca juzgar, ni determinar que es políticamente correcto y que no, prefiere poner el foco en la pasión y la intensidad del vínculo amoroso, sacando a relucir los pensamientos internos de aquellos seres sufrientes, que quieren mostrarse fuertes con el exterior, simulando que pueden estar bien sin el otro, que pudieron seguir adelante , aunque la triste realidad, es que no hubo día desde que rompieron, que no pensaron en el otro. Pero cumplimos con la promesa y hasta allí vamos a contar, para dejar que el espectador descubra más cuando vean la obra.

Llega el momento de hablar de las actuaciones que presenta Olvídame, que realmente son para resaltar. Una pareja con mucha química, es la compuesta por Dario Dukáh y Tania Marioni, que abren sus corazones, con una sensibilidad a flor de piel, que el espectador y el texto agradece. Darío además de ser uno de los protagonistas, es quien adaptó la historia del autor chileno y además es el director. Parte fundamental del proyecto, se lo nota muy suelto y creíble en escena. Felicitaciones para Darío.

Y que decir de Tania Marioni, que con mucha presencia escénica, compone a una Ana pasional, que hace lo imposible por esconder el dolor que la atraviesa y su corazón roto. A Tania recordamos haberla elogiado en anteriores trabajos y es una actriz con enorme potencial.  Aquí se vuelve a destacar, dándole a su personaje, el toque de sensualidad e intensidad que el mismo requiere, con una riqueza gestual que agrega mucho valor a su interpretación. Nos encanto el trabajo de Tania y la pareja que formó con Darío en escena.

Ya elogiamos el texto, las actuaciones, pero aún no hablamos de la puesta, que es otro de los puntos  altos que presenta la obra, que juega mucho con lo cinematográfico, con escenas en vivo de lo que ocurre en el escenario, que se reproducen en primer plano en una pantalla en el fondo del escenario. Otro ingenioso recurso es una cámara en el espejo del baño del bar, que hará las veces de una especie de confesionario, de aquellos sentimientos más profundos, que habitan en el interior de estos amantes y que no se atreven a revelar. Es realmente original y lograda la puesta, con un alto grado de creatividad, que le agrega mucho valor a la propuesta.

No queda mucho más para contar, Olvídame es una historia de amores prohibidos que cautiva, pasiones ocultas, alegrías que se esconden y dolor que se lleva en silencio. El relato es una muy buena muestra de las diferentes caras que tiene el amor y de lo difícil que puede resultar comportarse de manera racional, cuando el corazón y la pasión mandan.

Nos gustó mucho a obra y por eso la recomendamos. Se van a encontrar con un texto que engancha desde el arranque, invitando al espectador a ser testigo de la historia de amor de Ana y Juan, que resulta peligrosamente cercana y reconocible. Una historia de esos amores que nunca podrán olvidarse, de amantes impunes, que sin darse cuenta buscan su castigo.

Pensador Teatral.

Olvidate del Matadero

Dramaturgia de Pablo Finamore y Claudio Martínez Bel. Dirección de Claudio Martínez Bel.

Viernes 20 30 hs en Teatro del Pueblo ( Lavalle 3636 )

El teatro en algunas ocasiones nos sorprende con textos originales y muy inteligentes que renuevan nuestro amor por este arte y Olvidate del Matadero, es uno de esos casos. Con una dramaturgia exquisita y una interpretación fantástica, este unipersonal está estructurado para que el espectador se enganche de entrada, con un relato, que a medida que pasan los minutos crece en interés y efervescencia, convirtiéndose en una historia entrañable.

A modo de introducción, contemos que la obra está basada en El Matadero, texto de Esteban Echevarría, escrito entre 1838 y 1840, pero publicado veinte años después de la muerte del autor, siendo considerado el primer cuento argentino y de lectura casi obligatoria en todas las escuelas secundarias. En medio de la pandemia, Pablo Finamore se encontró con aquel libro y luego de leerlo, notó en aquella prosa, una demonización del otro bando, que no le resultó agradable y encendió sus ganas de hacer algo con aquel texto.

Y ese fue el germen de la obra, Finamore le envió una primera idea del proyecto a Claudio Martínez Bel, proponiéndole además que sea su director y este a su vez, acercó el monólogo a Mauricio Kartun, que con toda su experiencia, aceptó convertirse en el supervisor del texto. Y con este triángulo virtuoso , se alumbró este unipersonal, que tuvo más de cuarenta versiones, hasta llegar a la versión definitiva, que actualmente se presenta en la sala principal del Teatro del Pueblo.

La obra con gran pericia, se atreve a interpelar el cuento de Echeverría, lo pone en duda y lo hace con un enfoque inteligente, ya que no se coloca en la vereda de enfrente para hacerlo. Quien lo hará es Misky, un opa, un débil mental, el hijo de la criada de Echeverría, que en una casa llena de libros, encontrará un manuscrito de El Matadero, lo leera y recibirá la seria advertencia del autor, que lo obliga a olvidarse del texto que leyó. Pero no será tan fácil para Misky, que si bien puede tratar de olvidarse lo que leído, no vá a poder olvidarse de sus recuerdos. 

Decimos esto, porque él estuvo presente aquel día en el matadero y fue testigo de una historia, que difiere de la contada en aquel texto que encontró. O eso cree. Porque a Misky le cuesta entender las cosas, el lee sin parar todo aquello que llega a sus manos, pero la mayoría de las cosas no las entiende, solo las lee y las recuerda. Por eso, que sea un opa, quien interpele la historia oficial, tiene mucho mérito, ya que no tiene un espíritu crítico desde lo político. Con ingenuidad y simpleza, contará los hechos que recuerda y luego el público sacará sus conclusiones. Y hasta allí vamos a contar para no develar más, de una historia, que está contada en forma excelente y de a poco irá mostrando las cartas.

El relato tiene un cadencia y un ritmo que envuelven al espectador, casi de manera hipnótica. Esto sucede gracias a la genial interpretación de Pablo Finamore. Un actor de raza, que abraza con pasión al proyecto y al personaje de Misky, un loco lindo de esos que todos los pueblos tienen, con pocas luces y querido por todos. Con una composición precisa, Pablo nos llevará a la Buenos Aires de 1840, época en que la ciudad era una gran aldea y el lechero pasaba por las casas toda las mañanas.

La interpretación de Finamore cautiva a la platea, le pone el cuerpo a ese personaje que habla con su dedo ensangrentado y que habla con su mamá que ya no está presente, pero que lo sigue guiando desde el cielo. Misky está leyendo papelitos sueltos que saca de sus bolsillos, imitando el ruido de las vacas, chanchos, caballos, los pájaros y de todos aquellos personajes que desfilaron aquella mañana en el matadero, contando con detalles y una poética lograda, con los recuerdos que perduran en su mente. Genial actuación de Pablo, a quien vimos por primera vez, hace más de diez años en Salvaje, un unipersonal donde nos sorprendió con una actuación para el recuerdo. Muchos años después nos vuelve a deslumbrar con otra interpretación exquisita.

La puesta que presenta la pieza, es minimalista, solo acompañan al protagonista en el escenario, una escultura escenográfica, ideada por Adriana Estol, que cumple diversas funciones. El vestuario de época también es de Adriana. Ambos rubros se destacan, al igual que la iluminación de Agnese Lozupone, aportando lo necesario, para que relato se luzca.

No queda demasiado para agregar, solo volver a resaltar y valorar la idea, de este tipo de dramaturgias , que se animan a salir de lo convencional, de aquellos clásicos y  textos ya representados muchas veces, para apostar con una idea nueva, que sin dudas requiere mucho trabajo, pero que el resultado bien vale  el esfuerzo, ya que se presenta una historia muy rica, que además de repasar un hecho histórico, invita a que el espectador reflexione, sobre como muchas veces verdades que parecen incontrastables, pueden no serlo tanto.

Recomendamos vean Olvidate del Matadero, se encontrarán con un relato atrapante que los invitará a viajar a la vida cotidiana de la Buenos Aires del 1800, donde la rivalidad política del momento era entre federales y unitarios. La historia tiene mucho humor, referencias históricas muy interesantes y todas ellas contadas por un actor del calibre de Pablo Finamore, que merece verse y que al final de la función recibe los aplausos emocionados de un público feliz por haber disfrutado de una gran noche de teatro independiente.

Pensador Teatral.

La Razón Blindada

Dramaturgia de Arístides Vargas. Dirección de Florencia Suárez Bignoli.

Jueves 20 30 hs en El Tinglado ( Mario Bravo 948 )

Un texto profundo, pleno de creatividad y poesía nos ofrece la dramaturgia de Arístides Vargas, autor argentino nacido en Córdoba, que debió exiliarse a Ecuador en 1975 escapando de la dictadura militar. Considerado uno de los dramaturgos más importantes de América Latina, cuenta con una extensa trayectoria como autor y director,  pudiendo señalar que gran parte de su producción teatral está influenciada por ese exilio, algo que se nota en muchas de sus piezas, en las que habla de la soledad y la nostalgia, pero siempre dejando un espacio generoso para el humor en sus propuestas.

En el caso de La Razón Blindada, para escribirla se inspiró en su hermano Chicho que estuvo preso en el penal de Rawson en la última dictadura militar, donde sufrió graves torturas. En la obra, veremos a Panza y De la Mancha, dos detenidos que todos los domingos se encontrarán en el patio del penal, para crear un mundo de ficción que les permita escapar al menos con a mente de aquella prisión tan espantosa.

No queremos adelantar mucho de aquel universo imaginario, que crearán en cada uno de sus encuentros, pero si podemos contarles que se recrearán alguna de las travesías por la llanura de Don Quijote de la Mancha junto a su fiel escudero Sancho Panza, apareciendo también su caballo Rocinante y su perro Toribio, todos personajes que participarán de la trama. Aquellos relatos, tendrán un alto grado de creatividad y de delirio, esto puede comprobarse si les contamos que una de aquellas aventuras, esos personajes nacidos en la pluma de Cervantes, terminarán en un país caribeño, al que intentarán gobernar

La trama pese al contexto dramático en el que se desarrolla, tiene mucho humor y genera repetidas risas en las plateas, pese a que las acciones de aquellos hombres, se desarrollan tratando de evitar las miradas alertas de los guardias que custodian cada uno de sus pasos. El mensaje que transmite la obra es esperanzador, volar con la imaginación, en algunas oportunidades, pueden servir para escaparnos del mismísimo infierno y disfrutar de una libertad, que aunque sea ficticia, puede engañar a nuestro cerebro.

Como mencionamos antes, el espectador a lo largo de la trama, podrá disfrutar de una gran cantidad de personajes, pese a que son solo dos los actores, gracias a la imaginación de aquellos compañeros de prisión y del fantástico trabajo actoral que realizan Daniel Begino y Maite Velo, una dupla protagónica, que se entrega por completo y se saca chispas en el escenario, con composiciones estupendas.

Resulta un verdadero placer, observar los trabajos de Daniel y Maite, que recorren los registros actorales más diversos, pasando por momentos de profunda emoción, otros de humor y muchos de delirio puro. La trama tiene un componente lúdico en el que ambos protagonistas se muestran muy a gusto. Se disfruta mucho ver, como se entregan al texto y a la puesta que propone la directora, sin ningún temor por el ridículo y sacando todo el jugo al oficio del actor. Excelentes las composiciones de ambos, siendo tan parejas por lo buenas, que nos cuesta decir quien nos gustó más, ya que las dos interpretaciones son soberbias y se potencian entre sí.

Yendo a la puesta que presenta la adaptación de Florencia Suárez Bignoli, nos resultó muy atractiva y dinámica, con un dispositivo escénico sobre ruedas, con mucho movimiento y una escenografía, donde el color blanco que resalta y esos zapatos que adornan el escenario. Una muestra que con ingenio, no hace falta grandes recursos económicos para montar una puesta efectiva.

No queda mucho más para agregar, La Razón Blindada es una pieza que emociona, divierte e invita a la reflexión del espectador, sobre diversos tópicos, pero sobre todo acerca de la libertad. Es bueno saber,  como muchas veces con la ayuda de la mente, podemos sentirnos libres, pese a estar encerrados y ampliando en pensamiento, como muchas personas, que tienen todo servido para ser libres y disfrutar de la vida, terminan presos de la estrechez de sus pensamientos y de la rutina.

Nos gustó mucho la obra, por la profundidad de su mensaje, por una puesta que entretiene al espectador en todo momento y principalmente por las excelentes interpretaciones de Daniel Begino y Maite Velo, que se abrazan al texto con pasión y nos regalan actuaciones exquisitas, que fueron recompensadas al final de la función, por aplausos generosos y prolongados, de un público que disfrutó de una noche en libertad de puro teatro independiente.

Pensador Teatral.

La Desgracia

Idea Original: Juan Martín Delgado y Mariano Condolucci. Dirección Musical: Francisco Martínez Castro. Dirección General de Juan Martín Delgado.

Viernes 20 30 hs en Paseo La Plaza ( Av. Corrientes 1660 )

Un arranque teatral inmejorable tuvimos, al haber elegido a La Desgracia como nuestra primera obra del 2022. Este musical, al que podemos considerar de culto a estas alturas,  transita su quinta temporada en cartel, lejos  muy lejos ya de aquel comienzo como obra corta de teatro musical, en el trabajo de tesis en el último año de estudio de Juan Martín Delgado y Mariano Condolucci, proyecto al que luego se sumó Francisco Martínez Castro, a cargo de la dirección musical.

La obra fue creciendo año tras año, convirtiéndose en uno de los fenómenos del off, llenando la sala del Galpón de Guevara en cada función, en base al boca a boca y llegando este año al circuito comercial, un salto que muy pocas piezas consiguen, siendo el mérito aún mayor, por tratarse de un musical, un género muy exigente. Como frutilla del postre mencionar, que La Desgracia cuenta con varios reconocimientos de la crítica especializada, como por ejemplo trece nominaciones a los premios Hugo, cuatro nominaciones de los Trinidad Guevara, obteniendo además el Premio Luisa Vehil, como mejor espectáculo musical, en una cosecha de galardones, que intuimos lejos está de haberse agotado.

Con semejante carta de presentación y antecedentes, llegamos a la bella Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza y al sentarnos en la butaca, notamos ya una energía muy particular del público, en su mayoría gente joven, que parecía estar asistiendo a una celebración, a un culto, donde la alegría y la diversión eran los invitados principales.

La historia es tan simple, como atractiva. En una ciudad pequeña y conservadora, llamada Terranova, llega una enfermedad mortal, que se transmite por la relaciones sexuales, a la que llaman La Desgracia y que de momento no tiene cura conocida. La obra fue escrita en 2017, pero indudablemente tiene algo de premonitoria, ya que a nosotros y creemos que a cualquiera que vea la obra, creará en su mente una automática asociación, con el covid que llegó desde Oriente de forma misteriosa y pronto se transformó en pandemia, que tampoco tenía cura o vacuna en esos comienzos.

Pero dejemos atrás nuestras asociaciones mentales y pongamos en foco en esta misteriosa enfermedad de transmisión sexual, que sospechosamente apareció en este pueblito en el que todos se conocen, siendo la hija de la intendenta su primera víctima y con un doctor, el único del público, que será el gran protagonista de la historia, por varios motivos, entre ellos por ser ser quien anuncie haber encontrado la cura a la enfermedad, poco antes de aparecer muerto en su consultorio.

No vamos a contar demasiado de la trama, para mantener el suspenso, si podemos decir que este musical altamente creativo y muy irreverente, jugará hábilmente con la ironía y la sátíra, para desnudar  las mentiras de los políticos y de los poderes feudales, que en pagos pequeños, todo controlan. La manipulación de la religión, el rol de las instituciones de salud y sus integrantes, todo ello en pequeñas dosis, ya que el humor es el que reina, aparecen en este musical desopilante y muy entretenido, que engancha al espectador desde un comienzo y lo mantiene en su butaca riendo y disfrutando de los logrados momentos musicales, que lleva adelante un elenco joven, que derrocha energía y talento.

Hablando del elenco precisamente, mencionar que son más de diez los actores en escena, algo más acorde al teatro comercial, que al circuito off. Jóvenes talentos y sabedores que deben dar lo mejor de si, para aprovechar la gran vidriera que resulta este tipo de propuestas que abren puertas, al tener tan buena recepción en la platea.

Vamos a mencionar las actuaciones, que tienen puntos realmente muy altos. En una elección complicada, ya que los trabajos son excelentes, a nuestro entender Andrea Lovera realiza la mejor composición, siendo una intendenta poderosa, con todas las mañas del poder, combinadas con una madre que no puede criar como le gustaría a su hija adolescente. Gran trabajo el de Andrea. Mariel Percossi, como su hija Anita no se queda atrás, con frescura y mucho ángel construye muy bien un personaje que genera mucha empatía.

Pato Witis, con gran presencia escénica es el doctor, personaje clave de la historia y a la altura del protagónico, con un trabajo muy sólido. En la función, a la que asistimos nosotros, el papel de Nora, la enfermera, lo llevó adelante Nahuel Adhami y nunca hubiéramos sospechado, que el suyo fuera un reemplazo, ya que lo resolvió de manera estupenda, siendo unos de los personajes más festejados por la platea.

Párrafo especial, para dos interpretaciones, que desde personajes con menos minutos en escena, lograron destacarse mucho. Nos referimos a Georgina Tirotta, interpretando a una Samantha, plena de energía y con mucho ímpetu, que se entrega por completo, resultando una verdadera revelación. Nos encantó su trabajo. Otro personaje delicioso, es el que compone Ramiro Gelvez, como un sacerdote absolutamente irreverente y no apto para religiosos, que nos hizo reír mucho.

Como mencionamos anteriormente, son más de diez actores en escena, todos logran tener momentos para destacarse y saben como aprovecharlo, ya que se siente una energía muy arriba en todo el elenco, que se nota están totalmente identificados con el proyecto y eso agrega mucho valor a sus trabajos y a la puesta en general.

Hablando de la puesta, es realmente meritoria, con la música original de Francisco Martínez Castro como estandarte y los músico en vivo, que resultan fundamentales para la potencia que logra la puesta. Destacar también las coreografías a cargo de Juan Martín Delgado, que es un verdadero hombre orquesta en este proyecto, con varios rubros a cargo. Muy bueno el diseño lumínico de Matías Pagliocca. Sol Castañeda en el diseño de vestuario y Adrián Llamosas en maquillaje, aportan lo suyo, ya que no es sencillo caracterizar a un elenco tan grande. Nos gustó mucho la puesta, que logra superar el reto de presentar la obra en el Paseo La Plaza.

Bien, creo que hemos comentado mucho ya, la dramaturgia que juega de manera hábil con los saltos temporales, para un relato que no es lineal en el tiempo y tiene muchas sorpresas y misterios reservados para los espectadores y no vamos a ser nosotros los que revelemos aquellos oscuros secretos que tiene la historia y esta misteriosa enfermedad que llegó sin aviso previo. 

Solo queda recomendar La Desgracia, un musical potente y joven, que sigue creciendo de mano del boca a boca, como lo hizo desde sus orígenes, teniendo como base firme, una dramaturgia ingeniosa y artesanalmente elaborada, momentos musicales muy logrados y un elenco talentoso, que se entrega por completo, para regalarle a los espectadores, una noche teatral y musical, que resulta una verdadera fiesta.

Pensador Teatral.

Julius

Autoría: Rubén Pagura. Dirección: Luis Gianneo.

En el cierre de la temporada teatral de este año y con pocas referencias previas, nos encontramos con esta verdadera perlita del teatro independiente, autoría de Rubén Pagura e inspirada en el libro Reportaje al Pie de la Horca, publicado en 1945, siendo una recopilación de textos escritos por Julius Fucik, durante su estancia en la prisión de Pankrác, libro que ha cobrado una enorme relevancia y fue traducido a más de noventa idiomas.

Contemos para quien no conoce su historia, que Julius Fucik, fue un escritor y periodista checoslovaco, miembro activo del Partido Comunista, además crítico literario y teatral, redactor de las publicaciones comunistas Rude Pravo y Tvorba, en las que insertó reportajes sobre temas sociales y culturales. Mientras participaba de manera clandestina en la resistencia contra la ocupación nazista alemana en Prega, fue tomado prisionero por la Gestapo y alojado en la prisión de Pankrác.

La obra que nos convoca precisamente trata aquel duro momento de la vida de Fucik, relatando como es sorprendido en una reunión clandestina, donde es detenido por los nazis y trasladado a prisión, donde recibió feroces castigos y torturas. Veremos a un Julius fuerte de mente y convicciones, que a pesar de los vejámenes y golpes recibidos, nunca de quebró, mantuvo su dignidad y no delató a sus compañeros, que seguían resistiendo la ocupación en las calles. Sin, dudas fue un gran ejemplo de resistencia e integridad.

En el tiempo que estuvo en prisión, siempre trató de levantar la moral de sus compañeros detenidos, pese a que conocía cual sería su triste final. En el cautiverio supo ganarse el reconocimiento de los otros prisioneros y hasta de los mismos guardias del presidio. Uno de ellos, llamado Adolf Kolinsky, de origen checo, sabiendo quien era, le acercó papel y lápiz, para que pudiera escribir acerca de las duras condiciones de detención  y de las torturas que ocurrían en las cárceles nazis en los países ocupados, convirtiéndose Reportaje al Pie de la Horca, su libro póstumo, en un testimonio de primera mano del horror nazi.

Y hasta allí vamos a contar de la historia de del periodista detenido, llega ya el momento de hablar de Luis Gianneo, el gran protagonista de la noche teatral en el Belisario, ya que es el encargado de llevar adelante este unipersonal, interpretando de manera brillante a Julius, sabiendo mostrar todo su dolor físico y mental, por los golpes, la tortura y el sufrimiento por no poder volver a ver a su esposa, también detenida allí.

Pero pronto hay que aclarar que Luis no solo representa a Fucik, sino que será el responsable de desdoblar a todos los personajes que aparecen en la historia, recreando de manera fantástica diálogos con sus compañeros de prisión, con los guardias y con los jerarcas nazis, siendo el único en el escenario, pero componiendo con maestría los diferentes personajes. Realmente para admirar su performance, cambiando las voces en segundos, diferentes posturas,  distintas maneras de caminar, etc . Un trabajo soberbio y conmovedor el de Luis, mostrando sus enormes condiciones actorales y se nota que hubo varios meses de ensayos sobre el lomo, para poder responder de la mejor forma, a la gran exigencia que tiene la obra, al estar estructurada como unipersonal.

Si alguien piensa que exageramos con nuestros elogios, les aseguramos que cuando vean la obra, van a coincidir con nosotros y hasta agregar virtudes. La tarea de Luis, resalta más aún, ya que la puesta que presenta la obra es absolutamente despojada, solo hay en el escenario una silla y una tela blanca. Sin otros elementos Gianneo, solito con su alma y su palabra, abraza al personaje con pasión y nos regala una gran interpretación, que debemos ubicar entre las mejores que vimos en la temporada ( y vimos casi cien obras este año )

No queda mucho más para agregar, como dato interesante, para quien no lo sepa y como una manera de realzar aún más la relevancia que tuvo este gran hombre, mencionar que el 8 de Septiembre se celebra en todo el mundo, el Día Internacional del Periodista, para conmemorar el fallecimiento de Julius Fucik, asesinado por los nazis un 8 de Septiembre de 1943.

En conclusión, disfrutamos de una estupenda noche de teatro, con esta obra fuerte y conmovedora, que resulta un sentido homenaje a Fucik, gran ejemplo de lucha y dignidad. Además celebramos que lleguen a la cartelera teatral propuestas de este tipo , que se encargan de recordar momentos muy tristes de la historia de la humanidad, que las sociedades nunca deberían olvidar. El aplauso emocionado con que el público reconoce la labor del artista al final de la función, es el broche de oro justo, para esta gran cita que el teatro independiente nos propone.

Pensador Teatral.

Imprenteros

Dramaturgia y Dirección de Lorena Vega.

Teníamos muchas ganas de ver Imprenteros, obra que nació en el 2018, en el marco del Proyecto Familia impulsado por el Centro Cultural Ricardo Rojas. Lorena Vega participó del mismo y escribió una obra que hablaba de su familia, pensado que tendría un recorrido total de cuatro funciones. Pero como sucede muchas veces, se sabe como empieza un proyecto, pero no como termina.

Imprenteros tuvo un gran recepción del público y empezó a crecer, pasando pronto al Timbre 4, con muy buen suceso, para arribar luego al circuito comercial. La obra sigue creciendo, ya lleva cuatro años en cartel y más de diez mil espectadores que la vieron, siendo a esta altura, uno de esos fenómenos que cada tanto se dan en la cartelera porteña, algo que pudimos comprobar en la función especial a la que concurrimos, con un Teatro Picadero, lleno a tope y con el cartelito de localidades agotadas, algo muy difícil de conseguir en un teatro con gran aforo como este.

Digamos de entrada que la obra tiene un formato no convencional, donde Lorena Vega, la autora y directora de obra, funciona como presentadora, de su propia historia familiar. Micrófono en mano, nos hablara la de la imprenta en Lomas del Mirador, que manejaba Alfredo su padre ya fallecido, segunda generación de gráficos y como ella, junto a sus hermanos se criaron entre máquinas, tintas y rollos de papel. Pero tristemente, la segunda familia que tuvo su padre, decidió cambiar las cerraduras del querido taller y ella miembro de la primera familia, luego de la desaparición física de su padre,  nunca más pudo volver a ese sitio, tan caro a sus sentimientos.

El relato parece que se centrará en la imprenta y la profesión, pero hubo un hecho que marcó la adolescencia de Lorena y al mismo tiempo la relación que ella construyó con su padre. En ocasión de su cumpleaños de quince y gracias al aporte de una tía del lado materno que vivía en el exterior y aportó  el dinero necesario, pudo organizar una fiesta de quince. Lógicamente le pidió al padre, que le hiciera las invitaciones en el taller familiar, pero el padre se negó, indicando que sus máquinas no podían hacer ese trabajo, algo que era una obvio mentira, que Lorena no creyó.

Debido a este desplante, tomó una decisión extrema, no invitar a su padre a la fiesta, decisión que le traería algunos problemas, el más inmediato, era quien la sacaría a bailar el vals y hasta allí vamos a contar, para no spoilear más. Solo diremos que con mucho amor, la protagonista nos hablará de la relación que tuvieron los hermanos Vega con la imprenta familiar y con la profesión del gráfico, que tiene tanto de artesanal. Además, a lo largo del relato, quedará expuesta la relación que tuvo con su padre, que tuvo muchos conflictos y altibajos.

La estructura de la obra, tiene como eje central el relato de Lorena, que de manera calma y aséptica, irá reconstruyendo su pasado, valiéndose de fotos familiares, videos ( hay testimonios fílmico de aquel cumple de 15 ), entrevistas grabadas y además se recrearán en vivo algunas escenas importantes en la vida de los Vega, valiéndose para ello, de un grupo de actores, todos conocidos de Valeria y con muy buena trayectoria en el off, que aceptaron el original desafío, de representarla a ella misma, al padre, la madre y a otras personas que participaron de esos momentos importantes.

La obra sorprende por su dinámica particular y atrapa el público en todo momento, ya que además de sentirse atraídos por la historia que se cuenta, ven muchos puntos de coincidencia con sus vidas y sus propias relaciones familiares. Se genera una empatía, que resulta fundamental para el éxito de la propuesta. Es momento de hablar ya, de las interpretaciones que presenta la obra, ya que hay perlitas, que merecen ser comentadas.

De entrada destacar, el gran manejo de los tiempos que realiza Lorena Vega, el alma de este proyecto y a quien tanto elogiamos por su genial interpretación de la esposa de Juan Manuel de Rosas, en el unipersonal Yo, Encarnación Ezcurra, Aquí conducirá de estupenda forma, el biodrama en que se animará a hablar de su propia historia familiar.

Y a nuestro entender es alguien de la familia, quien se constituye en la gran revelación de la obra, nos referimos a Sergio Vega, uno de sus hermanos, el del medio, que pese a no ser actor, decidió salir al escenario para ser parte del proyecto de su hermana. Gráfico de profesión, hoy es un experto en la materia y sigue trabajando en el rubro,  ya que luego de dejar la imprenta familiar, cansado de discutir con su padre porque no quería modernizar el negocio, además de que trabaja gratis, decidió continuar con el oficio, fuera del círculo familiar. 

Es un placer descubrir la pasión que tiene Sergio por la profesión, el enorme conocimiento que tiene y la alegría con la que se presta a los desafíos que le propone su hermana, como explicar desde cero como funciona alguna máquina, imitar los ruidos que hacen y hasta adivinar al gramaje / composición de alguna pieza que el público le acerque de manera azarosa al escenario. El público queda admirado por el conocimiento y el amor que siente por su oficio y debido a la fluidez con que se desenvuelve, al espectador le cuesta creer que realmente sea el hermano de Lorena y un actor. Estupendo lo de Sergio, a quien desde aquí felicitamos.

Del lado de los actores, tenemos a Julieta Brito ( que hace de Lorena de chica ), Juan Pablo Garaventa ( como el padre ) , Vanesa Maja ( la madre ) y Christian García ( en roles varios ). Todos ellos son actores reconocidos del off  y convocados por tener algún lazo afectivo con Lorena Se los nota contentos en escena, disfrutando de ser parte de este proyecto, sin tener problemas en tener un rol secundario y agregando todos mucho valor a la historia.

Y cumplimos con nuestra palabra y paramos de contar. Imprenteros resulta un excelente exponente del teatro documental, una historia familiar llevada al teatro, que nos muestra la pasión por un oficio, que se trasmite de padre a hijo y que se mantiene a lo largo de los años y las diferentes generaciones. Además de ello, la valentía de exponer en público, un vínculo familiar, para nada ideal, con un padre con muchas carencias y puntos criticables, pero que pese a todo lo negativo, supo transmitir un sentimiento de pertenencia por un oficio, tiene mucho de artesanal y corporal.

Disfrutamos mucho la obra y nos fuimos felices de haber podido asistir a esta verdadera ceremonia teatral, que tuvo lugar en un Teatro Picadero colmado por un público, que se identificó y emocionó con esta historia familiar de los Vega. Solo los aplausos del público pudieron al final de la función, pudieron tapar el ruido de las máquinas de la imprenta , acompañados por el penetrante olor a tinta y a salamines, que esta entrañable historia de vida nos regala.

Pensador Teatral.